Annica (izq.) & Marie Eklund (dcha.)
TEXTO
JAVIER ABIO

¿Qué estudiasteis para dirigir una compañía? Marie: Annica y yo vivíamos para nuestros caballos cuando éramos jóvenes. Pero con el tiempo yo me fui a Florencia a estudiar Moda y Textil, y por su parte Annica continuó con el salto a caballo a un nivel profesional antes de entrar en el mundo de Bolon.
¿Cómo os repartís el trabajo? Annica: Cuando nuestros padres nos cedieron la dirección, Marie pasó a ser Directora Creativa y yo Directora General. De todas formas, las dos somos muy creativas, sabemos que es tan importante como
la distribución.
¿Creéis que la creatividad y el diseño son más fáciles de usar en determinadas profesiones o que se puede aplicar de igual manera en cualquier profesión? Marie: Creo que se puede ser creativo en cualquier profesión, a pesar que uno se ve más obligado en determinadas profesiones. Pero la creatividad se encuentra en todas partes. He leído un artículo acerca de una clínica dental de niños en algún lugar de los Estados Unidos, donde utilizan a un perro entrenado para ayudar a los niños que tienen pánico al dentista, como una alternativa en vez de sedarles. Bolon está especializado en suelos de PVC pero todo lo empezó vuestro abuelo fabricando alfombras con desechos textiles.
¿Por qué ese cambio? Annica: Después de los desechos textiles empezamos a producir suelos para camping, ahora somos fieles a ese material porque es robusto, funcional y sostenible. Sólo utilizamos material europeo de calidad en nuestros productos.
La última colección Bolon by You presentada en la feria del mueble de Estocolmo ha supuesto una gran innovación, ¿por qué? Marie: Es un momento decisivo en nuestra historia. Siempre hemos sido una empresa que se enorgullece de ser flexible para nuestros clientes y nuestra última colección lleva esto a nuevos niveles. Por primera vez, cada persona es capaz de diseñar, probar y experimentar a su manera con el fin de crear una solución única para su proyecto. Hemos creado una nueva herramienta web para apoyar Bolon by You. Con esta función, los arquitectos y diseñadores pueden crear su propio suelo digitalmente, exportar sus diseños e imprimirlos. Esto les permite crear claros y detallados moodboards para los proyectos.
Vuestros productos son usados en proyectos de interiorismo de gran calidad. ¿Cuál de estos proyectos os ha sorprendido últimamente? Annica: Los principales sectores de Bolon son oficinas, hoteles y tiendas. Pero siempre nos choca cuando vemos el uso de nuestro suelo en un ambiente totalmente diferente. Por ejemplo, nos hemos asociado con el diseñador coreano, Kim Jinsik para una instalación de mini-golf interactiva, donde se utilizó Bolon para reemplazar el césped verde tradicional.
¿Hay algún consejo que vuestros predecesores os hayan dado y que al principio no hicisteis caso pero que luego os disteis cuenta de que estaban en lo correcto? Annica: Cuando nos hicimos cargo de Bolon, estábamos tan ansiosas que el  marketing llegó antes que la calidad. Hoy en día, sabemos que nada se puede construir sin la calidad y seguridad para el cliente y es esa la responsabilidad que tenemos como marca  junto con un excelente marketing.
¿Cuál es el mayor reto al que os habéis enfrentado en los últimos años? Annica: Sin duda ha sido la inversión que Bolon ha hecho en su planta de reciclaje, este ha sido uno de nuestros mayores logros relacionados con la sostenibilidad del producto. Creo que sois la compañía más cool de fabricación de suelos. ¿Cómo se consigue posicionar una marca a este nivel? Marie: Con suerte, mucho coraje, ingenuidad y un modo de pensar en el que todo es posible.
¿Podríamos ver en un futuro salir otros productos que no sean suelos de la factoría de Ulricehamn? Annica: Puedes estar seguro que sí.

www.bolon.com

Bolon by You diseñado
por Doshi Levien
Bolon by You diseñado
por Doshi Levien
 

TEXTO
 MIT BORRÁS


Preresolution No 1, from
Plexiglas® to Apple
, 2015.
Panel de polimetilmetacrilato
roto, tornillos impresos en 3D
con plástico ABS y polvo
de pared, 50 x 25 cm.

Efficient Piece with Video
“Matts Handwriting”
, 2014.
Pantalla plana de 19”, brazo
de pared para pantalla plana,
ordenador, soportes de metal
y vídeo HD, medidas variables.

