Self portrait Living fossil, 2013.
Foto: Dominique Uldry.
Cortesía Kunstmuseum Thun y el artista.

Strike, 2012.
Foto: Andreas Zimmerman.
Cortesía von Bartha.
TEXTO
COVADONGA GARCÍA
Dreamcatcher (fotograma), 2015.
Cortesía del artista y von Bartha, Basel,
Cristina Guerra Contemporary Art,
Lisboa, Galerie Nord.
From Lucy with love, 2011.
Cortesía Moderna Museet.
Foto: Terje Östling.
XYZ, 2015. Foto: Dominique Uldry.
Cortesía Kunstmuseum Thun y el artista.
Interés como artista: “Se podría decir que estoy construyendo un modelo o dibujando
un mapa, donde amplío calles y edificios, añadiendo personajes y tramas. Este modelo
se dibuja constantemente, pero en cada nueva versión algo se queda, como si fuera una estructura permanente en este terreno.
En su conferencia How to build a universe that doesn’t fall apart two days later (1978),
el autor Philip K. Dick dijo: ‘Voy a revelarles
un secreto: me gusta construir universos que se desmoronan. Me gusta verlos despegarse, y me gusta ver cómo los personajes de la novela hacen frente a este problema‘. Estoy totalmente de acuerdo con este método de trabajo. Este modelo que estoy construyendo es el que utilizo para probar diferentes ‘personajes’ conocidos en la historia, el arte, la ciencia, etc. Dejo que mis referencias corran por mis calles, perdido y confundido, para ver donde se instalan finalmente. Para mí esta es una manera de alcanzar una visión alternativa de los hechos, verdades e ideas del mundo que me rodea“.
Ideas: “Surgen en cualquier lugar. Una idea puede venir de una escena de una película, un olor o un comentario de alguien. El truco para mí es que siempre tengo la cabeza llena con todo tipo de información. Cuando la cabeza está a punto de explotar, todo lo que necesita es una chispa. La idea de la obra Dreamcatcher (2015), por ejemplo, surgió de una tarjeta postal con una imagen que vi cuando era un niño, del pintor surrealista Giorgio de Chirico. Siempre sentí que sus primeros trabajos metafísicos contenían una noción muy específica del tiempo, como si no fueran paisajes fijos sino más bien una animación a cámara lenta“.
En el estudio: “¡Trabajo de una manera muy luterana! Estoy aquí desde las 8 de la mañana hasta las 7 pm. A nivel práctico lo que realmente hago en mi estudio varía dependiendo del lugar y del proceso  en el que esté. A veces me siento a mirar a la pared durante horas, sólo para pensar. Durante otros períodos me concentro en el trabajo práctico, la construcción de esculturas, haciendo bocetos, etc. Una obra de arte, a menudo, te dice en que se convertirá. Es una cuestión de ser sensible, de prever dónde va cada pieza y luego a esto le sigue el trabajo, cuando está tomando forma. Esto significa que una idea puede convertirse en un dibujo, un molde de bronce o un vídeo. En mi opinión, si fuerzas una idea nunca tendrá vida“.
Ciencia, realidad y ficción: “Tengo mucho interés en los vínculos entre ellas. Leo una novela de ciencia ficción y es ficción. Leo la revista Scientific American y se considera una ciencia. Para mí las distinciones casi no importan, porque lo concibo todo como parte de una historia en curso, en la que algunas partes se considerarán fantasías o ficción, mientras que otras se verán como  ciencia y hechos. La cuestión es por qué queremos desesperadamente separar estas dos posiciones, tal vez, porque están muy relacionadas con las definiciones de la realidad. La ficción puede servir como una zona de amortiguamiento frente a la realidad, lo cual es muy útil si se desea trazar una línea clara entre lo que se promueve como real y lo que se etiqueta como una fantasía. El concepto de la realidad no es, por supuesto, un fenómeno nuevo. A lo largo de la historia el concepto de realidad ha sido modificado de forma activa y utilizado como una herramienta para conservar el poder de ese momento en particular. Si estás en una posición de poder, puedes hacer del diablo una criatura real, y afirmar que la idea de que la tierra es una esfera es un producto peligroso de la imaginación, etc. Es fácil reírse de ejemplos como estos hoy en día, pero también es bastante ignorante confiar en el hecho de que nunca serán sometidos a las definiciones manipuladas de la realidad actual. Descartar la información como ficción o fantasía sigue siendo una forma muy efectiva de ridiculizar o amenazar a quien promueve un punto de vista subversivo. No estoy afirmando que una potencia iluminada nos mantiene en la oscuridad. Simplemente estoy diciendo que la ficción puede ser más real y útil de lo que pensamos“.
 
www.vonbartha.com

Soledad Berbegal
TEXTO
JAVIER ABIO

TNK Flex, evolutive task chair
Prisma, natural desking system
Cool Working: “Nosotros llamamos así a una nueva actitud frente al trabajo. Mediante el espacio y el mobiliario se puede conseguir  un nuevo entorno que sea una extensión de nuestro hogar, es hacer el lugar de trabajo más confortable, atractivo y motivador. Por ejemplo, una buena ergonomía en una silla hace que una persona, en una jornada laboral de 7 u 8 horas, sea un 25-28% más productiva. Tener esto en cuenta desde el primer momento que se diseña un espacio de trabajo es fundamental”.
Oficina: ”La motivación de mi padre ya desde los inicios era aplicar la tecnología al mueble auxiliar. En los 70 con la invasión de los televisores en los hogares españoles fabricó muebles para este electrodoméstico y tuvo un gran éxito. En los 80 se fijó en cómo el ordenador iba llegando a los hogares y se puso a fabricar muebles para las primeras y aparatosas computadoras. Sin saberlo estaba metiéndose en ese concepto tan de moda hoy en día, en el Home Office”.
Familia: “Somos 3 hermanas y 1 hermano y ninguno queríamos trabajar en la empresa familiar. Con el tiempo, después de vivir en diferentes países, y trabajar en diferentes sectores, todos nos hemos incorporado a la empresa familiar. Yo me incorporé hace 8 años y estuve 4 entre producción, compras y ventas… luego pasé a marketing y ahora me ocupo de comunicación y relaciones públicas. Cada uno tenemos un perfil distinto, y en áreas o incluso en países diferentes”.
Crecimiento: “Desde sus comienzos la empresa  fue creciendo poco a poco en plantas productivas creando diferentes sociedades. La primera planta fue para los muebles de melamina y derivados y se llamaba Creaciones Berbegal. Más tarde, se exploró el mundo del plástico y se creó Formas y Sistemas. Después nos metimos en el mundo del metal para lo que se iba a crear otra sociedad, pero el equipo directivo vio que esto era una locura así que en los 90 se decidió aunar todo bajo la marca Actiu”.
Fracasos: “Mi padre siempre dice que de los fracasos se aprende. Cuando empezó a trabajar el mundo del mueble una de las primeras cosas que fabricó fue percheros, fue un fracaso total, no vendió casi ninguno y tuvo que regalarlos. Él se siente orgulloso también de los fracasos ya que aprendes justo lo que no debes hacer”.
Parque empresarial: “En 2008 pusimos en marcha un parque empresarial de 200.000 m2. Hubo que convertir una parcela agrícola en suelo industrial y no fue fácil. El proyecto se venía trabajando desde 1998 y tardó 10 años en hacerse realidad. Su ubicación está en la Hoya de Castalla, Alicante, y somos 230 trabajadores aunque también colaboramos con otras 300 personas de empresas cerca de aquí”.
Crisis: “La inauguración del parque empresarial en 2008 coincidió en el momento álgido de la crisis española. Todas la empresas estaban cerrando, con EREs, reduciendo personal y nosotros ahí inaugurando un parque empresarial. Fueron momentos duros, pero cuando lo hablábamos con mi padre y el equipo directivo, nos contaban que seriamos capaces de salir de esta crisis, como ya habíamos conseguido realizar en otras anteriores. En 2007, el mercado de mueble de oficina en España movía 900 millones de euros y en el 2011 había bajado a 230 millones. Teníamos un gran problema, pero todo lo que habíamos construido había que pagarlo, así que nos pusimos a movernos. En 2008 Actiu tenía una cuota de mercado de 70% en España y un 30% fuera. La parte positiva es que distribuíamos en más de 60 países,  así que pensamos que necesitábamos buscar nuevas fórmulas que nos permitieran potenciar el mercado internacional. También decidimos abrirnos a otros sectores que no eran exactamente el de las oficinas. Empezamos a hacer proyectos contract en hospitales, aeropuertos, universidades, etc.”
Sostenibilidad: “En el año 2011 conseguimos un certificado LEED (Leadership in Energy and Environmental Design). El parque empresarial se había diseñado de una forma muy intuitiva muchos años atrás. Fue una satisfacción saber que cumplíamos las normativas mas exigentes internacionales sin que nadie nos lo hubiera impuesto”.


TEXTO
CARMEN COCINA
RETRATO ANDREA
RANKIN
Inmersión a fondo y sin escafandra: he ahí
el Santo Grial del que la realizadora Andrea Arnold ha empapado sus entrañas en tres de sus hasta cuatro películas hasta la fecha. Si en “Red road” y “Fish tank” se sumergía en la Inglaterra obrera y suburbial, “American Honey” traslada el escenario a los paisajes rasos del otro lado del charco de la mano de
un inestable equipo de jóvenes vendedores ambulantes que nada tienen que ver con los que acostumbramos a ver por estos lares. Reincidiendo en el método inductivo para describir lo general desde lo íntimo y personal, su última y naturalmente dilatada película vuelve a ponernos los pelos como escarpias destilando autenticidad y lirismo a partes iguales.
Origen: “Decidí hacer esta película hace algunos años tras leer un artículo del
New York Times que describía las duras condiciones laborales de esos jóvenes que se dedican a vender todo tipo de revistas a puerta fría a lo largo y ancho de Estados Unidos.
No se trata de comerciales ordinarios, sino
que es una ocupación orientada para personas
en riesgo de exclusión social, generalmente jóvenes. Es un mecanismo para obtener caridad, como quien vende por la calle kleenex o mecheros. Lo que compras no es la revista, compras a la persona, que en cierto sentido
se vende a sí misma, tratando de apelar a la compasión con toda clase de historias. Lo que interesa al comprador no es la revista, sino
la persona que hay detrás de él”.
Veracidad: “El equipo ambulante que retrato en la película existe de verdad, de hecho aparecieron por sorpresa en mitad del rodaje. De hecho, algunos de ellos salen en la película. Antes de escribir el guión Shia (LaBeouf) y yo pasamos mucho tiempo con ellos, salíamos
y charlábamos, y cada personaje es una recreación bastante fiel de alguno de ellos, para mí ese realismo era gran parte del sentido de la película. Me interesaba reflejar esa subcultura que existe, pero que poca gente conoce”.
Actores: “Antes de empezar a rodar envié a los actores a que se hicieran pasar por vendedores de verdad casa por casa. Era importante que
lo vivieran en primera persona para lograr una identificación máxima. Todos se han implicado en la historia aportando su propia personalidad, les dije que se dejaran llevar por su intuición y que fueran ellos mismos. Creo que la película refleja también cómo se sentía cada uno de ellos en cada momento”.
Odisea: “Al perfilar el guión me di cuenta
de que no conocía la parte íntima de Estados Unidos, así que lo recorrí de arriba abajo, necesitaba sentir esa conexión con sus costumbres. Cuando salía con los chicos que han inspirado los personajes me dijeron que
en las carreteras que solían recorrer el paisaje
era casi siempre plano, así que fui del Este a Texas, y luego de Oklahoma a Dakota del Norte. La impresión de infinitud de los valles me impactó profundamente e hizo que me preguntara cómo lo vivirían ellos, mirando por la ventana horas y horas en su caravana. Con el reparto hicimos nuestra odisea también, recorrimos aproximadamente 12.000 millas”.
Meeting USA: “La América que se ve en la película es una combinación de la visión romántica que tenía de pequeña a través de las películas de Hollywood y la que conocí en los viajes previos al rodaje. Me impresionó cómo allí la gente sin recursos no tiene acceso a cosas básicas como la sanidad o el dentista.
Y luego están las drogas. Recuerdo que fui a
un pueblo diminuto que tenía tres farmacias,
con hasta cinco empleados extendiendo recetas a troche y moche. Les pregunté que para qué eran, y se trataba de analgésicos para los mayores y antidepresivos para los jóvenes. Según me dijeron, casi toda la gente del pueblo estaba enganchada a algo”.
BSO: “Seleccioné la mayor parte de las canciones ya en el guión. Cuando ruedo necesito que la música funcione a dos niveles: uno, que se ajuste a cada escena, y dos, que provoque una respuesta emocional. Y quería meter música mainstream, la que escucha todo el mundo, porque esa es la realidad y quiero que la gente se identifique con ella. ‘We found love’ estuvo ahí desde el principio. Soy una gran fan de Rihanna, aunque casi nadie en el reparto es de mi misma opinión”.

TEXTO JESÚS CASAÑAS
FOTO JUAN CARLOS MAURI
ESTILISMO ANA CAPPEL
MUAH PEDRO CEDEÑO
MUAH ASISTENTE OLGA HOLOVANOVA
Lola: “Es una chica sin recursos pero con mucho potencial, muchas ganas de vivir y mucho corazón, a mitad de película se nos enamora. Es una artista, una tía con una sensibilidad y un arte que ni ella misma sabe porque no ha podido desarrollarlo todavía. Una chavala de Coria del Río con una educación bastante limitada, se hace guardia civil para intentar salir de su pueblo porque cree que no hay otra forma. Y se hace la profesional más profesional de todas, a ella no la gana nadie pegando tiros”.
Armas de fuego: “Pasé miedo en la preparación. Mis compañeros eran más valientes que yo, que además tenía que demostrar que era la profesional, menos mal que me protegieron muchísimo. Lo mío era pavor, tuve que poner la misma valentía que mi personaje, pero no sabes el miedo que me daba cada vez que disparaba, a mí que me da miedo que me explote un globo... Puse todo lo que pude de mí y conseguí disparar esa metralleta que pesaba 9 kilos. Luego se la daba al armero que nos acompañaba y le decía: ‘Toma al hijo compartido que tenemos’”.
Escenas de acción: “Cuando tuvimos que bajar colgados mi compañero y yo nos hicieron una plataforma de 10 m² con una tirolina. Yo lo intenté, me colgué, pero cuando estaba arriba era incapaz de actuar. Miré al director y le dije como Lola Flores: ‘Joaquín (Mazón), si me queréis, irse. Bájame de aquí’. Entonces la producción creó un plató que en vez de medir seis metros medía tres, y ahí ya pude grabar lo que tenía que grabar con Miki (Esparbé). Él es un valiente, lo hizo todo, no necesitó doble para nada, pero yo fui una cagona. Cuando empecé la película me acordé mucho de Tom Cruise, vi lo difícil que es actuar en una película de acción, está primero todo lo demás y al final tu trabajo, que es la interpretación, mostrar emociones. Pero aquí corriendo, pegando tiros, saltando y actuando a la vez... El director me decía: ‘Yo apuesto por ti, quiero verte de verdad, no quiero una parodia’. En España estamos acostumbrados a que la comedia sea como parodia, y cuando hay un poco de acción es más fácil parodiar. Él quería que lo hiciésemos de verdad, como los americanos”.
Síndrome ‘Pitufina’: “Soy pro de que haya más mujeres en el cine español; soy pro de que dirijan más mujeres, que somos un tanto por ciento muy cortito; soy pro de que seamos más mujeres las protagonistas de las comedias de este país, porque hay muy buenas cómicas: Carmen Ruiz, Mari Paz Sayago, Carmen Machi, Alexandra Jiménez, Leticia Dolera, Macarena Gómez... Somos un elenco muy grande de mujeres que somos capaces de hacer comedia, es una pena que haya tantos guiones con tanto protagonista masculino. Me gustaría que haya más feminidad, agradezco que hayan querido contar conmigo para este personaje. Lo habría defendido más, pero estamos contando un personaje de pueblo, bastante limitado, e interesa en este caso sacar estereotipos de cada uno para hacer comedia, reírnos de nosotros mismos”.
Discriminación: “He tenido mucha suerte comparándome con mis compañeras. Mi madre
y yo no hemos parado de trabajar, ahora estamos protagonizando una serie que es líder de audiencia en Antena 3 como es ‘Allí abajo’, que habla un poco también de la misma temática...
Sí que es verdad que en general en este país se cuenta poco con las mujeres, pero yo me siento afortunada de ser una de las pocas que está haciendo papeles protagonistas como el de Lola”. ‘Allí abajo’: “Estoy esperando a que me llegue la biblia de la tercera temporada. Estoy segura de que Carmen va a sufrir muchos cambios, hasta ahora la hemos visto bastante apaciguada, pero creo que los guionistas van a meterla en todos los fregados que puedan. Yo como actriz lo he pedido, que si no me aburro”.
Futuro: “En septiembre inicio el rodaje maravilloso de una película llamada provisionalmente ‘El móvil’, de Martín Cuenca, el director de ‘Caníbal’. Es un papel bastante difícil pero al que tengo muchas ganas de enfrentarme, que es hacer de mujer de Javier Gutiérrez, un actorazo de categoría. Estoy muy orgullosa”.

“Cuerpo de élite” se estrena el 26 de agosto.


TEXTO
AURÉLIEN LE GENISSEL

‘Untitled’, 2016. Colección privada
‘Untitled’, 2013.
Cortesía ProjecteSD, Barcelona.

Vista exposición Galerie Perrotin, París 2013.
Cortesía Galerie Perrotin, Hong Kong & París.
Foto: Guillaume Ziccarelli.

