Ansible, vistas de la instalación.
Galería Maisterravalbuena.

Fotogramas de Una historia nunca
contada desde abajo
.

Fotogramas de Una historia nunca
contada desde abajo
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Ansible, vistas de la instalación.
Galería Maisterravalbuena.

Estas dos berlinesas de adopción se aliaron por primera vez para la última película estrenada de la malagueña, Una historia nunca contada desde abajo, que pivota sobre uno de los casos más insólitos en la historia de las tecnologías de la comunicación: el proyecto Cybersyn en el Chile de Salvador Allende. La cosa entre ellas hizo clic y dio lugar a una colaboración que está resultando de lo más fructífera. Compartimos charla y vino para hablar de ello.
El encuentro: [Regina de Miguel] “Una sorpresa. No nos conocíamos personalmente ni tampoco nuestros respectivos trabajos. Fue la periodista y escritora Lucía Lijtmaer, guionista de Una historia nunca contada desde abajo*, quien sugirió el nombre de Lucrecia para la parte sonora del proyecto. En ese momento solo contábamos con un fragmento de guión, se lo envié, y ella me mandó una prueba que me fascinó. Aún no había nada rodado, no había financiación ni ningún contexto creado más que las ganas de trabajar juntas”.
El proceso: [Lucrecia Dalt] “Yo hasta entonces nunca había colaborado con otra disciplina. Siempre había sido con músicos para proyectos concretos. Desde hacía tiempo sentía la necesidad de relacionarme más con el mundo audiovisual. De hecho, mis últimos discos pretendían eso: invadir el espacio con imágenes y ofrecer posibilidades, a modo de band mate que está ahí y te dice por dónde seguir. Para mí es muy interesante ver hasta dónde llegan mis límites y los de la otra persona. [RdeM] Nos lo pasamos muy bien. Para mí significa desacrilizar y quitarle solemnidad al lenguaje; ese lenguaje científico oculto o de la alta cultura, y darle un nuevo tono, que es justamente lo que ella le otorga. [LD] Estudié ingeniería civil y de alguna manera ahora he podido traer todo ese conocimiento y hacerlo funcionar en este nuevo contexto. Cosas que había hecho en el pasado y que sentía muy alejadas de mí han vuelto a cobrar un sentido: hacer una canción que habla de las bacterias o de vidas en condiciones extremas me predispone a trabajar de otra manera. Es muy diferente sentarse a componer una canción de la nada, que hacerlo con un guión, una lluvia de ideas, artículos por leer… Es muy enriquecedor”.
Los límites: [RdeM] “Dependiendo de la naturaleza de cada proyecto, la colaboración se desarrolla de una manera distinta. Puede haber proyectos donde la autoría sea mía y Lucrecia aparezca como responsable de la banda sonora, como ocurre en Una historia nunca contada desde abajo; sin embargo, también tenemos proyectos donde la autoría es compartida, como en We are a plot device, una pieza sonora para la radio del Reina Sofía a la que le añadimos una prótesis tecnológica y formal diseñada por las dos para una exposición en La Capella de Sant Roc, comisariada por Marina Vives, que se inauguró el 15 de octubre. También en octubre presentamos Aura Nera** en Arts Santa Mònica, en Barcelona, comisariada por Oriol Fontdevila, para la que generamos una pieza sonora con textos míos y las voces de Lucrecia y la performer Ania Nowak. [LD] Con nuestra colaboración siento que he sido capaz de expandir los límites. Antes me sentía de alguna manera encasillada en el mundo musical y, de repente, por primera vez sentí que todo adquiría sentido”.
La voz femenina: [RdeM] “Las voces de mis personajes, todos femeninos, robóticos, maquínicos y de naturaleza un tanto incierta, son una evolución de la voz de Lucrecia. Su voz vino a encajar en un contexto teórico en el que yo venía trabajando como base conceptual y poética: la figura de un personaje femenino que funciona como un arquetipo, que recorre todos los tiempos de la historia, que está en los mitos primigenios, pero que también se vislumbra en las utopías científicas y tecnológicas”.
Por venir: [RdeM] “Estamos trabajando juntas en la banda sonora de la película que rodé en la Isla Decepción, Antártida, el pasado enero, donde quiero que Lucrecia tenga una participación importante en el montaje de la película. Además, tenemos en mente organizar una plataforma de reflexión y creación sobre los procesos y los temas que abarcamos”.
 
* Una Historia nunca contada desde abajo puede verse en la Fundación BBVA de Madrid hasta el 20 de noviembre de 2016.
** Aura Nera puede visitarse en Arts Santa Mònica, Barcelona, hasta el 8 de enero de 2017.
Woman: “Es cierto que el nombre no corresponde a ninguno de los temas del álbum, pero nos gustaba porque es fuerte y poderoso. El concepto de una mujer ya representa esos elementos para nosotros, en parte porque las mujeres tienen la capacidad de crear vida. Así que pensamos que era el nombre perfecto para lo que queríamos hacer”.
Debut con ’Safe And Sound’: “Estábamos en la fiesta de nuestro sello [Ed Banger] en el pasado Sónar y preguntamos si podíamos tocar el nuevo tema. No atendía a ninguna estrategia de marketing ni a ningún motivo en particular, simplemente sucedió así”.
Protagonismo bajo: “Es curioso que remarques la presencia del bajo en Woman. La primera vez que tuvimos una reunión con nuestra discográfica nos dijeron que lo más claro de nuestra identidad era precisamente este instrumento. Puede ser que en este disco esté más presente o se escuche más claro, pero siempre ha formado parte de nuestro estilo y de la música que hemos hecho”.
Evolución: “No podemos dejar atrás lo que hemos hecho antes porque es parte de lo que somos y nos gusta. Así que es normal que esto también se deje ver en este disco. Pero los tiempos cambian, y queríamos experimentar con nuevos instrumentos [como el violín o el acordeón que grabaron con la London Contemporary Orchestra] dentro de una progresión natural”.
Presión: “No pensamos demasiado en el que dirán, entre otras cosas porque no tenemos ni idea de qué esperan de nosotros. Estoy seguro de que mucha de la gente que nos sigue ha escuchado nuestros álbumes completos, pero también que hay una mayoría que solo conoce los singles, y nuestros últimos singles son la cara pop de lo que hacemos… No es que no nos importe lo que el resto opine, es que simplemente no lo sabemos”.
Diseño gráfico: “Somos diseñadores pero ahora hacemos música. Así que es difícil que alguien nos pida un diseño [risas]. Nos gusta supervisar todo el material visual y teníamos una idea del estilo o los colores que queríamos para el artwork de este álbum, pero ni si quiera lo hemos diseñado; para eso hemos confiado en una amiga que conocemos desde hace más de 16 años y que probablemente, a día de hoy, nos conozca mejor que nosotros mismos”.
Símbolo personal: “Esa cruz la diseñamos como logo un día y pensamos que le iba bastante bien a nuestra identidad, pero tampoco sabemos si esto se mantendrá en los próximos álbumes. Ahora mismo no podemos predecir nada”.
Acogida en redes: “Siempre es de agradecer que a la gente le guste lo que haces, especialmente cuando es algo nuevo. Hay una parte de nosotros que inevitablemente se pregunta si a alguien le va a importar lo próximo que saquemos. Aunque al final lo que más nos importa es lo satisfechos que estemos nosotros mismos con el resultado”.
Raíces heavies: “No es que seamos metalheads ni nada parecido. Yo diría que somos más pop, dance o disco, que es de lo que siempre ha bebido nuestra música. Aunque está claro que tenemos un lado algo heavy, en parte porque hemos crecido escuchando a bandas como Nirvana, Motorhead o Prodigy”.
Romain Gavras: “Es un gran amigo y nos encantaría volver a trabajar con él. El único requisito que necesitamos es que lo que produzcamos vaya a ser mejor que [el vídeo de] Stress, y esto sigue siendo difícil de conseguir”.
Stress, crítica social y política: “Si sacásemos un vídeo parecido ahora mismo, estoy convenido de que la gente hablaría de ello un par de días y luego se olvidarían. Vivimos en la cultura de la inmediatez pero realmente no se profundiza en las cosas. Respecto a la política, preferimos no opinar. Hacemos música y es por lo que nos gusta que nos conozcan… Es decir, hay muchas cosas que podríamos decir, pero realmente no nos apetece tomar esa postura”.
Cierre de Fabric: “Siempre es una pérdida el cierre de un negocio, sobre todo para la gente que trabaja allí. Como personas, lamentamos estos hechos pero, como músicos [estuvieron vetados de tocar allí durante diez años] el cierre de Fabric como club o símbolo cultural no significa nada”.
El Grammy: “Siempre está bien que reconozcan tu trabajo pero nos da bastante igual el mundo de las celebs y todo eso. Tener admiradores famosos está bien [Kanye West es fan declarado] y por supuesto ganar un Grammy estuvo genial, pero no es el motivo por el que hacemos las cosas. Preferimos que la gente se sienta identificada con nuestras canciones y, sobre todo, que disfrute con ellas”.
 
‘Woman’ [Ed Banger / Warner] sale a la
venta el 28 de noviembre.
Ilusión: (Petite Meller) “Estoy muy contenta porque hasta ahora a mis fans de tanto en cuanto sólo les había podido ofrecer un single y un vídeo y, ahora ya pueden escuchar al completo mi primer disco. He estado trabajando muy duro para que esto fuera posible durante los últimos dos años y medio y, en cierta manera, es como una recompensa”.
Infancia: “Desde que era pequeña siempre he compuesto canciones en mi cabeza. Construía melodías y letras sin apenas ser consciente de ello. Pero el camino para convertirte en un artista es algo muy duro y que, ante todo, requiere tiempo. Recuerdo que cuando escuché por primera vez la música africana de Fela Kuti o el ‘Graceland’ de Paul Simon me impactaron muchísimo. De alguna forma, a ellos les debo ser quien soy en la actualidad. Cuando dejé la banda Terry Poison hace ya unos años me dije a mí misma que había llegado el momento perfecto para desarrollar mi propia carrera. Así es como sin prisas he llegado hasta aquí”.
Trotamundos: “Actualmente vivo en Londres, pero nací en París y pasé unos años en Tel Aviv estudiando psicología en la universidad. Viajar te permite abrir tu mente y toparte con culturas y sonidos únicos. Esa mezcla de influencias se refleja perfectamente en el álbum, aunque también en los videoclips. Para ‘The Flute’ fuimos a Mongolia porque siempre me había fascinado que las mujeres de ahí tengan los pómulos tan rosados y la piel tan blanca como yo; y en el caso de ‘Baby Love’ todo el equipo nos trasladamos hasta Kenia porque adoro África. Sin duda, todo el mundo debería aprovechar la mínima ocasión que tenga para tomar un vuelo y conocer de cerca todas las culturas que le sean posibles”.
Humildad: “La fama internacional no es algo que busque o vaya conmigo. Una de las cosas que más contenta me ponen es cuando recibo cartas de mis seguidores en las que dicen lo mucho que les gusta y les inspira mi música. Me encanta tener un contacto directo y cercano con mis fans, no que me vean como alguien inalcanzable. Obviamente, quiero que se conozca mi trabajo, pero para nada busco convertirme en una celebridad. Siempre hay que mantener los pies firmes en el suelo”.
Saxofón: “Cuando me preguntan cómo definiría mi música siempre contesto que lo que hago es ‘nouveau jazzy pop’. El saxofón es un instrumento que me encanta y que nunca me canso de oír. Ese es el motivo principal por el que está muy presente en la mayoría de mis temas. Incluso escribo la melodía y le digo a mi saxofonista cómo quiero exactamente que suene en cada momento. Cuando era pequeña en mi casa se oía mucha chanson y jazz, y en ambos géneros los instrumentos de viento tienen un papel protagonista. Se podría decir que lo llevo en el ADN”.
Imaginería visual: “Terminé la carrera de filosofía, pero también desde que tengo uso de razón me ha interesado muchísimo el psicoanálisis y todo lo relacionado con el subconsciente. La filosofía me inspira para escribir canciones, así que ambas vertientes están relacionadas para mí. Asimismo, mis videoclips son representaciones en movimiento de sueños que he tenido. Pueden parecer absurdos o surrealistas en un primer visionado, pero para mí tienen todo el sentido del mundo porque esas imágenes han surgido de forma natural en mi cabeza”.
Escuderos: “La mayoría del equipo que me apoya vive en Francia. Sin embargo, desde el principio he tenido como aliados para los vídeos al fotógrafo mexicano Napoleon Habeica, que ha hecho muchas campañas de American Apparel, y a A.T.Mann. A ambos les conocí a través de internet y han acabado siendo dos personas imprescindibles para mi carrera”.
Personaje: “En realidad soy una persona bastante tímida, pero sobre el escenario tengo la capacidad de convertirme en todo un monstruo. El arte te permite convertirte en todo aquello que quieras ser, y esa es precisamente la magia del asunto”.
Futuro: “Con el disco ya en la calle llegó el momento de actuar, de presentarme ante el público con un buen repertorio y decirles realmente quién es Petite Meller. De cara a los próximos meses me embarcaré en mi primer tour por Estados Unidos. Me apetece muchísimo salir de Londres y moverme por medio mundo con la excusa de actuar. Se me nota demasiado que me encanta viajar, ¿verdad?”.

“Lil Empire”, su debut, ha sido publicado por Island Records (Universal Music).
Petite Meller actuará en Barcelona el 10 de diciembre, en Razzmatazz, con motivo del decimosexto aniversario de la sala.

Body ROMEO GIGLI + Reloj MARC JACOBS + Calcetines Algodón STANCE
Vestido JEAN PAUL GAULTIER
Bolso SONIA RYKIEL
Top Metal & Plástico Vintage @ LES TOUTES BELLES + Vaqueros G-STAR
Vestido Tul & Perlas FERNANDO ALBERTO ATELIER + Cascos MARSHALL

Camisa Seda Transparente SAINT LAURENT + Arnés Cuero BLACK & BROWN
Top Seda LA PERLA by JEAN PAUL GAULTIER
+ Anillo FERNANDO RODRÍGUEZ
Texto: Mit Borrás
 “Los ojos serán lo último en pixelarse”, 2016,
Galería Patricia Ready. Foto cortesía de la artista.

 “Los ojos serán lo último en pixelarse”, 2016,
Galería Patricia Ready. Foto cortesía de la artista.
¿Qué temas manejas ahora mismo y qué miras para inspirarte?: “Creo que son varios, pero el principal es la tradición animista latinoaméricana. Toda esa tradición de los museos de antropología, el arte indígena medio mágico, simbolista, combinado con el capitalismo de alguna manera, con objetos chinos baratos y muebles horribles institucionales. Me fascina la relación de los objetos tradicionales con los objetos actuales del sistema capitalista que se han integrado de forma natural en la vida de los indígenas. En esta línea el trabajo del curador y antropólogo paraguayo Ticio Escobar es bien interesante”.

¿Qué protagonismo tiene la cerámica en tu trabajo?: “Bueno, la cerámica tiene toda esa tradición precolombina en Chile pero al mismo tiempo la situación actual es que la traen los comerciantes chinos y la hacen pasar por verdadera. Siempre pienso que si un artista maya estuviera vivo ahora estaría trabajando con objetos actuales en lugar de cerámica y juntar esos dos mundos me fascina. Me gusta romperla, recombinar, repintarla con iconografía de redes sociales o fingir pedazos de interés arqueológico. En el trasfondo además hay asuntos de inmigración mas relevantes en los que puedo entrar con esa excusa”.

Háblame del alerón de coche tuning estupendo que usaste en la instalación del Patrón de las Cerámicas: [risas] “Eso viene de una tarde en México donde hice una residencia artística hace dos años. Estábamos sentados en una plaza viendo unos bailes aztecas y había un señor así como muy hardcore en una bicicleta con el holograma de un caballo iluminado con luces led blancas. Esa mezcla entre lo antiguo, lo precario y lo contemporáneo fue muy interesante e hice una pieza inspirada en lo que vi”.
Fotograma de “Los ojos serán lo último en
pixelarse”, 2016, Galería Patricia Ready.
Foto cortesía de la artista.