Retained Obstructions No 1, 2014.
Panel de aluminio compuesto,
tornillos industriales, tornillo impreso
en 3D y polvo de pared, 125 x 125 cm.
Materiales: “Últimamente estoy trabajando con elementos plásticos como el plexiglas.
Me interesa la historia de ciertos materiales que están desarrollados por empresas químicas, se utilizan en la industria militar y que con el tiempo se emplean dentro del mundo de las artes visuales. Ese es el tipo de conexiones que mantengo con el material con el que trabajo. Rompo o quemo los materiales en ocasiones porque de alguna manera le arrebato su función práctica, me gusta romper su lógica y de algún modo quitarle su esencia”.
Progreso: “El mito del progreso es una idea central en mi trabajo. Me interesa cómo se instaura desde el campo científico y técnico, revierte en el campo social y se infiltra dentro del discurso artístico. El arte utiliza el desarrollo técnico para exponer sus ideas y a mí me interesa darle la vuelta a esa ecuación y focalizar la atención sobre los aparatos que determinan los discursos del arte”. Junefirst Gallery: “Es un proyecto que empezamos mi mujer y yo. Cuando llegamos a Berlín llegamos con la idea de abrir un espacio donde comenzar a hacer cosas para involucrarnos con la ciudad y básicamente Junefirst ha sido un lugar de prueba y experimentación curatorial. Hemos ido trabajando sobre todo con artistas que conocíamos para poner en conexión nuestro contexto, sobre todo el español y específicamente catalán, con la nueva escena berlinesa”. Artista y comisario: “El ejercicio intelectual es similar, yo creo que el trabajo de comisario es mas flexible. Como comisario me permito mas libertades, cosas que me interesan. Hay un espacio de más libertad porque como artista siempre se está mucho mas concentrado en una línea de trabajo. Aunque en realidad el acto creativo lo planteo de forma muy semejante”. Hastío: “No me planteo si lo hay o no. Anteriormente sí que era mas consciente pero últimamente no me importa. Lo que sí percibo es un cierto aburrimiento sobre los discursos que el arte genera. A mí me aburre cuando el lenguaje del arte se presenta sin fisuras y no reflexiona sobre los mecanismos que lo hacen posible y me gusta cuando se ponen en duda”.
Los tornillos:
“Me interesa particularmente cómo la industrialización de productos estandarizados como los tornillos tienen una íntima relación con el proceso de homogeneización de la vida privada. Es decir, hay una conexión entre cómo se estructura la sociedad moderna, cómo se comporta la industria y la estandarización de los productos que crea. Los tornillos de alguna manera representan muy bien ese proceso. El mundo material se acaba ensamblando con tornillos. Dentro del mundo del arte además son elementos que siempre han quedado escondidos y me gusta poder pasar a primer plano el material que soporta las obras”.
Allí y aquí: “Ciertamente nunca me he sentido muy extranjero en Berlín y desde el primer día he estado muy abierto al nuevo entorno. No he experimentado el sentido negativo de ser de fuera. Tanto a nivel personal como en mi práctica artística sí que me ha afectado mucho; ahora va a hacer cuatro años que llegué con una serie de intereses en mi trabajo y el hecho de conocer un nuevo contexto y el trabajo de artista que desconocía ha cambiado mi obra totalmente. A pesar de que vivimos en un mundo global creo que sí hay diferencias, yo me formé en Barcelona y cuando llegué a Berlín descubrí otra manera de hacer y otro tipo de intereses. Creo que tiene mucho que ver la importancia que en cada país tiene el arte, el papel de las instituciones públicas y el mercado privado. Esos factores afectan realmente al trabajo y a la producción artística”.

Próxima exposición:
lacapella.bcn.cat
ricardotrigo.net

TEXTO
TEREVISIÓN RUIZ
¿Te ha resultado difícil hacerte un hueco dentro del mundo de la música? “Sí que me ha costado tiempo llegar a donde estoy y he tenido que hacer frente a muchos retos, de hecho, todavía tengo muchos por delante. Todo el mundo sabe que esto es duro, sobre todo en esta industria que no para de cambiar, pero yo vivo para hacer música y compartirla con los demás”. Háblame un poco de Ultraísta, ¿fue tu primer proyecto musical? “Bueno, no exactamente, antes ya hacía música por mi cuenta. Llevo escribiendo canciones desde que era adolescente, pero Ultraísta fue el primer grupo donde estuve. Nunca había compuesto o escrito con otra gente,
así que fue una nueva experiencia para mí”. Empezaste tu carrera como Femme alrededor de 2013, ¿por qué has tardado tanto en publicar tu primer disco?
“Creo que no tiene sentido publicar un disco si todavía nadie te conoce. He pasado estos años construyendo una audiencia para mi música, haciendo saber al mundo que existo. La industria musical ha cambiado mucho y ya no consiste en publicar un disco y conseguir que por arte de magia aparezcan los fans. Yo quería encontrarles primero, y ahora que los tengo puedo darles mi disco”. Creo que eres muy prolífica escribiendo canciones, ¿se quedaron muchas en el tintero? “Sí, muchas. Puede que las utilice para otro álbum o quizás se queden cogiendo polvo almacenadas en algún disco duro. Siempre me gusta más mirar hacia delante que hacia atrás”. Desde que empezaste hasta ahora, ¿podrías decirme tu mejor y peor momento? “Uno de mis mejores recuerdos fue tocar, con todas las entradas vendidas, en The Lexington, en Londres, el año pasado. El ambiente era eléctrico y tuve la sensación de que por fin todo empezaba a funcionar. Uno de mis peores recuerdos fue despertar, con una terrible resaca, en un parking del Walmart, en Dallas, con 36 grados fuera y sin aire acondicionado. Esto fue cuando fuimos de gira con Charli XCX por América en 2014”. Cuidas mucho tu imagen, ¿tienes estilista o eliges la ropa tú misma? “Casi siempre la elijo yo. A veces colaboro con mi amiga y diseñadora de moda Fannie Schiavoni que siempre me ayuda poniendo ideas sobre la mesa y orquestando lo que tengo en mi cabeza”. Diseñadores de moda como Stella McCartney son fans de tu música, ¿cuáles son tus diseñadores favoritos? “Me gusta la gente que va más allá de los límites de lo establecido y que tiene sentido del humor. La industria de la moda es para mí tan ridícula como la industria del pop, por eso creo que se llevan tan bien. Mis diseñadores favoritos son Alexander McQueen,
Hussein Chalayan, Moschino, Sibling,
MaryMe-JimmyPaul, Ashish...”.
¿Te encargas tú misma de elegir el diseño de las portadas y de las ideas para tus videos?
“Sí, porque quiero presentarme al mundo con un trabajo con el que esté 100% contenta. Quería que mi primer disco fuera totalmente honesto y real, y que reflejara perfectamente mis intenciones artísticas. Aunque es muy posible que a partir de ahora empiece a colaborar con otros productores y artistas”. ¿Antes de salir de gira ensayas mucho? “Normalmente ensayamos una o dos veces por semana durante un mes más
o menos, unas cuantas horas cada vez.
Para ser sincera, una vez que estás en la carretera, ese es el mejor ensayo que puedes tener. Sobre un escenario pueden ocurrir muchas cosas que es imposible preparar por mucho que ensayes”. ¿Cómo es tu relación con las redes sociales y los fans? “Muy buena, porque ellos me han ayudado a estar donde estoy. Respeto muchísimo a mis fans e intento hacerles ver lo importantes que son para mí. No podría sobrevivir sin ellos
y sin su apoyo. Ellos son los que me han permitido continuar haciendo música.
Las redes sociales han jugado un papel muy importante porque me han permitido poder comunicarme con ellos”. ¿Son tus canciones autobiográficas de algún modo? “Algunas veces, pero casi siempre son tonterías. Cosas que me han ocurrido, pero exageradas, o cosas que he leído”.
¿Qué crees que debe tener la canción de pop perfecta?
“Buenas letras. Me resulta bastante indiferente la mayoría del pop mainstream que suena en las listas de éxito inglesas ahora mismo porque creo que las letras son muy aburridas y banales. Siempre apreciaré una buena canción pop con unas buenas letras”. ¿Qué hobbies tienes?
“Me gusta pasar el rato con mi pequeño perro y continuar con la construcción de mi cohete espacial”. ¿Te veremos pronto en España? “¡Eso espero!”.