Inicios: “No creo que ser artista sea algo que se decida. Es algo que aparece de repente, decides de golpe que esa es tu cosa, esa es tu misión. En mi caso, ocurrió cuando estaba sentado en un banco en los jardines de mi universidad. Tenía 15 años y tuve ese momento de claridad. A partir de entonces, supe que mi vida estaría dedicada a la misión de ser pintor”.
Fotografía: “En mi trabajo, cada pintura tiene una fuente fotográfica. Eso permite incorporar un elemento de representación frente al de la abstracción. Pintar a partir de la fotografía también lleva la imagen a otro nivel de experiencia. La existencia de la imagen cambia. De alguna manera, el objeto también se convierte en sujeto”.
Abstracción vs Figuración: “De alguna manera se ha convertido en una necesidad. Cuando pones estos dos elementos en confrontación, empieza una comunicación, una discusión en la que cada elemento carga con su realidad y existencia particular. Eso lleva a interpretar los dos elementos de manera más aguda y profunda y esa es la manera en la que, en general, leemos y sentimos la realidad. Una cosa nunca existe sin la otra”.
Degradado: “El degradado es, para mí, la imagen que incorpora a la vez la abstracción y la representación. Lo puedes ver cómo una abstracción analítica del color o lo puedes ver como una representación de un espacio indefinido (una ilusión). Yo lo veo como un instrumento para manipular la fisicalidad concreta hacía una fisicalidad más efímera. Por ejemplo, como mural en un contexto arquitectónico, el degradado deforma la materialidad y da la sensación (ilusoria) de espacio.
También veo paralelos con el concepto de tiempo y la fotografía analógica. Me gusta decir que el degradado es un polaroid en revelado en el que cada momento de este revelado ha sido pintado de izquierda a derecha o viceversa. En lugar de ser una imagen la que al final aparece es un color, es decir una abstracción. Y esa también es la manera en la que veo el color: es una abstracción más allá de las capacidades lingüísticas. Tiene algo de místico”.
“Grado cero de la imagen”: “Lo veo como la zona en la que la narrativa de la imagen ha sido eliminada hasta conseguir una imagen que únicamente representa el sentido primario del espacio. Una imagen que aún podemos leer como una representación de un cierto contexto espacial indefinido”.
Tiempo y espacio: “Estos dos conceptos me interesan por ser tan fundamentales y profundos. La idea de estos dos elementos juntos, con la materia, son las condiciones de producción de algo llamado ‘existencia’”.
Técnica y sencillez: “La complejidad y el tiempo que consumo en el método de mezcla para preparar el degradado de los murales es la única manera que me permite llegar a este resultado. Por lo que la propia imagen me ha forzado, de alguna manera, a desarrollar esta pintura técnica. Pasa lo mismo con mis cuadros. La técnica me obliga a hacerlos en una sola ‘tirada’ hasta que esté terminado. Es como correr un maratón. Pero la preparación, la mezcla, etc., se han convertido en algo más que una simple técnica. Están incorporadas en una actitud filosófica o en una cierta mentalidad que tiene que ver con las cosas que me fascinan”.
Arquitectura Primaria: “Puede ser vista como un amparo pero yo me lo tomo de una manera diferente. Lo veo más en términos de espacio. Es básicamente una arquitectura, a la que le arranco su funcionalidad y su utilidad, en la que un muro o un elemento arquitectónico dividen, manipulan u organizan el espacio. Quizás esto me interesa porque no soy un story teller”.
Rothko: “Existe una diferencia fundamental. Rothko utiliza el color en sí mientras que yo, de alguna manera, represento el color. La noción de fotografía, por ejemplo, nunca aparece en el trabajo de Rothko”.
Marcas: “Estas marcas que hago en mi última serie de cuadros tienen que ver con la intención de traer esa imagen efímera en la que sentimos la idea de tiempo/espacio a un momento determinable. Un momento particular del tiempo. Un momento que podemos leer, interpretar como un momento. Una huella”.

TEXTO
DAVID SAAVEDRA
Presión. “Estamos contentos con
‘I Remember’, pero no hemos sentido una especial presión. Es una extensión de lo
que George y yo ya habíamos hecho en
‘Body Music’, con el añadido de que hemos continuado desarrollándonos como artistas. En este segundo álbum hemos expandido nuestro sonido, pero todavía suena a
nosotros mismos”.
Proceso creativo. “Normalmente yo tengo
una melodía y hacemos algo de producción a partir de ahí, y otras veces yo no tengo nada,
y algo comienza con el sonido que va sacando George. Todo surge de modos muy diferentes”.
Proceso largo. “La verdad es que nos ha llevado bastante tiempo terminar este álbum porque, además, no empezamos a componerlo hasta que finalizamos la gira del disco anterior. Al final, han sido tres largos años. Nuestra prioridad era tener canciones sólidas porque las modas vienen y van de forma demasiado rápida”.
Colaboraciones. “En el disco intervienen artistas como Poplaan, Flume o Zhu. Generalmente ha sido gente a la que hemos conocido en la carretera y en festivales, en camerinos o tiempos muertos, y con los que hemos tenido especial buen rollo. Pero en todos los casos se trataba de músicos que ya nos gustaban de antemano”.
Sonido global. “El videoclip de nuestro primer single, ‘In Control’, lo rodamos en República Dominicana a pesar de que tiene un estilo muy jamaicano. Mi padre es de aquel país y mi madre de la India. Pero nunca pensamos conscientemente en intentar transmitir un mensaje de sonido global o algo así. Simplemente encontramos que este corte que habíamos hecho sonaba bastante perrero e intuitivo, poco cerebral. Simplemente nos parecía divertido rodarlo allí”.
América. “Tenemos un buen puñado de fechas de directo por EE UU, pero eso no significa que sea un objetivo estratégico para nosotros el ir a conquistar ese mercado. Básicamente nos pidieron que fuésemos allí a tocar nuestra música, y eso es lo que vamos a hacer”.
Directos. “No va a haber excesivos cambios en nuestro concepto de directo. En algunos
de los más grandes conciertos, dependiendo
de la estructura del festival del que se trate, llevaremos una producción más ambiciosa
o no”.
Giro orgánico. “Es cierto que este disco es menos electrónico y está más influido por
el soul y el r’n’b clásicos, pero no fue una decisión consciente tampoco. Es simplemente como nos sentimos”.
Influencias. “Puedes opinar que ahora parezcamos más influidos por las voces americanas clásicas del r’n’b, incluidas
Mariah Carey y Destiny’s Child, y por estilos británicos de producción, pero yo no diría eso. De hecho, no es cierto. Tomamos nuestra inspiración de áreas muy diferentes, sin poder adscribirnos a ningún género. Nos han influido muchísimos productores, pero uno de
los principales es Timbaland, que es norteamericano. Por ponerte un ejemplo
de entre mil”.
Feminismo. “No sé hasta qué punto me podría autodefinir como feminista. Soy una mujer que compone canciones y, por lo tanto, todo lo que haga, y también mi mensaje, será en clave femenina. Pero no sé si por ello se me podría aplicar un término determinado”.
Apátrida. “Antes se podría considerar que vivía en Londres, pero ahora no vivo realmente en ningún lugar en concreto. Todas mis cosas están almacenadas en trasteros”.
Industria. “Lo más importante que he aprendido en estos años en la industria musical es a no aislarte tú misma, hacer que disfrute de tu música el resto de la gente, no solo la más cercana a ti, y disfrutar tú también haciéndolo. Actualmente creo que se intenta ahorrar dinero a base de no emplear a más gente que ayude a mejorar tu proyecto.
La única presión parece ser la de mantener el control sobre lo que haces, pero se eluden las presiones financieras o la necesidad de trabajar cara a cara con otras personas. A eso le veo un problema: que te puedes convertir en un tipo raro y no en un ser humano, y eso te llevará a dejar la música en un momento más o menos cercano”.

“I Remember” está editado por Universal Music.

Fotógrafo Vincent Urbani
Estilista Javier de Juanas
Maquillaje & Peluquería Amaia Ruiz para Bioderm España
Modelos Óskar Kindelan + Ruben Pol @ Uno Models
Texto Javier Abio
Evolution, diseño de Kosmos Project
Dream Air, diseño de Eugeni Quitllet para Kartell
Cirkel Wall Light, diseño de Daphna Laurens
Cirkel Wall Light, diseño de Daphna Laurens
En general, el minimalismo se está salpimentando, el color es bienvenido, la madera clara sigue funcionando,
pero ya se usa de forma mucho más contenida. De igual manera,
los materiales pesados siguen entrando en los talleres de producción. La piedra y el metal, junto a la mirada New Memphis, son infalibles. El revival tal cual ya no sirve, hay que aportar algo que descoloque. Estamos en un momento del “no al plástico”, pero ojo, que hay excepciones y además muy buenas. Una de estas excepciones es
la silla que Vitra acaba de lanzar al mercado, All Plastic Chair, diseñada por Jasper Morrison. Él es uno de lo máximos exponentes, junto a Naoto Fukasawa, del movimiento supernormal. Un movimiento, que en teoría, se fija en lo esencial y en el que se huye de lo superfluo. A mí a veces
me aburre soberanamente, pero este
no es el caso. Lo que me gusta de esta pieza es que hace referencia a un icono popular del mundo del mueble, la típica silla de café europeo. A partir de ahí,
el diseñador, le ha aportado varias mejoras, por un lado, para su fabricación ha utilizado dos tipos de plásticos, uno mas rígido y duro para
el bastidor y otro blando para el asiento y el respaldo. Por otro lado, el respaldo está anclado al bastidor por unas piezas amortiguadoras que hacen que el respaldo tenga un pequeño movimiento que se adapte a la espalda. Otro aspecto interesante es que quizá esta silla sea una de las más baratas del catálogo
de Vitra. Otro ejemplo interesante en plástico es la silla Dream Air diseñada por el catalán Eugeni Quitllet. Kartell
la lanzó el año pasado con el asiento transparente, pero este año se ha producido en una paleta de interesantes colores sólidos, un gran avance estético.  Hablando de sillas, y además de sillas que buscan productor, nos ha seducido la silla Evolution del estudio polaco Kosmos Project.

Lizattura, diseño de Laurent Divorne
Lizattura, diseño de Laurent Divorne
Jambo, diseño de Estudio Mermelada para Moroso
Chroma Chroma, diseñada por Arturo Erbsman
para Roche Bobois

Chroma Chroma, diseñada por Arturo Erbsman
para Roche Bobois
Chroma Chroma, diseñada por Arturo Erbsman
para Roche Bobois
Blausee, diseñada por Dimitri Bähler
Blausee, diseñada por Dimitri Bähler
Fue la pieza que más nos gustó del pasado Salon Satellite, perfecta en proporciones, un bastidor que mezcla metal con madera y que da rienda suelta a nuestra imaginación pensando cómo este prototipo podría evolucionar. Volviendo a Cataluña, y concretamente al Estudio Mermelada, nos encontramos que este año Moroso les ha producido una silla. La pieza recién presentada
se llama Jambo y tiene una clara inspiración en la cultura africana,
un diseño que abre una nueva tipología
de asientos. Siguiendo en España, destacamos la nueva colección Lund que Jorge Pensi ha creado para la firma de Alicante Inclass. Se trata de una amplia colección de asientos que incluyen butacas y sofás. Todas las piezas cuentan con un interesante look de los años cincuenta pero actualizado al 2020.
Bajamos al sur, donde Punt, una empresa valenciana, ha trabajado con Mario Ruiz para transformar su mesa Mitis. La sustitución del sobre por uno de vidrio oscuro hace que esta mesa sea una pieza totalmente nueva. Hablando de transformación y retomando el tema de los materiales pesados, este año
la conocida marca italiana Zanotta
ha reeditado la mítica mesa Reale, diseñada por Carlo Mollino en 1946, y le ha sustituido también el sobre por algo muy italiano, un mármol de Carrara.
Ya en Italia descubrimos al joven diseñador Daniele Mingardo, que empezó a trabajar en el taller de
herrería de su padre con 18 años
y ahora con 28 es uno de los artesanos/diseñadores más reconocidos de Italia, todo lo que diseña lo hace
con carpintería de metal. Hemos seleccionado su carrito auxiliar Rollingin. Artesanía y lujo son dos temas importantes de la exposición
I Dream of Luxury producida por la galería suiza NOV. Esta exposición exploraba el concepto del lujo llevado
al futuro según interpretación de
jóvenes diseñadores suizos.

Lund, diseño de Jorge Pensi para Inclass
Lund, diseño de Jorge Pensi para Inclass
Focus On, diseño de Antje Pesel
All Plastic Chair, diseño de Jasper Morrison
All Plastic Chair, diseño de Jasper Morrison
All Plastic Chair, diseño de Jasper Morrison
All Plastic Chair, diseño de Jasper Morrison
Reale, diseñada por Carlo Mollino. Produce Zanotta
Hemos seleccionado dos piezas,
la primera es Blausee, una mesa baja
o banco realizado en piedra caliza.
Su diseñador, Dimitri Bähler, cuenta
que se inspiró en cómo su abuelo
construyó su casa de campo en el
bosque con este tipo de planchas de
piedra. Piedras que encontraba en
canteras abandonadas de los Alpes suizos. Quizá en este caso la dificultad de manipulación es lo que se considera lujoso. La segunda pieza es la lámpara Lizattura diseñada por Laurent Divorne, también de la exposición
I Dream of Luxury. El diseñador se hace la siguiente pregunta: ¿Es la artesanía la que transforma un material en lujoso o es el material en sí mismo el que nos proyecta la sensación de lujo? Con esta lámpara, él quiere demostrar que el lujo está ligado más a los materiales que al proceso de creación.
Sigamos con el tema de iluminación. Una de las novedades que nos ha llamado la atención es la Cirkel Wall Light, una luminaria de pared diseñada por el estudio holandés Daphna Laurens. Es un prototipo que trabaja con el concepto del círculo y que pudimos ver en el Salone Satellite. A su vez, la firma francesa Roche Bobois ha presentado una colorista lámpara de mesa que se llama Chroma Chroma diseñada por el francés Arturo Erbsman. La pieza nos recuerda a
las vidrieras de las iglesias góticas.
Un prototipo interesante es la lámpara colgante Focus On en la que su panel reflector se convierte en una bandeja curvada. Es un diseño de la alemana Antje Pesel. Continuamos con Mediterranea, una colección
de lámparas diseñadas por Noé Duchafour-Lawrance para la editora Petite Friture. Por último, destacar
la Chandelier Sundial, una pieza escultural presentada por el diseñador belga Maarten De Ceulaer, creada
en aluminio anodizado para la galería Nilufar. Chandelier Sundial es toda una alegoría a un sistema solar ficticio donde cada disco representa a un sol que a su vez proyecta la luz hacia una dirección diferente de la habitación.

Rollingin, diseño de Daniele Mingardo
Rollingin, diseño de Daniele Mingardo
Rollingin, diseño de Daniele Mingardo
Mediterranea, diseño de Noé Duchafour-Lawrance
para Petite Friture

Mitis, diseño de Mario Ruiz para Punt
Mitis, diseño de Mario Ruiz para Punt
Mitis, diseño de Mario Ruiz para Punt
Sundial Chandelier, diseño de Maarten De Ceulaer.
Fotografía de Nico Neefs

Sundial Chandelier, diseño de Maarten De Ceulaer.
Fotografía de Nico Neefs
La magnitud de su alcance no encubre una formulación compleja que
trasciende la aparente sencillez del plato y en la que el factor humano
es ingrediente diferenciador. Menos mal. Las recetas mágicas y el toque personal son avalados por los gustos etéreos de cada comensal con los que
se alimentan encendidos debates nacionales: cuajada o líquida;
ligera o consistente; del tiempo o caliente; con cebolla o sin ella.
Material inflamable por el que llegar incluso a las manos. 

Buscamos un canon con el que enjuiciar a la tortilla de patata ejemplar,
esa que popularmente ha devenido en llamarse “española”. Superamos versiones: tortillas paisanas, panaderas y camperas, con bacalao, pimientos
y otros aderezos. Más sopa en el norte y más hecha en el sur, hay tortillas
de patata para todo quisque, aunque cada cual hace la propia a imagen
y semejanza de la heredada de su madre o abuela. Pero condenamos
la tortilla harinosa, mazacote y reseca. ¿Hace falta recordar que el uso
del microondas está penado?
TEXTO MIGUEL Á. PALOMO
Sylkar. Foto:
Miguel Á. Palomo
Sylkar. Foto:
Miguel Á. Palomo
Sylkar. Foto:
Miguel Á. Palomo
Sylkar. Foto:
Miguel Á. Palomo
Sylkar. Foto:
Miguel Á. Palomo
Sylkar. Foto:
Miguel Á. Palomo
Taberna Pedraza
Taberna Pedraza
Un poco de historia: La tortilla carlista

Labor documental fascinante, determinar
el verdadero origen de la tortilla de patata explica que unos y otros se quieran adueñar de un patrimonio que ha engrasado el progreso de la civilización. Si bien hay referencias a la “tortilla de huevo” por
los cronistas que loaban la conquista
de las Indias a comienzos del siglo 16,
el primer registro alusivo a la tortilla de patata como tal es una queja anónima dirigida a las Cortes de Navarra en 1817.
En ella se describe la suma de huevos en tortilla mezclados con patatas como ejemplo de las penurias alimenticias sufridas en las carnes de los agricultores montañeses.
Sin embargo, un estudio del científico del CSIC Javier López Linaje pone en Villanueva de la Serena el germen de la fórmula original elaborada para hacer más atractiva la entonces denostada patata. En 1798,
dos vecinos del pueblo extremeño bautizarían a la tortilla como “fruta de sartén”, con patatas, huevo, harina y agua.

Hay quien se queda con la leyenda que
coloca a una buena señora navarra en el centro de la historia como la inventora de
una receta que pudo improvisar para dar posada al mismísimo general Zumalacárregui durante el sitio de Bilbao y que el militar luego popularizaría entre la soldadesca carlista. Si la tortilla de patata que se lleva preparando desde hace más de setenta
años en el restaurante Kasino de Lesaka es heredera de aquel revuelto primigenio no
es sino parte de la fábula.