 “Los ojos serán lo último en pixelarse”, 2016,
Galería Patricia Ready. Foto cortesía de la artista
El Patrón de las Cerámicas”, 2015.
Foto cortesía de la artista.

El Patrón de las Cerámicas”, 2015.
Foto cortesía de la artista.
¿De dónde viene esa aparente influencia de las cámaras de las maravillas en tus instalaciones y tu gusto por los vestigios?: “Mi abuelo es arqueólogo, trabaja en el desierto y sale a buscar momias, huesos, puntas de flecha, metales, cerámicas pintadas, basura de los españoles o cosas que dejaron los piratas y todo eso lo tiene organizado en un museo, el museo de las gaviotas. Con eso hace los gabinetes de curiosidades. En su museo está todo mezclado, presente y futuro, creo que de ahí viene esa fijación”.

¿Cómo sería tu gabinete de curiosidades ideal?: “Me gustaría hacer algo gigante con muebles institucionales modificados, colecciones de objetos, proyecciones, performances, videos y suelo de baldosas pintadas a mano. Todo medio galáctico, todo con muchas luces.

¿Cuál es tu opinión sobre el progreso tecnológico?: “Es un paradigma que lo ha cambiado todo en nuestra vida, pero la sociedad entiende por progreso algo insostenible. Es algo con lo que tenemos que aprender a vivir y me gusta y me asusta. Es una oportunidad creativa enorme y también una responsabilidad”.
Háblame de la naturaleza en tu trabajo: “No puedo entender mi trabajo sin la naturaleza. Me interesa más lo vivo, los virus, los animales, la idea de las especies en la naturaleza que están coexistiendo y perciben el mundo de modos muy diferentes”.

¿Por qué existe en este momento un interés especial del arte por la ciencia?: “Es natural, encuentro que es interesante la posición que uno puede tener como artista al aproximarse a la ciencia. Hay artistas apropiándose de algunas metodologías científicas pero que tienen una investigación abierta sin tener que llegar como la ciencia a una hipótesis y comprobarla. Creo que estamos tratando de entender preguntas muy parecidas desde ámbitos distintos. Quizá la ciencia es mas objetiva y el arte mas abstracto y metafísico y por eso es buena su distancia con la realidad para llegar a otra cosa. Las etiquetas de todos modos me dan dolor de guata”.

Botánicos, zoólogos, sociólogos ¿quién es tu Rock Star?: “Dora Haraway y Timothy Morton. También Eduardo Viveiros de Castro, un antropólogo con una teoría relacionada con las manifestaciones de la cultura animista”.
Palo Cháán (Patricia Domínguez + Irvin Morazán),
fotograma de “Singing the Cactus” video, 2016.
Foto cortesía de la artista.

Palo Cháán (Patricia Domínguez + Irvin Morazán),
instalación “Singing the Cactus”, 2016.
Foto cortesía de la artista.
¿Qué significan para ti los caballos?: “Siempre me han interesado como objeto cultural y símbolo de estatus. Estaba muy interesada en esta historia de la imagen del colonizador llegando a América montado a caballo y al que vieron como un solo ser, como un híbrido divino. Cuando yo llegué a Colombia iba a otra cosa pero allí empezó una investigación sobre esa historia. También trabajé sobre la cultura narco, que para mí es la segunda colonización del terreno colombiano y después salió un premio que desembocó en dos años trabajando con caballos. Tengo la idea de dedicarles un año más en la India porque hice una residencia y di con una historia increíble que me sigue dando vueltas. Había una familia que criaba caballos relinchadores para las novias, los criaban para que ellas los monten una sola vez en su vida cuando se casan en el trayecto hasta la casa del novio, mientras el caballo relincha. Allí hay relaciones familiares con los caballos muy profundas de afecto, trabajo y dominación”.

¿En qué andas ahora?:
“Estoy con un trabajo relacionado con las constelaciones familiares. Un tipo de terapia para personas pero que voy a hacer con plantas”.

¿Cómo ves la escena artística chilena hoy día?: “Venimos de una escena muy pequeña de arte reivindicativo durante la dictadura. Hoy muchos artistas jóvenes se han librado del cliché político latinoamericano, han aparecido muchas becas, espacios, pocos premios y muchas residencias. Han salido fuera, están sabiendo aportar visiones nuevas y la situación está activa, en los últimos años hay un renacer. Aún así es difícil trabajar acá, la escena es chica”.

¿Cómo definirías la situación para los artistas de tu generación?:
“Abierta y precaria. Todos tienen muchos proyectos pero es un gran esfuerzo mantener esa carrera con varios trabajos, la situación es de una precariedad con mayúsculas. Pero sí, hay una gran apertura”.

Europa y Latinoamérica ¿se miran, se hablan, se aman o se ignoran?: “Latinoamérica está dejando de mirar a Europa para mirarse a sí misma”.

¿A qué responde el uso de las piedras de cartón en tu obra?: “Me interesa la distancia con lo real. Me interesan las reproducciones extremas de la realidad. Esas piedras son para tapar regadores de jardines, encuentro genial que alguien quiera tapar algo con una piedra de mentira. También he trabajado con spray que pretende ser piedra”.

¿Expondrías con?:
“Propondría un proyecto en colaboración entre Pierre Huyghe, Jon Rafman, Irvin Morazán y yo. Me muero de ganas ahora que lo preguntas”.

¿A quién regalarías una planta?: “A Dona Haraway porque amo sus libros y su teoría de la comida cibernética”.

¿Cuál?: “Ayahuasca, para que siga investigando”.

www.patriciadominguez.cl

Cazadora & Pantalón ANTONIO SICILIA
+ Gargantilla KOZHA NUMBERS

Mono MIQUEL SUAY
Jersey & Shorts XEVI FERNÁNDEZ + Zapatillas REEBOK
Vestido ANTONIO SICILIA + Zapatillas BIKKEMBERGS
Chaqueta FRED PERRY
Top XAVI REYES + Pantalón & Zapatillas ANTONY MORATO
Camisa & Falda 44 STUDIO + Zapatillas REEBOK + Mochila HERSCHEL Supply

Bomber & Pantalón G-STAR + Jersey BRIXTON

‘Intimate Strangers’ es la respuesta de Andrés Jaque
en colaboración con Grindr para Fear and Love

‘Máscara de la muerte’ diseñada por Neri Oxman
y producida por Stratasys para Fear and Love
Hasta la fecha el Design Museum, ubicado desde 1989 como institución independiente en un antiguo almacén de plátanos a orillas del Támesis, ha acogido más de un centenar de exposiciones y recibido a más de cinco millones de visitantes. Pese a esto, la institución decidió aumentar en escala e impacto para poder competir con la creciente oferta cultural de diseño y arquitectura que ofrecen otros museos en Londres como el Victoria and Albert, el Barbican o la Royal Academy of Arts. La ubicación escogida para el nuevo edificio es el elitista barrio de High Street Kensington, una localización estratégica desde donde el Design Museum busca conectar con el distrito cultural de la ciudad y donde se encuentran los principales museos como el Victoria & Albert, el Museo de Historia Natural o la Serpentine Gallery.

El edificio que alojará el nuevo museo es el antiguo Instituto de la Commonwealth. Una espectacular construcción brutalista de los años sesenta caracterizada por una cubierta hiperbólica que se convertirá en el objetivo de todas las cámaras de los futuros visitantes. El edificio, del cual sólo se ha mantenido el exterior, contrasta con la arquitectura interior propuesta por el arquitecto encargado de la reforma, el minimalista John Pawson. Sin embargo, la rudeza de la estructura de hormigón existente dialoga perfectamente con los nuevos interiores de madera de roble.
Entrevistamos a Deyan Sudjic, Director del Design Museum, a pocas semanas de la apertura para conocer en profundidad cómo ha sido la transición al nuevo edificio y qué visión tiene para el nuevo museo en los próximos años. Previamente, Deyan fue Director de la Bienal de Arquitectura de Venecia, Editor Jefe de la revista Domus Magazine y fundador de la icónica revista Blueprint.

¿Cómo comenzó la idea de un nuevo museo?
“Antes de que yo llegara al museo, las conversaciones al respecto ya habían comenzado. El patronato del museo acordó que el actual edificio a orillas del Támesis ya había dado todo de sí y estudió varias opciones para el futuro de la institución. En 2006 me contrataron como Director del Design Museum y uno de los objetivos era construir un nuevo museo que fuese extraordinario. Cuando me ofrecieron el puesto me encontraba en Nueva York en las últimas negociaciones con el MoMA para ser el Comisario Jefe del Departamento de Arquitectura y Diseño. Lo medité durante un par de semanas. Finalmente decidí quedarme en Londres y aceptar el desafío”.

¿Qué opciones se barajaron?
“La primera opción fue añadir una nueva planta al edificio existente a orillas del Támesis. Esta opción que en principio parecía la más pragmática, se desechó rápidamente por dos razones: Por un lado el arrendamiento del edificio era sólo por 75 años y esta suponía una gran inversión para ese periodo tan corto y por otro lado el edificio estaba muy mal conectado con el transporte público, uno de los principales problemas que siempre tuvo el antiguo museo. Finalmente se decidió buscar un edificio en una localización más estratégica.
La siguiente opción fue adquirir un solar detrás de la Tate Modern. Pero tras varios estudios de viabilidad también desechamos esta opción. Era una opción muy cara y suponía una competencia directa e innecesaria con los visitantes de la Tate. Después pasamos por volver a asociarnos con el museo Victoria and Albert donde nació el Design Museum y mudarnos a la zona en expansión de Kings Cross pero también desechamos estas opciones. Más tarde recibimos una oferta del promotor que iba a desarrollar el proyecto residencial con el estudio OMA alrededor del antiguo Instituto de la Commonwealth, el edificio por el que finalmente nos decidimos”.

¿Cómo se seleccionó el arquitecto para remodelar el edificio?
“Hubo muchas conversaciones. La primera fue con patrimonio que debía autorizarnos a transformar el edificio para este nuevo uso ya que es un edificio protegido. Aunque barajamos la opción de encargar a OMA la transformación del edificio ya que también habían diseñado los edificios periféricos, nos decidimos por otro arquitecto con una arquitectura no tan fuerte y que dialogara de una manera más sutil con el edificio existente. Hicimos un concurso público y recibimos alrededor de 70 propuestas de las cuales analizamos en detalle 15 e invitamos a desarrollar una propuesta en detalle a cuatro: Kaan Architecten, Stanton Williams Architecture con Thomas Heatherwick, David Chipperfield y John Pawson, quien finalmente recibió el encargo. Apostamos por Pawson para darle la oportunidad de diseñar un gran edificio público, algo que todos los demás finalistas ya habían hecho anteriormente. Además, al ser una firma pequeña sabíamos que le iban a poner más cuidado al proyecto”. 

¿Cuáles serán las novedades?
“La escala del nuevo museo es mucho mayor, hemos pasado de 3.000 a 10.000 metros cuadrados, lo cual nos permitirá atraer a un mayor número de visitantes y atraer una audiencia más amplia. El propio espacio está pensado para poder compaginar del mismo modo proyectos de muchas escalas, desde pequeñas intervenciones salteadas por el museo a grandes exposiciones en la galería principal de casi 900 metros cuadrados. Cuando el museo comenzó era la primera vez que en Reino Unido se hablaba de diseño desde una institución museística y el objetivo era introducir al público en la materia. Ahora con el nuevo programa de exposiciones hemos apostado por un nuevo enfoque más arriesgado, explorando los límites del diseño más allá”.

¿Cuál es el rol de un museo de diseño en la sociedad?
“En palabras de Paola Antonelli del MoMA, el diseño es un medio para entender el mundo que nos rodea. En cierto modo eso es lo que tratamos de hacer en el Design Museum, hacer entender el valor del diseño y la arquitectura a muy diferentes audiencias y mediante diferentes medios, ya sea a través de nuestros programas de educación con escuelas y universidades, a través de programas públicos de charlas y debates, y como es obvio mediante exposiciones”.

¿En qué se diferencia el Design Museum de otros museos?
“Otros museos, ya sea en Europa o América, abordan la arquitectura y el diseño desde departamentos específicos, son instituciones dedicadas en general al arte que incluyen estas disciplinas en su programa pero no están centrados en ellas. Este sería el ejemplo del MoMA en Nueva York o el Victoria and Albert en Londres. Esto significa que con suerte hacen una exposición amplia de diseño cada dos o tres años, sin embargo nuestra ambición para el nuevo museo es organizar seis exposiciones al año. Esto nos aporta una mayor capacidad de respuesta y crear una mayor carga crítica, y convertirnos en el lugar donde los debates en torno al diseño y la arquitectura arrancan”.

Una vez se abra el nuevo museo, ¿cuál será el siguiente paso para ti?
“Creo que es importante dar cierto rodaje al museo. Conseguir hacer este nuevo edificio fue un desafío y ahora toca hacer que el museo funcione y se convierta en un éxito”.
El nuevo programa de exposiciones liderado por el nuevo Comisario Jefe Justin McGuirk, antiguo crítico de diseño del periódico The Guardian, trae consigo muchas novedades. La primera de ellas es la inauguración de la colección permanente que se abrirá al público por primera vez bajo el título Designer Maker User. A diferencia de las tradicionales colecciones que podemos encontrar en otros museos donde se analiza cronológicamente la evolución del diseño, en esta exposición encontraremos arquitectura, mobiliario, producto, moda o diseño gráfico entre otros, explicados a través de tres ángulos: el diseñador, el fabricante y el usuario. Esta narrativa que sirve a su vez para definir las tres secciones de la muestra, permitirá a los visitantes no familiarizados con el diseño comprender de manera sencilla los procesos de diseño detrás de cada producto que nos rodea. En Designer Maker User encontraremos desde iconos del mobiliario como la silla DSW diseñada por Charles y Ray Eames o la popular silla número 14 de Thonet, a reproducciones escala 1:1 del futuro metro de Londres o una pieza de la fachada del museo Pompidou de París. Uno de los elementos más emblemáticos de esta colección es el muro de crowdsourcing con el que comienza. Un muro con decenas de objetos seleccionados por el público y que representan valiosos objetos de diseño que nos rodean y muchas veces pasan desapercibidos, como por ejemplo el revolucionario post-it o la aspiradora Roomba, el primer robot doméstico. Las novedades continúan con dos emblemas del programa del museo. El programa de residencia para jóvenes diseñadores Designers in Residence que abrirá su propio espacio de estudio y laboratorio dentro del museo, desde donde los diseñadores podrán trabajar y compartir su trabajo con el público. Este año el programa comisariado por Margaret Cubbage tiene como título Open, un concepto abierto donde los cuatro diseñadores seleccionados conquistarán libremente diferentes espacios dentro y fuera del museo con sus instalaciones y performances. Por otro lado, la inauguración del nuevo museo coincidirá con la novena edición del premio anual Designs of the Year que este año incluye entre los nominados a la Fondazione Prada en Milán diseñada por OMA, el diseño del último disco de David Bowie ‘Blackstar’ diseñado por Jonathan Barnbrook, el diseño de refugio compacto de IKEA o la última colección de los diseñadores Agi and Sam, entre otros.

OMA presenta una crítica al Brexit con
‘The Pan-European Living Room

Husein Chalayan. The Room Tone.
©Chalayan and Intel.