www.femmehq.co.uk
TEXTO
BEATRIZ LÓPEZ MIGUEL
Louis Vuitton Serie 4,
Campaña SS16 x Bruce Weber

El tema del género está en plena ebullición y
es que nuestra sociedad, en pleno siglo 21,  sigue siendo profundamente desigual. Y sin embargo, el mundo, por naturaleza, no marca tantas diferencias. A no ser que te fijes en sus órganos sexuales, es difícil diferenciar el sexo de los animales, y cuando una hembra de pez payaso muere, el macho alfa cambia de sexo, convirtiéndose en hembra para facilitar la reproducción y la supervivencia del grupo. Como ellos, muchos animales cambian de sexo a lo largo de sus vidas para adaptarse a los cambios en el entorno. Las estrellas de mar,
los caracoles e incluso algunas personas, nacen hermafroditas. El mundo ha de-mostrado ser un lugar en el que los conceptos de sexo y género son flexibles por naturaleza. Entonces ¿por qué construir nuestra sociedad y nuestra moda en base a una antinatural distinción de género femenino-masculino?
Mirando con perspectiva a las convenciones sociales se hace patente que la principal función de la ropa es cubrir nuestras órganos genitales. Incluso si tienes fuertes tendencias nudistas y exhibicionistas tienes que vestirte para salir a la calle. Lo socialmente acordado es que, por mínimas que sean tus prendas, por respeto a los demás, éstas cubran aquello que más nos diferencia físicamente. Paradójicamente, la moda ha evolucionado de forma que, a la vez que oculta el sexo, potencia el género. Si eres mujer, una prenda que te favorezca, marcará tu figura afinándote la cintura, resaltando tus pechos y tus curvas.
Si eres hombre, te alargará, haciéndote parecer más alto, o hará que tus hombros parezcan amplios y fuertes. Así, la moda ha dibujado dos siluetas ideales bien diferenciadas. El conflicto surge aquí. Cuando tras años de evolución, hombres y mujeres comienzan a difuminar las diferencias entre sus roles sociales... sin que
la moda los siga. 
Algunos han tratado de cerrar esta brecha. Mujeres como Marlene Dietrich, cuyos looks ambiguos atraían a am-bos sexos. Hombres como Yves Saint Laurent o Marc Jacobs que potenciaron el uso del esmoquin para ella y
el vestido para él.  Iconos de la androginia como Grace Jones. Todos ellos daban visibilidad a este conflicto entre moda y género animando a otros a imitarles y a darle notoriedad, impulsando el cambio. Y es que no podemos subestimar el poder que tiene la industria de la moda para lanzar mensajes que impactan directamente en la población. No es descabellado pensar que la creación de modas y estéticas menos condicionadas por el género puedan potenciar una sociedad más igualitaria.
La forma en la que nos vestimos da una opinión al mundo de cómo somos y cómo nos percibimos a nosotros mismos. Mujeres poderosas como Coco Chanel o Margaret Thatcher han intentado durante años salpicarse de la autoridad que las prendas típicamente masculinas otorgan. Si construimos nuestra moda de una forma en la que el genero importe menos y las personas importen más, podríamos empujar a la sociedad en nuevas direcciones.

Generalizando
La primera mujer en llevar pantalones, alrededor de los años veinte, fue una revolucionaria, una valiente a la que muchas otras siguieron generando un cambio en la sociedad. Desde entonces, la mujer ha ido abriendo su mente y ganando terreno, haciendo propias casi todas las prendas que
se identificaban con la masculinidad. El mismo proceso a la inversa no se ha dado, quizás porque al hombre no le interese tanto adoptar ciertas prendas femeninas y lo que representan. No fue hasta los años sesenta, momento en el que, ambos, hombres y mujeres comenzaron a vestir con vaqueros, suéter y pelo largo, que se comenzó a utilizar el término “moda unisex” para referirse a un tipo de vestimenta, muy ligada a los movimientos hippies, que unificaba la apariencia de ambos sexos en un intento por potenciar la igualdad. Desde entonces, la moda unisex ha evolucionado en dos corrientes muy distintas, el genderless y el genderfull, dos caminos opuestos para llevar a un mismo punto, la libertad de experimentar con la ropa, independientemente de nuestro sexo.