Patata y huevos por la piel de toro

Del manjar navarro del Kasino a la tortilla
de patatas chips –o crips de El Bulli–  media distancia. Mente pensante como la de Ferran Adrià no desaprovechó la oportunidad de filosofar al respecto de plato tan inspirador. En su santuario de Cala Montjoi, la tortilla deconstruida de Marc Singla –servida en copa con tres capas separadas de cebolla, yemas y espuma de patata caliente–  valió además para que chefs estrella dieran su vuelta de tuerca. El gran libro de la tortilla de patatas, de José Carlos Capel, incluye recetas de los más grandes: la esferificada de Quique Dacosta, la tortilla al vapor de Pedro Subijana, la tortilla con chanquetes de Dani García o la tortilla en milhojas de Martín Berasategui. Estas tortillas Michelin certifican al plato como definición de marca España. El chef estadounidense John Gordon, en la escuela de cocina Kitchen Club de Madrid, ya enseñó a los alumnos de Administración y Dirección de Empresas de la Schiller International University cómo hacer la tortilla de patata perfecta. Tal desempeño igual ayuda a cerrar un business aunque desconocemos si Gordon desvelaba el truco de romper las rodajas de patata con un pellizco final en lugar de cortarlas del todo.
La tortilla es objeto de festivales y concursos como es fuente de negocio si se lleva al supermercado. Senén González revolucionó el mercado con sus tortillas congeladas
–casi clones de las que sirve en Sagartoki, Vitoria– . Ahora presenta la tortilla en cápsulas, evolución ultrarrápida.
Por supuesto, con huevo pausterizado,
la famosa huevina empleada para esquivar
la salmonelosis y que incluso algunos sustituyen por pronagar, gelatina extraída
de las algas gelidium que funciona igual
que el huevo para cuajar. Intentos todos
por acercar a las casas aquello imposible
de reproducir si no se viaja hasta el Mesón O’Pote y La Casilla, esencia de Betanzos,
o hasta Casa Tomé, en Coirós, con sus tortillas ahumadas en lareira. Reservar un pintxo en el Bar Nestor de Donostia; hacerse con la patatona de El Tahítí, en la calle Laurel de Logroño; descubrir las gruesas tortillas castellanas del mesón vallisoletano Patio Martín; bajar al sur a por la inexpugnable –más alta no la hay–  del Bar Santos, en Córdoba, y acabar en el Juan José, Huelva, donde Cristóbal Pérez deslumbra con la mejor tortilla de Andalucía, aunque al estilo gallego. Otros secretos nos los reservamos, pues no hay que abusar. 

Küiru
Casa Dani
Docamar
Docamar
Docamar
Tortilla española de Madrid

En Madrid se comen algunas de las mejores tortillas de patata de España. Caben todas las interpretaciones y formatos pero el pincho de tortilla de toda la vida, el castizo, es cosa única.

Las fundamentales

1. Sylkar. Dictamen unánime. Bar y casa de comidas de la calle Espronceda donde Alfredo García sienta cátedra con sus tortillas recientes
de yema líquida. “Hay dos recetas: la buena y la mala”, nos confiesa, “y la esencia está en la calidad de los ingredientes”. Véase: aceite de oliva virgen extra, patata monalisa y seis huevos frescos. Con
o sin cebolla, las tortillas se pueden llevar a casa.

2. Bodega La Ardosa. Un mito dentro de otro mito. Concha Marfil es la responsable de alargar
la leyenda de una tortilla siempre al fuego para cumplir con la demanda. Jugosa es la palabra porque no es de cuchara y sus proporciones las justas. La mejor descripción es poder reconocerla
a la primera.

3. Casa Dani. La gente bien del barrio de Salamanca abarrota esta tasca costumbrista dentro del Mercado de la Paz conocedora de una “tortilla española” jugosísima, preparada desde hace veinte años con huevos camperos, patata crunchi y cebolla bien pochada, y a la que se la puede bañar en salsa de callos. Si no hay hueco, queda probar suerte en el Jurucha, cruzando la calle, aunque sus populares tortillas con mahonesa vuelan a la hora del aperitivo.

4. Txirimiri. Si la receta de esta tortilla con mucho huevo, toque tostado y, sobre todo, cebolla caramelizada, es considerada contracultural,
lo cierto es que la infalibilidad de su pincho sobre rebanada de pan hace que sea ya un clásico, superando casi a la muy parecida –y nada económica–  de todo un Juana La Loca, la que
para muchos es la tortilla de La Latina.

5. Támara Lorenzo.
No hay en Madrid tortilla
más estricta. El palentino Lorenzo García sigue
a raja tabla las pautas con las que su tortilla artesana ha adquirido prestigio en su comedor formal. Experto conocedor de las mejores patatas, procura emplear la variedad spunta, pero el quid está en bordear de fuego directo la sartén ovalada que tomó de su madre, tradición que la convierte en única. “Cuando se dora parece que está cuajada pero la abres y se rompe. Aun así se come con tenedor. Y con pan”, explica el cocinero. Reniega de vitros e inducciones, apuesta por el sentido común y obliga a que sus tortillas sean de encargo.

Betanzos en Madrid

6. Taberna Pedraza. Desde que Santiago Pedraza y Carmen Carro se instalaran en Madrid, la fama
de sus tortillas blandas y amarillas de estilo Betanzos –aprendido en O’Pote–  es imparable. Ahora en un nuevo local más chispeante, luce
un contador de tortillas, todas de cuatro huevos servidas con paleta. Más de 16.000 unidades.
Y que no pare nunca.

7. La Penela. Otro baño imprescindible de gusto gallego motivado por un conjunto de patata fina
y crujiente que nada en huevo batido. Desde
A Coruña, la melosidad de esta tortilla va más allá
del concepto “poco cuajada”.

Txirimiri
Txirimiri
Txirimiri
Támara Lorenzo.
Fotos: Miguel Á. Palomo
Gourmet

8. Sacha. El lujo es que Sacha Hormaechea
tenga el día y puedas añadir al menú una
de sus grandes tortillas de temporada,
poco cuajadas a partir de huevos reducidos
a espuma. Podrían pasar por gallegas, pero
son demasiado personales: con rodajas de
chorizo, con setas o trufas, con piparras y
boquerones, y todas con un chorrito de
caldo extra.

9. Marcano. La dura competencia del
barrio del Retiro engrandece las creaciones
de David Marcano, que se desmarca viernes
y sábados con un pincho de tortilla ortodoxo
para engullir en su pequeña barra. Cebolla
blanca dulce, aceite 0,4%, huevos de gallina
libre segoviana y “mucho cariño”. Todo al
día. Se fríe, no se cuece, se confita y apenas
se cuaja. Tortilla homogénea y melosa. 

10. Casa José, Aranjuez. Los Del Cerro
regentan un referente de la cocina de proximidad y de huerta y, sin que esté reñido con su estrella Michelin, triunfan sus tortillas españolas –entre diez y doce al día– 
con huevos de una granja cercana, patata pochada eternamente y ausencia de cebolla. Tortillas selladas por una costra que encierra un jugo bien ligado.

11. La Española, Pozuelo de Alarcón.
Desde los primeros ochenta, una clientela
fiel acude puntual a la cita con las carnes rojas de Amando Cabello, en parte porque
no perdona el pincho previo de una tortilla
poco cuajada, muy fina y con cebolla.

12. El Invernadero, Collado Mediano.
El despliegue de la revolución verde emprendida por Rodrigo de la Calle en
su restaurante acristalado se toma un
respiro los sábados noche cuando se puede
pedir en el comedor interior una de las mismas tortillas que el equipo suele cenar.

Otras versiones

13. Küiru. La renovación de la cocina asturiana acreditada por esta tortilla de patata trufada sobre reducción de fabes
y jugo de manitas. Marcada por fuera y
asada en el horno para que el huevo quede cremoso.

14. Estado Puro. Entre el taperío de
Paco Roncero, pasa de su tortilla española tradicional a la del siglo 21, en vaso y
con sifón. Sí, se necesita cuchara. 

15. Las Tortillas de Gabino.
Surtido variado de tortillas de autor
que tiene en la Velazqueña a su criatura
más tradicional. Son servidas en fuente
de barro porque se pasan de tiernas.

Pincho con afición

16. El Borbollón. Barrio de Salamanca mediante, el clasicismo elevado a arte se exhibe sobre la barra en forma de tortilla señorial de masa compacta, medidas equilibradas y brillo especial. Uno de
los pinchos más fotogénicos.

17. Celso y Manolo. La fórmula
mágica urdida por los dueños del anterior restaurante fue traspasada a los siguientes, responsables de paso de la renovación del concepto tabernario cañí.
 
18. Docamar. Este clásico del aperitivo
de la calle Alcalá hace correr las bravas y
los bocatas y pinchos de tortilla, clásica
pero bastante fina, entre la chavalería de
los colegios aledaños.

19. Casa Paco. La española “en su punto”
es una de las 30 versiones –llegaron a tener
80–  despachadas en esta cervecería de Argüelles que contempla a tres generaciones. 

20. Hevia. Más de medio siglo de buen producto con el que conquistar al pijerío local, sirve orgulloso el pincho favorito de Bertín Osborne. ¡No digamos más!

21. Cabreira. No ofrecen pinchos sueltos, sino tortillas tradicionales y hermosas cocinadas al momento y servidas en plato
de postre.

22. Bar Perfil. Madrileña de pura cepa, esta tortilla acompaña en pincho a decenas de desayunos diarios. La salsa picante causa delirio entre sus fieles.

23. La Mi Venta. Clásica, en ración o
en tapa, es representante del barrio de Ópera, zona tortillera ilustre, junto con
la del Doña Juana y la del Café Arrieta.

24. Entremesas. Pincho barato y fetén
–ojo, de Betanzos–  para sumar al café
matutino o para llevar a casa sin demora.

25. Bar Ceveriz. Frente al Mercado de
San Miguel, jugosos pinchos en barra a
los que se ha añadido caldo vegetal.

Pincho freak

Bonus track. Bar Oliva. Un par de banderas rojigualdas presiden la entrada del negocio de Chen Xiangwei, ya conocido como el chino facha de Usera. Según él, su tortilla
de patatas es la mejor de España.

* Otros: José Luis, Lateral, Pez Tortilla,
Arco Iris, Punk Bach…


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Texto Mit Borrás
Anthony Salvador. Blue Majik. Cortesía del artista
Anthony Salvador. Bankers Dilemma (Bank tower model II), 2015
Arcangelo Sassolino. Purgatory. 2015.
Foto: Dario Lasagni. Cortesía Galleria Continua,
San Gimignano y Galerie Rolando Anselmi, Berlín.

Arcangelo Sassolino. Untitled. 2006.
Foto: Pamela Randon.

Arcangelo Sassolino. D.P.D.U.F.A.2015.
Foto: Pamela Randon. Cortesía Galleria Continua,
San Gimignano y Galerie Rolando Anselmi, Berlín.
Todas las imágenes por cortesía del artista.

Los nuevos escultores, ahora artistas de la instalación, son como viejos fascinados viendo
las obras de su calle, mirando a cuatro maromos taladrando el suelo del que van sacando arena
y tuberías a partes desiguales. Ahora pasan su tiempo en Google, Leroy Merlín y la tienda de
los cables. Hay una hegemonía de los hierros aplicados además de una forma concretísima: estructuras representando movimiento o merodeándolo con leyes físicas de fuerza, presión o accidentes consumados. Gravedad, pendulación, rozamiento, choques, rotación, torsión, contrapeso, partir, romper, rajar, abollar, soldar, demoler, construir, estallar, soportar, rajar, apretar, fijar, unir, introducir y colgar.
Arcangelo Sassolino es un artista con experiencia en este asunto y acaba de presentar la muestra
Not Human, su primera exposición individual en un museo estadounidense. Allí hemos podido ver sus máquinas cinéticas de la destrucción; grandes pistones hidráulicos reventando maderos enormes, (Untitled, 2007), máquinas percutoras partiendo
el suelo con determinación mecánica, tanques insuflando aire en cámaras de acero (Macroscopic and Domestic, 2010) y ruedas estalladas por la presión. Artefactos desarrollados con el apoyo de ingenieros expertos que remiten a la física humana como el flexionar de los brazos o la respiración de los pulmones, que proponen figuras y acciones violentas. Piezas formalizadas con precisión y acabados inmaculados.

Nuria Fuster. Sin título. 2014.
Cortesía de la artista

Karsten Födinger. C30/37; XD1, XF2. 2012.
Vista de la instalación: C30/37; XD1, XF2,
Kunst Halle Sankt Gallen, St. Gallen,
Switzerland. 2012. Foto: Gunnar Meier.
Cortesía de RaebervonStenglin, Zürich

Karsten Födinger. Frablo. 2011.
Vista de la instalación: Alone Toghether,
Rubell Family Collection, Miami, USA. 2012.
Cortesía de RaebervonStenglin, Zürich

Karsten Foedinger. Artissima
Karsten Foedinger. Temp Kunsthalle
Nuria Fuster, Nuria Fuster. Apúntalo dos veces apretando el papel para dejar marca
en el de abajo. Sus estructuras de hierro son
un gol de España, a veces entreveradas con grandes telas de colores, otras sencillamente retorcidas. Tubos industriales y quitamiedos golpeados y expuestos con sus cicatrices o listones ciñendo formas hinchables a punto de reventar. Hay cascos de ciclista fundidos en bronce y planchas de acero (igual matices de su tiempo dedicado a la escultura en Roma) que maridan muy bien con sus neones y soportes. En Esculpidores, por ejemplo,
tres sillones de coche apoyados en el suelo
tienen encima sujetas por unos cables de
acero tres radiales rajando la gomaespuma
de los asientos. Pienso en el olor de la pieza,
en el sonido rompiendo aquello con un ruido torpe que nos deja un recado sobre el hastío. Sus obras son construcciones en torno a algún tipo de desesperación sostenida como una nota que suena y no se cae ni se resuelve.
Un dj presionando engorilado el botón de
un sampler sin soltarlo nunca. Un mensaje común: lo inútil, lo industrial, desecho povera, el desencanto.
Una galerista conocida me dijo hace no tanto que la instalación se vendía muy mal, vamos, de poco a cero, que era buen material para bienales eso sí y que por qué no tiraba por otra onda yo que también me ando por estos mismo lares. No os diré lo que dije pero estoy seguro que los presentes en este artículo tienen buenas respuestas y razones de sobra para no abandonar y seguir dándole al hierro y a los palos. En una escena de El sol del membrillo de Erice, dice un amigo del pintor mientras le ayuda con un palo a sujetar el árbol para que lo pinte “todo esto podría parecer cómico si no fuéramos en serio”.
Dentro de las piezas que se abrazan y morrean con el mundo de la construcción está el caso clarísimo de Karsten Födinger.
Casi obcecado con este mundo estético,
el artista alemán usa andamios y pilares en una especie de espacio en obras conteniendo movimiento y sosteniendo formas en tensión.
Todo mostrado muy en pelotas, a lo bruto, aplicando los elementos para el uso con el
que han sido pensados y sin relecturas,
cosa ya menos frecuente. Ahí están sus contrafuertes de madera, sujetando las paredes de la sala de exposición, una pieza solitaria sin mas invitados a escena.
Ésta es la tensión de la nueva instalación
y debajo de ella como escondida entre
los materiales está el rigor del concepto pegándote en la cara sin permiso. Pudiera ser que contenga una reflexión socio política o sobre la industrialización de la vida cotidiana, una idea de exposición de cierto estatus y de sana amenaza de clases al visitante. Si no es así dejadme que sueñe. Me gustaría pensar que no se vende ni una santa pieza y pasan a formar parte de un gran museo con forma de corte de manga, con una pinta parecida al museo de las antiguas esculturas comunistas de Budapest. En éste, algún loco lo ha pagado todo a fondo perdido y no espera ni por casualidad que nadie lo entienda ni vaya
a verlo.

Jorge Fuembuena. The Wood Stories series. 2012.
Cortesía Addaya Art Contemporani Gallery

Elen Gruber. Tão quente que era que
pouco mais era morte. Parte do 11º
trabalho da série Os 12 trabalhos. 2015.
Vídeo & Audio. Cortesía de la artista

Elen Gurber. Em suas marcas
Elen Gruber. Sala Ginastica
Fernando Sánchez Castillo.
Perspectiva Ciudadana. Detalle.
2004. Cortesía de la Galería
Juana de Aizpuru

Fernando Sánchez Castilo.
Perspectiva Ciudadana. Detalle.
2004. Cortesúa de la Galería
Juana de Aizpuru

Charlotte Dualé. Power stability coordination.
Vista de la instalación Uferhalle, Berlin. 2013.
Cortesía de la artista

Un caso de una gran sensibilidad es el de Charlotte Dualé. Esta artista francesa tiene unas instalaciones en las que crea con cerámica interpretaciones libres y etéreas de un taller de coches. Dualé reinterpreta, con la finura de la cerámica, tubos de escape, capós y cilindros de metal con
el aspecto de un vago recuerdo a coche, dejándote así como el perfume sutil de
ese campo estético. Ver sus tubos es contemplar los huesos y esqueletos de
un garaje.
Elen Gruber es una artista de Brasil muy distinta dedicada mas al arte de acción
que traigo a esta fiesta por dos razones:
la primera es que es buena y la segunda que en sus obras ella misma funciona como la máquina de una instalación. En Tão quente que era que pouco mais era morte, 2015 (tan caliente era que un poco mas era muerte) levanta un espléndido armatoste de metal que se carga a la espalda y arrastra por un yermo como una penitencia. En Sala de Exercícios 2016, sucede bien parecido, dos chicas vestidas con outfit de gimnasio contraponen posiciones con su cuerpo para mantener equilibrios enfrentados a punto de caerse pero funcionando exactamente igual que los contrafuertes de madera de Födinger.
La escultura ecuestre de Felipe IV despiezada de Fernando Sanchez-Castillo, Perspectiva Ciudadana, está aquí por derecho como los brazos de sus robots artificieros pintando cuadros y las coreografías de los furgones de policía, obras templadas como el acero de una espada. No uso aquí al pedo este símil, Fernando parte de una buena forja conceptual y es en ese templado, en su tratamiento térmico, como dicen los expertos herreros, donde hay que conseguir la temperatura crítica y en este artista
de esto hay un manojo generoso.
De Jorge Fuembuena traigo las
fotografías de la serie Wood Stories.
Una documentación real de la apropiación de unos terrenos en el campo por parte de ciudadanos. Casas construidas entre los árboles, barricadas con grandes plásticos (como las lonas y tablones de Fuster formando refugios) aprovechando para
sus construcciones los columpios o las maderas del monte. Hogares de personas que se han ido a vivir una vida con menos tiendas que ésta. Temas de la dominación del territorio y apropiación sobre los que poder adentrarse como un zorro en el bosque frente una tienda de Decathlon a medio cerrar. Su serie de coches chocados vistos desde el salpicadero es para mí la misma copla, pura revuelta. Amasijos de cristal roto y volantes abiertos a la mitad por el airbag. Escotes de fin de fiesta.