Mimus es el proyecto de Madeline Gannon que permitrá interactuar con un robot industrial.
© Autodesk
Christien Meindertsma. Fibre Market.
© Lavadie Van Tour

 La exposición más importante que abrirá la galería principal y la apuesta más arriesgada del museo es Fear and Love: Reactions to a Complex World. Una exposición que presenta el diseño como un medio para entender la complejidad del mundo, ya sea como un medio para proteger el medioambiente, combatir las diferencias sociales o afrontar el imparable avance tecnológico. A través de once instalaciones encargadas a diferentes arquitectos y diseñadores de moda, gráficos y de producto de todo el mundo, la exposición no busca presentar soluciones sino generar preguntas en torno al contexto que nos rodea y cómo el diseño nos permite articular esas preguntas. Los once participantes incluyen a Madeline Gannon quien ha trabajado con Autodesk para programar un robot industrial que interactuará con el público, aprendiendo de sus movimientos y copiándolos, buscando crear una empatía entre robots y humanos para un futuro donde los robots tomarán el control de nuestros puestos de trabajo. Por otro lado el arquitecto español Andrés Jaque y su Oficina de Innovación Política, explora con una instalación multi-pantalla en colaboración con la app de dating gay Grindr las diferentes escalas urbanas, sociales y corporales que se generan en cada encuentro generado a través de la aplicación. Así mismo Jaque analiza como la app sirve del mismo modo como herramienta de liberación y represión, a través de la creación de post-identidades que enmascaran a los usuarios. El cartel lo completan entre otros Neri Oxman que presentará una serie de máscaras que nos preparan para la muerte, impresas con material 3D de ultra-precisión; Kenya Hara, director artístico de Muji, que cuestiona el consumo de comida en el mundo y como se deben redefinir los productos más básicos; y el aclamado estudio de arquitectura OMA liderado por Rem Koolhaas, que presenta The Pan-European Living Room, una crítica al Brexit a través de un espacio doméstico definido por 28 elementos representativos de cada país de la Unión Europea y fruto de la colaboración entre estos países.
El programa con el que se inaugurará el museo se cierra con una muestra de fotografías del aclamado fotógrafo de moda Koto Bolofo a quien se invitó a retratar el proceso de construcción del museo. Bolofo mostrará a través de su óptica no especializada en arquitectura, una cuidada selección de fotografías en blanco y negro de las texturas, detalles y herramientas que han definido este proceso.
Total Look ATSUSHI NAKASHIMA
Cazadora Negra ROUNDEL LONDON + Abrigo Gris XENOAVATAR
+ Vestido Latex LIBIDEX + Gargantilla TENNOSUKE
Chaqueta Blanca & Negra ATSUSHI NAKASHIMA
+ Chaqueta Negra PLASTICTOKYO + Bottom MEGMIURA
+ Calcetines ADIDAS  ORIGINALS
Cazadora PLASTICTOKYO + Capuchera KEIICHIROSENSE
Abrigo NÏUKU + Jeans PLASTICTOKYO + Calcetines STANCE

Jersey NON TOKYO + Pantalón BANAL CHIC BIZARRE + Calcetines ADIDAS ORIGINALS
+ Zapatillas ADIDAS ClimaCool

Abrigo PIGALLE + Top Latex LIBIDEX + Shorts & Calcetines ADIDAS ORIGINALS
Abrigo MEGMIURA + Top ADIDAS ORIGINALS
Capuchera Negra 99%IS- + Capuchera Rayas PLASTICTOKYO
Camisa LEON & HARPER + Vestido SANDRO
Alba Galocha (www.a6cinema.com)

Salto al cine: “Hace dos años y medio me mudé a París. Profesionalmente me encontraba en el momento de dar el paso y salir de España. Después de un año allí, donde trabajé muy bien, me dije a mí misma que necesitaba un cambio, contar algo más, y gracias al trabajo que había hecho como modelo me di cuenta de que la interpretación era el camino que debía tomar. En ese momento decidí empezar a centrarme en ello, a tomármelo en serio. Al final la carrera de modelo tiene una fecha de caducidad que aunque no sea real siempre está ahí, así que sabes que tienes que buscar otra cosa”.

Aterrizando en la industria: “La industria del cine es más amable que la de la moda, te das cuenta desde el primer momento. En los castings de moda no hay mucha relación con la persona con la que te entrevistas, si es que llegas a hablar con ella. En cambio, cuando llegué a mi primer casting de cine se me fueron todos los nervios y la presión, cualquier monstruo que pudiera tener desapareció al ver lo amables que eran. Fue como llegar a casa. Y durante los rodajes el trato es más familiar, ya que al final te pasas tres meses trabajando con el mismo equipo y acabas haciendo piña. En la moda trabajas tres días y a lo mejor no te vuelves a ver hasta después de tres años, es más complicado”.

Referentes: “Hay muchas actrices increíbles que me gustan. Jessica Lange, Audrey Hepburn, Jennifer Lawrence… Carmen Maura me flipa, igual que Bárbara Lennie. Y Verónica Echegui es una bestia, es increíble ver trabajar a esa mujer”.

Alta costura vs. Prêt-à-porter: “Es vital que la gente sepa qué es moda y qué es la vida real, porque si yo me compro un Vogue y veo las fotos sé que eso es una modelo. Lógicamente es una mujer real, pero no podemos pretender ser todas así. Así que me parece importante que se sepa diferenciar entre la vida real y la alta moda, y es la industria la que tiene que hacerlo”.

Madrid: “Está muy bonita, muy viva, están pasando muchas cosas. Es cierto que también la echaba mucho de menos, aquí me siento en casa. Tengo mi piso con mi mercado al lado, con un ambiente de barrio muy similar a Santiago. Tenía ganas de volver, estoy muy contenta de estar aquí”.
Sudadera ELEVEN PARIS
+ Cazadora Perfecto MAJE
+ Falda CLAUDIE PIERLOT

Jersey MKT STUDIO + Bomber ELEVEN PARIS
+ Shorts SANDRO + Medias CALZEDONIA
+ Calcetines SOCKETINES + Botines L.K. BENNETT
+ Gafas TOMMY HILFIGER

Body PULL & BEAR + Chaqueta TOMMY HILFIGER + Pantalón LEVI’S 501 CT Jeans + Cinturón MAJE
Camisa LEON & HARPER + Vestido & Botas SANDRO
Generación millenial: “Creo que están todos bastante cansados y bastante hartos, porque se han pasado la vida escuchando que deben estudiar y estudiar y estudiar y al final todo el mundo está superformado pero nadie tiene trabajo. Eso hace que haya que estar reinventándose todo el rato. Es verdad que hace cuatro o cinco años esto provocaba que la gente, en vez de estudiar Derecho como mandaban los padres, se dedicase a lo que en realidad le gustaba, dio muchas alas a la creatividad. Pero a la vez creo que llega un momento en el que acaba cansando, que estamos empezando a ser una generación harta del sistema laboral y su falta de oportunidades”.

Instagram:
“Siempre me lo he tomado desde un punto de vista muy natural y lo he utilizado como una herramienta para mostrar quién soy yo realmente y educar a la gente, que tengan preocupaciones. Que de repente yo ponga un libro y se interesen por él, y que de ahí lleguen a otro. Hacer ver a la gente que somos todos personas normales y que puedan aprender del tipo de cosas que me gustan como libros, restaurantes o viajes. Las redes sociales han hecho que mucha gente se cree una máscara, como una especie de vida que no es verdad, donde todo es perfecto, de color pastel y no es así. Por eso creo que a la gente le sorprende la honestidad que puedo tener a la hora de compartir este tipo de cosas”.

Política: “Cuando fueron las segundas elecciones estábamos todos muy emocionados, y de repente fue un bajón. Ahora con las gallegas igual, veo los resultados y digo, ¿estamos locos? Entonces me frustra mucho. No sé cuál es la solución ni cómo va a acabar, pero creo que la gente está perdiendo las ganas de formar parte de la sociedad, de la política, del país. Es como si de repente todo se quedara en el poder, en manos de unos pocos y los que realmente cuentan se olvidan. De nuevo, es frustrante porque te da la sensación de que no puedes hacer nada para cambiarlo”.
Música: “Ahora mismo estoy escuchando mucho Triángulo de Amor Bizarro y tengo ganas de que salga lo nuevo de Iván Ferreiro. De mi tierra también molan mucho Melandrómeda. A Juan Wauters lo descubrí hace poco y me flipa, como Kevin Johansen. Luego los clásicos, Leonard Cohen, que es mi cantante favorito de siempre, y Janis Joplin”.

Libros: “Me acabo de comprar un libro de Perec que se titula ‘Las cosas’ que me apetece mucho empezar. Y acabo de terminar ‘Vernon Subutex’ de Virginie Despentes, una escritora francesa que me encanta. De ella también me leí ‘Teoría King Kong’, un ensayo del estilo de Houellebecq, que también me gusta mucho. Y el que recomiendo es ‘La lotería’ de Patricia Woods, que trata sobre un niño que tiene un cociente intelectual un punto por encima de lo que se considera retraso. El niño es el narrador y está contado de una manera muy inteligente y muy bonita”.

Fotografía: “Hago muchas fotos cuando viajo. Siempre llevo la cámara en el bolso y cuando veo algo que me gusta lo fotografío. Tengo un libro montado en el ordenador y me gustaría imprimirlo, con un texto contando mi experiencia. Pero algo muy pequeñito, como diez copias para mis amigos y ya está. Me gustan mucho los libros y las fotos, así que tener eso en papel me haría ilusión, pero son cosas que voy haciendo en mi tiempo libre y como hobby”.

“No culpes al karma de lo que te pasa por gilipollas” se estrena en cines el 11 de noviembre.


Eva: Jersey CHRISTIAN DIOR + Pantalón MANÉMANÉ
+ Chaleco SILVINA MAROTTI
Eva: Vestido GUCCI
Paula: Jersey ESSENTIEL + Corsé DSQUARED2 + Cazadora ELEMENT
+ Pantalón & Gorro NEW ERA
Paula: Total Look BURBERRY PRORSUM
Eva: Jersey SANDRO + Falda TOD'S + Medias WOLFORD + Zapatillas CONVERSE + Cuello GEORGES RECH
Paula: Camiseta ELEVEN PARIS + Mono CARHARTT WIP + Abrigo MANÉMANÉ + Calcetines CALCEDONIA + Botines APERLAI
para Le Marché Aux Puces
Eva: Gafas DIOR + Americana ROBERTO DIZ + Camisa JUAN CARLOS PAJARES
Paula: Jersey HILFIGER DENIM + Vestido L.K. BENNETT + Kimono ELISABETH FRANCHI
Eva: Camisa CLAUDIE PIERLOT + Chaqueta & Falda MIU MIU
Eva: Boina BRIXTON + Chaqueta & Pantalón LOUIS VUITTON + Botines Fenty PUMA by RIHANNA
Paula: Camisa ESSENTIEL + Chaqueta CARHARTT WIP + Pantalón M MISSONI
+ Calcetines SOCKETINES + Zapatos MIU MIU
@Denniskleinphoto con cazadora vaquera
borreguito “pinner” customizada
@Mariajimenezg6 con cazadora vaquera borreguito “pinner” customizada
María y Dennis se conocieron en una sesión de fotos. “Ella me pidió que le hiciera unas fotos, pero yo quería conocerla”, nos comenta el fotógrafo. A los 2 les encanta el denim como podéis ver en sus perfiles de Instagram, pero “poder customizarlo a nuestro gusto nos ha encantado” añade María.

En su primera entrada al Custom Studio Online, Dennis y María eligieron la cazadora vaquera con forro de borreguito. “La verdad es que no conocíamos este servicio y nos sorprendió mucho. Ambos nos enamoramos de la cazadora, pero tenemos pendiente customizar otras prendas”, explica Dennis. Aunque para esta sesión de fotos, los 2 han posado con las jackets fruto de su primer Custom Studio, la pareja intenta no llevar un look parecido cuando salen a la calle, “no queremos parecer Pin y Pon”.

Además de cazadoras, hay otras muchas prendas customizables, pantalones también. Lo verás en cuanto entres en Custom Studio Online. El primer paso será elegir la prenda denim que quieres. Después, antes de empezar a customizar, tienes que seleccionar talla y registrarte en la web de Pepe Jeans. Lleva solo 10 segundos, según nos cuentan Dennis y María. Una vez hecho esto, descubrirás un sinfín de posibilidades: Más de 100 motivos gráficos para imprimir con láser, incluso puedes estampar tus propios mensajes de texto con la tipografía y el color que desees, o también diseñar tus propios desgarros, y hasta meterle tachuelas y remaches de todo tipo. La verdad es que el proceso es bastante entretenido, y une mucho si lo haces en compañía, como en el caso de Dennis y María.

Aunque sus carreras son complementarias, ella modelo y actriz, él fotógrafo, y a menudo trabajan juntos, intentan con profesionalidad separar siempre lo personal de lo laboral. En esta ocasión han hecho una excepción, y la verdad es que hacen muy buena pareja ante las cámaras. Les robamos un fin de semana, pero al menos lo pasaron juntos. El lunes, Dennis volverá a los platós, y María a los castings. Y pasarán los años, y recordarán aquellas cazadoras que customizaron en Custom Studio. Nos podemos olvidar del día en el que compramos un pantalón, pero no del día en el que lo customizamos. Te lo aseguro.

Custom Studio Online
www.pepejeans.com/es_es/customstudio

Custom Studio en Pepe Jeans
Fuencarral, 23 (Madrid)
Claudio Coello, 50 (Madrid)
Provenza, 249 (Barcelona)
CC. La Maquinista (Barcelona)
Jorge Juan, 11 (Valencia)


#PepeJeansCustomStudio
Pendientes & Other Stories + Pendiente en nariz ANDRÉS GALLARDO
+ Pendiente en boca APODEMIA + Vestido ATOS LOMBARDINI
Pendientes & Collar ANDRÉS GALLARDO + Vestido THE 2SKIN CO
Gafas ROBERTO CAVALLI + Collar TIFFANY & CO + Vestido ATOS LOMBARDINI
Pendiente & Collar FURLA + Anillo mano derecha CHAUMET + Anillos mano izquierda APODEMIA
+ Anillo en boca ANTON HEUNIS + Pulsera mano derecha TIFFANY & CO + Pulsera mano
izquierda CATALINA D’ANGLADE + Vestido ATOS LOMBARDINI
Collar TIFFANY & CO + Brazalete números romanos en mano derecha TIFFANY & CO
+ Pulseras mano derecha CHAUMET + Anillos mano derecha ANTON HEUNIS + Anillo flores mano izquierda CHAUMET + Reloj BAUME & MERCIER + Brazalete mano
izquierda TIFFANY & CO + Abrigo RALPH LAUREN + Braga LA PERLA

Pendientes & Anillo ANTON HEUNIS + Collares PANDORA + Camisa ATOS LOMBARDINI
Pendientes TIFFANY & CO + Pulsera mano derecha TIFFANY & CO + Anillo mano derecha TOMMY HILFIGER + Anillos mano izquierda CHAUMET
+ Pulseras TIFFANY &CO + Pulsera Dados TOMMY HILFIGER
+ Collar TIFFANY & CO + Vestido THE 2SKIN CO

Nadya: Mochila Palk en Lona Monogram y piel negra LOUIS VUITTON + Botines Ice Breaker de piel de becerro y forro de piel de cordero LOUIS VUITTON
Aaliyah Rosales: Bolso para cámara en lona Monogram y piel de becerro de la colección otoño-invierno 2016-17 LOUIS VUITTON + Botines Digital Gate de material textil de alta tecnología,
goma y piel metalizada LOUIS VUITTON

Mario: Botines Land con puntera y parte trasera en piel de becerro mate, con lona Monogram Eclipse en el empeine LOUIS VUITTON + Mochila Explorer en lona Monogram Eclipse con
2 asas superiores de tela LOUIS VUITTON
Alex de la Croix: Petite Malle metálico dorado y plateado LOUIS VUITTON
+ Botines con plataforma Fighter LOUIS VUITTON
Curro Verdugo: Bolso Twist en piel epi rosa claro LOUIS VUITTON + Botas altas Star Trail
de piel de becerro, tacón ancho y caña flexible LOUIS VUITTON

Tina Jinn: Botines Digital Gate de material textil de alta tecnología, goma y piel metalizada
LOUIS VUITTON + Bolso en lona Monogram y piel, del desfile otoño-invierno 2016-17
Para este look, Joseba ha utilizado Potion 9 y Resintek,
y después lo ha fijado con el spray Shaper Fierce.
Ha aplicado el producto en cabello seco y después ha
trabajado con un peine una vez puesto el producto
para crear ese efecto de cabello definido.