El genderless. Autores clásicos de la sociología, como Willians y Best, han manifestado que los estereotipos sirven para regular la sociedad. Asignando a cada miembro un rol concreto se mantiene el statu quo, facilitando las categorizaciones y manteniendo las estructuras tradicionales de poder.  Rico, pobre, elegante, hortera, bohemio, viejo, joven, hombre
o mujer. Cada individuo se etiqueta correctamente para que sea fácil identificarlo y asignarle su papel en la sociedad. Al crear patrones de formas simples y minimalistas,
que restan importancia a las formas del cuerpo y a los estereotipos, la moda genderless busca derribar estas etiquetas bajo la idea de que
una moda más neutra ayuda a resaltar la personalidad de quien la lleva. Hombres y mujeres visten lo mismo, así como todas esas personas que no se sienten representadas solo por uno de los dos géneros tradicionales. 
Se trata de potenciar la identidad de cada persona de acuerdo a los valores que definen
a esa persona, en lugar de hacerlo de acuerdo
a los estereotipos de género u otras categorizaciones sociales. 

El genderful,  por el contrario, se sustenta en
la idea de que eliminar el género es un error.
En que la parte less de la palabra genderless es deprimente. El genderful defiende la búsqueda de la personalidad a partir de códigos de vestir ajenos a lo que debería ser la identidad sexual. Estéticamente, el movimiento se caracteriza por resaltar los estereotipos de género y aplicarlos al género contrario creando un contraste. El genderful lanza una pregunta a
la sociedad: ¿qué hay de malo en que un hombre lleve falda? ¿quién ha marcado las reglas por las que nos guiamos? Carguémonos el significado original de la falda y que nuestra libertad se base en poder lucir los símbolos que mejor nos definen, independientemente del género con el que se han identificado tradicionalmente. No hay que crear un lienzo en blanco, inexpresivo, sobre el que resaltar.
Al contrario. Hay que potenciar y resaltar nuestras dualidades.

Xavi Reyes FW 16-17
(Fotos Juan Achiaga)
Xavi Reyes FW 16-17
(Fotos Juan Achiaga)
Diseñadores Des-Generados
Cuando consultas la colección Primavera Verano 2016 de Xavi Reyes la primera imagen que ves es la de un chico, de espaldas, luciendo un vestido largo y ancho, ajustado a la cintura y con un gran volante en la parte inferior. Para el diseñador, la línea entre masculinidad
y feminidad se está desdibujando.
“Siempre habrá distinciones, pero es
muy interesante destacar que las nuevas generaciones ya no las tienen”.
Xavi Reyes ha sido, desde que construyó
su propia firma, uno de los máximos exponentes de la moda sin género en nuestro país. Sin embargo, las diferencias físicas entre el cuerpo masculino y femenino le han empujado a alejarse de
la moda unisex, punto de partida de su carrera como diseñador. “Físicamente es evidente que somos diferentes, y que la moda es un mundo dirigido casi en su totalidad a la mujer.”  En su última colección (FW2016) el diseñador deja claro qué prendas están pensadas para cada sexo, sin embargo, el hombre no es tradicionalmente masculino ni la mujer es tradicionalmente femenina. Las prendas muestran unas nociones de género flexibles que reflejan el proceso creativo del diseñador.  “Plantear una prenda que sea atractiva en ambos sexos es muy complicado. Prefiero simplemente diseñar y luego decidir si se lo pone un chico o una chica, al margen de que la silueta sea más femenina o masculina”.
Rad Hourani, el primer diseñador en subir el concepto unisex a la pasarela de alta costura de París, demuestra que una prenda con un buen patrón puede adaptarse a diferentes anatomías sexuales. En las calles, las tiendas que dan visibilidad a estas prendas no son menos revolucionarias. Hablamos, por ejemplo, de Selfridges, la cadena de tiendas más poderosa y emblemática del Reino Unido, que hace un año abrió un espacio Agender en su tienda de Oxford Road en Londres. En España, Madrid, destaca 44 Store, un espacio ideado para personas que buscan marcas y piezas interesantes sin pararse a pensar si una prenda es de hombre o de mujer. Sus creadores creen “en una moda libre, sin género ni etiquetas que nos dicten lo que nos tiene que gustar por diferencias sexuales”,  y destacan como la idea de la masculinidad ha cambiado radicalmente en la moda a través de la historia: “Hasta el siglo 18 la moda masculina era mucho mas rica y cargada, hoy se consideraría femenina. Como los brocados, faldas, capas… hasta que el hombre fue perdiendo fuerza estética y ha terminado con un pantalón y una camisa. Siempre nos hemos dejado llevar por las modas y la indumentaria ha definido lo masculino y lo femenino”. Xavi y Frank, mentes creativas detrás de este concepto integral de marca y tienda unisex, consideran vital dejar de lado las inseguridades que nos llevan a aceptar ciegamente la estética que marcan el marketing y las campañas publicitarias. Resaltan, además, el poder de las modas para cambiar las percepciones globales de género. “Cuando algo se pone de moda todo puede cambiar, como pasó con el momento metrosexual, hasta ese momento, era impensable que un hombre fuese mas depilado que una mujer y la industria lo vendía como masculino”.
Con gran poder de influencia y tras la estela de todos estos pioneros, las casas de moda tradicional también se van abriendo a la flexibilidad de géneros. En la actual temporada Primavera Verano, hemos visto al joven de 17 años Jaden Smith protagonizando la campaña femenina de Louis Vuitton con falda y bolso, pero sin renunciar en ningún momento a su masculinidad. Nicolas Guesquière, director creativo de la marca ha declarado que para él “Smith representa una generación, que ha asimilado los códigos de la verdadera libertad, que es libre de manifiestos y preguntas sobre el género. El uso de una falda es tan natural para él como lo sería para una mujer que, hace mucho tiempo, se concedió a sí misma el permiso para usar un trench de hombre o un esmoquin”. Para él, Jaden Smith, personaliza el cambio, la integración y se convierte
en un agente de cambio capaz de crear
un nuevo armario.