Anthony Salvador. Still Lives. 2015.
Cortesía del artista

Sofia Hultén. Spinning in the Back of the Van. 2014.
Foto: Sofia Hultén& VG Bildkunst Bonn.
Cortesía de la artista

Sofia Hultén. History in Imaginary Time. 2012.
Foto: Sofia Hultén& VG Bildkunst Bonn.
Cortesía de la artista
Sofia Hultén. Lazy Man`s Guide to Enlightenment.
2011
. Foto: Sofia Hultén& VG Bildkunst Bonn.
Cortesía de la artista
Sofia Hultén, Forking Path I, 2013.
Foto: Sofia Hultén & VG Bildkunst Bonn.
Cortesía de la artista

Y en torno a la instalación mas técnica está Anthony Salvador con sus creaciones con marcos de aluminio. Él los engarza con plásticos, paneles, luces led o piscinas hinchables y lo lleva en torno al mundo estético del tuning y el high tech. Su trabajo es multicapa, libérrimo, hábil y lleno de cables, gracias.
En su campo de trabajo la policía, ese amado cuerpo de seguridad ciudadana, habla del término violencia pasiva, expresión que usan para referirse a quien tiene la afición de reclamar sus derechos en la calle y bueno, fin de la cita. Y yo digo que existe un discurso común entre estos artistas cuyo trabajo no ha nacido para decorar tu salón sino que reivindican a veces una violencia pasiva.
Acabo con una de las artistas mas interesantes del panorama, Sofia Hultén. Ella hace instalaciones reutilizando elementos encontrados: cadenas, rejas, palos, palas, carros, bicis, ganchos y jaulas que ensambla impolutamente para construir figuras sobre el esfuerzo. El quid de la cuestión es la combinación de dos elementos: Material de talleres y carpinterías y terminar con ellos piezas absurdas, atascadas e inutilizadas, véase Indecisive Angles. La clase, la industria, el pueblo. Desactiva con mucho acierto las estructuras que construye o lo enseña cojo y solo. Ví su obra en 2013 cuando inauguró If you Never did you should en la Galerie Konrad Fischer y no es fácil olvidarla.
Sus videos Nonsequences y Altered Fates
son de lo mas recomendable. Acciones repetidas en bucle con pequeños cambios irreversibles sobre algunos materiales de contenedores y talleres, aciertos superlativos.
Podría hablar de Bosh & Simmons,
Cécile Dupaquier, Marlon de Azambuja, Danilo Dueñas y otros. En definitiva,
obras construidas con elementos clásicos
o industriales llevados a un lenguaje contemporáneo, ejercicios muchos de ellos deliberadamente desarmados, imponibles
y muertos o a punto de partirse y más vivos que nunca. Son trabajos sobre eficacia, para no dejar ni rastro de ella podríamos decir, construidos en torno a la idea de movimiento como explica Hultén y principalmente, sobre la irreversibilidad
de los actos.


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Top ISSEY MIYAKE

Texto Silvia Suárez Jiménez
Fotos Kenneth Cappello
Ash & Ice: “La primera canción que escribí del disco se llamaba Ash & Ice. Simplemente porque me gustaba ese nombre, tampoco lo pensé mucho. La escribí como hace un año y cada vez ha ido cobrando más sentido. El nombre de la ceniza puedes verlo como un sinónimo de los volcanes o los ceniceros… Pero, por otro, es como la colilla que tiras en una copa, un poco desagradable. Ambos elementos tienen un componente apocalíptico y contradictorio al mismo tiempo”. Londinense en Los Ángeles: “Hacía mucho que no volvía a Inglaterra pero en realidad es como si no me hubiera mudado a L.A. porque estoy todo el rato de gira (risas). Elegimos grabar el disco allí porque nos parecía que era el momento y el lugar para hacerlo. Además, queríamos hacer algo diferente, que no se pareciera al anterior. Esta vez no queríamos escondernos, sino mezclarnos con la ciudad y con su forma de vida. En definitiva, absorber el caos y la incertidumbre”. Orígenes: “Siempre he pensado que la música se tiene que hacer en privado. Vengo de una familia nada ligada a la música, así que solía esconderme en mi dormitorio para tocar porque me avergonzaba un poco de ello. Nunca lo he visto como algo fácil de compartir con el resto, pero en este disco quería probarme a mí mismo y fabricar algo que me aislase menos. Porque cuando haces un disco aislado, se contagia al resultado final y se propaga cada vez que lo escuchas”.
Blood Pressures vs. Ash&Ice: “Muchos dicen que el disco es enérgico y más positivo, pero también hay mucha tristeza en él. Habla sobre una lucha constante y sobre pasarlo mal en diferentes aspectos: el amor, las adicciones, los sueños y los deseos. Aun así, no sé si puedo definirlo, porque yo solo hago las canciones. Es lo que siempre he querido hacer: escribir letras y expresarme en un lenguaje con el que me pueda comunicar con la gente, a poder ser sin caer en el cliché fácil del rock&roll. A nivel personal, al menos, creo que lo he conseguido, pero no sé bien cómo suena. Eso tendrán que decirlo otros”. El tándem: “En este disco he compuesto siete canciones y Alison, seis. Así que está bastante igualado. De todos modos no somos una banda que se reparta entre letra y música, sino que pasamos por un momento de creación en el que lo único que hacemos es escribir. Luego nos juntamos y le damos sentido musicalmente. Aunque no siempre funciona. Por ejemplo, hay un par de canciones que no entraron en el disco; no porque no me gustasen, sino porque no sonaban a The Kills del todo”.
Arte y fotografía: “En el grupo siempre hemos hecho cosas relacionadas con el arte. La madre de Alison también era artista así que es algo de lo que ha crecido rodeada. En mi caso, siempre me ha gustado hacer fotos, dibujar y crear lo más posible, pero de algún modo, desde que salimos de gira todo ha cobrado más sentido. Me resulta más fácil capturar momentos y documentarlo de viaje, en un autobús… Supongo que no es más que una excusa para hacer algo que me gusta y por ello no me cuesta mucho trabajo hacerlo”. Carreras paralelas: “Lo que está claro es que ninguno de los dos teníamos como objetivo hacer de esta afición algo público. Luego sin embargo, a raíz de unas fotografías para un proyecto, me surgió la posibilidad de la exposición [su primera, en 2014]. Todavía se me hace raro porque siento como que lo único que quiero compartir con la gente es lo que hago con The Kills y no unas fotos que hago sin ninguna pretensión ni mérito. Alison, sin embargo, es muy prolífica. Siempre está rodeada de cuadros o pintando, así que era cuestión de tiempo que alguien le ofreciera comisionar su propia exposición”. Amor por el dubstep: “Este último disco fue un reto porque desde el principio quería trasladar mi obsesión por el dub o el sonido que ha conseguido Katy Perry y adaptarlo a The Kills. Al final fue algo así como colgarle las guitarras a un grupo de dub”. Producción DIY: “Tanto a Alison como a mí nos gusta trabajar con alguien durante el último par de meses de grabación, pero considero importante formar parte de la producción para definir realmente el sonido desde el principio. Cuando dependes de otra gente demasiado puedes acabar sonando como una banda sin identidad, o como alguien que no sabe cómo debería sonar”. Iggy Pop: “Si tuviera que elegir a la persona más auténtica que he conocido, sin duda sería Iggy Pop. Es otro rollo. El otro día tocamos con él y vino y me besó la mano. ¿Te lo puedes creer? (risas) Creo que es lo más raro y fascinante que me ha pasado nunca. Él inventó el punk. Hay algo sobrenatural en lo que hace que no puede compararse con ninguna de las nuevas bandas que intentan copiar un estilo u otro y que acaban siendo una pose. Definitivamente es uno de los intérpretes más auténticos que siguen en activo”.
Style Icons: “Recuerdo que cuando estaba en el colegio había que elegir de qué pandilla querías ser según lo que llevasen. Y creo que hoy la imagen sigue siendo algo igual de importante para una banda. Dicho esto, hay conceptos básicos y muy diferentes en la moda: la parte superficial, que implica llevar ropa y moverse en un entorno donde todo es ostentoso y ridículamente caro; y lo que representa alguien como David Bowie. Personalmente, creo que la moda va más allá de lo que lleves e incluso cómo lo lleves, sino que forma parte de tu identidad. Por eso es crucial tener el control sobre tu imagen y sobre quién eres… No soporto a las bandas que van en camiseta, vaqueros y deportivas como si eso no importase. Dar una buena imagen siempre es importante tanto a nivel personal como para la banda”.
Rihanna: “Me encanta Anti [el nuevo álbum de Rihanna], para mí fue toda una sorpresa. Consideration es mi tema favorito pero en cuanto empecé a poner el disco, Alison se declaró fan de Desperado. Cuando la escuchamos nos dimos cuenta de que, en realidad, era un tema de blues. Rihanna no es una artista del mismo estilo que The Kills pero creo que es un tema que podría haber estado perfectamente en nuestro disco”.
FIB: “Hay algunos festivales que son un desastre, pero la mayoría en España son estupendos. A Alison y a mí nos encanta Benicassim; que se alargue hasta la mañana, la piscina y lo divertido que es el ambiente. Además, siempre que hemos tocado con The Kills [en 2005 y 2008] ha sido genial. Este año quiero ver a Massive Attack, que son buenos amigos”.
La vida sin música: “Si no hiciese música, no sé qué haría. Me encanta la fotografía, pero no creo que pudiera ganarme la vida con ello. La única forma de pagar las facturas sería quizá como fotógrafo de moda pero no creo que sea algo para mí. Siempre he tenido curiosidad por las obras de teatro [Jamie estudió Arte Dramático en Goldsmiths], así que puede que intentase escribir una”.

The Kills actúan el 16 de julio en la próxima edición del FIB.

‘Ash & Ice’ (Domino / Music As Usual) ya está a la venta.

Texto José María Maraví Artieda
Foto Estrop / Francesc Ten

Texto Terevisión Ruíz
Ilustración Julien Martin


Por mucha publicidad que inviertan las marcas, no hay mejor prescriptor para cualquier producto que el consumidor final. Infinidad de artículos que hoy nos parecen de lo más normal, supusieron toda una revolución cuando irrumpieron en nuestra vida. Y fueron personas como tú y como yo quienes decidieron innovar apostando por ellos. Uno de estos productos, que vendría a darle un aire nuevo al estancado mundo de la movilidad infantil, sería sin duda el cochecito Bugaboo Cameleon, buque insignia de la marca holandesa Bugaboo. Un cochecito que vio la luz en el año 2005, aunque empezó a gestarse mucho antes. Fue en 1994 cuando un joven estudiante de la Academia de Diseño de Eindhoven llamado Max Barenbrug presentaba un diseño de un cochecito para niños como proyecto de su tesis final. Tras su graduación decidió sacar su idea adelante con la ayuda de un amigo, Eduard Zanen. No fue un trabajo fácil, pasaron años buscando un fabricante que creyera en su proyecto, hasta que finalmente optaron por producirlo ellos mismos y crear su propia fábrica. Por fin, en 2005, llegaba a la calle el primer Bugaboo Cameleon. Un coche con un diseño innovador, pensado para padres con un estilo de vida moderno, urbanitas, amantes del diseño, la calidad y la funcionalidad, porque no solo es el diseño lo que sorprendió del primer Bugaboo Cameleon, también lo hicieron sus materiales resistentes y de alta calidad, su facilidad de uso, su versatilidad… Un cochecito que rápidamente convenció a muchos padres por su concepto todo-en-uno, que se adapta a todas las edades y tipos de paseo. Hoy día, ya no nos sorprende lo más mínimo ver cochecitos Bugaboo por las calles de cualquier ciudad del mundo, pero no siempre estuvieron ahí, y los primeros padres que usaron un Bugaboo Cameleon fueron al principio unos bichos raros que eran el centro de todas las miradas. En el artículo que publicamos en Neo2 hace diez años solo pudieron aparecer 6 familias, pero fueron muchas más las que ya entonces decidieron confiar en este cochecito hoy ya icónico. Hoy, cuando el Bugaboo Cameleon cumple 11 años, hemos recuperado a algunas de aquellas familias que no pudieron aparecer en ese artículo para ver cómo ha cambiado su vida en estos años, cómo son ahora esos niños que fueron los primeros en subirse a un Bugaboo Cameleon y qué recuerdos tienen del cochecito que se convirtió en uno de sus accesorios imprescindibles. Esas dos familias son la formada por los fotógrafos residentes en Madrid Sara Zorraquino y Pedro Vikingo, y sus dos hijas, Rita, de 12 años y Uma, de 9; y la de Carmen Martínez Folch y Fernando Ballester, residentes en Valencia, emprendedores (Carmen tiene dos ópticas y está a punto de abrir una tercera y Fernando tiene también su propia farmacia) padres de 4 hijos: Carmeta (12 años), Fernando (10), Alicia (7) y Blanca (4), y fans incondicionales de Bugaboo. Hablamos con ellos, los pioneros.

¿Qué tal conciliais vida laboral y familiar? Ahora mejor que antes, nuestros negocios ya están asentados y podemos faltar al trabajo ya que tenemos empleados, los niños han sido cuidados y son cuidados por nosotros, la familia y chicas que contratamos, así hemos ido tirando. ¿Cómo es vuestra rutina diaria? Nuestra vida es bastante normal y un poco caos también: ¡4 niños son muchos niños! Al mediodía nos gusta comer juntos en casa y por la tarde entre Fernando y yo llevamos a los niños a diferentes actividades. Los fines de semana solemos comer fuera. Quedamos con amigos, vamos al cine... También cogemos las bicis todos juntos o hacemos caminatas. ¿Qué quieren ser vuestros hijos de mayores?  El niño quiere ser farmacéutico como su padre, la mayor no lo tiene claro, aunque le gustan las manualidades y la pintura, y las otras… les gusta mucho la música, ¡esas van por el camino del folclore! La verdad es que no saben aún. A nosotros nos gustaría que en el futuro fueran emprendedores, que conocieran mundo y que se dedicaran a lo que más les gustara. ¿Por qué decidisteis comprar un Bugaboo Cameleon? Lo elegimos claramente por el diseño, nos encantaba. Lo veíamos en las revistas y nos gustaba mucho. ¿Recordáis alguna anécdota con el carrito? Casi nadie lo llevaba entonces. Había gente que se quedaba mirando el carro, y una vez nos dijeron que era el mismo que llevaba la infanta Cristina. ¿Todos vuestros hijos han usado Bugaboo Cameleon? También hemos usado el Bugaboo Frog y el Bugaboo Bee, pero el que más nos gusta es el Cameleon. Todavía lo tengo y no pienso deshacerme de él porque le tengo muchísimo cariño. Se lo he recomendado a todo el mundo. Es comodísimo. ¿Cómo os imagináis el cochecito Bugaboo del futuro? A mí me gustaría que lanzaran carro para los niños de 2 a 4 años. Ese segundo carro que solemos comprar las madres cuando los niños son más mayorcitos ¡estaría genial!
Fotografía: Javier Ferrer
¿Qué ha sido lo más difícil a la hora de ser padres? Que hay que hacer producción en la organización de la familia al incorporar obligaciones como el cole... Aunque luego tampoco es tan difícil. Los dos sois fotógrafos, ¿qué tipo de fotografía hacéis? Estamos enfocados en la fotografía comercial (moda-niños-publicidad-editorial). Estilos muy diferentes, aunque a veces compartimos proyectos. Sara trabaja con más dirección de arte y Pedro es más documentalista. También jugueteamos con la foto en movimiento. Pedro colabora en proyectos como director de fotografía y realizador. Él es el culpable de www.lookandbite.pro una revista de contenido audiovisual y ahora está trabajando en un documental. Sara está ahora con un proyecto de 200 imágenes enfocadas en estilo de vida de jóvenes para una campaña con S.C.P.F.* México. ¿Podéis conciliar sin problema vida laboral y familiar? Lo bueno de nuestro trabajo es que varían los proyectos. Algunas veces concilias mejor que otras, pero siempre nos apañamos y disfrutamos con nuestras hijas. ¿Qué tipo de cosas hacéis en familia? Nos encanta viajar, a ser posible a otras culturas. También nos gusta esquiar, montar en bici, ir a la montaña y la playa. ¿Qué quieren ser ellas de mayores? Todavía no lo tienen claro, a nosotros nos gustaría que disfruten del presente siempre. No sabemos si serán fotógrafos, pero si tiran por ahí seguro que habrá muchas nuevas profesiones vinculadas a la imagen. ¿Por qué decidisteis comprar un Bugaboo Cameleon? Nos lo recomendó una amiga y es quizás la mejor publicidad que existe. Nos fiamos de ella y desde luego no nos arrepentimos. ¿Fue su diseño una de las claves a la hora de elegir el Bugaboo Cameleon? Fue un poco por todo, pero el diseño fue muy importante, claro, nos gustó desde el minuto uno. ¿Qué hicisteis con el cochecito? Lo regalamos, preferimos que lo disfrutaran otros padres a tenerlo en el trastero cogiendo polvo. ¿Cómo os imagináis el cochecito Bugaboo del futuro? Que no ruede, ¡que vuele!
Fotografía: Rita Jiménez Zorraquino
TEXTO: MONGÓMERI
Premio: “Elegí presentarme a Samsung Ego Innovation Project, y no a la pasarela de Ego, porque me sentía muy identificada con la filosofía de la marca y el uso de la tecnología en pasarela ya que añade valor a las prendas. Creo que la unión de moda y tecnología es el futuro. Ganar el premio ha sido como un sueño, y gracias a él he recibido interesantísimas ofertas, colaboraciones y reconocimiento”. IED: “ Parte de la colección con la que gané el premio pertenece a mi trabajo final de grado de IED. Estudiar moda en este centro fue una experiencia muy positiva. La formación es cercana, confían en los alumnos y apuestan por la originalidad y la diferenciación. Creo que saben explotar el lado más interesante de cada uno. Acabé hace exactamente un año, y desde entonces no he parado de tener proyectos interesantes. Justo después de terminar sientes confusión y miedo, pero luego la iniciativa y el esfuerzo dan sus frutos. Me llevo grandes amistades y la posibilidad de haber trabajado con grandes profesionales del sector”. Colección: “Es muy personal, está inspirada en mi pasado como gimnasta. Totalmente impregnada de la esencia deportiva, pero a la vez muy femenina y lujosa. Es una mezcla de conceptos con los que me siento muy identificada. La colección es muy complicada y delicada, con cristales y todo tipo de pailletes cosidos a mano, cuenta a cuenta, donde bordados y lujo tienden la mano a la esencia del deporte. Todos los trajes están fabricados en lycras y gasas elásticas para favorecer la movilidad del cuerpo”. Diseñadora: “Creo que tengo 3 cualidades positivas. Una es que tengo muy claro lo que me gusta y siempre trato de llegar a ello. También tengo una vena de estilista y directora creativa, especialidad que escogí en IED, que me permite tener una visión más amplia de los looks y de la imagen de moda. Y, por último, creo que soy una diseñadora cercana al mundo comercial pero con un toque de diferenciación”. Proyectos: “Considero que aun tengo mucho que aprender. Gracias al premio me han surgido buenas oportunidades en importantes empresas de moda del país, y las estoy aprovechando para mejorar y perfeccionar mis conocimientos. De momento seguiré así, pero en un plazo corto quiero aventurarme y montar mi propia firma”. Gracias: “Me gustaría agradecerle a mi madre toda su dedicación y esfuerzo. Sin ella esta colección no habría sido real”.
TEXTO: SOFÍA DOS SANTOS
Kelly Kapøwsky: “El proyecto surge de la ilusión de Nuria (33 años) por tocar la batería. Enseguida se unió su amiga Eva (32), loca por la idea de aprender el teclado. Las dos comenzamos juntas a tomar clases con nuestro profesor de música y amigo Stefan. Pasado un tiempo se incorporó un bajo. Ahí entró Maite (32), compañera de trabajo de Stefan, y estuvimos formándonos una temporada. Finalmente buscamos una voz y no costó mucho descubrir a Madeva (22 años) que encajó muy bien en el proyecto. Y para acabar de formar el grupo faltaba una guitarra, Laia (36) que encontramos un día tomando unas cañas con una amiga en común. ¡Parece el argumento para un guión de una serie de los 90! Desde entonces ya casi hemos pasado 3 años tocando juntas”. Autoedición: “Nuestra idea siempre fue autoeditar nuestra música. Hoy en día se autoedita muchísimo, todo el mundo puede grabar su música y colgarla en las redes convirtiéndola en su carta de presentación”. Idioma: “Hemos crecido escuchando música en inglés. Además, nuestra cantante también se encuentra más cómoda con el idioma y con la sonoridad que produce, y sin duda, es una manera de que nuestra música llegue a muchos más oídos”. Grupo de chicas: “Nunca se habla de ‘banda masculina’ como característica para definirla. ¿Por qué hacerlo cuando todas las componentes son mujeres?”. Machismo: “Lo hay en todas partes. Nuestro lenguaje ya es machista de por sí. Así que sí, nos hemos encontrado eventualmente en alguna situación que nos ha hecho sentir incómodas. Pero por suerte también hay mucha gente maja”. Composición: “Solemos empezar con una idea que alguna de nosotras tiene en la cabeza y luego la desarrollamos entre todas. En cambio, otras veces, en los ensayos, nos animamos a probar cosas juntas desde cero, ¡esos días nos lo pasamos pipa!” Más allá de la música: “Cada una tiene sus trabajos y estudios, pero un elemento fundamental es que cada una aporta su granito de arena de lo que mejor se le da en el proyecto. Por ejemplo, Núria es ilustradora y Eva fotógrafa, eso nos ha sido de gran ayuda para hacer las cosas como queremos”. Presentación: “Ya se puede escuchar el disco en las redes y próximamente haremos la supermegaultrafiesta en directo. Todavía estamos pendientes de fechas. ¡Estad atentos a nuestro Facebook porque estáis todos invitados!”.
TEXTO: MONGÓMERI
Londres: “Tenía 18 años cuando fui a Londres. No sé si fue una excusa para volar del nido. La moda ya estaba presente en mi vida desde hacía tiempo, pero en el fondo no me lo planteaba como un futuro. Casi te diría que desde el cole me veía haciendo empresariales… pero un día se despertó algo y sin darme cuenta estaba en Saint Martin’s empezando diseño”. Evolución: “Llevo 5 colecciones, en la tercera saqué algo más comercial y dije ‘ok, ya soy más diseñador, ya no hago cosas imponibles’. Pero volví a tener la necesidad de disfrutar de una colección como cuando era un proyecto de la universidad. Me harté de patronar, cortar, coser y finiquitado… Necesitaba volver a reflejar el moodboard sobre la prenda. Y así ha  sucedido en la última colección, es más pequeña, pero mil veces más trabajada y mucho más pensada”. B-Olivia: “Es el nombre de la colección otoño invierno 2016-17. Todo nació con las cholitas, amas de casa bolivianas que visten a la manera tradicional y practican lucha libre. Me fascinaba la construcción de sus trajes, las enaguas, los tableados, tantas blusas… y sobre todo los nudos con los que resuelven los mantones. Todo eso ha derivado en una colección de prendas muy limpias a simple vista, pero si te fijas en los detalles hay de todo: bordados sobre costuras, pinzas, cortes rasgados… Nos hemos divertido mucho haciéndola”. Camisas: “Son la pieza clave de la firma. El porqué es algo que ni yo mismo sé. Soy capaz de emocionarme con un cuello de camisa cerrado, impoluto y perfectamente cosido. Soy así de raro. Quizás es por los años de uniforme en el colegio, o por algún tipo de trauma con alguna formalidad… Pero sí es cierto que cada colección, incluso cada look, nace con un cuello de camisa dibujado, aunque luego lo borre”. Hombre: “Tengo tantos amigos pidiendo desde hace años que haga camisas para ellos, que me estoy planteando hacer una tirada unisex de camisas estampadas, así me quito la espinita”. Referentes: “Me divierte muchísimo la pintura o las técnicas mixtas, me encanta Kanevski y hace poco, en un viaje a Lanzarote, conocí el taller y la obra de César Manrique y me pareció increíble. Tengo muy presentes la posguerra española, la vida rural, el cine de Carlos Saura, y todo lo aparentemente un poco feo o marginal”. 