Vestido Geométrico Louis Vuitton

En esta creación, Joseba ha utilizado Sublimate, Craft Clay y
Zero Graviti de Sebastian Professional. Quería conseguir un
efecto pulido y control sobre el cabello y lo ha logrado gracias
a Sublimate, una crema de acabado ultraligera. Ha aplicado el
producto en cabello seco para que quedara bien pulido y
brillante. Después, ha ido creando todas las particiones para ir
trenzándolas y conseguir así este look tan tribal.

Chaqueta y Pendientes Christian Dior
Aquí Joseba ha utilizado Potion 9 y Shaper Fierce de Sebastian
Professional para crear un efecto mojado. Potion 9 es un
tratamiento que se puede utilizar como producto de acabado
ya que define un poco el cabello y controla el encrespado,
perfecto para este look. En este caso, se ha trabajado
aplicando una cantidad abundante de producto para crear ese
efecto arquitectónico en el cabello. La idea era conseguir un
resultado laminado en los cabellos que caen sobre el rostro,
y con secciones muy definidas. Shaper Fierce nos ha servido
para fijar por completo el look.

Vestido Látex MadRubb
¿Qué te aporta Sebastian Professional? Me aporta todo, dispongo de productos para conseguir cualquier tipo de textura y crear todo lo que mi imaginación me permite. Mi relación con Sebastian viene de lejos, trabajé con ellos en una etapa en Donosti y, desde hace 7 años, en Corta Cabeza, somos fieles a ellos porque compartimos la misma visión de la peluquería.

¿Qué supone formar parte del Cult Team de Sebastian Professional? Es un regalo profesional. Estar trabajando codo a codo con los mejores profesionales te hace sentir muy afortunado y especial. Se aprenden técnicas a pasos agigantados que nos hacen mejorar como profesionales. Además, el Cult Team te permite hacer una peluquería más creativa y vanguardista.

¿Cómo ha sido esta sesión para Neo2? Trabajamos junto a la fotógrafa y todo el equipo de la revista para crear looks inspirados en Eclectic, la colección de la Limited Edition de Sebastian Professional, donde la moda y el arte corporal se fusionan. Basándonos en la temática de la lluvia, hemos mezclado productos icónicos de la marca con técnicas creativas para obtener estos looks tan rompedores. Se trata de looks urbanos con toques tribales y efecto mojado. Para lograrlos, he utilizado desde Potion 9, Sublimate, Shaper Fierce o Craft Clay.

¿Por qué es especial Limited Edition de Sebastian Professional? Porque son productos versátiles que se pueden combinar entre sí para lograr efectos inimaginables. Son imprescindibles para los amantes de Sebastian ya que los llevamos usando mucho tiempo y Sublimate, la nueva incorporación, era el punto perfecto para cerrar esta edición de coleccionista. Lo que la hace más especial aún es el packaging diseñado por un maestro del tatuaje, Maxime Büchi.

- Sublimate: Crema de acabado invisible. Proporciona al cabello una textura cashmere y desata la creatividad. Suaviza, define y controla el encrespamiento en cabellos secos.

- Potion 9: Restaura, hidrata, acondiciona, estiliza todo tipo de cabello, trata, fija de forma flexible, proporciona brillo, protege el color y posee acción anti-encrespamiento.

- Shaper Fierce: Spray de acabado ultrafirme para una fijación que dura todo el día.

- Drynamic:
Limpia el cabello y también aporta volumen, textura, manejabilidad, definición de los rizos, textura mate y efecto refrescante.

- Volupt Spray:
Gel spray, suave y flexible, para crear volumen.

- Craft Clay:
Fijación natural y acabado mate para peinados remodelables, separa y devuelve la textura al cabello.

www.sebastianprofessional.com
LIMITED EDITION de SEBASTIAN PROFESSIONAL
Americana negra de 2 botones en lana serge con forro de cuadros rojos y negros + Camiseta de cuello en pico y cremallera lateral en lana serge con ribetes rojos y negros en cuello y mangas + Camisa de popelina de algodón blanco con mangas de jersey gris + Pajarita de seda negra + Collar de cuentas lacado en negro con 5 charms metálicos extraíbles de paladio con acabados lacados en rojo y negro.  Todo DIOR HOMME Winter 2016. www.dior.com
Parka marrón acolchada en piel de becerro pony-effect
con cordones de capucha en rojo y negro + Jersey de
lana de cuello alto Fair Isle en punto jacquard + Mitones
rojos de cashmere + Collar de cuentas lacado en negro
con 5 charms metálicos extraíbles de paladio con
acabados lacados en rojo y negro.
Todo DIOR HOMME Winter 2016.
www.dior.com

Abrigo plumífero negro y brillante con cremallera, capucha forrada con zalea de cordero y cordones de jareta en rojo y negro + Camisa stretch negra de popelina de algodón + Pajarita negra de seda con rayas rojas y negras + Jersey negro de lana + Gorra de cashmere con visera y borla + Collar de cuentas lacado en negro con 5 charms metálicos extraíbles de paladio con acabados lacados en rojo y negro. Todo DIOR HOMME Winter 2016. www.dior.com
Parka larga en piel negra de ternera deslavada con
cremallera y cordones de capucha rojos y negros +
Jersey de cashmere con cuadros rojos y negros +
Camisa stretch de popelina de algodón blanco +
Collar de cuentas lacado en negro con 5
charms metálicos extraíbles de paladio
con acabados lacados en rojo y negro.
Todo DIOR HOMME Winter 2016.
www.dior.com

Sudadera negra de algodón
de felpa con capucha,
cordones de cuadros rojos y negros,
y el motivo “from the shadows”
estampado y bordado + Jersey
de cuello alto de cashmere con
logo CD bordado + Pantalón negro
oversized en jacquard de lana y algodón
con motivos “fleurs M. Dior”
+ Mitones rojos de cashmere
+ Cinturón negro de piel de becerro
con hebilla metálica de paladio
y cordones trenzados en rojo y negro
+ Collar de cuentas lacado
en negro con 5 charms
metálicos extraíbles de paladio
con acabados lacados en rojo y negro.
Todo DIOR HOMME Winter 2016.
www.dior.com

Abrigo largo recto de doble botonadura en paño rojo de lana virgen + Camiseta de cuello en pico y cremallera lateral en lana serge con ribetes rojos y negros en cuello y mangas + Camisa stretch blanca de popelina de algodón + Pajarita negra de seda faille + Collar de cuentas lacado en negro con 5 charms metálicos extraíbles de paladio con acabados lacados en rojo y negro.
Todo DIOR HOMME Winter 2016.
www.dior.com

Abrigo de paño de lana en cuadros
grises y blancos, con botonadura oculta
y cuello de piel de castor desmontable
+ Jersey de cuello alto de cashmere
con logo CD bordado + Pantalón vaquero
negro “skinny fit” pintado a mano:
“untitled 1” + Mitones negros de cashmere
+ Cinturón negro de piel de becerro con
hebilla doble de latón acabado paladio
+ Collar de cuentas lacado en negro
con 5 charms metálicos extraíbles de paladio
con acabados lacados en rojo y negro.
Todo DIOR HOMME Winter 2016
www.dior.com

Izda: Chaqueta larga cruzada de lana negra en sarga de espiga con mangas abrochadas con hebillas metálicas + Camisa negra en algodón de popelina con cuadros negros y rojos de efecto bordado + Pantalón negro en lana de sarga de espiga con piernas abrochadas con hebillas metálicas + Pajarita negra de seda faille +  Bolso Duffle en tela darklight con estampado de cuadros rojos y negros. Todo DIOR HOMME Winter 2016
Dcha: Trench negra de gabardina en algodón técnico con hebillas metálicas abrochando las mangas + Polo negro de manga larga en lana virgen  y ribete de rayas rojas y blancas con logo CD bordado + Pantalon negro en sarga de lana con efecto de cuadros bordados + Pochette de tela recubierta Darklight con estampado de cuadros rojos. Todo DIOR HOMME Winter 2016
Ambos: Gorra de cashmere con visera y borla + Mitones negros de cashmere + Cinturón de piel y tela recubierta Darklight + Collar de cuentas lacado en negro con 5 charms metálicos extraíbles de paladio con acabados lacados en rojo y negro. Todo DIOR HOMME Winter 2016. www.dior.com
El mundo de la perfumería está lleno de grandes frases. Una de las mejores la firma Coco Chanel: “El perfume anuncia la llegada de una mujer y alegra su marcha”. Las fragancias son los únicos productos con el poder de evocar a la persona que lo usa. Y de ahí su importancia, sobre todo para aquellas que se definan como “chicas de un solo perfume”. Pero probablemente seas demasiado joven como para asegurar que has encontrado a la fragancia de tu vida. Así que te invitamos a vivir distintas aventuras con 3 esencias muy diferentes: Marc Jacobs Divine Decadence, Calvin Klein Euphoria y Chloé - Fleur de Parfum. Puede que finalmente te enamores de una, o de las 3.
Marc Jacobs Divine Decadence
Hedonista y sofisticada, es una fragancia floral
efervescente asociada al lujo y al glamour.
Seduce al instante con chispeantes notas de
champán, azahar y bergamota. En su corazón
embriagador laten notas de gardenia, acorde de
hortensia, flor de iris y madreselva. Y se despide
con halos de azafrán, vainilla y ámbar líquido.
Calvin Klein Euphoria
Seductora, versátil y soñadora. Ideales que se
materializan en una fragancia oriental repleta de
notas oníricas. Su bienvenida es un estallido de
granada, suculento caqui y exuberantes notas
verdes. Posteriormente, la orquídea negra, junto
a la flor de loto cubierta de rocío y la sensual flor
de champaca,  aportan un punto misterioso que
termina en pura sensualidad con aroma de ámbar
líquido, caoba, violeta negra y almizcles con
acordes cremosos. 

Chloé - Fleur de Parfum
Natural, delicada, elegante y encantadora.
El corazón de la rosa Chloé es la estrella de
este sedoso buqué, una composición
elaborada a partir de la parte más tierna de
un combinado exclusivo de flores con toque
frutal de árboles y plantas como el cerezo o
la verbena.

Jean Maia Flore (1988) es una joven fotógrafa que actualmente reside en París. Graduada por la Ecole des Gobelins, expuso por primera vez en 2011, en el Circulation (s) – Festival de la jeune photographie européene. Más recientemente presentó, en clara referencia a su Francia natal, las series Imagine France – Le voyage fantastique, en el Bercy Village (2014). Sus imágenes son sensuales, brillantes, poéticas; intensas y proveedoras de una experiencia estética única. La figura femenina es la gran protagonista, sometida a lo circunstancial y a la inmensidad del espacio. No se obsesiona por el trabajo de otros fotógrafos. Es más, ni lo conoce. Origen y sentido: “Empecé con la fotografía no hace mucho, a los veintipocos. Este soporte me sirve para trasladarme a la realidad que yo retrato, para vivir en ella. No me interesa pertenecer a un estilo, a un colectivo, o tomar la elección de un género concreto. La fotografía me da la posibilidad de construir un universo propio. Solo dialogo conmigo misma”. Referencias: “Sin duda, el tiempo y el espacio. Mi inspiración proviene de las pequeñas cosas que me rodean a diario, y del lugar en donde me encuentre en ese momento. Las luces escandinavas, los paisajes californianos, pasear por París… Con seguridad, mi próximo destino será inspirador”. Estilo: “Considero estas imágenes espacios ideales donde me gustaría vivir. No produzco con la intención de pertenecer a un estilo; quiero que, en el momento de crear algo, ese algo forme parte de mi vida”. Moda: “Me resulta inspiradora en cuanto a las posibilidades que ofrece para contar historias, pero nunca he trabajado directamente con esta industria”. Mercado del arte: “Actualmente me representan la galería parisina Esther Woerdehoff y  Themes + Projects (San Francisco). Tener mi trabajo en este tipo de espacios, la oportunidad de exponerlo, es esencial para mí, pues hago esto por elección personal, como logro, no por la industria”. Futuro: “A corto y largo plazo, me gustaría tener tiempo y libertad para seguir creando”.

www.maiaflore.com
Papila es un estudio de diseño ubicado en Castellón que está especializado en el desarrollo de productos relacionados con la alimentación. Uno de los últimos encargos que ha recibido está relacionado con el diseño de producto. La empresa catalana Bustper, especializada en contract para hoteles, les ha encargado el diseño de un mueble bar. “El minibar es una de las piezas principales de la habitación, siendo ésta lo que diferencia un hotel de un hogar”. Nos aclara Eva García Robles, co-fundadora de Papila. Después de casi un año de trabajo está terminada su colección Nature. Una colección inspirada en el estilo mediterráneo y realizada en madera. En esta página se puede ver el asombroso efecto de la madera imitando la terracota. “El acabado de terracota sorprende mucho a la gente al tocarlo, porque no se esperan ese tacto frío de la terracota en un mueble”, puntualiza Eva. La colección está formada por un módulo principal que puede incorporar la nevera y la caja fuerte, un módulo superior que alberga tanto el sistema de sonido bluetooth como el dock de conexiones y cuyo frontal se convierte en mesa, y también dispone de un módulo lateral que sirve de almacenamiento.  En breve Papila mostrará otro de sus trabajos en los que ha estado inmerso estos 3 últimos años: un libro llamado “Food History” donde se explica la evolución de los alimentos y su relación con los seres humanos a lo largo de la historia.

www.papila.es
www.bustper.com

Nadie se sorprende si decimos que hoy en día la venta online es algo que está creciendo a velocidad de vértigo. Para muchos sectores esto supone una auténtica revolución, o dolor de cabeza, según como se mire. El mundo del mobiliario en este sentido no se queda atrás. Uno de los problemas a los que se enfrenta este sector son los envíos. Voluminosos y pesados paquetes hacen que el transporte sea costoso. Ikea hace tiempo que lo sabe y por eso desarrolla todos sus productos pensando en el falt-pack, es decir, que todo vaya en paquetes planos. Pero aunque Ikea practica el falt-pack hace tiempo la mayoría de marcas de mobiliario no han dado ese paso, ya que el que un mueble esté desmontado puede suponer una falta de estabilidad en su uso. El montaje también puede producir frustración por parte de los clientes. El estudio valenciano Yonoh ha visto, hace unos meses, salir al mercado uno de sus diseños que conectan directamente con este tema. Se trata de la silla Spoon, una silla desmontable que está resuelta de una manera muy práctica. El encargo vino de la empresa anglo-china In-Yard y el briefing apuntaba varios requisitos: que la silla fuera falt-pack; que se pudiera montar fácilmente sin herramientas; que el coste no fuera alto y que tuviera bastantes posibilidades de personalización. Un briefing que casi se podría convertir en la tabla de mandamientos en el mundo del mobiliario. Spoon Chair cumple perfectamente este briefing. Una de las claves de este diseño es que el asiento se divide en dos, esto hace que una de las partes más voluminosas de una silla se pueda reducir en dos partes. 6 meses han sido necesarios para el diseño y por ahora se comercializa solo en China, aunque el siguiente mercado será el Reino Unido.

www.yonoh.es
www.inyard.com


Freddie Cowan se une a la tendencia de músicos que crean su propia marca de moda. “Desde que era un adolescente quise tener una línea de ropa. En una banda siempre estás buscando tu identidad, ya sea a través de la música, la política o la ropa. Así que para mí es lógico que un músico dé un paso en esa dirección. Es lo que haces cuando no quieres estar dándole vueltas a qué ponerte. Y mientras estaba en Nueva York grabando el tercer álbum de The Vaccines sentí que era el momento. Así que hice unas cuantas llamadas y Basic Rights nació”. ¿Y a quién llamó el guitarrista de The Vaccines? Primero a Brianna Lance:  Estilista, ex-diseñadora de Reformation, dj, músico, it girl… Freddie y Brianna habían trabajado conjuntamente en el vestuario del tour para The Vaccines. “Básicamente todo nació ante la imposibilidad de encontrar la ropa que yo quería, ni la marca en la que conceptualmente pudiera creer. Quería hacer algo que pudiera apoyar como cliente. Y como no encontraba ningún sitio donde un tío que quisiera vestir bien pudiera hacerse un armario, ni muy de marca, ni excesivamente plano, decidimos hacerlo nosotros”. La segunda persona a la que llamó Freddie fue David Chamber, un sastre de toda la vida que ha vestido a Bowie, David Hockney, Harvey Keitel o Manolo Blahnik. La idea es hacer ropa basada en la simplicidad y que quede perfecta. “Todo el mundo tiene un tamaño distinto, así que tallar correctamente requiere un verdadero experto. Y David, de joven, trabajó durante 7 años en la trastienda de Saville Row aprendiendo a perfeccionar los pantalones. No todo el mundo está dispuesto a pasar por ese tipo de entrenamiento. Él es único en su profesión”. La idea de Freddie Cowan con Basic Rights es hacer ropa básica de alta calidad, “producimos en Tailandia, tenemos un pequeño taller familiar que produce solo para nosotros“ y de paso “romper algunos de los malos hábitos que se han formado en la sastrería moderna con el fin de resucitar la tradición más que aportarle nada”. Simple, como una bonita canción de pop.