La Regeneración a través de la moda
La realidad biológica y emocional del ser humano incluye un amplio abanico de identidades de género. Sin embargo, nos empeñamos en construir una estructura social de forma binaria en torno a los conceptos tradicionales de hombre y mujer. Las ligas deportivas masculinas y femeninas, el Oscar a mejor actor o mejor actriz, los baños de hombres y de mujeres, los trajes y los vestidos. Una división que se nos aplica a todos, a pesar de que, según los cálculos del Doctor Tiger Devore, especialista en intersexualidad, una de cada 206 personas presenta dualidades de género. Hay un millón de ejemplos y de excepciones que dejan claro que el género no se divide en 2, ni que tienen que ser opuestos. Hay una escala de grises que abarca toda la diversidad de identidades. Una vez que esta idea se acepte y expanda, ambas, sociedad y moda, avanzarán
de la mano.
Hemos andado lo suficiente como para que a nadie le sorprenda ver a Kanye West en falda, a Cara Delevigne en chándal o
a Miley Cyrus desnuda. Pero todavía confundimos sexo con género, orientación sexual con identidad de género, feminismo con desigualdad. Sigamos avanzando y creemos nuestro propio ideal de belleza. La moda es una poderosa herramienta de expresión que todos tenemos a nuestro alcance. Utilizamos la ropa para definirnos ante los demás y para expresarnos, la utilizamos para sentirnos a gusto con nosotros mismos y no tenemos porque hacerlo limitados por los conceptos de hombre y mujer, sino por nuestra propia personalidad y por las cualidades que nos definen como individuos.

Rad Hourani Unisex
CCA Collection
44Store FW 16-17
(Fotos Estrop / Francesc Tent)
44Store FW 16-17
(Fotos Estrop / Francesc Tent)
Texto Javier Abio
Lámpara Hammer. Diseño del estudio suizo
Big Game en colaboración junto a Wiener Silber.
Un trabajo parecido al damasquinado toledano.

El primer ejemplo de todos lo encontramos hace unos meses en Madrid. En la galería Machado Muñoz se pudo ver la exposición “Castellano Brutalista” del colectivo ubicado en Berlín Von Pelt. La muestra estaba dividida en dos salas, cada una de ellas llena de piezas totalmente diferentes pero con un concepto común. En uno de los espacios había mobiliario recubierto de latón dorado que tenía una conexión directa con la historia de España, concretamente con el Siglo de Oro español y la expansión del  imperio castellano después de la reconquista.
En la otra sala se exponían piezas de barro sin cocer como botijos, cadenas o candelabros, junto a bodegones surrealistas donde se mezclaban diferentes tipos de vasijas con pitorros dispuestos en lugares imposibles. Piezas, estas últimas, que nos conectaban con la cara pobre de la misma época, con el pueblo llano, con las colonizaciones, con el mundo rural de Castilla. Esta exposición me hizo plantearme algunas preguntas sobre el mueble castellano. ¿Siendo España durante varios siglos un gran imperio ha quedado reflejado este estilo en la historia del mueble?  Y si fuera así, ¿cuáles serían las características de ese mueble castellano o también llamado español? Vayamos por partes.  Parece ser que lo que se conoce hoy como mueble castellano es aquel inspirado en los muebles del siglo 16 y 17. Es el estilo plateresco de la época de Carlos I, con el que se decoraba palacios y casas de la nobleza. Son muebles de madera maciza, en la mayoría de los casos tallada con motivos vegetales, cuarterones y medallones. En el estilo castellano se encuentran elementos de la naturaleza por influencia del renacimiento italiano. También hay una influencia mudéjar por el uso de la marquetería con motivos geométricos. El color oscuro es otra de las características del mueble castellano, el nogal es la madera más utilizada junto al castaño en el norte de la península.
El hierro forjado y el cuero son dos materiales muy usados que se combinan con la madera.

Lámpara Patina de Klong diseñada
por Mats Broberg & Johan Ridderstråle

Estantería Matégot de Gubi,
diseñada por Mathieu Matégot

Mesita auxiliar Twist.
Diseño de Thomas Schnur

Séquito (cabinet) Dies Irae (espejo) ambas
piezas diseñadas por Von Pelt. De la exposición
Castellano Brutalista en la galería Machado-Muñoz

Centeno. Realizado en cerámica blanca.
Diseñado por Von Pelt. De la exposición
Castellano Brutalista en la galería
Machado-Muñoz

Lámpara colgante Germain,
un diseño de Material Lust

Silla Officina de Magis realizada
con hierro forjado. Diseñada por
los hermanos Bouroullec

Perchero pared Marcel
de Massproductions,
un diseño de Chris Martin

Podemos decir que sí existe un tipo de mobiliario llamado castellano o español. Pero profundicemos algo más.
El concepto de confort aparece en el siglo 16 en España y viene desde países del norte de Europa. La idea de mobiliario doméstico es adoptada por la burguesía española. Los artesanos expertos en esta materia eran fundamentalmente judíos y árabes. Pero como siempre ha pasado en cualquier época, el tema económico influía en el tipo de decoración y mobiliario. A principios del siglo 16 el espacio principal de una casa castellana era el estrado, una especie de salón de estilo árabe con alfombra donde las mujeres se sentaban en cojines alrededor de un brasero. Hasta que Felipe II no fija su residencia en Madrid no se empieza a abandonar la austeridad en el mobiliario de la corte. Parece ser que el interiorismo asceta de la corte de Felipe II contrastaba con el lujo de las demás cortes europeas. Pero será a partir del siglo 19 cuando se empieza a hablar de “Mueble Estilo Español”. ¿Por qué en España hemos odiado todos tanto el estilo castellano?
Quizá porque desde el siglo 19 hasta prácticamente ahora se ha seguido produciendo un tipo de mueble castellano de mala calidad en acabados, maderas, laminados…
Las fábricas no se han adaptado a los nuevos tiempos: la ergonomía, las proporciones, el flat pack para envíos y esas cosas. Las imágenes que ilustran este artículo son ejemplos de cómo esta tipología de mobiliario podría evolucionar. El mueble castellano también quizá es muy odiado en España por sus connotaciones políticas en la época de la dictadura, pero este tema ya daría para otro artículo mucho más largo. 