www.fabioencinar.com
Inés Maestre.“Higo”
TEXTO: SOFÍA DOS SANTOS
Laura Floris. “Mangia”
Arturo San Martín, Present | o. Ángeles y Mickey
Andrea Piñero. "Baby Don't Lie"
Sol Fepeto, S/N
Si algo tiene en común la generación millenial es su espíritu creativo y multidisciplinar. Aquello de ‘¿estudias o trabajas?’ ya pasó a la posteridad, porque no refleja, ni por asomo, las diferentes actividades que cualquier millenial puede llevar a cabo. Y si nos centramos en la creatividad es ya habitual encontrar jóvenes que no se vuelcan solo en una disciplina, sino que eligen expresarse a través de diferentes medios. Hay mucho talento ahí fuera, pero hasta que las galerías españolas no se pongan las pilas y apuesten por los artistas emergentes, espacios alternativos, en este caso un hotel boutique madrileño, actúan como centros expositivos improvisados. El Hotel Indigo Madrid-Gran Vía, que ha apostado desde el principio por el mundo del arte y la cultura durante sus dos años de vida a través de colaboraciones con artistas y diseñadores como Teresa Sapey o Moisés Nieto, ha organizado esta interesante exposición bajo el nombre “Indigo Millenial”, donde ha reunido a 14 jóvenes ilustradores españoles que presentan un total de 42 obras que se exponen en el lobby del hotel y en sus primeras plantas. Casi todos los participantes presentan un perfil multidisciplinar siempre en busca de nuevas vías de expresión creativa. Muchos de ellos fusionan técnicas manuales y digitales, y la mitomanía o la sociedad de consumo son algunos de sus temas recurrentes. Más allá de estas posibles coincidencias cada uno de ellos ha sabido plasmar su universo de una forma muy personal, como Jesús Moreno Yes (Madrid), que utiliza un lenguaje geométrico para sus enormes murales; Inés Maestre, que retrata el espíritu adolescente atormentado; Tatiana Iglesias, que utiliza la acuarela para plasmar escenas con rollo hipster; Laura Floris, que rescata iconos de la cultura española y el papel couché como Rocío Juado y Lola Flores en composiciones de gran formato; o Sol Fepeto, que interpreta de una forma muy peculiar grandes obras de arte como el Guernica, inundándolo de gatos, o El Jardín de las Delicias, de El Bosco, llenándolo de perros. Todas las obras estarán expuestas y disponibles para su venta en el hotel durante los meses de verano.

Hotel Indigo Madrid-Gran Vía. c/ Silva, 6. Madrid
TEXTO: MONGÓMERI
FOTOS: RAINER TORRADO   
MANICURA: TERESA COBO @ NAILISTAS
MODELO: PATI VAQUERIZO

Aburridos de la ropa que veían en las tiendas, un buen día, Israel Cascón y Andrés Sierra, se plantean crear algo divertido para un público sin prejuicios, donde el género es lo de menos.  Hosoi: “La marca nace en 2014. Significa ‘poca chicha’ en japonés. Un nombre que encajaba muy bien con el de nuestra primera colección, ‘Carne’. Los 2 surgieron como el yin y el yang”. Antecedentes: (Israel) “Nos conocimos en un concurso de arquitectura… Y de primeras nos caímos bastante mal”. (Andrés) “No fue amor a primera vista”. Formación: (Israel) “Yo pasé por varias ramas de diseño (interiores, gráfico, iluminación…) y ahora que somos conscientes de lo necesario de una base empresarial me he embarcado en un máster en dirección y gestión de empresas”. (Andrés) “Yo estudie arquitectura, pero siempre me ha gustado andar por las periferias del diseño”. Trabajo: “Somos como Clark Kent, por el día los 2 trabajamos en campos relacionados con la arquitectura,y por la noche nos enfundamos las mallas para sacar adelante la marca”. Gallinas: (Andrés) “Todas nuestras colecciones reflejan nuestro imaginario, y las gallinas forman parte de él. Cuando era pequeño mi padre me compró gallinas, y yo me encargaba de cuidarlas con el dinero que ganaba vendiendo los huevos. Fue mi primer negocio…”. Descarriada: (Israel) “Es el título de la colección otoño invierno 2016-17. Hace referencia a la película  del 73 de Antonio Ozores. Con ella hacemos un recorrido por la historia de la censura. Desde las películas del destape, hasta la censura digital en las redes, con la consiguiente liberación sexual en Snapchat y movimientos como el #freethenipple”. Censura: (Israel) “En las redes hay una doble moral bastante preocupante. En 2016 nadie puede escandalizarse por un pezón”. (Andrés) “El problema no es la censura, sino cómo se aplica de diferente manera según el género”. Redes: “Nos pasamos el día pegados a nuestros smartphones. Nuestro principal contacto con el cliente es online. Para la marca utilizamos sobre todo IG porque te permite un feedback súper rápido. Pero personalmente nos hemos rendido a Snapchat”. Producción: “Nosotros fabricamos todo entre Barcelona y Madrid. Nos gusta conocer a la gente que trabaja con nosotros, desde el fabricante de tejido, pasando por el taller de estampación, hasta llegar a las señoras que confeccionan las prendas. Son parte de Hosoi, y como tal tienen que tener un sueldo y unas condiciones de trabajo decentes. Partiendo de esa base es muy difícil que podamos producir camisetas a 10 euros”.

hosoi.es
Que la cerveza artesanal tiene cada vez más adeptos es bastante evidente. Pero muchos locales de moda optan por ofrecer algo diferente, una experiencia gastronómica que se salga de lo convencional. Si sois amantes de la cerveza artesana y buscáis emociones fuertes en Madrid, abrochaos los cinturones que despegamos. Nuestro destino: Vietnam. Madriz Hop Republic es un pequeño espacio en el madrileño barrio de Chamberí, cuartel general de grandes cervezas artesanas “del gato”. El local, vanguardista y acogedor, te da la bienvenida con sus ocho grifos de cerveza, cuyo contenido va variando cada semana, y sus varias decenas de marcas en botella. Como buenos amantes de la ciudad, sus variedades tienen por nombre los barrios más castizos de la capital: Luchana, Arapiles, Chamberí y Chueca, la última de sus creaciones. Ellos mismos se consideran “cerveceros nómadas”, pues trabajan con fábricas de diferentes lugares desarrollando sus propias recetas, porque además de cuidar la calidad, ponen especial interés en su desarrollo creativo. Y además se encargan de contártelo, de explicar el proceso de la recolección del grano, la fabricación, el embotellado y, finalmente, la cata de la cerveza. 10 puntos a favor. Pero Madriz Hop Republic no son sólo sus alucinantes cervezas; el as en la manga que convierte este pequeño y moderno local se llama Viet-ñam Corner, el auténtico match point que transforma tu estancia en una verdadera experiencia gourmet. El bonus gastronómico lo compone una carta para picotear de cocina vietnamita al wok donde no pueden faltar las gyozas vegetales con su salsa especial, los rollitos vietnamitas o las alitas de pollo fritas. Viajes astrales y momentos de maridaje perfecto con una helada Pale Ale (Luchana) y un cesto de langostinos en tempura. Y sí, aunque parezca mentira la cocina vietnamita es perfecta para maridar la cerveza artesana. Para muestra, un botón. Importante: la ubicación del local, a dos pasos entre Ponzano, la calle de moda del tapeo en Madrid, y Malasaña, el barrio hípster por definición. Entre el Ponzaning y la fiesta, siempre hay hueco para una cerveza artesana. Bueno, y unos noodles; vosotros decidís.

Madriz Hop Republic. C/ Cardenal Cisneros, 21
TEXTO: SOFÍA DOS SANTOS
Tan inquietante como su nombre es la música de estas dos adolescentes procedentes de Norfolk, Inglaterra. Rosa Walton (16) y Jenny Hollingworth (17), amigas desde los 4 años, son dos multiinstrumentistas que hacen música pop psicodélica y oscura. Es como si las niñas de El Resplandor hubieran crecido un poco más y hubieran decidido formar un grupo de música, o como si CocoRosie tuvieran unas hermanas pequeñas. Su carta de presentación fue el single “Deep Six Textbook”, al que le acompañaba un bonito y onírico video. Su álbum debut, “I Gemini”, vio la luz el pasado mes de junio vía Transgressive Records/[PIAS].
TEXTO: MONGÓMERI
FOTOS: ESTROP / FRANCESC TEN

Lo vimos en la última edición de la Semana de la Moda Masculina de Londres. Por cierto, cada vez menos masculina, no por la ausencia de género que se impone entre las nuevas generaciones de diseñadores, sino por una notable presencia de propuestas orientadas directamente al público femenino. La colección primavera verano 2017 del joven diseñador Craig Green, uno de los más relevantes de la nueva escena creativa londinense, podría clasificarse dentro de la categoría genderless, donde el recurso de las caperuzas, junto al de disección y sutura, dan una idea de continuidad entre esta y su colección de otoño invierno. Pero, sobre todo, esta última nos ha enamorado porque en ella encontramos reminiscencias del ilustrador francés Moebius, concretamente a uno de sus personajes más famosos, Arzach. Un personaje épico que también hemos vislumbrado en casi todas las colecciones de Rick Owens. Este héroe  vive en un árido mundo de fantasía, en una especie de surrealismo futurista, y viste al estilo de estas creaciones de Craig Green. Lo curioso es que Arzach nació en 1975, pero sigue totalmente vigente. Su autor firmaba esta serie como Moebius. Su nombre real es Jean Giraud, un auténtico visionario. Falleció en 2012 a la edad de 73 años. En su legado tenemos a otros míticos personajes de cómic como El Teniente Blueberry o el Mayor Grubert, y obras de ciencia ficción como El Garaje Hermético o El Incal. Perteneciente a la generación de nuevos filósofos franceses, Jean Giraud colaboró en numerosos proyectos con Jodorowsky, y dejó su sello en los diseños de numerosas películas de ciencia ficción como Alien, Tron, Masters of the Universe, Willow, Abyss, Star Wars, El Quinto Elemento… Obras que de una forma u otra, consciente o inconscientemente, han influenciado a una larga lista de creadores de moda: Alexander McQueen, Rick Owens, Gareth Pugh, Olivier Rousteing… y un largo etcétera hasta llegar al último: Craig Green. De verdad, si yo fuera Andrew Bolton, comisario del Metropolitan Museum of Art & Costume Institute, haría una exposición sobre Jean Giraud y su influencia en la moda. Y que Rihanna acudiera disfrazada de Alien.
TEXTO: TELEVISION RUIZ
FOTO: JOSÉ MORRAJA

El grupo: “Está formado por Sara Mortal (voz y bajo), Fer Mortal (guitarra y cacharros) y Leti Mortal (batería): dos talaveranos y una alicantina afincados en Madrid. En un principio Muerte Mortal lo formó Sara, que llamó a Leti para tocar y ver qué salía. Tras unos cuantos ensayos penosos, decidimos llamar a Fer para que mitigara el desastre con su muro de sonido y así, entre todos, parece que el ruido es más soportable”. El nombre: “Es el fruto de un exhaustivo análisis de los títulos de las películas de sobremesa de Antena 3. Fernando, nuestro guitarrista, es una fuente inagotable de chorradas y ésta fue la que nos hizo más gracia”. Proyecto Demo: “Quedar semifinalistas fue un subidón muy grande. Somos un poco reacios a las fotos y a exponernos al público, excepto para los bolos, claro, y además tenemos que hacer malabares para ensayar y tocar fuera de Madrid por nuestros respectivos trabajos. Pero vamos, que ya nos hubiésemos apañado para ir a la final y a donde fuese si hubiésemos ganado”. Underground ochentero: “Nos han comparado con grupos de esa época que conocemos pero que no son los que normalmente escuchamos (Décima Víctima, Los Monaguillosh…). Los tres coincidimos en gusto en muchos grupos, pero cada uno tiene una tangente diferente y, si rascas un poquito, cada uno tira para un lado”. Tareas: “Nuestras funciones en el grupo están muy compartimentadas, somos prácticamente robots programados para una tarea. Sara es quien escribe las letras y compone la melodía, Fernando es un hacha de la comunicación y Leti hace la imagen. Somos un trío muy bien avenido”. Directos: “No hacemos distinción entre canciones de directo y de estudio, queremos que los temas suenen en el disco igual que en los (mejores) directos y no al revés, no nos obsesionamos con la perfección. Eso sí, nuestro directo tiene un orden muy concreto porque algunas de las canciones están enlazadas, cosa que en el disco no”. Panorama patrio: “Lo vemos sanísimo. Por todas partes hay chavales y señores que ejercemos de chavales que tenemos nuestro grupillo de mierda y, en algunos casos, grupazo. Melange, Peralta, las Cruces, Sudor, Travesti Afgano, la URSS, Afilador, Sra Sr Sra, Zelators, Pablo und Destruktion... la lista es grande”. Un sueño: “¿Vivir de la música? Sinceramente no lo vemos. Nuestro sueño sería ser ricos y ya si eso tocar de vez en cuando en fiestas como la de El Guateque”.
TEXTO: MONGÓMERI
FOTOS: GIORGIA FAGÁ
ESTILIMO: MARIO VILLE
MODELO: LUISZ NDONG
MAQUILLAJE: MARINA SÁNCHEZ