www.basicrights.com
Inicios: “Mi relación con la moda comienza trabajando como Visual Merchandiser en Londres. En ese momento, mi trabajo consistía en crear los ambientes en los que iban a estar distribuidas las colecciones en los puntos de venta. Antes de realizar los estudios de visual merchandising y diseño de moda, también estudié marketing”. Formación: “Me introduje en la moda con el London College of Fashion de Londres. Tras unos años en Londres quería volver a España, y decidí estudiar en el Institut Catalá de la Moda de Barcelona, me informé de su plan de estudios y era lo que más encajaba en lo que buscaba, que era ir directa a la materia”. Whim: “La colección trata de representar un capricho, la espontaneidad de un deseo, romanticismo, inocencia… Todo en clave muy femenina. Me inspiré en ‘Sueño de una noche de verano’, también en los retratos de Matisse y en la despreocupación y espontaneidad que desprendía Stephan Tennant”. Presente: “Llevo 2 colecciones y estoy en un momento que considero de experimentación. Por ello quiero dedicar más tiempo a las colecciones. Por el momento creo que lo correcto es el desarrollo y comercialización de una colección al año”. Samsung Ego: “Fue una experiencia muy positiva. Es una plataforma excepcional para empezar a trazarte un nombre y hacerte un hueco”. Redes: “Las redes sociales también ayudan, pero más para comunicar cosas inmediatas, a la viralización, pero todo ello es efímero y su contenido no muy extenso. En cambio en las revistas impresas y online siempre se hace una mayor exploración. Son más una fuente de consulta que siempre permanece, no son efímeras, por lo que para mí son de vital importancia”. Futuro: “Mi objetivo es tener una identidad propia, que se me reconozca como marca. En el futuro me veo gestionando Natalia Rivera en el mercado y creando sinergias con más proyectos”. España: “Aquí hay mucha creatividad, aunque a nivel consumo no se invierte como en otros países. Por tanto hay que tener muy en cuenta al público al que uno se quiere dirigir y el precio final con el que se quiere trabajar”.

www.nataliariverastudio.com

Comienzos: “Llevo haciendo música electrónica desde que estaba en el instituto. A lo largo de los años he ido cambiando y evolucionando, creando música de estilos muy diferentes”. Motion Graphics: “El disco fue escrito y mezclado a trozos, en momentos libres que tenía el estudio, el ingeniero de mezclas Drew Brown y yo mismo. En esa época yo era muy pobre así que la mayoría de las veces era más importante pagar el alquiler que grabar el disco”. Domino Records: “Domino publicó un viejo disco mío que fue originalmente editado con Tigerbeat 6. Ahí empezó nuestra relación”. Herramientas digitales y visuales: “Hice un instrumento a modo de sampler personalizado dentro de Ableton Live. Puede desplazarse a través de 100 instrumentos diferentes al azar. Es muy aleatorio, nunca suena la misma combinación, en cierto modo imita ese ritmo que obtenemos de los agregados de las noticias o de la línea de tiempo de Twitter”. Letras: “Las letras complementan muy bien los sonidos del disco, describen los paisajes que estos crean. Están ahí para equilibrar el sonido, son dependientes uno del otro”. Críticas: “Estoy contento de que la prensa haya conectado con mi música y lo transmita al público. Una de las críticas que más me ha impresionado fue la de Philip Sherburne en Pitchfork. Escribe muy bien y fue realmente halagador lo que escribió sobre el disco”. ¿Música del futuro? “No creo que se pueda describir a Motion Graphics como música del futuro. Yo veo este disco como música del presente. Creo que en el futuro el software se hará cargo de la mayoría de tareas que ahora hace el productor. Será una realidad mixta y quizás hasta exista algún tipo de implante con el que los humanos podamos hacer música de forma sencilla”. Culturesport videos: “Les conocí a través de algo que leí, fue una entrevista con John Michael Boling, que tenía algunos GIF’s para Culturesport. Ellos trabajan con el lenguaje de la televisión y la animación, así que pensé que eran perfectos para hacer los videos de mi proyecto”. España: “Sí, tengo muchas ganas de ir. Es muy posible que lo haga a principios de 2017”.  Proyectos: “Hay algunas colaboraciones en marcha, una ya está confirmada con Visible Cloaks. También habrá remezclas y seguramente publicaré un par de Ep’s antes de editar mi próximo disco”.

“Motion Graphics” está editado por Domino y distribuido por Music As Usual.
Los comienzos: “¿Quién se plantea formar un dúo musical? Suena fatal. Da la sensación de que no teníamos amigos para formar un grupo. Nosotros nos planteamos hacer música porque lo que escuchábamos nos parecía una mierda. Y así seguimos. ¿Dónde? En Villagarcía, como todo lo bueno que viene de Galicia. ¿Cuándo? Un Mayo del 2009. Pum”. Parón: “El proyecto nunca se detuvo. Simplemente no subíamos temas. Un día hicimos un vídeo en verano (Grimilla) y la gente se puso ready. Alarido Mongólico es como el VIH, no se puede quitar. Tenemos material para reventar el panorama y lo vamos a petar en los carnavales holandeses”. Edición en cassette: “La acogida ha sido brutal. La gente lloraba en los conciertos de presentación. Ha sido un éxito y ya sólo nos quedan un puñado de copias. El otro día hasta nos robaron uno en un festival en Móstoles”. El proceso: “Joel manda un mensaje por whatsapp tarareando, Andrés lo recibe y no le gusta, Joel vuelve a tararear cuando recibe una base de Andrés, no le gusta, sigue tarareando, no funciona, se abandona durante meses, vuelve a tararear, la base cambia, la letra no está escrita, llega el día de grabar y se graba. Y es un temazo. Pum”. Crowdfunding: “Es muy emocionante cuando le propones a la gente involucrarse en un proyecto y la gente responde: VAMOS. Amor infinito para todo el equipo que se dejó la piel tanto como nosotros para sacar el vídeo ‘Alarido Mongólico (ha llegado a la ciudad)’ adelante. Adoramos a todos y a todas las que se dejaron su pasta para que otros pudieran ver el videoclip, adoramos a quienes vieron el videoclip, adoramos a quienes no lo vieron y a quienes lo verán”. Panorama nacional: “El panorama está fatal, si no, no habríamos tenido que volver. Aún así hay algunas excepciones geniales como todo lo que hace el Hevi (Fluzo, Malandrómeda), Las Bistecs, Gameboyz, Tu madre es puta, Sr. Anido y Sra. Álvarez, El Guincho y Richard Mangosta. Hay esperanza”. Vivir de la música: “Obviamente queremos yates, helicópteros y putas, pero la realidad es muy distinta: la música vive de gente que no puede vivir de ella”. Proyectos: “Tenemos dos videoclips a puntito de salir y esperamos que nos acerquen más a nuestra meta de dominación mundial. Uno de ellos es con una canción en holandés, ya que seguro que en los Países Bajos están echando de menos un poco de Fuego, Thunder, Trueno. El otro es simplemente poesía”.
Ela: “Solo soy una estudiante de 23 años que es creativa y su medio de expresión es la moda. Ahora mismo me ha surgido la oportunidad de exponer en una galería importante en Palma de Mallorca y tener un punto de venta como es una galería de arte”. Niña: “Desde pequeña he sido bastante diferente en la manera de vestir. Era una especie de escudo para sentirme más segura. A partir de ahí me empezó a interesar la moda. Además, mi abuela fue modista y diseñadora de bordados, por lo que estuve en contacto con el universo taller desde pequeña”. Estudios: “Estoy en mi último año de Diseño de Moda en el IED Moda Lab. Aquí me siento parte de una familia. Mis compañeros de clase hicieron crowdfunding para que pudiera presentar mi colección en la pasarela Ego. Sofía Clari y Sergio Arribas también me ayudaron mucho”. Ego: “No me esperaba ganar el primer premio de la pasarela Ego. Las colecciones de mis compañeros eran increíbles. Ahora tengo más seguridad y más ganas de hacer cosas. Me ha dado la oportunidad de presentar la colección en una ciudad como Praga. Me ha hecho soñar y pensar que tal vez no lo esté haciendo tan mal. Pero lo cierto es que no soy una marca o empresa, porque no hay ningún plan de negocio detrás”. Creación: “Mi primer paso es meditar y relajarme, tener la mente en blanco, trabajar con el silencio. Luego empiezo a leer libros que me llaman la atención. Y comienzo a pensar en palabras, conceptos, sensaciones… Después comienzo a escuchar música y todo se transforma en ideas y textos. A partir de ahí comienzo a hacer una investigación de imágenes”. Planes: “Quiero centrarme en mis estudios y finalizarlos con un buen proyecto fin de carrera. Cuando lo termine tendré que buscar prácticas en alguna empresa. Mi idea sería irme el verano que viene a África un par de meses. Después ir a Saint Martins, si se puede, no sé… dejarme llevar… Hace unos días hablé con Miguel Adrover para hacer unas prácticas con él, es uno de mis sueños. También entrar en Maison Margiela o en Vivienne Westwood”.

elafidalgo.com

Anne Imhof (Gießen, 1978), ganadora del premio de la Nationalgalerie de Berlín en 2015, presenta durante este año Angst, un collage de piezas que combinan exposición y performance y que está concebida como una ópera en tres actos que se expande en tiempo y espacio a lo largo de tres exhibiciones en diferentes países, que como los actos están vinculadas una con otra. La primera parte se presentó en junio en la Kunsthalle de Basilea, la segunda en septiembre en la Hamburger Bahnhof de Berlín y la tercera el pasado octubre en la Bienal de Montreal. Según la artista, Angst II –a la que corresponden las fotografías–presentada en Berlín, marca el punto de inflexión de este complejo trabajo. En sesiones de cuatro horas y bajo una nebulosa blanca y espesa, fuimos testigos de una composición consistente en música; texto; esculturas suspendidas del techo, similares a sacos estirados de boxeo, hechas de cuero blanco y resina; pinturas representando los diferentes caracteres; performers; un personaje encarnado por un halcón, el profeta; y drones formaban una perfecta visión de conjunto. Hay numerosos artículos de marca en la escenografía: espuma de afeitar, latas de refresco o ropa deportiva usada por los actores, quienes lo mismo beben, fuman, cantan, como andan o corren por el espacio. Una se despelleja la camiseta literalmente como si de una segunda piel se tratara, mientras que otros se aplican la espuma de afeitar en el torso, rodillas o cejas para posteriormente ser afeitada a navaja. La música de la pieza llena todo el espacio y somete la acción a su propio ritmo. Mientras que en Basilea eran arias en perfecto orden temporal: marchas, vals o baladas, los elementos espaciales en Hamburger Bahnhof evocaban un concierto de rock. Las composiciones musicales escritas para coro –creadas por Billy Bultheel e Imhof para Angst II– no fueron interpretadas por voces sino que se activaron usando los teléfonos móviles de los bailarines, quienes, equipados con micrófonos sobre el cuerpo, amplificaban y combinaban el sonido con sus movimientos corporales formando un conjunto orquestal. Mientras tanto, una equilibrista cruzaba el espacio verticalmente en semioscuridad a modo de reloj que marca y proporciona el pulso de la pieza. No hay explicación, ni linealidad, ni desarrollo de las situaciones que se generan en el espacio; solo imágenes, tan momentáneas como crípticas y asfixiantes. En conclusión, Imhof consiguió cautivar al público con su representación del caos ultra contemporáneo.
Punk: “Gracias a mi fascinación por el rock y el punk descubrí hace mucho el trabajo de Vivienne Westwood. No sabía que alguien así podía dedicarse a la moda. En mi mente los diseñadores eran personas frívolas. Fue así como descubrí que la moda no era solo ropa. Y que eso era lo que quería hacer. Luego me fui haciendo asiduo a ver los desfiles de los que en su momento consideraba atípicos: Comme des Garçons, Viktor & Rolf, Raf Simons…”. LCI: “Me matriculé un poco a ciegas. Mi idea era ir al extranjero, pero por circunstancias me quedé en Barcelona. Investigué las universidades que había y la que más me atrajo fue el LCI. Había oído hablar muy bien del LCI y tenía conocimiento de que diseñadores como Josep Font o Juan Vidal habían salido de aquí”. Top Talent Show: “El día que nos anunciaron que un grupo de alumnos seleccionados íbamos a desfilar en 080 Barcelona fue una gran sorpresa. Solo con eso ya nos sentimos afortunados. Pero cuando recibí el primer premio no me lo podía creer. Desde ese mismo instante contactaron conmigo varias marcas nacionales con interés en que trabajara con ellos. También ha sido una buena plataforma para darme a conocer entre estilistas. Fue increíble, llegué a recibir propuestas de fotógrafos interesados en mi trabajo desde Italia y Reino Unido”. Colección: “Soy muy mitómano, por eso mezclé varios de mis referentes, tanto de música como de arte. La idea surgió al querer transmitir con cada look cosas opuestas que me gustan y ver que congeniaban a la perfección. Por ejemplo: la música disco y el punk. También hice personalmente tejidos a partir de mis cuadros fetiche”. Budapest: “No sé muy bien cómo surgió lo de desfilar en la Semana de la Moda de Budapest. Simplemente, un día me llamaron de mi universidad para comunicarme que había sido seleccionado. Por lo visto habían visto mi colección y querían que participara. Los premios de esta pasarela son muy interesantes, y alguno te abre las puertas a pasarelas como Milán o Rusia”. Planes: “Mi intención es entrar en la escuela de Amberes, o el IFM de París. Pero, de momento, voy aprovechando lo que surge”. España: “En el extranjero hay muchas más posibilidades para comercializar producto de autor, tanto en soportes online como en tiendas físicas que apuestan por diseño joven. Esperemos que poco a poco España se convierta en un punto de referencia del diseño y no necesitemos buscar soportes fuera”.
Bleach Project: “Comencé este proyecto hace 3 años. Y aun sigo haciéndolo todo yo solo, desde el concepto al diseño, pasando por marketing, redes sociales, look books. También tengo un equipo trabajando para la marca en producción y gestión. Desde 2013, hemos pasado de hacer camisetas con slogans a ser más una marca high end fashion con patronajes, diseños y materiales serios. Sin embargo, queremos que nuestro público no se tome la moda demasiado en serio. Queremos que se divierta con nuestra ropa, pasando de normas y reglas. Queremos saltarnos las barreras de la moda masculina y ser súper fluidos en cuestión de géneros”. Antecedentes: “Estudié moda en el Amsterdam Fashion Institute. En su plan de estudios combinan diseño y gestión. Creo que todo diseñador debería conocer ese aspecto del negocio para comercializar su creatividad. He trabajado durante 12 años para marcas. Mi experiencia más prominente fue en la marca australiana Shakuhachi. Ahí tenía la presión constante de tener que ser súper creativo, pero no conocía otros aspectos del negocio. Ahora tengo toda la libertad del mundo, pero tengo la presión de tener que hacerlo todo y asegurarme de que a final de mes la gente recibe su salario”. Bali: “Grandes marcas como KTZ y SkinGraft producen aquí. Desde los 80, importantes marcas internacionales han utilizado la habilidad de los artesanos balineses a la vez que disfrutaban de un fantástico estilo de vida. Durante todo el año hace un verano de 35 grados, y está rodeada de playas. Salvo en la estación de lluvias, siempre luce el sol y corre una brisa increíble”. Candy Flipping: “Es el nombre de la colección primavera verano 2017. Es una aproximación moderna al final de la década de los 70 y comienzos de los 80, una mezcla de la locura disco y glam. Es una especie de homenaje a Bowie y a Prince”. Promoción: “Hacemos una feria al año. En 2014 fue Hong Kong, Japón en 2015 y Shanghai en 2016. Pero a la mayor parte de nuestros clientes les contactamos vía email enviando periódicamente nuestros look books. Y la verdad es que las redes sociales juegan un papel muy importante. Te sorprendería la cantidad de tiendas, bloggers, prensa y casas de moda que nos envían mensajes directos por Instagram”. Objetivo: “Quiero que mi marca esté en tiendas junto a HBA, KTC, Public School, Acne Studios… Llegar a París, Londres, Nueva York… Lo mejor está por llegar”. 