 
Peluquería & Maquillaje
LOLITA con productos
Graftobian + Schwarzkopf

Asistente Estilismo
SAMUEL PRINCE

Modelos
CARMEN XU 
@ Uno Models
+ CARLOS FERNÁNDEZ
@ Isabel Navarro
Fotógrafo
VINCENT URBANI

Estilismo
JAVIER DE JUANAS

Desfile del 30 Aniversario de  Thierry Mugler
en Barcelona. Foto: Estrop / Francesc Ten

CLARA: Rafa, amigo ¿cómo estás? Yo hoy con el día tonto, manejando cierta nostalgia. Acabo de cerrar un tomo de mi querida Espasa (esta Espasa mía, esta Espasa nuestra –cantado como Cecilia, ya sabes–) y me han asaltado los recuerdos.
Había un viejo papel, sobresaliendo entre dos páginas, con un esquema de esos que hacíamos en el colegio, lleno de llaves y apartados y Roma, cosas de la vida, era el tema de aquel estudio. Y lo más curioso es que al abrir el libro se ha puesto en marcha mi memoria olfativa que, de pronto, ha despertado para disfrutar de ese inconfundible aroma a papel de enciclopedia, olor que seguro recuerdas y que me ha llevado a la conclusión de que somos muy afortunados por pertenecer a una generación que aprendió y se culturizó con unos cuantos buenos libros cargados de sabiduría.

Ahora, en estos tiempos en los que la madre de la ciencia ya no parece ser la experiencia sino wikipedia, me pregunto si no estaremos involucionando. Sé que me hago mayor y, quizás, más exigente, pero el otro día, un aprendiz de blogger (de esos que piensan que en los 70 lo único notable, en materia de moda, es que se llevaron los pantalones de campana o que creen -y esto es verídico- que Lanvin es un señor que hizo una colección cápsula para H&M), me preguntaba que qué tenía que hacer para saber tanta historia de la moda como yo. ¿Ya sabes lo que le respondí, verdad? Termina tus estudios y lee mucha Historia, historia del mundo. La de la moda, viene sola.

RAFAEL:  Cuánta razón tienes. Pero amiga, los tiempos cambian. Y nosotros hemos cambiado muchas veces, nos hemos reinterpretado y reinventado como lo hace la moda.
Todos tendemos a la nostalgia, es inevitable. Lo hacemos nosotros y lo hacen los diseñadores. Temporada tras temporada vemos revisiones de los años veinte, sesenta, ochenta…
Los viajes en el tiempo, en busca de inspiración, son una constante en las pasarelas, pero también en el cine, la literatura, la música… El arte se alimenta del pasado para tener un presente y soñar con un futuro. Las personas, también.
Yo viajo mucho en el tiempo y tiro de recuerdos para escribir artículos pero además para recordar todo lo que hemos hecho, vivido, sentido, conocido. ¿A cuántos diseñadores hemos entrevistado? ¿Cuántas veces nos han abierto sus casas e, incluso, sus corazones?
Somos unos privilegiados, ¿no estás de acuerdo?
Josep Font en su primer desfile de París en el Moulin Rouge. Foto: Estrop / Francesc Ten
Alexander Mc Queen
Foto: Estrop / Francesc Ten

CLARA: Estoy convencida de ello. No todo el mundo, salvo nuestros coetáneos (como suena esto), pueden contar que han entrevistado a un atormentado Alexander McQueen en una habitación de hotel casi a oscuras (aquel día le molestaba el sol de Madrid) o que Thierry Mugler les mostró, modelo a modelo, lo que es ser un genio de la moda, de los que inventa tendencias, en un brutal desfile celebrado en las piscinas olímpicas de Montjuïc, en Barcelona, con motivo del 30 aniversario de su primera colección.
Eso, cuando lo vives, efectivamente, te da  una visión privilegiada de lo que nos dio el pasado, de por qué el presente es lo que es y hacia dónde miramos cuando pensamos en el futuro de la moda. ¿Cuál ha sido nuestro mejor momento juntos? Te pregunto sabiendo lo que vas a responderme.

RAFAEL: Me cuesta elegir los mejores momentos. Son muchos. En París pudimos entrevistar a Yves Saint Laurent. Estaba sentado junto a Pierre Bergé y Catherine Deneuve en el front row del primer desfile de Slimane para Dior Homme.
¿Recuerdas nuestros nervios? Estábamos emocionados por tener delante al gran maestro, solo verlo fue un placer. Entrevistarlo fue un regalo.

CLARA: Tú, para Televisión Española; yo, para Antena 3 Televisión. Recuerdo que monsieur Saint Laurent me dijo en perfecto inglés: “I prefer to speak in French, do you mind?”, yo te pegué un grito y tú desde la otra punta de la sala, intentado entrevistar a Slimane, te acercaste para entrevistar en francés al genio. Momento mágico, sin duda. Venga, otro momentazo…

RAFAEL: De Milán recuerdo cuando Santo Versace nos llevó al estudio de su hermano Gianni. Pudimos ver dónde trabajaba, dónde se sentaba a diseñar, entrar en un espacio íntimo… ¡Fue una experiencia brutal!