Estudios: “Aún no he terminado. Me queda el último año, las prácticas y presentar el proyecto final. Elegí la ESD por ser el único centro público que ofrece estos estudios en Madrid. Para mí es un gran privilegio haber accedido a él. Lo más destacable es el buen ambiente. Es un edificio pequeño, conoces a todo el mundo, y cada uno te aporta algo, independientemente de la especialidad que estudien. Eso es muy positivo porque al final la moda necesita de diseñadores gráficos, de interiores o producto. Quiero seguir formándome. Todo lo que he aprendido ahora lo estoy poniendo en práctica a través de mi propia firma. Es un proyecto que no pienso abandonar. Pero no descarto trabajar para otras marcas, descubrir cómo se organizan, adaptarme a una línea de diseño diferente a la mía… todo eso sigue siendo parte de mi formación”. Marca: “Viene de ’heaven’ y ‘hell’. El nombre surgió de la intención de crear 2 líneas de producto, una más comercial, que es Jeaven; y otra con diseños más arriesgados, que es Jell. En las 2 trabajo el mismo concepto de colección, pero con 2 puntos de vista, uno más práctico y otro más artístico”. Colección: “Se titula ’no one is a prince after twelve’. La Cenicienta ha sido la principal inspiración. Algunas prendas son transformables como en el cuento”. Género: “Mi marca se dirige a un público sin demasiado interés en poner etiquetas de género a sus prendas. El público al que nos dirigimos no se define como masculino o femenino, son personas que disfrutan la moda, la viven, y se levantan cada mañana para jugar a vestirse antes de salir al mundo”. Pasarelas: “Para las firmas que empezamos es necesario que nos subamos a las pasarelas, es una manera fantástica de que nuestro trabajo tenga una gran difusión. Pero soy más partidario de otro tipo de presentaciones: conquistar un espacio, invadir la ciudad o parar el tráfico… Hacer que la moda se sienta, no solo dedicarle una semana en el calendario. Hace unos días aparecimos en una discoteca con un montón de amigos vestidos de Jeaven & Jell, incluso el dj, y nadie lo esperaba, fue muy divertido”. Proyectos: “Estoy trabajando en la colección primavera verano 2017. También colaboro como estilista en algunos editoriales, y sigo preparando el próximo año académico que será cuando terminé los estudios de moda”.

jeavenandjell.tumblr.com

TEXTO: SOFÍA DOS SANTOS
“Santos, difuntos, dieux et fétiches” es el título de la primera exposición individual del artista extremeño en la galería sevillana Delimbo. Pintura, escultura y cerámica son los medios que Rorro ha utilizado para plasmar ese particular universo suyo que hace hincapié en la cosmología afrocubana y la decadencia de la sociedad de consumo, siempre con un punto de ironía. En esta exposición el artista hace también referencia a la música, la filosofía, la historia del arte e incluso a ídolos culturales, convertidos ahora también en objetos de usar y tirar. Antropología y fetichismo, todo en uno.

Hasta el 10 de septiembre. Delimbo Gallery. Pérez Galdós, 1. Sevilla. delimbo.com
TEXTO: MONGÓMERI
FOTOS: CÉSAR SEGARRA
ESTILIMO: BILLY LOBOS
MODELO: ALBERT SANTANA

Diseñador: “Hay que buscar la función, pero también la poesía de las cosas. Al final, las limitaciones no nos dejan ver más allá, y el diseñador tiene que hacerlo”. ModaFad: “Me apena mucho que esta plataforma haya desaparecido. Muchos diseñadores españoles hemos pasado por allí. Siempre les agradeceré el trabajo que han hecho. Me siento afortunado de haber dado los primeros pasos a su lado”. ANDE: “El premio de la Asociación de Nuevos y Jóvenes Diseñadores Españoles conlleva tener un stand en el salón Who’s Next París, una feria para marcas con acceso a buyers. La verdad que no saqué muchos clientes. Por lo general, los buyers esperan verte un mínimo de 3 veces antes de comprar nada. Hay que demostrar una continuidad y una solvencia como marca”. Hyères: “Fue muy fuerte. Puse toda mi energía en ese proyecto. Para mí fue un proceso muy emocional, una introspección para buscar al hombre al que me dirijo y elevarlo al máximo exponente. La colección que presenté fue como un sueño. Hyères es una plataforma que te acerca a toda la industria del prêt-à-porter. Y una fuente de contactos increíble. Después de eso estuve trabajando para una agencia parisina de tendencias, pero a distancia, desde mi estudio de Barcelona. Vivía a caballo entre Barcelona y París. Ahora trabajo en un estudio textil, diseñando colecciones de tejidos y, al mismo tiempo, empujando mi marca”. Dualidad: “Como dice Susan Sontag: ‘lo más hermoso del hombre viril es algo femenino; y lo más bonito de la mujer es algo masculino’. Hoy en día, a una gran parte de los consumidores no les importa que una prenda sea de hombre o de mujer. Si les gusta se lo van a comprar. Hay muchos clichés que se han quedado obsoletos”. Evolución: “Cuando empecé a estudiar tenía una visión de la moda mucho más superficial. De repente, un día se cayeron todos mis referentes de aquel entonces, y poco a poco empecé a reconstruirlos con más influencias externas”. Referentes: “Tengo adoración por el período de la Alta Costura de los años 50. Dior o Balenciaga son 2 modistos a los que no me canso de investigar. Pero también películas de Jaques Demy, que integran el color en la escena de una manera sublime”. Proyectos: “Empujar la marca a nivel comunicación, seguir trabajando los intangibles de la marca y analizar su ADN. Espero tener presencia en tiendas físicas de Barcelona y Mallorca muy pronto”.  

www.guillemrodriguez.net
TEXTO: JAVIER ABIO
En la imagen, la butaca Twins que el estudio Mut ha creado para la marca Expormim. Es la última colaboración entre la productora y el estudio de diseño valenciano. Desde hace un par de años parece que la carrera de los dos es imparable y todo lo que lanzan al mercado, juntos o separados, funciona más que bien. Calculo que toda esta buena suerte empezó con el asiento colgante Nautica que obtuvo un Red Dot Award en el año 2014. En estos últimos años Expormim ha ido mejorando su diseño y Mut se han convertido en los diseñadores españoles del momento. No, si al final va a ser verdad que las crisis sirven para algo.

www.mutdesign.com
www.expormim.es

Asistente Fotógrafo
CLAUDIO LÓPEZ
Estilismo
ANEURY MONEGRO
Modelo Rostro
DEMI JONK @ Blow Models
Modelo Labios
CARLA TRUJILLO @ View Management
Fotógrafo
DAVID DÍEZ
Muah
CYNTHIA DE LEÓN
BOBBI BROWN Luxe Lip Color:
Atomic Orange + Pale Coral

CUTIS · Foundation VICHY Lifactiv Lexiteint
+ LAURA MERCIER Bonne Mine Stick Face Colour (Coral Glow)
UÑAS
·  M·A·C Nail Lacquer Glitter - Too Short Skirt
LABIOS
· BOBBI BROWN Luxe Lip Color - Atomic Orange
CUTIS · Foundation VICHY Liftactiv Lexiteint
LABIOS · BOBBI BROWN 24 Luxe Lip Color + 23 Atomic Orange




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por María Barros
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Llevamos 147 números y miles de posts mostrándote fotos de cosas que nos gustan. Lo hacemos porque pensamos que a ti también te gustarán. Pero ahora damos un paso más. Queremos que esos objetos se hagan realidad, que dejen de existir solo en fotos y
que se materialicen  cómodamente en tu casa. Ese es nuestro deseo, pensamos que también el tuyo, por eso abrimos nuestra propia boutique online: Neo2 Shop.

Texto
PEPA LÓPEZ
Fotos
MARIO CRANKS
El imperio de la bicicleta se ha instaurado, inundando nuestras calzadas con vehículos de dos ruedas y colores brillantes. Comenzó como cualquier otra moda, pero ha decidido que se queda. Vamos, que lo de montar en bici es ya más bien una costumbre sana, como el running o los smoothies. Claro, esta invasión de las bicicletas ha despertado muchísima curiosidad y ¿quién mejor que Mario Cranks para hablarnos de ello? Un fotógrafo centrado en la cultura cycling que nos cuenta todo lo que hay que saber para adentrarse en el mundo de la bicicleta.

¿Existen diferentes movimientos urbanos relacionados con el cycling? ¿Hay un universo cycling como ocurre con el skate? En la cultura ciclista existen tantos movimientos como tipos de bicis, hay muchísima variedad. Desde los más callejeros como BMX o piñón fijo, hasta los más retro con bicis de carrera antiguas e incluso velocípedos. ¡Hay de todo! Sin embargo, no es comparable al skate. Este está asociado a una determinada edad y grupo social, mientras que la bici no tiene edad, género ni clases. He visto a señores de 60 años haciendo descenso con niños de 10 añitos. ¡Esto es lo que más me gusta del cycling, que no se puede categorizar!

¿Qué bicis me recomendarías para moverme en ciudad? Depende de trayecto, del espacio que tengas para guardar la bici y del estilo que te mole. Sin duda, para moverse por ciudad y combinar la bici con transporte público lo más cómodo es la plegable. Sin embargo, si buscas algo de estilo la bicicleta de paseo es una opción segura.
A mí me han recomendado la marca Canyon. Su política de ventas es genial. Sin intermediarios, buen precio y 6 años de garantía.

¿Hay un buen mercado de segunda mano en el tema bicis? Es un mercado muy amplio, pero hay mucha chatarra cara y alguna que otra bici robada. Lo suyo es contar con alguien que sepa del tema y pedir siempre la factura de compra al vendedor para comprobar que no haya negocios turbios.

¿La cultura cycling urbana tiene su propia estética? Varía mucho en función de la modalidad, pero sí que existe. Los pantalones elásticos estrechos o de pitillo son muy utilizados porque evitan enredos con la transmisión. Otra tendencia es la de los elementos reflectantes, que ahora se han generalizado y salido al público general. Además, se ven muchas zapatillas para pedales automáticos con diseño deportivo y para el día a día. Sin embargo, la bici no determina mucho la ropa que te pones, depende más del destino. No es lo mismo ir en bici a una cena familiar que a la discoteca.

¿Qué consejos de estilismo darías a los ciclistas urbanos? Ve cómodo y con ropa que te guste. No hace falta disfrazarse con bandas reflectantes por todo el cuerpo. De hecho, creo que te hace parecer inseguro sobre la bici y resulta contraproducente. Vístete en función del destino, la bici es solo el medio de transporte. ¿Acaso alguien se viste en función de si coge el metro, bus o coche?

Tú trabajas con marcas especializadas como Nvayrk. Pero, ¿qué opinas del acercamiento al cycling de marcas como Levi’s con su línea Commuter? Me mola mucho la calidad y cómo han conseguido adaptarla a la bicicleta.

¿Y en referencia al casco tú que recomiendas?
El casco es el tema más polémico del ciclismo urbano. Personalmente, no entiendo su imposición en ciudad y no suelo usarlo, pero cada uno es libre de hacer lo que quiera. En cuanto a recomendaciones, lo mejor es probarlo, que sea cómodo, haga juego con la bici, etc. Hay hasta modelos con diseño de sombrero o gorra, pero para mí, el más estético es el de toda la vida.

Los ciclistas urbanos tenéis puntos de encuentro en Madrid. ¿Podrías recomendarnos alguno? Yo voy a diario a la tienda Viva Bicicletas, se ha convertido en lugar de cerveceo y charla diaria para nosotros. ¡Gracias a Paloma y Rubén por dejarnos! Para algo más formal La Bicicleta (plaza de San Ildefonso) es genial, pero si quieres rodar un poco lo mejor es Chamartín.
¿Cuál es el principal problema de los ciclistas en la ciudad? ¿Y la solución? Los enfrentamientos con conductores, que no están acostumbrados y perciben a los ciclistas como algo invasivo. Hace poco un coche me la lió intencionadamente, por evitar el choque acabé con la cara en el asfalto y la bici destrozada mientras el tío se iba acelerando. Sin embargo, es cuestión de aprender a convivir. ¡La situación ha mejorado mucho en los últimos 5 años!

Los robos de bicicletas son un gran problema. ¿Cuál es tu mejor consejo para que no nos roben la bici? Gastarse los cuartos en un buen candado, como Kryptonite, que solo se puede abrir con un radial. No tiene sentido invertir en la bici y no en su seguridad. Otra opción es dejarse de trasteros o calle, que la bici duerma en casa.

Como fotógrafo de cycling, ¿qué eventos cubres? ¿Surgen muchas oportunidades profesionales como fotógrafo? Al principio me movía más con el tema Mountainbike, pero ahora estoy centrado en el piñón fijo. Suelo cubrir los RedHook, 4 critériums en Nueva York, Londres, Milán y Barcelona. Además, corro en los españoles y participo en la organización del madrileño con MadCity Rides. Al especializarte surgen oportunidades pero es un proceso lento. Entre mis últimos clientes están DaShape y La Bicicleta Café, ¡estoy encantado con los resultados!
¿Te consideras mejor fotógrafo o mejor ciclista? Las dos facetas están unidas y evolucionan de forma paralela. Para poder hacer fotos sobre una bici tienes que saber montar. Muchas de las fotos las hago en marcha entre el tráfico, lo que requiere técnica, anticipación
y seguridad.

Hablamos de tu proyecto, la publicación Piñón Fijo. ¿Cómo surge y cómo está evolucionando? Con Piñón Fijo me lancé a por el tema de las bicicletas por primera vez. ¡Hasta convoqué gente por Facebook! Es un trabajo terminado, pero lo que hago ahora es la evolución lógica de ese proyecto. Fue el impulso que necesitaba.

¿Es fácil encontrar sponsor en fotografía cycling? ¿Tú tienes alguno? Yo hago colaboraciones con varias marcas. Esto no es difícil, basta con usar las redes sociales y hacer buen branding. También me molaría trabajar como influencer probando bicicletas. Además, pertenezco a The Roosters, un colectivo que hace viajes largos en piñón fijo. Aquí si contamos con sponsors como Oakley, WAU, Santa Fixie y otros. ¡El último viaje fue a Japón!

En resumen, ropa cómoda y que mole, buen rollo, sensación de velocidad y subidón de adrenalina. Moverte libremente y darle a tu vida el toque extra de deporte que le falta. Estos son los ingredientes de los que está hecho el movimiento cycling, ¿vas a ser de los pocos que se queden fuera?
Texto Álvaro Rodríguez de la Rubia Yuste
Ilustración
Alexis Nolla
Acaba de presentar su segunda colección en la Semana de la Moda de Moscú, dicen que ha enamorado a Carine Roitfeld, y en septiembre comienza a vender en Opening Ceremony. Todo eso siendo una firma española que combina la costura tradicional con una mentalidad sin prejuicios, ni complejos. Hasta su presentación en Madrid el pasado mes de febrero, apenas habíamos oído hablar de Palomo Spain.
Esta es su historia: En 1992 nace Alejandro Gómez Palomo en Córdoba. Todos le llaman Palomo. Aunque crece en un ambiente donde gusta vestir bien y se lee el Vogue, Alejandro el primero, en su familia nadie está metido en el mundo de la moda. Sin embargo, todos le animan en su carrera como diseñador desde que, a los 8 años, comienza a copiar los diseños de Galliano para su colección de Barbies. Hoy en día, sus padres son sus mayores mecenas.
Desde los 15 años su sueño es estudiar en Londres. A los 18 lo consigue, finalmente se matricula en la London College of Fashion. A pesar del apoyo familiar, para poder estudiar, Palomo tiene que trabajar. No puede dedicar todo su tiempo y dinero a la moda, por lo que admite que su existencia durante esos años fue algo complicada y su trabajo como diseñador un tanto limitado. Pero no todo fue malo: Allí conoce al modelo de este reportaje,  Emilio Laguna, novio y musa de Palomo desde el minuto 1; también trabaja en el departamento vintage deluxe de Liberty, donde se familiariza con la magia de la alta costura y descubre lo que realmente quiere hacer y donde quiere hacerlo: en Posadas, su pueblo.
FOTOS CÉSAR SEGARRA
ESTILISMO ALEJANDRO GÓMEZ PALOMO
MODELO EMILIO LAGUNA
TEXTO JAVIER DE JUANAS
AGRADECIMIENTOS ALBERTO GARCÍA DEL CASTILLO
+ AIR ANTWERPEN
AMBERES, 2016
Desde los 15 años su sueño es estudiar en Londres. A los 18 lo consigue, finalmente se matricula en la London College of Fashion. A pesar del apoyo familiar, para poder estudiar, Palomo tiene que trabajar. No puede dedicar todo su tiempo y dinero a la moda, por lo que admite que su existencia durante esos años fue algo complicada y su trabajo como diseñador un tanto limitado. Pero no todo fue malo: Allí conoce al modelo de este reportaje,  Emilio Laguna, novio y musa de Palomo desde el minuto 1; también trabaja en el departamento vintage deluxe de Liberty, donde se familiariza con la magia de la alta costura y descubre lo que realmente quiere hacer y donde quiere hacerlo: en Posadas, su pueblo.
Tras 6 años lejos de su tierra, en Londres, la añoranza sirve para dar vida a Palomo Spain, marca que nace en la primavera de 2015 con la presentación de su proyecto fin de carrera, la colección “je t’aime moi non plus”. Por supuesto, es la canción de Alejandro y su pareja, Emilio, siempre presente en sus creaciones, el primer “chico Palomo”, el que más suerte tiene de todos porque, como debe ser, acaba haciéndose con todas las piezas de las colecciones y llevándolas a su antojo. Eso le viene bien a Alejandro porque le hace ver cómo adaptar sus creaciones a un lenguaje más de calle. Además de musa, Emilio también ejerce de asesor, entiende muy bien el mercado y sabe cómo aproximarse a la futura clientela de Palomo. En verano de 2015, Alejandro abandona Londres para dedicarse de lleno a su trabajo como diseñador en su pueblo de Córdoba. En Posadas dedica todo su tiempo a la moda, sin ningún otro tipo de preocupación o distracción.
Tiene un taller precioso y grande, lleno de luz, con un pequeño equipo de 2 mujeres que le ayudan a realizar sus fantasías textiles. La última, su segunda colección, Orlando, inspirada en la novela de Virginia Woolf, habla de libertad. En su caso de la liberación de los chicos para vestirse acorde a sus emociones. Un concepto que adquiere nuevas dimensiones tras la masacre en la ciudad de Florida del mismo nombre.
Antes de que la tragedia de Orlando suceda, la colección se presenta en un palacio madrileño con, a modo de séquito, un casting de chicos del círculo de Palomo. Desde entonces se habla de “chicos Palomo” como en su momento se hablo de las “chicas Almodóvar”. La idea de Alejandro sería crear un colectivo de chicos que quiera formar parte de ese movimiento, que disfrute la moda y sea capaz de entenderla y sentirla de la misma forma que él, asimilando la masculinidad con una libertad total. El hecho de que sean las mujeres las que terminen adueñándose de sus prendas es algo que tampoco le importa. Pero confiesa que le resulta difícil diseñar para mujer, sus creaciones son de moda masculina, es lo que le gusta y para lo que se ha formado, y seguirá presentando colecciones con su elenco de chicos porque son quienes le inspiran. Y lo hará bajo la marca “Spain”. A pesar de que muchos crean que la moda española no tiene cabida en el escenario creativo internacional, sabe que el producto español es atractivo para millones de personas. Siempre vemos mejor lo que se hace en París o Londres, afirma el diseñador. Precisamente por eso, Palomo ha decidido asumir la responsabilidad de que esto cambie y se empiece a exponer un producto de calidad Made in Spain.

www.palomospain.com

TEXTO MONGÓMERI           FOTOS JOSÉ MORRAJA

Andrea Bernardt
Marianela Martín
Sara Negre García
La última edición de la pasarela Adlib
Moda Ibiza se ha cerrado con importantes novedades. La más refrescante y neo es la de Ad Talent. Una pasarela, con premio incluido, 2.000 euros, dedicada a talentos emergentes de la moda balear. Las 9 propuestas seleccionadas tuvieron el honor de inaugurar la pasarela Adlib Moda Ibiza en un escenario muy especial: la sala capitular del ayuntamiento de Ibiza en
Dalt Vila, un antiguo convento dominico con frescos del siglo 17 y vistas al mar.