jeavenandjell.tumblr.com
 
Madrid, 2011: Influenciados por la cultura street, Miriam Sanz y Yohei Oki crean su propia marca hace 5 años. Ella viene de la moda, él de la música. Ambos entre Madrid y Tokio. Durante este tiempo han logrado: vestir a celebrities como el rapero Drake, la estilista Haley Wollens, la actriz Kiko Mizuhara… o vender en importantes tiendas de Japón, Korea y España. Se lo curran todo ellos 2. Además, de las tareas propias de una marca de ropa, realizan colaboraciones con artistas como Michael Willis o Block FM, programa de radio japonés para el que realizan podcasts con dj’s como Joseph Marinetti o Falcons. Los 2, además tienen su propia vida aparte de Shoop. Por ejemplo, Yohei es uno de los miembros del colectivo musical Jazzz. Inicios: (Miriam) “Nos conocimos en una discoteca viendo pinchar a un amigo que teníamos en común. Yo decidí montar mi propia marca, y Yohei me ayudó desde el principio, y casi sin darnos cuenta nos convertimos en un equipo”. Evolución: “En estos 5 años creemos que hemos mejorado bastante en cuanto a diseño, imagen, ventas… Al principio hacíamos colecciones muy pequeñas, pero poco a poco hemos aumentado la cantidad y la variedad de prendas. Cuando empezamos éramos novatos, no teníamos mucho conocimiento ni presupuesto, y hemos gastado mucho dinero y tiempo innecesarios. Ahora nos hemos dado cuenta de que cuanto más crezcamos más inversión tendremos que hacer. A mí (Yohei) me dijo un artista japonés: ‘el truco para conseguir las cosas es seguir’. A veces es duro, pero como hacemos lo que nos gusta, no nos duele, y poco a poco nos acercamos a nuestro objetivo”. Música: (Miriam) “Me encantaría saber hacer música y pinchar, pero no. Lo de los podcasts fue una idea que se me ocurrió al empezar con la marca. Ahora colaboro en la selección de artistas junto a Yohei y Broken Haze”. (Yohei) “Hace años le pedimos a Broken Haze -productor y dj japonés- que nos hiciera un mix y a partir de ahí tenemos muy buena relación con él. Luego nos propuso colaborar en su programa Cloud Castle Radio en Block Fm, y así empezamos con los podcasts. En cada uno pedimos a algún artista emergente que nos haga un mix que emitimos en la radio y subimos a nuestra cuenta de Soundcloud”.
Madrid vs Tokio: “Madrid es una ciudad tranquila y te da tiempo a reflexionar. Tokio, al contrario, es una ciudad que tiene exceso de estímulos y es como si el tiempo pasara volando. Cuando estás allí todo te inspira, no paras de conocer cosas nuevas y nos viene bien digerir esas experiencias en Madrid para pensar otra vez en lo que queremos hacer”. Jazz: (Yohei) “Solemos escuchar hip hop, R&B, bass music, electrónica y muchas cosas más. Pero, últimamente he vuelto a escuchar jazz, echaba de menos los sonidos reales de instrumentos. Nuestra última colección se inspira en la elegancia y la improvisación del jazz, es una interpretación metafórica. Nos gustaría vestir más a los raperos, cantantes de R&B y dj’s que nos gustan… pero si nos llega y nos gusta la música, el género nos da igual”. Drake: “Haley Wollens nos escribió pidiéndonos algunas prendas para un editorial con Drake. Cuando llegó el paquete al hotel donde estaba Drake, él mismo lo abrió y por lo visto le encantó la ropa. Más tarde, nos pidió que le hiciéramos uno de nuestros chandals en más colores para actuar en su festival Ovo Fest. Y parece que le gustó, porque vimos varias fotos de él con nuestros pantalones”. Ventas: “A partir de la colección SS17 estamos en el showroom de París Other/Wise. Aparte, cada temporada montamos un showroom en Tokio para las tiendas japonesas. Para nosotros es mejor así que ir a ferias, porque el showroom conoce a tu clientela y sabe donde colocarte. También nos han surgido puntos de venta a través de las redes sociales”. Producción: “Producimos todo en España, y la mayoría de los tejidos también son de fábricas españolas. Para la colección SS17 hemos introducido algunos tejidos de Italia, y estamos pensando producir algunas prendas en Japón”. Precios: “Desde 50 € una camiseta, a 500… pero el precio medio ronda los 100-150 €”. Proyectos: “Colaborar con otros artistas y marcas… hacer una instalación”.

www.shoopclothing.com

Mientras que los expertos siguen disertando sobre el futuro de las publicaciones en papel, éstas también evolucionan apostando por destacar aquello de lo que carecen los medios digitales: sensaciones como el tacto y el olor intrínsecas al medio impreso, pero también un diseño atractivo y diferente que convierta a lo que tienes en tus manos en un objeto casi podríamos decir de deseo. Alrededor de este tipo de publicaciones han surgido además eventos que reivindican el medio impreso, y no solo nos referimos a revistas, sino también a libros, fanzines o catálogos. En noviembre destacamos dos de estos eventos: Papelcontinuo, un festival de edición gráfica independiente que tendrá lugar en Málaga, y Zines of the Zone, una biblioteca itinerante dedicada al libro fotográfico que pasará por Madrid, Granada, San Sebastián y Málaga, dentro de las actividades de Papelcontinuo. Este festival celebrará su primera edición en La Térmica de Málaga con una interesante Sección Oficial, pero también se extenderá a múltiples espacios de la ciudad de Málaga con su sección OFF. El principal objetivo del festival es dar a conocer proyectos editoriales, pero también crear un espacio de debate e incluso animar al público a que pongan en marcha proyectos editoriales propios. Así, la sección oficial estará dividida en Showroom, donde podrá verse una buena selección de proyectos; Espacio TAP, donde se establecerá un diálogo entre los responsables de los proyectos editoriales que se podrán encontrar en el área Showroom y el público; Ponencias, a cargo de profesionales relacionados con el mundo editorial; Mesa redonda, donde las revistas serán protagonistas a través de un diálogo entre 5 publicaciones; Exposiciones, donde podrán verse formas alternativas de enfrentarse al formato libro; Talleres, donde el público asistente, desde niños a personas de la tercera edad, podrán disfrutar del placer de crear su propia publicación; y Espacio Conciertos, con grupos de la escena independiente nacional como Hölograma o Trepàt. Toda una fiesta dedicada a las publicaciones en papel, donde Neo2 también estará presente, siendo además media partner del festival. Por su parte, Zines of the Zone se centra en la fotografía para mostrar un buen número de libros fotográficos autoeditados, photozines y fanzines. Desde enero de 2014 esta biblioteca-exposición viaja por Europa organizando eventos efímeros y recolectando nuevas publicaciones. Ahora estamos de suerte porque le toca el turno a España.    

Papelcontinuo. La Térmica. Málaga.18, 19 y 20 de Noviembre.
Zines of the Zone. Madrid, 10, 11 y 12 de Noviembre. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía + Granada, 15 y 16 de Noviembre. Centro José Guerrero + Málaga, 18, 19 y 20 de Noviembre. Papelcontinuo. + San Sebastián, 22, 23 y 24 de Noviembre. Tabakalera.

Wolfeboro es una pequeña localidad de New Hampshire, Estados Unidos, famosa por ser el lugar de veraneo más antiguo de América gracias a su hermoso lago Winnipesaukee al pie de la montaña Moody. Un lugar hermoso, pero también rudo. Johnny Schillereff, fundador de la marca Element, lo conoce muy bien. En 1926 su abuelo construyó allí una cabaña, y desde entonces ese valle ha sido lugar de peregrinaje para la familia. Johnny incluso ha creado una colección que lleva su nombre, Wolfeboro: Chaquetas y chupas con un corte clásico y atemporal, pero con cada vez más fuerza en aspectos técnicos anti-invernales como indica la etiqueta Authentech, la tecnología auténtica de Element. Prendas en formato 3-en-1: impermeables, transpirables y cortavientos, rellenos de plumón con laminados de 5 a 10k. Si son buenas para Wolfeboro, son buenas para ti.  

eu.elementbrand.com
Jacinto Benavente dijo: “una cosa es continuar la historia y otra repetirla”. Y adidas Originals parece compartir las sabias palabras del Premio Nobel de Literatura. Sus zapatillas NMD lo demuestran. Son el resultado de innovadores experimentos con el ADN de adidas Originals, donde primero se extraen referencias de modelos clásicos como la Micro Pacer, la Rising Star o la Boston Super, para después inyectarles las últimas tecnologías vanguardistas de la casa, como son la suela de máxima amortiguación Boost o el tejido Prime-knit, ultra ligero y transpirable. El resultado es una nueva silueta, contemporánea y a la vez histórica, porque aglutina capítulos del pasado, presente y futuro de adidas. Originales, flexibles, cómodas, resistentes y súper estables, las NMD son la base del movimiento urbano nómada, y de ahí su nombre. Para esta temporada destacamos 2 nuevos modelos con los rasgos propios de la línea (suela Boost, sus peculiares incrustaciones Eva y lengüeta integrada:
(1) Las NMD_XR1: una construcción tipo calcetín, especialmente ideada para los meses de invierno con sistema de paneles laterales de TPU moldeable. Disponibles en malla elástica o tejido Primeknit bicolor.
(2) Las NMD_R1: cuerpo de malla elástica, confortable forro textil, 3 bandas laterales reflectantes y talón con contrafuerte y tirador. Como veis, los archivos de adidas están muy vivos, siempre evolucionando. Ya lo dice Nic Galway, vicepresidente de diseño global de adidas Originals: “Nuestro archivo dispone de la mejor tecnología de nuestro tiempo. No es un museo. Es una herramienta, una referencia”.

http://adidas.es/nmd
El estudio madrileño Mayice ha sido invitado por la Real Fábrica de Cristales de La Granja de San Ildefonso para crear una colección de luminarias. El resultado de esta colaboración es una colección que se llama RFC+ y que engloba 13 modelos. Imanol Calderón y Marta Alonso, componentes de Mayice, han realizado un trabajo de búsqueda entre más de 4.000 moldes históricos de la Real Fábrica de donde han seleccionado 22, con los que han diseñado los modelos de la colección. RFC+ son lámparas de suspensión fabricadas en cristal con el tradicional sistema de soplado de caña.  Son piezas en cristal incoloro que evidencian la esencia pura de su volumen y de su origen, interpretando un diálogo entre tradición, tecnología y belleza natural.

www.mayicework.com

Evolución: “Antes de empezar a componer el disco me puse una serie de reglas que tenía que cumplir. Básicamente sabía que no quería repetirme. Al principio decidí que no iba a usar el piano para componer, sino algún otro instrumento como la guitarra o el arpa, y de hecho escribí varias canciones así. Pero al final acabé volviendo al piano. Otra gran diferencia está en el sonido, mucho más ambicioso. Y por supuesto las letras, ahora tengo un estilo más personal y directo”. Letras: “Cuando hice el primer disco me parecía mucho más fácil inventarme historias porque tenía la sensación de no haber vivido lo suficiente como para escribir sobre mí mismo. No había tenido experiencias vitales que mereciesen una canción. Pero entre ese momento y el nuevo álbum ocurrieron tantas cosas en mi vida que fue inevitable no escribir sobre ellas”. Sonido: “Esta vez he pasado mucho tiempo experimentando en el estudio, jugando con los sintetizadores. Soy muy perfeccionista y he tardado incluso días en encontrar el sonido adecuado. No estoy acostumbrado a trabajar con ellos y necesitaba ponerme ese reto”. Realidad vs. Ficción: “Es algo que me ha preocupado desde hace mucho tiempo. Me fascina el espacio y siempre veo documentales sobre el universo y los orígenes de la creación. Para mí esa ha sido siempre la gran pregunta, qué es real y qué no. En el disco esto se traslada a mi anterior relación. Me enteré de que mi ex-pareja había llevado una especie de doble vida mientras estábamos juntos. Cuando lo descubrí me empecé a cuestionar los años que habíamos pasado unidos, qué parte de todo aquello había sido real y qué parte una mentira. Y cuando leí ‘1984’ de George Orwell pensé aún más sobre ello, sobre la idea de que quizás lo que vemos a nuestro alrededor es en realidad una idea, una creación. Es un tema muy complejo pero me apasiona”. Black Mirror: “Vi la serie de Charlie Brooker mientras componía el disco y sus ideas han acabado formando parte de él. Un día, viendo imágenes de mi ex-pareja en el móvil, me di cuenta de que esa persona que ya no formaba parte de mi vida seguía existiendo dentro del teléfono. Black Mirror lleva ese concepto a otro nivel, cómo después de nuestra muerte vamos a seguir existiendo como seres digitales”.

“Aforger” está editado por Erased Tapes y distribuido por Gran Sol.
Las gafas y el arte, 2 de nuestras pasiones unidas en una exposición itinerante: H.E.P. (Heartmade EyeweART Project). Se trata de una iniciativa de la marca andaluza de gafas de autor Laveta Eyewear. Para este proyecto, Laveta ha cedido sus originales diseños en madera a un total de 40 artistas internacionales para que, a modo de lienzo, trabajen sobre ellos y creen piezas únicas. Ernesto Artillo, Mercedes Bellido, Manuel León, Patricia Mateo, Coco Dávez, José Medina Galeote, Wearbeard, Agente Morillas, Bakea, Emilio Subirá, Marina Vargas, Juanjo Fuentes, Mario Belem, Demo, Vicky Uslé, Miki Leal o Pedrita Parker  son algunas de las firmas invitadas. Sus creaciones, después de exponerse en Málaga, llegan a Madrid el 18 de noviembre.  

www.lavetaeyewear.com


H.E.P @ Iou Story Store
C/ Jorge Juan, 12 (Madrid)
del 18 de noviembre al 10 de diciembre

Imagen: Bakea. The Third Eye.
Su nombre lo deja claro: la “casa del suéter”. Las marcas que se asocian al concepto de “casa” tienen algo especial: alma, historia, relatos… Sweater House, por ejemplo, tiene muchas cosas que contar. Una de ellas es que está íntimamente ligada a los orígenes de la cultura del reciclaje. Nació, literalmente, dentro de una casa familiar, a finales de la década de los 80, en Olot, comarca de La Garrotxa, Girona. Aunque su bagaje se remonta a varias décadas atrás, a los años de escasez de la primera mitad del siglo XX. En aquellos tiempos, ante la falta de materia prima, los pequeños talleres de confección comienzan a reutilizar restos textiles inservibles. Dan una nueva vida a la lana que hasta ese momento se desechaba. Un proceso laborioso, pero bonito. Primero seleccionaban los retales, luego los clasificaban por colores y tejidos. Finalmente los trituraban para obtener una borra de lana, casi idéntica a las nuevas salvo que las recicladas ya vienen teñidas, ahorrándose así el costoso y contaminante proceso del tinte. Y de esta forma, revolucionaria en su momento, conseguían una nueva hilatura especial perfecta para fabricar resistentes jerseys de alta calidad. Ahora, Sweater House recupera el alma de esa costumbre textil propia de los talleres de las comarcas del interior de Catalunya, un proceso donde la tradición se fusiona con la innovación. Ese alma de la casa se aprecia nada más acariciar una de sus prendas de punto, tienen un tacto singular, unos colores únicos con matices envejecidos, y hasta un aroma propio, natural de La Garrotxa, donde nace cada una de sus longevas piezas. Jerseys, como ves, de toda la vida, capaces de adaptarse a todas las tendencias que vienen y van. Funcionan igual de bien con pitillos y zapas, que con botas army o de montaña. Están genial debajo de una bomber o una parka. Y ni te cuento con una falda plateada ahora que estamos todos locos con el rollo genderless. 