CLARA: Yo, muy atrevida, le dije: “Mi piace molto questa casa” y él, muy divino, respondió: “¡Casa no, palazzo!”

RAFAEL: Yo creo que le gustabas y yo le caía fatal, porque quería estar a solas contigo. Luego recuerdo el desfile, y que Naty Abascal me agarró y me sentó junto a ella en primera fila, al lado de Lenny Kravitz y Rupert Everett. Cuando Donatella salió a saludar se paró delante de mí y yo, aplaudiendo como un loco le dije ¡Brava, bravísima! Naty se partía de risa.
Recuerdo intentar entrevistar a Valentino en Roma. Se empeñó en hacer la entrevista en italiano y así fue. Lo malo es que cada dos minutos nos interrumpía alguien: Rosario Nadal, Karolina Kurkova…

CLARA: Con él también he vivido momentos gloriosos. Estuve en el último desfile, en la Plaza de España, en Roma. Era la despedida de un icono y otra de esas lecciones para un periodista que, no sé si a ti te pasa, aún se siente mínima ante acontecimientos de tales dimensiones.
Makoto Azuma, Exobiotanica-Botanical
Space Flight (2015) Foto: Shunsuke Shiinoki.
Janet Echelman, As If It Where Already Here,
Boston (2015). Foto: Bruce Petschek.

Texto Covadonga García
Julian Melchiorri, Cocoon (2014).
Joanie Lemercier y James Ginzburg,
Nimbes (2014). Foto: Sebastien Roy.

La relación entre el arte y la ciencia ha sido constante a lo largo de la historia y son términos inseparablemente unidos desde la antigüedad. Aristóteles ya describe el arte (téchne) como toda producción humana a partir de la cual se crea una realidad que hasta entonces era inexistente. Durante los siglos 15 y 16, la gran figura que personificó el ideal humanista fue Leonardo da Vinci. Leonardo observó de cerca el mundo estudiando la fisiología y la anatomía humana con el fin de crear imágenes convincentes. Sus anotaciones en las 6.000 páginas de sus cuadernos revelan la personalidad de un genio adelantado a su tiempo; un espíritu apasionado por la investigación científica y por la inventiva mecánica. Sus dibujos son un claro ejemplo del concepto renacentista de la integración de todas las disciplinas.
En el siglo 21 vivimos un segundo Renacimento con la aparición de numerosos artistas que practican diferentes disciplinas y que recurren a la biología, la robótica o la realidad virtual para explorar nuevas formas de expresión creativa. Casi todos trabajan con equipos cuyos miembros aportan distintas especialidades científicas y tecnológicas. Además, algunas obras ya no se producen en el estudio, sino en el laboratorio. Una de las claves es la investigación, liderada por creadores de distintas generaciones que presentan proyectos desafiando nuestra apreciación del mundo y planteándonos una nueva relación con la ciencia y la tecnología.
¿Y el futuro? Nick Bostrom, fundador del instituto The Future of Humanity de la Universidad de Oxford sienta las bases para entender el futuro de la humanidad y de la vida inteligente en su libro “Superinteligencia: Caminos, peligros, estrategias” (2016). El libro ha recibido el respaldo de las mentes más brillantes de Silicon Valley como Bill Gates y Elon Musk y ha causado un gran impacto en la comunidad científica y tecnológica. Bostrom plantea que la inteligencia artificial podría en un futuro superar a la inteligencia humana, llegando a ser extremadamente poderosa. Así que tal vez algún día las máquinas sean las responsables de la producción artística. Pero como este planteamiento pertenece todavía al futuro, analicemos el presente.

Janet Echelman, 1.8, Londres (2016).
Foto: Ema Peter

Janet Echelman, 1.8, Londres (2016).
Foto: Ema Peter
Janet Echelman, 1.8, Londres (2016).
Foto: Ema Peter
Alinta Krauth, Shadows blister
those who try to touch (2015).
Olafur Eliasson, Spherical space, 2015.
Studio Olafur Eliasson, 2015.
Foto: Jens Ziehe. © Olafur Eliasson.
Tecnología Aeronáutica
La artista estadounidense Janet Echelman remodela el espacio aéreo urbano con esculturas monumentales realizadas con redes de pesca y partículas de agua atomizada. Echelman combina el arte antiguo con la tecnología más vanguardista y en su equipo colaboran un grupo de profesionales que incluye desde ingenieros aeronáuticos a mecánicos o arquitectos. Janet fue profesora en Harvard y su charla TED titulada “Taking Imagination Seriously”  ha sido traducida a 34 idiomas. Una de sus obras más recientes se titula “1.8”. Esta escultura blanda y voluminosa se suspendió entre los edificios de Oxford Circus, la zona más transitada de Londres. La instalación estaba compuesta de capas de fibra, trenzada y anudada en tonos vibrantes que cambiaban de posición con el viento creando una coreografía de colores ondulada. Por la noche, la escultura cobraba vida con luz de color proyectada. Otro ejemplo de su trabajo es “As if it were already here“ (2015). Una escultura monumental ubicada en Boston realizada con una malla interconectada de más de medio millón de nudos.

Electrónica Visual y Realidad Virtual

El francés Joanie Lemercier está interesado en el estudio de la proyección de luz en el espacio y su influencia en nuestra percepción. En 2013 fundó un estudio creativo en Nueva York, en el que investiga y desarrolla obras de arte y experimentos con luz proyectada en el espacio. El proyecto titulado “Nimbes” fue una colaboración entre Joanie Lemercier y el artista de sonido James Ginzburg. “Nimbes” es una instalación audiovisual  que explora las fronteras entre lo natural y lo artificial, cuestionando la soledad de la naturaleza y situando a la audiencia  en el centro del universo. También la artista Alinta Krauth estudia en “Shadows blister those who try to touch” los vínculos entre el arte interactivo, el arte sonoro. Su obra se basa en temas científicos y tecnológicos.