En el backstage, bajo la atenta mirada
de los retratos pictóricos de papas y cardenales, las 9 participantes presentaban sus colecciones a un jurado amplio y diverso en representación de todos los sectores de la moda: los diseñadores Juanjo Oliva y Maya Hansen; Rafael Muñoz, periodista de moda de Rtve; Simona Martínez Rivero, editora de moda de Harper’s Bazaar Argentina… y hasta un servidor, entre otros muchos, como el fotógrafo Gorka Postigo. Había nivel,
tanto entre el jurado, como entre las participantes, 9 jóvenes diseñadoras: Ángela Vallori Salas, Mª Lorena Sánchez Redondo, Patricia Perales Richtsteiger, Esperança Martínez Más, Andrea Estarellas (Bernardt), Sara Negre García, Raquel Espada Bellido, Jessica Torres Saura y Marianela Martín de Juan. Todas, salvo una que iba por libre, se presentaron en nombre de las 3 principales escuelas baleares de moda: ESDIB, Escola d’Art d’Eivissa y EDIB.

El briefing para todas ellas era el mismo: presentar una colección inspirada en la artesanía balear. Finalmente, la colección ganadora fue “Craft”, firmada por la joven Mª Lorena Sánchez Redondo del ESDIB. Una propuesta veraniega de estilo minimal donde el lino se desgarra estratégicamente y se adorna con trenzados de pleito o llata.

También merecen ser mencionadas las colecciones “Coup de Mer” de Patricia Perales Richtsteiger inspirada en la flora marina local; “Elliot” de Andre Estarellas, basada en la esencia bohemia de Deià (Mallorca); “Aixa” de Esperanza Martínez Más, inspirada en las embarcaciones mallorquinas; “Artesanía Balear” de
Raquel Espada, donde se homenajea a
los instrumentos artesanales del folclore musical ibicenco; “10.35” y “UC” de
Jessica Torres Saura y Marianela Martín respectivamente, ambas inspiradas en
la vestimenta tradicional ibicenca.

Parece que, a partir de ahora, Ad Talent nos proporcionará muchos jóvenes de los que hablar. Clara Courel, una de las cabezas visibles del proyecto, junto a Marta Díaz, consellera de interior, comercio, industria y relaciones del Consell d’Eivissa, manifestó la vocación internacional de esta iniciativa que aprovecha la moda como la mejor embajadora de la isla y su cultura. Y esto fue solo el primer día, Adlib Moda Ibiza continuó durante 2 días más con las colecciones de 14 firmas de moda ibicenca. Solo en Ibiza podría haber tanta moda en solo 572 km².

adlibibiza.es
Mª Lorena Sánchez Redondo
Mª Lorena Sánchez Redondo
Mª Lorena Sánchez Redondo
Sara Negre García
TEXTO SARA MORALES
Silencio: “A veces el silencio es necesario aunque nos crispe un poco. Pero a pesar de que creo que a veces hay que callar y dedicarse a escuchar, estos cuatro años han sido de un silencio relativo. No he sacado disco pero escribí las bandas sonoras de dos obras de Calixto Bieito y una de Carme Portacelli, con una media de 10 canciones cada una, y rara vez he dejado de escribir. Los describiría como años caóticos antes que silenciosos”. Catarsis: “La  concepción de este disco coincidió con un momento de mi vida en el que estaban cambiando muchas cosas, muy radicalmente. Decidí irme a Macedonia. Aunque no sabía muy bien qué me iba a encontrar, supe que tenía que hacer un viaje largo al país de mi padre y me marché sola. Me di la excusa de quedarme en Ohrid escribiendo canciones, pero lo que pasó en realidad fue que toda la raíz paterna que en 30 años apenas había llegado a conocer, cobró vida, empezó a crecer con fuerza y a echar hojas. Hice una inmersión en el idioma, en el paisaje, en la música de allí; me emocioné con el baile, con mi familia, con el humor blanco y la humildad de la gente; realmente me creció una mitad entera que me permitió luego encarar mis canciones desde otro centro”. Road álbum: “No es un disco escrito de una sentada. Es un disco de búsqueda. Está escrito en muchas etapas diferentes de una vida de por sí bastante errática, en una serie de momentos decisivos muy dispares. Macedonia es por un lado un nuevo principio, por otro un refugio. Barcelona sería la base naval del conflicto. Canadá representa siempre la fascinación, el nacimiento de muchas cosas sorprendentes y bellas de las que no me creía capaz. El álbum está grabado en Toybox Studios con John Parish, Bristol de pura cepa todo ello. Acudí a John porque en ese momento de tanto cambio necesitaba a alguien que me conociera bien, y él le dio cohesión y sentido. Así que Bristol no está en las composiciones, pero está en el sonido y le da a este álbum su hilo conductor”. Musicalidad: “Lo hemos tratado con una instrumentación austera; uno o dos sonidos de teclado nada más, cuerdas y vientos, pero no en todos los cortes, el mismo sonido de batería, guitarras limpias, alguna concesión electrónica de mis maquetas. La premisa fue no ensuciar. Además, para el directo soy muy afortunada de estar colaborando con el Quartet Brossa, Pau Valls a la trompa y Pep Mula a la percusión”.
TEXTO JAVIER ABIO
Hay pocas marcas que puedan presumir de tener 100 años, a Point le quedan solo 4 para poder hacerlo. Point es la historia de una pequeña empresa familiar que se especializó en la fabricación de muebles de junco, médula y mimbre. En 1920 José Pons Pedro, registró la compañía “Pons, Monfort y Cia” en el pueblo de Gata de Gorgos, Alicante. Desde entonces para Point ha habido buenos y malos momentos, me imagino que uno de los buenos serían los años 70, que es cuando se estrenó la película Emmanuelle con su famosa silla de mimbre. Pero aclaremos que la fabricación de muebles con fibras vegetales tiene su origen en el continente asiático hace ya muchos siglos. En su última etapa, Point se ha especializado en mueble para exteriores. Esto les motivó a crear en 2013 una fibra sintética llamada Shintotex. En ese momento dieron un gran salto al mundo del diseño y empezaron a colaborar en la creación de las colecciones con diseñadores nacionales muy reconocidos. Para Point han trabajado diseñadores como Ximo Roca, Francesc Rifé, El Último Grito, EstudiHac, Gabriel Teixidó o Joaquín Homs. Hoy en día la empresa factura más de 6 millones de euros al año, donde el 62% de las ventas son de fuera de España. La marca está presente en 94 países y tienen sus instalaciones en Jalón, Alicante. El trabajo con estos diseñadores les ha hecho abrirse a nuevos materiales y formas de producir. El metal o la madera se han incorporado a sus colecciones junto a la fibra sintética. En esta página te mostramos algunas de las piezas de su catálogo. En la imagen superior: Armadillo, un sofá colgante diseñado por Joaquin Homs. En esa misma galería de imágenes,  sofá que pertenece a la colección Hamp diseñado por Francesc Rifé.  En la imagen inferior, diferentes opciones de la silla But de estructura de acero lacado, un diseño de Francesc Rifé. 
TEXTO MONGÖMERI
Las bermudas no son solo la prenda estrella del look masculino en verano, Bermudas también es el escenario de la próxima Copa América de Vela. Prueba en la que Louis Vuitton participa desde 1983 como patrocinador de las pruebas de clasificación. Una competición inspiradora, sobre todo para Louis Vuitton y su colección cápsula Copa América que este año también se fija en John F. Kennedy como referente de estilo para crear 3 siluetas estivales para la playa, el día y la noche. En las 3 reconocemos la V de la Victoria, pero también de Vuitton. Símbolo que, en ocasiones, vemos en prendas textiles, bolsos, gorras y calzado de la colección.  

www.louisvuitton.com
TEXTO MONGÖMERI
Herschel (Canadá): “La verdad es que actualmente no vamos mucho a Herschel, pero siempre está en la memoria. Es el lugar donde vivían nuestros abuelos, y allí pasamos muchos veranos desde niños. Es un lugar muy especial para nosotros, ha determinado nuestra mentalidad, siempre basada en la experimentación y la aventura”. Hermanos: “Desde la infancia crecimos con los mismos gustos. Tenemos una edad parecida, solo nos llevamos 2 años. Siempre hablábamos de ideas para marcas, de las que nos gustaban, y compartíamos las nuevas que íbamos descubriendo. Siempre quisimos crear juntos una marca. Cuando llegó el momento de lanzar Herschel Supply sentimos que era lo correcto. Teníamos una buena relación y entre los 2 sumábamos una serie de habilidades que nos permitían dividirnos para cumplir objetivos en los momentos de expandir la compañía”. Experiencia: “Antes de Herschel los 2 teníamos nuestras propias agencias de ventas, gestionábamos las ventas de grandes marcas de moda y lifestyle. Siempre estábamos en la carretera, visitando ferias y viendo lo que otras marcas hacían. Producto: “Pocos años antes de crear la compañía en 2009 fuimos conscientes de que había una falta de innovación en bolsas. Era un tema que nos apasionaba, ya que los 2 viajábamos mucho. Era muy difícil encontrar una buena bolsa, que fuera bonita y tuviera buen precio. Así que vimos que había hueco en el mercado para una marca con productos bien acabados, un toque de nostalgia y un fino sentido del detalle”. Nostalgia: “Nos gusta pensar en nuestro producto como un clásico moderno, algo que aporta una nueva nostalgia. Para nosotros la nostalgia es ese sentimiento de lo familiar. Es algo que crees que ya conoces, y todos nos sentimos atraídos por esa sensación. Comenzamos con siluetas clásicas pero con el tiempo comenzamos a actualizarlas y a añadir elementos sutiles con el objetivo de crear algo nuevo. Miramos al pasado en busca de inspiración, pero diseñamos para el futuro”. FW 16-17: “Estamos muy concentrados en la experimentación, tanto en nuevos materiales como en procesos de fabricación. La colección para la Season 3 es un gran ejemplo. Una de nuestras historias de diseño favoritas es ApexKnit™, la primer marca registrada que sale de Herschel Supply. Es un tejido  de punto de alta densidad que ha sido moldeado con la forma de una bolsa.  El cliente siempre está buscando novedades e innovación, y pensamos que la tecnología del punto es un descubrimiento muy excitante que hace honor a las expectativas”.

www.herschelsupply.com

TEXTO JAVIER ABIO
La nueva pieza diseñada por Jasper Morrison para Emeco se merece una página en Neo2. Se ha presentado hace unos meses en Milán y con ella se amplia la familia Alfi que Emeco lanzó el año pasado. La hemos probado y tenemos que decir que es altamente confortable, no para utilizarla 8 horas como silla de trabajo, pero sí como silla de comedor o para espacios contract. La incorporación de los reposabrazos le da una personalidad que no tienen las primeras de la colección. La estructura es de fresno trabajado por artesanos Amish. El resto de los componentes están realizados con materiales 100% reciclados: 92.5% de polipropileno combinado con un 7.5% de fibras de madera. Emeco es una marca norteamericana conocida mundialmente por su 1006 Navy Chair de aluminio.
 
www.emeco.net
Como Converse siga revisando sus archivos va a terminar recuperando sus galochas de 1908. Me refiero a ese calzado de goma que, a modo de funda, servía para proteger de la lluvia y el barro a los zapatos de los trabajadores a la intemperie, y así de paso no manchar el suelo cuando entraban en un interior. Lo cual me parecería genial que hicieran. Ese fue el primer producto de la marca. Pocos años después ampliaron su línea de calzado con zapatillas deportivas para basket. En 1917 nacieron las célebres zapatillas de lona con suela de goma. 3 años más tarde, en 1920, son bautizadas como All Star. Son justo esos modelos los que ahora Converse recupera de sus archivos y los relanza como las nuevas All Star Modern. Se trata de una versión contemporánea, más tecnológica y ligera, del mítico modelo original. Esta nueva versión, disponible en caña alta y baja, presenta empeines tejidos circularmente, lengüeta partida y costuras de neopreno, además de novedades tecnológicas como la de la Nike Hyperfuse, una suela exterior de Phylon contorneada y puntera superpuesta con TPU. Esta moderna versión de las All Star se presenta en 5 colores (negro, rojo, azul, verde y blanco). Su precio es de 140 euros la silueta Hi, y 130 la silueta Ox, o baja. Las encontrarás en Converse.com. Pero aún hay más, HTM, el célebre trío creativo de Nike compuesto por Hiroshi Fujiwara, Tinker Hatfield y Mark Parker, han hecho su propia versión de las All Star de 1920. Es algo histórico, porque es la primera vez que intervienen una zapatilla que no sea de Nike. El resultado es la All Star Modern HTM. Una versión premium con empeine de cuero flexible, parche All Star en relieve y el logo HTM en el talón. Este modelo especial lo encontrarás en negro o blanco por 180 euros solo en tiendas NikeLab o en su web NikeLab.com.
TEXTO JOE MADRAZO
TEXTO MONGÓMERI
DISEÑO LOOK BARBIE JAVIER DE JUANAS

Aunque no lo parezca Barbie es una activista. Lleva luchando por los derechos de la mujer desde su nacimiento en 1957. Viajó al espacio antes de que el hombre pisara la luna. En los 80 tomó el control de una junta directiva como CEO, y en los 90 fue la primera figura femenina en presentarse a la presidencia de los Estados Unidos. Por no hablar de las 180 carreras profesionales que ha desarrollado. Ahora, en el siglo 21 celebra la diversidad de la mujer con 3 nuevas siluetas dentro de su línea Fashionistas: Tall, Petite y Curvy. Todas en 7 tonos de piel, con 21 peinados diferentes e infinidad de colores de ojos. Por encima de cualquier otra celebrity, las grandes firmas de moda se la rifan. Todos quieren vestirla. También las revistas. Neo2 lo ha conseguido. Os presentamos uno de los looks diseñados por nuestro estilista Javier de Juanas para Barbie Tall y Barbie Original. La propuesta de Javier se basa en la actualización de formas clásicas a través de detalles contemporáneos, y en la combinación de colores y estampados que a priori parecen imposibles pero que finalmente funcionan a la perfección, una técnica aprendida de maestros de la mezcla como Dries Van Noten, Lacroix o la mismísima  Naty Abascal.
Lo que esta vez no conseguimos fue
entrevista con Barbie. 

www.barbie.com
TEXTO SARA MORALES
FOTO RAFA CASTELLS

Rupturista: “Este disco nace buscando la antítesis de Apar y de Subiza, nuestros álbumes anteriores; queríamos dejar a un lado el pasado. Según íbamos experimentando, fuimos encontrando una paleta de sonidos que le daba coherencia a todo el álbum y a lo que estábamos buscando, a lo que nos representa hoy. Somos los mismos, pero ahora mostramos otra cara. Solemos decir que hay dos tipos de grupos: los que hacen el mismo disco siempre y los que no. Eso no quita que haya gente muy buena haciendo el mismo estilo una y otra vez, pero en nuestro caso eso no es lo que nos gusta”. House: “El disco anterior era bastante rock, era lo que nos tiraba entonces y por eso lo hicimos así. Pero nos hemos dado cuenta de que nuestra zona de confort es el house y ahora con Muzik hemos querido hacer un disco más orientado a esta tendencia. Que no haya guitarras esta vez es una decisión estética que tomamos al principio de empezar a crearlo; la premisa era que no queríamos sonar a ninguna época concreta. Queríamos que sonara contemporáneo”. Minimalismo: “La base fue el planteamiento de un sonido con pocos elementos, a su vez esto es algo que vas aprendiendo a medida que pasa el tiempo. Al final lo que prevalece en nosotros es que haya una melodía buena, que se entienda esa melodía, que no haya demasiados elementos en las canciones que puedan distorsionar o despistar la atención, y que los elementos que haya estén bien escogidos y se distingan bien; que cada uno de ellos tenga su protagonismo en cada parte sin pisarse”. Lenguaje existencial: “La música popular, la electrónica y la música de baile lo son, tiene la facultad de tratar problemas comunes en las canciones de una manera muy sencilla y poderosa, ya sea en clave de celebración o no. No nos interesan demasiado las canciones que explican la vida personal de alguien, pero sí las que sin hacerlo hablan de mucha gente. La canción popular siempre ha ido por ahí, aunque encajar todo esto con una connotación tan teórica como ‘existencial’ no sé si funciona del todo en una canción. Nos gustan los letristas que escriben en un lenguaje sencillo, que no exento de matices”.