www.sweaterhouse.es
No es una leyenda. En el océano Pacífico Norte existe una isla de 1.400.000 km2 formada por desechos plásticos, el equivalente a 100 millones de toneladas. Y esto es solo una pequeña parte de la contaminación que amenaza la vida marina y terrestre. Estos polímeros se están desintegrando en tóxicas moléculas invisibles que entran a formar parte de la cadena alimenticia de todo ser vivo. Con la idea en la cabeza de que “si el océano muere, todos morimos”, un visionario llamado Cyril Cutsch crea en 2012 una plataforma creativa y productiva para limpiar los mares: Parley for the Oceans, foro del que adidas es socio desde 2015. Entre sus numerosas acciones conjuntas, destaca la producción de una zapatilla de running fabricada con materiales plásticos recuperados del océano: la Ultraboost Uncaged, la primera zapatilla ecológica que sale del mar gracias a este innovador sistema de producción bautizado como adidas Tailored Fibre Technology. En total se han fabricado 7.000 pares que saldrán a la venta el 15 de noviembre.  
  
www.adidas.es
Two Vines: “El nombre del disco proviene de una visión que tuve. En ella se podía ver una gran ciudad cubierta por completo de viñas. Es el concepto de la naturaleza tomando de nuevo el control del planeta, arrebatándoselo al hombre, que siempre ha tratado de arruinarlo”. Antiguo pero moderno: “Siempre nos movemos en la línea que separa la modernidad -en términos de producción y mezcla- y ese brillo especial que se consigue gracias a los equipos antiguos. Todavía nos gusta mucho grabar sin ordenadores, usando cintas magnéticas, en habitaciones llenas de músicos de verdad. Básicamente lo que tratamos de hacer es usar el equipo vintage que tenemos para volver a una época con un sonido más clásico y tratar de crear algo nuevo a partir de ahí”. Budismo: “Nunca me he considerado una persona religiosa, pero un día, durante un trance muy profundo, Buda se reveló ante mí. Desde ese momento trato de reparar el mundo e incluir un mensaje positivo en mi trabajo”. Lindsey Buckingham: “Siempre ha sido una influencia para mí, incluso antes de entender la música. Mi primer concierto fue uno de Fleetwood Mac en Sidney, en 1986, al que me llevaron mis padres. Desde entonces su música ha sido siempre una parte muy importante de mi corazón. Así que tenerle en el estudio fue una bendición. Es un alma muy generosa y su contribución fluyó de manera natural”. Otras colaboraciones: “Hemos tenido la suerte de contar con Henry Hey y Tim Lefebvre, que participaron en la grabación de Blackstar, el último disco de Bowie. A Henry le conocí a través de Phil Ramone y enseguida iniciamos una relación muy estrecha. Es siempre un placer y un verdadero privilegio crear música con gente tan increíble y obviamente, con Bowie siendo un enigma tan grande, cualquiera que haya trabajado con él consigue un estatus de aprobación por parte de cualquier persona del planeta”. David Bowie: “Cuando Bowie murió estábamos en Hawai, grabando el disco. De vuelta al hotel puse algunas canciones suyas en el coche y no fue tristeza lo que sentí, sino una especie de locura al saber que en aquel momento todo el mundo estaba escuchando algún tema suyo. Era como si en el cielo se celebrase el mayor concierto de la historia. Creo que es un ser celestial que nos observa y su energía fluye a través de nosotros”.
 
“Two Vines” está editado por Universal Music.a la venta el 15 de noviembre.  
Quién le iba a decir en el siglo XIX a un pomposo y opulento creador de moda como lo fue Worth, que en el siglo 21 las tendencias iban a estar dominadas por la influencia de la ropa de trabajo de su tiempo. Carhartt WIP es con derecho uno de sus máximos exponentes de este neo workwear, al fin y al cabo tiene acceso a los archivos originales de la casa madre norteamericana, con más de 100 años de historia. Su éxito consiste en adaptar esta herencia a los tiempos modernos, pero conservando las calidades de antaño. Esta temporada, por ejemplo, interpretan su icónico camuflaje a base de brochazos, consiguiendo un original efecto único. Muy arty.  

www.carhartt-wip.com
Evolución: “La gente suele asociarnos con el drum & bass pero lo cierto es que nos gustan muchos géneros. Por ejemplo, si escuchas nuestro primer trabajo, Spoons ft. MNEK & Syron, verás que el sonido es muy house”. El tercer disco: “Justo ahora estamos trabajando en él y estamos muy emocionados. El primer y el segundo álbum los hicimos prácticamente en la carretera, lo cual fue divertido pero también muy duro, porque no tuvimos el tiempo ni el espacio suficiente para concentrarnos en ellos. Esta vez hemos abandonado la carretera y nos hemos encerrado en nuestro estudio de Hoxton. Editaremos el primer single muy pronto”. Premios: “Creo que del que estamos más orgullosos es del Brit Awards. Fue una pasada ver a todos nuestros ídolos actuar y recoger premios durante la ceremonia. Fue un gran honor recibir el premio a Mejor Single Británico por nuestra canción ‘Waiting All Night’”. Colaboraciones vocales: “Si pudiéramos elegir, nos encantaría colaborar algún día con Lauryn Hill. ‘Miseducation’ es uno de nuestros discos favoritos de todos los tiempos. Quien sabe, quizás algún día este sueño se haga realidad. También nos gusta trabajar siempre con nuevos talentos. Pueden ser tan buenos como nuestros ídolos. De hecho, ahora mismo estamos buscando vocalista para nuestro tercer disco”. Los fans: “La verdad es que nuestros fans no saben muy bien cómo somos, nos reconocen más por nuestra música. Todavía podemos andar por la calle tranquilos, así que es bastante cómodo, porque la gente conoce nuestra música, pero no nuestras caras, y eso es lo que nos interesa, la música es lo que importa, no nuestro aspecto”. Imagen: “No nos obsesiona nuestro aspecto físico, no es lo más importante para nosotros, pero sí que nos gusta cuidarnos. Algunos jugamos al futbol, otros hacen yoga o tai chi. Nos gusta practicar deportes”. Bench: “La colaboración con Bench ha sido genial. Todo empezó cuando vinieron a vernos un día a un concierto y decidieron hacer ‘un día tras el escenario’ con nosotros, viendo cómo era nuestra rutina diaria. Han entendido muy bien nuestro concepto como banda, y además tenemos un mensaje similar que transmitir, que es simplemente hacer que la gente se sienta y se lo pase bien”. Los favoritos de Bench: “Tienen muchísima variedad de ropa. Cada uno de nosotros tiene un estilo propio, y todos encontramos en la marca algo que nos encajaba. Además todo es muy cómodo y fácil de llevar”. España: “Por supuesto que iremos pronto, en nuestra gira de 2017. ¡Estamos impacientes por volver a la carretera con nuestro tercer álbum!
Ser una plataforma para los nuevos creadores siempre ha sido el objetivo de Neo2 como medio de comunicación. Lo hemos hecho tanto en soportes analógicos como digitales. Pero recientemente dimos un paso más apoyando la venta directa de sus colecciones en una boutique efímera: Neo2 Flash Store. En esta primera edición contamos con las creaciones de Hosoi, Pedro Lobo, Leyre Valiente, Sampedro, Maria Magdalena, Funny Swing, Modet, Sea & Horse, Crazy Legs y Delacruz. Las 10  firmas transformaron en boutique de moda a 2 de los hoteles más emblemáticos del madrileño barrio de La Latina: La Posada del León de Oro y La Posada del Dragón (Cava Baja 12 y 14). Ahora, a por la segunda edición.
¿Un fin de semana en Ibiza? ¿Invita Burn? ¿El evento va de arte urbano y música electrónica? ¿Vamos al closing party de Ushuaïa? Todas las respuestas fueron afirmativas así que no tuvimos que pensarlo mucho, nos fuimos a Ibiza a primeros de octubre invitados por Burn, la marca energética que nació en la isla en 2002, y que ahora, en 2016, cambia su imagen y renueva su estrategia para apoyar a la música y la cultura urbana. El lugar elegido para dar el pistoletazo de salida a esta nueva filosofía de marca tenía que ser Ibiza, y si tenía que haber música de por medio, nada mejor que un lugar como Ushuaïa, el hotel-club más famoso de Europa, donde el pasado 1 de octubre se celebraba además su closing party con más de 12 horas de música non stop a cargo de artistas  como The Martinez Brothers, Seth Troxler o Damian Lazarus. Allí, solo un par de días antes de esta famosa fiesta que ya había colgado el cartel de sold-out, llegaron Okuda San Miguel y Felipe Pantone para poner en marcha la primera colaboración de Burn con el arte urbano a través de la iniciativa Wall Burners, para la que la marca ha contado además con la ayuda de los chicos de Ink and Movement, que llevan apoyando y promocionando el arte urbano durante más de una década. Junto a ellos Burn ha desarrollado este proyecto que tendrá continuidad y convertirá Ushuaïa Ibiza Beach Hotel en el primer hotel del mundo con paredes vivas, donde los mejores artistas de arte urbano irán dejando su huella hasta convertir toda su fachada en una gigantesca obra de arte. Okuda y Felipe Pantone han sido los encargados de abrir la veda, dos pesos pesados del arte urbano que han hecho piña creando esta obra donde confluyen a la perfección sus dos lenguajes artísticos: los estampados multicolores tan reconocibles de Okuda junto a los hipnóticos motivos de Pantone. Pero lo mejor del proyecto Wall Burners es que no ha hecho más que empezar, ya que ahora serán Okuda y Pantone los encargados de seleccionar a los siguientes artistas que continuarán interviniendo las paredes de Ushuaïa Ibiza Beach Hotel, el epicentro de esta nueva iniciativa de Burn. Del fin de semana os podemos contar que los diferentes sabores de Burn combinan con todo: ginebra, ron, vodka… Que nos disfrazamos de superhéroes como los 7.000 asistentes a la closing party de Ushuaïa y que hubo un montón de anécdotas que no os vamos a contar porque, lo que pasa en Ibiza, se queda en Ibiza. 
Para esta temporada hemos visto lunares en todas las pasarelas internacionales. Los vimos en la colección de Marc Jacobs, en MSGM, Saint Laurent, Elie Saab… Pero bajándonos de la pasarela, y con los pies en la calle, la propuesta que gana por muchos puntos es la Rain Collection de Element Eden. La marca, aunque parezca la hermana pequeña de Element, en realidad es toda una mujer. Su creadora es Kori Schillereff, esposa del fundador de Element, Jhonny  Schillereff, quien a finales de los años 90 decidió lanzar una línea de ropa femenina que representase las inquietudes de una nueva generación de chicas creativas, libres, espontáneas, femeninas y urbanas, a las que nada, ni nadie, les corta el rollo. Ni tan siquiera un día lluvioso. ¿Nos vamos a quedar amargadas en casa por 4 gotas? Pues no. Y mucho menos teniendo a nuestro alcance la última entrega de Element Eden para este otoño-invierno: la Rain Collection, una simpática colección cápsula compuesta por 7 piezas básicas: impermeable con capucha, chaqueta con capucha, sudadera, camisa, camiseta, gorro y una práctica bolsa resistente al agua. Todas salpicadas por la tendencia de la temporada: los polka dots. En esta ocasión, lunares blancos sobre un intenso fondo azul marino. Cada una de estas piezas aporta un puntazo a tu look habitual, van genial con todo. Las puedes combinar entre sí, o llevar por separado. Te digo que seguro habrá algún día en el que incluso desees que llueva para salir a la calle con tu impermeable de lunares. 
 
eu.elementbrand.com/womens
35 años siendo uno de los grandes referentes del arte contemporáneo español bien se merecían esta exposición que ha organizado el madrileño Museo Reina Sofía y que puede verse en el Palacio de Velázquez del Retiro. Una exposición antológica que acoge unas 60 obras del artista, desde los años ochenta hasta la actualidad, bajo el título “Otro Family Plot”. El comisario de la exposición, Joao Fernandes ha contado con la ayuda de diez artistas: Ana Laura Aláez, Ángel Bados, Jon Mikel Euba, Pello Irazu, Asier Mendizabal, Itziar Okariz y Sergio Prego, que han seleccionado diez obras de Badiola cada uno. La muestra, que no es cronológica ni temática, se estructura en 8 grandes áreas que resumen las cuestiones más recurrentes en la obra del artista vasco. 

“Otro Family Plot”. Palacio de Velázquez. Parque del Retiro (Madrid). Hasta el 26 de febrero de 2017.

Imagen: Vista de la exposición Txomin Badiola. Otro Family Plot. Septiembre 2016. MNCARS.
¿Disco conceptual? “Para nosotros es una colección de canciones. Sí es cierto que muchas recogen elementos comunes, pero será porque están compuestas en un momento concreto de nuestra vida. No hemos dicho: ‘ahora vamos a hacer un disco de bosques y de muerte’. Nos hemos ido dando cuenta poco a poco de lo que iba saliendo y de que había cosas que se repetían”. Menos guitarras: “La mayoría de las canciones se compusieron con el piano, así que lo lógico era hacerlas con instrumentos de teclas. Además hay acordes que son más difíciles de tocar en una guitarra”. Composición: “Normalmente Luis tiene una idea y la desarrollamos entre los dos. A veces esta idea ya tiene una forma más definitiva y otras no, pero tampoco quiere decir que siempre sea así. En este disco hay melodías que son de Teresa y a partir de ahí nació todo lo demás. De lo que se trata es de darle forma a algo que los dos vemos de esa manera”. Single: “Estamos encaprichados con esa progresión de acordes tan romántica y tan misteriosa de ‘El Tigre y Yo’, por eso tuvimos claro que sería el single. El tratamiento de producción nos parece espectacular y llamativo. Es una puerta ideal para entrar y salir al mundo de Fruta y verdura”. Hidrogenesse: “Normalmente les vamos enviando maquetas. Después acordamos qué canciones se van a grabar y cuáles van a tener o no batería y piano. En ese punto se trasladan a Logroño con su equipo de grabación portátil y lo primero que hacemos es grabar baterías y pianos. Los siguientes pasos son en Barcelona, donde vamos añadiendo los demás instrumentos y voces. Lo que aportan es evidente: mejores acabados, fantasía en los arreglos... ¡ y qué nos dices de la portada de Carlos Ballesteros! Es una suerte increíble poder trabajar con ellos”. Futuro: “En el fondo somos muy ambiciosos: queremos hacer canciones que no haya hecho nadie. Disfrutar y hacer disfrutar. Pero pensar en otros términos, considerando la situación cultural y lo que está pasando con la música y las artes en nuestro país -desaparición de la asignatura en los programas educativos, divulgación cero en los medios públicos, etc.- sería de locos. Seguimos con nuestro trabajo habitual, somos profesores, y no podemos ni plantearnos lo de la música”. 

“Fruta y Verdura” está editado por Austrohungaro.
Ya te aviso de que estos cascos no te los vas a quitar de la cabeza. Lo tienen todo. Para empezar son unos auténticos Marshall, una leyenda con más de 50 años reproduciendo música. Con ellos vas a poder moverte, y hasta bailar, con total libertad. No tienen cables, se conectan por bluetooth APTX con tu dispositivo de audio y tienen una autonomía de 30 horas. Con los Marshall Headphones incluso puedes ver una peli con la imagen y el sonido totalmente sincronizados. Y por mucho que descontroles, lo tendrás todo bajo control con un simple botón analógico. Con él puedes hacer de todo: reproducir una canción, pararla, pasar a la siguiente, subir o bajar el volumen… incluso responder al teléfono y que te escuchen al otro lado de la línea gracias a su micrófono. Molan, ¿no? Los tienes en blanco, negro o marrón.
www.marshallheadphones.com
Con Jumilla como denominación de origen, este vino tinto roble ha sido seleccionado como el mejor de España en 7 concursos internacionales. La verdad es que llama la atención de lejos, sin abrirlo. Eduardo del Fraile es el autor del atípico diseño de su etiqueta. Una tercera añada criada en barricas de roble francés durante 5 meses. Perfecto para maridar en casa con un buen grupo de amigos.
casarojo.com
Así es Jonndo. Por un lado, recoge toda la sabiduría de los artesanos españoles del calzado. Y, por otro, recurre a las últimas tecnologías para que puedas hacerte unos zapatos a medida sin moverte de casa. ¿Cómo? Jonndo tiene una app propia que con solo 3 fotos se hace una idea exacta de las proporciones de tu pie. Un clásico contemporáneo que dentro de muy poco inaugura su primera tienda física en Madrid: Velázquez, 35.
www.jonndo.com
ANTONIO BAUZA

Subdirector de marketing corporativo de Barceló Hotel Group para la región de EMEA. Inconformista e inquieto por naturaleza, en estado BETA permanente para sorprender al cliente cada vez que visita uno de nuestros hoteles y conseguir que repita.
Un año más estamos de enhorabuena. Hace unos días conocíamos los datos publicados por FRONTUR (Instituto de Estudios Turísticos del Ministerio de Industria) y confirmaba los datos que esperábamos. Nos encontramos ante un año histórico en cuanto a número de visitantes extranjeros.
En lo que llevamos de año, 42.5 millones de extranjeros han visitado nuestro país, un 11% más que el año pasado, que también fue de récord. Y todo apunta a que a finales de año llegaremos a los 70 millones de visitantes. Somos el destino preferido de los europeos para pasar sus vacaciones, especialmente de los británicos, alemanes y franceses, que suponen el 50% del total de turistas que nos visitan. Nos eligen por nuestras playas, por nuestra cultura y por nuestra gastronomía; y Cataluña, Canarias, Baleares y Andalucía son los lugares más demandados.
La amenaza terrorista en Túnez, Turquía y Egipto no ha hecho sino aumentar el interés de los extranjeros por España. Si las previsiones se confirman, se prevé que sólo entre julio y septiembre nos visiten más de 25 millones de turistas internacionales, lo que sería el verano con mayor número de visitantes de la historia. Y no sólo vienen más, sino que también pagan más. Según los últimos datos del INE, los turistas que nos visitaron en julio gastaron un 7% más que el mismo mes el año pasado, alcanzando la cifra de 10.257 millones de euros.
Sin embargo, la gran afluencia de visitantes ha hecho que este verano se hayan vivido situaciones de incomodidad entre los residentes y visitantes de algunas zonas turísticas que han llegado a definir la situación como “insostenible”. Una situación debida principalmente a la falta de regulación de las viviendas de alquiler vacacional, lo que ha hecho que la percepción de saturación haya sido mayor de la esperada.
Algunos Gobiernos regionales y locales han puesto en marcha iniciativas para controlar el número de visitantes, así como garantizar la sostenibilidad medioambiental y territorial. Es el caso del Govern Balear que ha implantado este verano una controvertida ecotasa (o tasa turística) en las islas que de momento sólo graba las estancias de los turistas en establecimientos regulados. Sin embargo, no ha sido capaz de poner freno a la oferta ilegal de viviendas vacacionales aplazando la aprobación de la ley de alquiler turístico hasta el próximo verano.
El sector hotelero se encuentra sumido en un momento de revolución. Las tecnologías de la información y las comunicaciones (TIC) han revolucionado la forma de planificar y reservar los viajes, pero también la forma de disfrutarlos y compartirlos. Hemos asistido al nacimiento de un nuevo turista digital más independiente, exigente, multicanal, que espera un servicio personalizado y necesita estar conectado de forma permanente. Ahora es el turista quien manda y la oferta es la que se debe adaptar a un cliente que exige información veraz y contrastada, la mejor relación calidad-precio, experiencias auténticas y hoteles que ofrezcan una oferta diferencial. En definitiva, se ha sustituido “la experiencia” por “la experimentación” por lo que algunas cadenas hoteleras están especializándose en segmentos concretos para ganar competitividad. Es el caso de Barceló Hotel Group que ofrece hoteles especializados en el segmento familiar con un programa de animación infantil revolucionario inspirado en la Teoría de las Inteligencias Múltiples. Pero también hoteles sólo para adultos con una sofisticada oferta de servicios para mayores de 18 años, hoteles Wellness con instalaciones de última generación, hoteles con encanto donde llevamos a cabo cursos personalizados de pintura creativa, etc.
Pero el gran reto al que se enfrentan hoy los hoteles es la aparición de nuevos competidores de la mano de las plataformas digitales. La llegada de Airbnb, Homeaway o HouseTrip, que proporcionan una amplia oferta de alojamiento a través de un planteamiento más económico que el tradicional, ha revolucionado la manera de entender los viajes. Las viviendas de alquiler vacacional continuarán creciendo en popularidad, ofreciendo servicios asociados a hoteles, diseñados para hacer sentir al cliente más cómodo que en su propia casa.
Las adquisiciones de plataformas tecnológicas por parte de los players tradicionales es una de las principales vías de adaptación al nuevo entorno. Como ejemplo de esta tendencia destacan la compra de HomeAway por Expedia, la adquisición de Onefinestay por parte de Accor o la reciente compra de Trip4real por parte de Airbnb. O las alianzas con partners estratégicos de venta online como es el caso de Marriott y Expedia que permitirá a la cadena hotelera la confección de paquetes dinámicos con una selección de productos aéreos, tours, atracciones y transporte terrestre.
Nos encontramos por tanto en un momento excitante para el sector con un futuro muy optimista. Pero no hay que olvidarse que existen riesgos que pueden reducir estas brillantes expectativas, como son la amenaza terrorista, la incertidumbre financiera o la situación política, por lo que no podemos caer en la autocomplacencia y olvidarnos de mimar ahora más que nunca al cliente, sorprendiéndole continuamente, ofreciéndole la mejor calidad al mejor precio, en definitiva, haciéndole sentir bienvenido y satisfecho. Para que hable muy bien de su estancia con nosotros y que vuelva. Cuantas más veces, mejor.
ALBERT GUARDÌA

Ingeniero técnico de Telecomunicaciones especializado en
Sonido e Imagen, co- director del sello La Castanya junto
a su hermano Joan y batería de Nueva Vulcano.
Hago que pasen cosas, a veces.
Hace unas semanas se nos encargaba escribir un artículo para el número que tienes en tus manos. Un texto sobre cualquier tema que se me ocurriera, pero que no fuera autobombo. ¿Por qué nosotros? ¿Qué puedo contar? ¿Para qué? Aún sigo sin poder responder a estas preguntas. Pero me gustaría compartir unas ideas, sin llegar a ningún tipo de conclusión, pero poniendo sobre la mesa el papel de las discográficas hoy, formulando preguntas con múltiples respuestas.
El título del artículo resume para mí el estado actual de las discográficas. ¿Alguien sabe qué papel hacen? ¿De qué sirven? ¿Por qué existen? Planteo estas preguntas porque en los últimos meses he leído artículos sobre el fin de las discográficas como tal. Se habla de un cambio de paradigma auspiciado por plataformas digitales potentes que ofrecen a los artistas mucha visibilidad y comunicación a cambio de exclusividad en sus contenidos. Plataformas, conocidas por todos, de grandes empresas como Apple, que con su nuevo proyecto Apple Music —siempre un paso por delante— quiere fidelizar a sus consumidores ofreciendo música y contenido de artistas que nadie más pueda ofrecer. Pero no nos engañemos, todos estos artistas que firman son potencialmente consumibles ya que antes han sido exitosos en otros sellos o tienen una base de fans tan sólida que no supone un riesgo invertir en ellos.
Esto me da una idea de hacia dónde vamos. Pero también marca la diferencia entre el modelo de las multinacionales y las discográficas que, a mi parecer, funcionan en base a otros principios. Aunque no quiero abrir otra vez el debate eterno entre los grandes sellos y los pequeños. No. Creo que hay diferencias sustanciales que cualquiera puede percibir. Lo que sí que me gustaría es entender el rol de esos sellos independientes en el estado actual, que es lo que le toca más de cerca a un servidor. ¿Tenemos algún tipo de función? ¿Por qué existimos? ¿Somos necesarios? Las preguntas vuelven y no pretendo resolverlas ni contestarlas hoy. Simplemente quiero compartir mi relación con algunos de los sellos que tanto me gustan. Quizá ésta sea una respuesta. Discográficas que llevan muchos años y que fueron y son influyentes en muchas direcciones, discográficas que ya ni existen, discográficas que sólo por existir ya son un éxito.
Uno empieza a darse cuenta de la existencia de las discográficas al mismo tiempo que conoce a diferentes grupos. Parecen pertenecer a una misma escena aunque igual no tienen nada que ver. Los descubres porque realmente están conectados: mismos músicos, misma ciudad, amigos, conocidos, fanzines, mi hermano mayor, o la misma discográfica. Recomendaciones, relaciones en definitiva que te hacen saltar de un grupo a otro. Pondré un ejemplo: una de mis tiendas favoritas en 1998 era el 7 Pulgadas de Barcelona. Tenía 15 años y pregunté por el disco de Texas is the Reason del sello Revelation Records —discográfica que editaba, entre otros, grupos que me gustaban y siguen gustándome: Sense Field o Quicksand—. Como no tenían el disco, me recomendó el nuevo grupo de su batería: Jets to Brazil. Acababan de editar su debut en Jade Tree. En este grupo también tocaba el guitarra de The Van Pelt y el cantante de Jawbreaker, para mi unos desconocidos en ese momento. La recomendación del tío del 7 Pulgadas me abrió las puertas al sello Jade Tree y de ahí a grupos como The Promise Ring, Pedro the Lion o Cap’n Jazz.
Mientras, en Barcelona, flipaba con los Aina. Que me llevó a BCore y a muchos de sus grupos: XMilk, Shanty Rd, Betunizer, Charades, No More Lies. Y también me llevó al Sant Feliu (Hardcore) Fest y a descubrir una manera de hacer las cosas diferentes, directas y con el corazón. Descubriría también en esa época a uno de mis grupos favoritos: A Room With a View que les vi en el Zeleste 3, donde también vi a unos At the Drive In en crecimiento. En ese momento mi hermano me dejaba el End Hits de Fugazi porque venían a presentarlo en directo. Después de muchas escuchas, entré. Fui al concierto y flipé. Y seguí indagando en Dischord: Lungfish, Antelope, Shudder to Think, Quix*o*tic, y Make-Up. Unos te hacen saltar a Mary Timony y Matador, otros a Ted Leo y Lookout Records, o a White Magic y Drag City. Conexiones que se expanden. De Chain and the Gang a K Records. De Sub Pop a Father John Misty, a Damien Jurado y Secretly Canadian, Superchunk y Merge Records, Hüsker Dü y SST, Touch & Go y GVSB, Hot Snakes y Swami Records, Daniel Higgs, Thrill Jockey y The Sea and Cake, Other Music y Boogarins, Ultimate Painting y Trouble in Mind y así sin parar hasta el día de hoy.
TONI PÉREZ 

Fotógrafo, Fundador & Editor-in-Chief at Vanity Teen, revista de moda masculina creada en 2009 en Barcelona, actualmente con sede en Londres, ciudad que nos anima a conquistar porque “en España va todo muy lento”.
Ya llega el último mes y hay que ir cerrando la maquetación, el tiempo se viene encima, con los que antes te escribías a diario se extrañan que no contestes pasada una hora, es el cierre de una edición.
Recuerdo cuando iba a EGB, de camino al colegio Pere Vila en Barcelona, hace unos 20 años, de vez en cuando encontraba una montaña de revistas a punto de ser distribuidas en un portal frente al Parque de la Ciudadella. Eran las oficinas de Metal y cuando tenía oportunidad siempre pillaba alguna, aun guardo algunos números del AB, que gran revista, con su extraño formato de papel y tan grande, eran mis primeras referencias de moda.
Desde pequeño he tenido referencias de revistas de moda como la desaparecida H magazine, AB de Yolanda Muelas y Neo2, en aquel formato en Din A5. Siempre quise publicar en esas revistas, pero solo pude en una. Recuerdo los enfados que tenía con los editores de H porque a última hora anulaban o aplazaban mi trabajo por motivos de espacio en la revista, la verdad es que lamento no haberles entendido en su momento.
Ahora soy yo el que está en ese lugar: tratar con tanta gente y tan diferente, cada una con sus manías y casi todos impacientes. Hay que conocerles uno a uno para que el trabajo de la revista fluya, hay que armarse de paciencia e intentar que la publicación salga lo mejor posible en la recta final. Durante el proceso, tratas con cientos de personas, y cada una de distinto lugar, y el inglés es el único idioma de comunicación. De verdad que admiro a esos editores de moda que trabajan con publicaciones mensuales, debe ser un trabajo bastante estresante.
Recuerdo hace años, cuando hacía fotos para intentar publicar en revistas, me frustraba tanto que no me contestaran… Yo eso es algo que no voy hacer, me instalé hace poco el programa Streak, funciona bastante bien, lo recomiendo. Tengo redactadas un par de respuestas predeterminadas, y una de ellas es contestar a todos los colaboradores que me envían propuestas, tanto para aceptarlo como para decirle que su trabajo no me encaja pero desearía recibir algo en un futuro, siempre intento tener el Inbox 0 y todos contestados.
Cuando Luis Alonso Murillo (mi Deputy Editor y cerebro tecnológico del proyecto) y yo comenzamos a hablar con Cameron Dallas y le conocimos, allá por 2013, cuando apenas tenía 3 mil seguidores le vimos mucho potencial. De hecho, tengo muy buenas memorias y sin lugar a dudas puedo decir que era un chico realmente carismático, y que calzaba perfecto en el formato de Vanity Teen por lo que unos meses más tarde organizamos su primera editorial profesional con Eric Más, el resto es historia. No imaginaba que 3 años después, Cameron iba a convertirse en una figura mediática internacional tan grande, con tantos millones de seguidores. Lo espectacular fue cuando haces unos meses Cameron aterrizó en Barcelona y Madrid para promocionarse, ahí me di cuenta de que el éxito no va a la misma velocidad para todo el mundo.
Me mudo a Londres y todo es más sencillo. En los primeros meses encuentro mi socio y director de arte. Un montón de experiencias nuevas en poco tiempo, que en España como diría una canción de Pimp Flaco “Estáis tos’ patrás’. Pero eso lo entiendo, en España va todo muy lento”.
Londres es una ciudad impresionante, siempre la he admirado por su multiculturalidad y mezcla de gente de todos los países, nos sacan tantos años de diferencia… lo positivo de esa gran ciudad son las oportunidades profesionales, y el desarrollo personal, sobretodo si eres emprendedor y decides pagar menos por comenzar un negocio. La calle es algo autista y me gusta, todo el mundo tiene prisa, cosas que hacer, está focalizada en sus cosas. No te cruzan la mirada, es algo que notas cuando llevas meses fuera de España, al volver notas una sensación incómoda de sentirte observado.
El reciente problema del Brexit y los altos precios por alojamiento son los puntos negativos, pero sin duda recomendaría a más de un fotógrafo y artista español como destino para ampliar su portfolio y cartera de clientes en poco tiempo. No entiendo como muchos fotógrafos están encadenados a España y cerrados en su círculo de amigos de los que se retroalimentan, fotógrafos que trabajan siempre para las mismas agencias de modelos y publicaciones, y que no salen de su ciudad por miedo a… No soy capaz de imaginar un Top Model ganándose la vida sin salir de su ciudad.
A día de hoy me siento satisfecho con los resultados, creo que vamos por buen camino. Sin duda me queda mucho por aprender y por mejorar, pero he podido ver cómo un proyecto al que le he dedicado tanto tiempo ha comenzado a dar frutos y eso me motiva para continuar.