“Mukiz” está editado por PHLEX.
TEXTO
COVADONGA GARCÍA
La Whitechapel Gallery, en Londres acoge una rara exposición de las primeras obras del escultor estadounidense Keith Sonnier (1941). El artista nacido en Luisiana, presenta cuatro grandes obras realizadas entre los años 1968 y 1970 que transforman la arquitectura de la galería del siglo 19. Las obras de colores brillantes en tonos rojo, naranja, verde, azul y violeta llenan a la galería de luz y color. En la obra titulada Dot Dash Corner (1979), el artista explora el espacio arquitectónico utilizando el lenguaje de código Morse, un sistema de comunicación basado en la representación de letras utilizando puntos y rayas. Junto a esta obra se sitúa, Neon Wrapping Incandescent  (1969), una serie de tubos de neón envueltos alrededor de dos bombillas incandescentes con sus cables negros colgados hasta el suelo. Contra otra pared en el espacio de la Whitechapel, encontramos la obra titulada Lit Circle Red with Flutex  (1968), una escultura circular de vidrio impreso parcialmente rodeada por un tubo transparente lleno de gas de neón rojo. Ba-O-Ba VI (1970), es el título del cuarto trabajo expuesto. La obra forma parte de la serie que Sonnier comenzó a crear a finales de 1960 y con la que ha seguido trabajando durante toda su carrera. Tomando como base la teoría matemática griega del número áureo, el artista combina círculos y cuadrados con barras de aluminio y tubos de neón. El título de la obra proviene de las palabras que se utilizan en el dialecto francés de Haití hablado en Luisiana para definir “baño de color” o “baño de luz” y se refiere a los efectos de los rayos de luz sobre la piel. Keith Sonnier ha experimentado durante su carrera con una amplia gama de materiales que incluyen telas y luces incandescentes. En 1968 comenzó a trabajar con el neón, un material que se ha convertido en un elemento definitorio de su obra. “El neón siempre ha sido un material de señalización plano, de hecho es algo con lo que puedes escribir. Pero empecé a levantarlo del tablón para situarlo en el espacio, y así poder utilizarlo de una forma mucho más tridimensional ... sacándolo de su contexto natural “ afirma.

www.whitechapelgallery.org
El mes de noviembre tiene un significado especial en el calendario de la moda. Es cuando se presenta al mundo la nueva colaboración de H&M. Y la próxima será con la casa parisina Kenzo. Sus directores creativos, Carol Lim y Humberto Leon, tratarán de transmitir el espíritu de la marca al concepto comercial de H&M en 2 colecciones, una para hombre y otra para mujer. Lo comprobaremos el próximo 3 noviembre, fecha prevista para su distribución en 250 tiendas H&M y su web: www.hm.com
Las bolsas y mochilas de Eastpak son un símbolo de funcionalidad contemporánea. Pero también aportan emoción. Esta colaboración con una de las casas de telares más importantes del mundo es un buen ejemplo. Una colección fabricada por House of Hackney en Inglaterra con estampados cedidos por la William Morris Gallery. En ella descubrimos todo tipo de estampados: art nouveau, victorianos y los florales típicamente británicos. Motivos plasmados sobre terciopelos, en las ediciones limitadas, o sobre algodón 100% con base de cuero. Más info en www.eastpak.com
Studio Collection de Herschel Supply habla del diseño contemporáneo y las vanguardias creativas del momento. Minimalismo, líneas claras, cortes limpios, estética industrial y siluetas monocromáticas… son algunas de sus señas de identidad junto a los funcionales materiales y acabados: materiales frescos y resistentes al agua, cremalleras impermeables a 2 colores, tiradores de piel en curtido vegetal y serigrafías innovadoras. Una colección muy especial que solo podréis encontrar en puntos de venta muy seleccionados.
Para más info: indusnow@indusnow.com / www.herschelsupply.com #WellTravelled
Kiehl’s se remonta a sus raíces, en el siglo 19, para volver a ofrecer soluciones personalizadas para cada cliente. En este caso se trata de tratamientos faciales bautizados con el nombre de Apothecary Preparations. Primero, un experto de Kiehl’s realiza un diagnóstico de cada persona, en base al resultado selecciona 3 componentes activos que entregará en una cajita personalizada. Es cosmética a medida, un tratamiento de alta costura disponible a partir de septiembre por 95 euros. www.kiehls.es

MARÍA MUÑOZ


Gestora cultural, con formación en Historia del Arte e Ingeniería de Telecomunicaciones. Foco en arte contemporáneo con interés en la confluencia entre arte, sociedad y tecnología. Dinamizadora de la cultura en todas sus variantes: comisaria independiente, cofundadora y editora de la revista Solemne en Guatemala, y editora y colaboradora habitual en varias publicaciones:Neo2, BA, METAL.
Estamos inmersos en la sociedad de la aceleración, especialmente derivada de la conectividad social mediante aparatos electrónicos que en muchos casos son ya casi una prótesis, una extensión del cuerpo humano. Desde los años cincuenta hemos ido acumulando innovaciones tecnológicas que prometían hacer nuestras vidas más fáciles, más rápidas y más sencillas. A día de hoy, no nos separamos de nuestros dispositivos electrónicos, y la vorágine de información personal que producimos a través de ellos es transmitida a miles de millones de bits por segundo. Parece que la sociedad se acelere a un ritmo paralelo al de los bits. Sufrimos como una especie de espasmo, como una necesidad brusca e involuntaria de estar en ese mundo virtual dando y recibiendo, pero dejando de lado la corporeidad en las interacciones personales. Casi todas nuestras relaciones se desarrollan a través de Internet, a veces de modo privado y otras muy público, en una suerte de “reality show” de la vida cotidiana.
Aunque la conectividad, el acceso a la información y la capacidad de transmitirla ha sido en algunos casos y zonas del planeta muy favorable, en la cultura occidental, o sea la nuestra, esta irrupción no es del todo positiva, sobre todo si se relaciona con ciertas carencias de la sociedad (organizativa, emocional y afectiva), con la pérdida de subjetividad y con el uso de información personal por parte de terceros.
Si bien es cierto que las redes sociales han aumentado la visibilidad, también lo es que han “empoderado” en cierto modo al individuo invisible. Ese que en la vida real “física” pasaría desapercibido puede encontrar en esta existencia virtual sus amigos, su público, incluso miles de seguidores. Según un estudio publicado por Ditrendia: Móviles en España y en el Mundo (datos 2015, publicado en enero 2016), nadie usa más el smartphone que los españoles: siete de cada diez poseen teléfono con internet. Los jóvenes entre 15 y 25 años están conectados más de tres horas por día, y analizando el tráfico de la red  –vigilancia, otra vez, saben lo que hacemos…–, el 90 % de ese tiempo lo dedican a interactuar (o no) en redes sociales.
Nuestras vidas están propagadas en tiempo real mediante Facebook, Twitter, Youtube o Instagram. La transición de lo secuencial a lo simultáneo de la tecnoesfera, la inmediatez, el valor del aquí y ahora: hacer, deshacer, comer, mirar, ir, venir, estar, retratar, fotografiar, clasificar, volver a clasificar, indexar… Decir, dejar de decir, comentar, dejar de comentar, gustar, disgustar, seguir, bloquear, tontear, adular, ligar… Pero, ¿cómo afecta todo este engranaje a las sociedades  –de nuevo especifico– occidentales?
Según Franco “Bifo” Berardi, pensador italiano contemporáneo, en la actualidad, la subjetividad, tan defendida y estudiada por la filosofía europea, es una construcción técnica. Las masas y multitudes se involucran en cadenas automáticas de comportamiento. Conducidos por estos dispositivos tecno-lingüísticos se produce un efecto enjambre que en realidad supone la automatización de la conducta individual manipulada por el capitalismo cognitivo, entendiendo el capitalismo absoluto (neoliberalismo) como la forma general de la economía mundial en la actualidad.
Berardi continúa que en la era industrial los trabajadores realizaban movimientos maquínicos, por ejemplo, apretando tornillos en una fábrica, pero la mente estaba más o menos libre, mientras que en nuestra era todo se basa en la estandarización de los procesos cognitivos. La actividad mental no se puede separar o desviar del flujo de información, ya que este flujo es exactamente la máquina cognitiva. En pocas palabras, que estamos manipulados hasta las cejas.
La transformación de la esfera social debida al efecto de la propagación de las tecnologías afecta a la vida cotidiana en las relaciones personales tanto amorosas como comunales y por supuesto a la economía. Ideas que suscribo totalmente, como víctima de este comportamiento borreguil incluso a sabiendas de ello.
Tras este desolador panorama, finalizamos con una teoría que analiza y acepta esta complejidad y propone soluciones: el espasmo caósmico –caos + kósmos (orden en griego, antítesis del caos)–, término acuñado por el filósofo francés Guattari, que se entiende como la tranquilidad que aflora tras pasar ese momento de aceleración –el espasmo del que hablábamos al principio–. En el proceso caósmico las formas emergen del caos hacia un orden que es tanto funcional como estético. El nuevo orden se genera a partir de ese “caos” y la variante caósmica invita a entender el mundo a través del caos, a través de multiplicidad de factores sociales, políticos y culturales, no a partir de una sola teoría o visión. De alguna forma, necesitamos un modelo diferente de reorganización individual y social que vuelva a la corporeidad, al contacto físico, a la interacción y a la construcción de comunidades reales, abiertas y tolerantes que trabajen por los intereses comunes y no por los de unos pocos.
RAIMUNDO SALA

Raimundo Sala es Director General de PayPal España y Portugal desde el mes de octubre de 2015. En este cargo lidera el equipo para mantener a PayPal a la vanguardia de la revolución de los pagos digitales.
Año 2066. El mundo es muy diferente al que conocemos hoy en día. Casi ninguna de las películas que intentaron mostrarnos el mundo del futuro se ha acercado siquiera: no andan entre nosotros los replicantes de Blade Runner ni la inteligencia artificial (de Skynet o cualquier otra) esclavizó a la humanidad, así que ni existió John Connor para liderar la resistencia humana ni ningún Terminator que intentara matarlo. Qué pena que La Guerra de las Galaxias estuviera ambientada en el pasado, de hacerse realidad el Halcón Milenario hubiera sido el primero en comprar billete para sentirme Han Solo por un rato.
Hablando de billetes… Por aquí sí que tuvimos novedades. De ser un objeto valioso y cotizado, motor del mundo y de la actividad económica, causa de guerras y delitos y hasta representación gráfica de uno de los siete pecados capitales, un día (vale, no fue de un día para otro) desapareció. Y no fue porque ya no hiciera falta (el mundo no se ha convertido todavía en esa utopía en la que vivir sin dinero es posible) sino que dejó de ser NECESARIO en el mundo físico. Las colas ya no se hacían eternas contando monedas para pagar, perder la cartera no fue nunca más algo que nos amargara el día y pedir para el metro dejó de ser una forma de iniciar una conversación con un desconocido. También fue el fin de todos los amigos gorrones que, sorprendentemente, nunca tenían suelto para pagar ellos las cañas pero tenían todo el tiempo del mundo para beberlas. A ellos se les terminaron las excusas y empezaron a pagar su parte de la cuenta como el resto de sus amigos. Desapareció el dinero, sí, pero triunfó la amistad.
Os preguntaréis qué pasó entonces con el “vil metal”: dejó de ser un objeto de pago pero permaneció como recuerdo de lo que un día fue. Cada persona decidió darle el uso que creyó más conveniente: empapelar las paredes con los billetes fue una gran tendencia en decoración hace unos años –no falta un ático en la capital que no tenga su money wall-, el MOMA y el Louvre le dedicaron una galería especial en sus instalaciones para que pasara a la posteridad como objeto de culto y en las fuentes más turísticas de todas las ciudades del mundo se puede “comprar” una moneda porque nadie quiso perder la costumbre de lanzarlas para pedir un deseo. Es uno de los pocos vestigios de la época pre-cashless que todavía mantenemos, porque desapareció el dinero, sí, pero todavía sentimos ese cosquilleo de ilusión cuando deseamos que algo suceda con todas nuestras fuerzas.
Otra duda que os podrá surgir es: ¿con qué se “paga” ahora? Seguro que no sois tan jóvenes como para no recordar que durante un tiempo convivieron el dinero y el plástico y de ahí pasamos a pagar con otros dispositivos: móviles, apps y se asomaron tímidamente los wearables. Pues bien, aquello se convirtió en toda una forma de vida, incluso tuvo su propia generación: los WEA. No hubo piercing, joya o complemento que no utilizaran como medio de pago y lo lucieran con orgullo extremo. Incluso, en un guiño casi irónico, se insertaba el chip cashless en carteras que descubrieron en puestos de antigüedades. Aquellas carteras en las que no había dinero pero que permitían pagar cualquier cosa hicieron furor durante años. Aún hoy se ven por la calle.
De momento, no hemos dado el paso definitivo en lo que a vuelta al pasado se refiere: rescatar los billetes e insertarles el chip cashless para pagar con ellos. No descarto que suceda en el futuro, porque el pasado siempre vuelve y, en algún momento, lo más moderno será pagar con ese billete sin valor pero que, gracias a la tecnología, sigue poniendo a nuestro alcance cualquier operación financiera que necesitemos. Han pasado 50 años pero no podemos negarlo: money still makes the world go round.
Año 2016. Me he permitido jugar un poco a adivinar un posible futuro. Sí, justo como en esas películas de las que os hablaba al principio. ¿Me lo inventé todo? No. Abro mi cartera y realmente no hay ningún billete. Quién sabe, quizá tenga un camino por delante como adivino.
RAFAEL DOCTOR RONCERO

Historiador de arte, coleccionista, comisario, escritor y gestor cultural. Cofundador de Capital Animal.
Este año ha tenido lugar en Madrid el nacimiento de Capital Animal, la plataforma desde la que hemos organizado un particular festival en el que hemos tratado de unir la cultura, el arte y el pensamiento en torno a la problemática animalista. Hemos partido de entender que es la hora de ponerse a trabajar sin cesar por lo que consideramos es una de las cuestiones básicas que como sociedad avanzada tenemos que resolver. Cientos de personas nos hemos unido para realizar todo tipo de acciones con la única finalidad de reclamar un nuevo comportamiento con los animales de otras especies con los que compartimos planeta. Estamos hartos de vivir en un mundo que ha “cosificado” a nuestros compañeros de planeta y les ha negado su dignidad y los derechos fundamentales que consideramos que todos portamos al nacer. Estamos hartos de la gigantesca hipocresía que el consumo atroz impone y para el que todo es válido siempre y cuando ofrezca beneficios. Estamos hartos de olvidar que la misma palabra de nuestro sistema “Capitalista” procede de la posesión de las “Capitas”, o cabezas de reses, o de esclavos humanos que uno poseía.
Estamos cansados y avergonzados de convivir en nuestro país con espectáculos que consisten en la denigración, tortura y muerte de un ser indefenso ante una jauría humana anclada en la edad media y que sin pudor goza con el dolor ajeno. Estamos indignados de que a través de la caza se siga esquilmando de vida los pocos parajes naturales que nos quedan. Estamos hartos de los protocolos aún vigentes del pasado que obligan a experimentar con animales para sacar cualquier producto químico al mercado y para el que mueren anualmente millones de seres indefensos. Hartos de que los diseñadores de moda sigan utilizando pieles y cuero sin importarles de donde proceden esos materiales. Hartos de que las personas lo consuman por puro esnobismo. Hartos de que la vanidad recubra todo y de que lo ecológico sea simplemente un sello de consumo más. Hartos del carnismo en el que se basa el sistema de consumo, hartos de ver cómo por intereses económicos y de clase se ocultan las verdades más evidentes, hartos de un mundo de valores endebles, hartos de que los toreros sigan copando portadas en las principales revistas, hartos de su mundo machista, de sus denigrantes mujeres florero, de sus haciendas, de sus valores, hartos de los señoritos presentadores cantantes de tufo franquistas que invaden las televisiones, de los millones de paquirrines, hombres, mujeres y viceversas, de sinvergüenzas misóginos y homófobos cantantes de voz ronca que se pasean por los fosos… hartos de que el estado conceda anualmente 629 millones de euros a la tauromaquia, hartos de las miles de aguirres y todos sus corruptos mundos, abecedarios, razones, países, libertadas analógicas y digitales.... pero sobre todo estamos hartos de tanto dolor innecesario, de tanto egoísmo tan ciego y tanta apatía generalizada ante un mundo que ya no puede soportar tanta injusticia.
Capital Animal nace así como forma de aunar un grito y a él se han acercado desde jóvenes artistas que saben que solo se puede crear desde una verdadera causa, a filósofos, educadores, legisladores… hasta incluso el, considerado escritor vivo más importante, el Premio Nobel J. M. Coeetze, que desde Australia viene a apoyar una causa que él abandera y que para todos los que la descubren se convierte en urgente razón de vida. Así, la nómina de implicados directos es superior a trescientas personas, entre artistas representados en las diferentes exposiciones, ponentes participando en los diferentes debates, músicos haciendo conciertos específicos o escritores que se han puesto a trabajar por la causa animalista junto a nosotros. Así, hablemos de Manuel Rivas, quien desde su conferencia y desde las páginas de El País Semanal, ha alertado positivamente sobre la nueva conciencia que ya estamos compartiendo muchos apuntando a Madrid como ciudad históricamente apegada a cambiar conciencias; pero también de El Niño de Elche, que ha hecho un recital animalista en el Reina Sofía; hablemos de Elvira Lindo, Pierre Gonnord, Ouka Leele, que es pionera en esta lucha desde el arte, o de la misma Jane Goodall, que nada más llegar a Madrid optó entre mil ofertas por acompañarnos toda una mañana.
Pero lo esencial son los artistas que desde la base están constituyendo una nueva línea de pensamiento por la causa animal: Santiago Talavera, Lino Lago, Ruth Montiel Arias, Eider Agüero, Tras los Muros, Jon Amad, Tania Blanco, Félix Fernández, Andrés Senra, Paula Sandra Fernández, El Roto, Paco Catalán o gente del diseño de moda como Herida de Gato… y la lista no para de crecer, pues esto no es un espejismo o una tendencia pasajera, es la evolución positiva misma de la condición humana.
Capital Animal se ha celebrado en algunas de las principales instituciones de Madrid, teniendo su epicentro en La Casa Encendida. Su expansión a otras ciudades y continuidad en el tiempo están aseguradas a través del gran impacto que ha supuesto su irrupción en Madrid.