Nanociencia
Julian Melchiorri está  interesado en la relación de la sociedad con la tecnología. Conocido internacionalmente por el proyecto visionario de hojas artificiales “Silk Leaf“, sus trabajos se encuentran entre el arte, el diseño y la ciencia y exploran nuevos escenarios y oportunidades con experimentaciones innovadoras de materiales y mecanismos. Melchiorri es el autor de “Cocoon”. Una escultura de luz desarrollada con nano-ópticas de proteína de seda. La idea de “Cocoon” surgió como fruto de la investigación que Melchiorri realizó sobre las propiedades de la proteína de seda. Después de elaborar una disolución de proteína de seda de gusano, el artista añadió 2.700 nano-prismas usando tecnología de haz de electrones. Cuando miramos una emisión de luz, percibimos normalmente una fuente blanca dada la pequeñez de su longitud de onda que unifica todos los colores. Cuando un rayo de luz atraviesa los nano-prismas se refracta y la onda se dispersa hasta desvelar su verdadera composición. “Cocoon” está iluminada por un  sólo Led de 1 vatio y la luz es refractada por múltiples capas de bio-óptica meticulosamente ordenadas para crear el efecto inspirado en estructuras naturales y patrones fractales.

Makoto Azuma, Exobiotanica-Botanical
Space Flight (2015) Foto: Shunsuke Shiinoki.
Julie Legault, Amino One.
Geodesia
La percepción sobre el movimiento es un tema recurrente en el trabajo de Olafur Eliasson. En su estudio berlinés, cuenta con un equipo de noventa artesanos, técnicos, arquitectos e historiadores del arte. En “Spherical Space” el artista recurrió a dos marcos de acero inoxidable conectados a intervalos frecuentes y regulares. Dispuestos uno dentro del otro con innumerables triángulos de aluminio y vidrio, la escultura traza líneas geodésicas. Una sola bombilla en el centro de la esfera proyecta sombras creadas por los triángulos y el marco, permitiendo crear en el espectador la ilusión de un cambio constante.

Tecnología Aeroespacial

La iniciativa artística llamada “Exobiotanica“, liderada por el artista japonés Azuma Makoto consiguió enviar un bonsai al espacio. En colaboración con John Powell de JP aeroespacial el equipo completó el primer vuelo espacial botánico con este pequeño árbol y un arreglo floral. Suspendido de un marco de fibra de carbono y lanzado con un globo especialmente equipado en el desierto de Nevada, la misión fue ideada para permitir que diferentes plantas viajasen hacia lo desconocido, lejos de la tierra. Bajo el mando de la gravedad a una altitud de 30.000 metros y a menos de 50 grados centígrados las plantas se transforman para el artista en “exbiotica” (vida extraterrestre).

Bioingeniería
¿Y si pudiésemos fabricar nuestra propia luz durante la noche, personalizar y fabricar nuestra comida o crear nuevos materiales o combustibles? Los científicos ya están utilizando la biotecnología para hacer todas estas cosas en los laboratorios. Pero ahora, la artista canadiense Julie Legault ha creado un kit de escritorio fácil de usar llamado Amino One, con el que da la posibilidad de hacer crecer células vivas. El Amino es una plataforma general consistente en un ordenador (el Amino) y un software (aplicaciones Amino). Como plataforma permite ejecutar diferentes “Apps”  con los ingredientes que se necesitan para la creación de células mediante bioingeniería y para mantenerlas vivas. Los laboratorios Amino fueron fundados por Legault, basándose en su tesis para el MIT Media Lab, en 2015. Amino es la primera plataforma de bioingeniería a disposición del público en el mundo que se puede utilizar en casa, en los laboratorios y en las escuelas.

Camisa LACOSTE + Chaleco TOPSHOP
+ Bermudas GUESS Jeans

TEXTO MANU ROMERO
MUAH
LOLITA
con productos
Graftobian
& Schwarzkopf
FOTÓGRAFO
JESÚS LEONARDO

ASISTENTE FOTÓGRAFO
JAVIER L. NAVARRETE


ESTILISTA
JAVIER DE JUANAS

PLATÓ
LUMIERE STUDIO
Polo LACOSTE + Bomber & Bermudas
DAVID CATALÁN + Zapatillas
ADIDAS Tubular
CINE: “Soy una persona completamente obsesionada con el cine. Si me tuviera que definir de alguna forma, sería así. Aunque  la mayor parte de las veces es horrible, cuando se consigue hacer algo guay es muy satisfactorio. El arte en general, exorciza y te aclara. Toda persona que ame algo, lo ama por ese motivo. En mi caso, hace que yo entienda por qué estoy aquí en el planeta tierra y me entienda a mí mismo”.
DIRIGIR: “Desde muy pequeño grababa con mis primos películas con cámaras caseras. Si ahora mismo me dijeran que jamás voy a volver a dirigir, me suicidaría. Todo tendría mucho más sentido con el suicidio”.
GUIONES: “La necesidad de querer contar algo e inconscientemente darme cuenta que la única forma era rodarlo es lo que motiva que escriba mis guiones. Es algo que nace de dentro.”
COMODIDAD: “No me siento cómodo escribiendo ni dirigiendo. No es comodidad, es mucho trabajo. Sé que mi vida es escribir y dirigir. Actúo porque soy actor,  porque tengo que ganar dinero y porque el trabajo y el dinero me encantan”.
DIFERENTE: “Me he sentido así pero no más que cualquier otra persona. El hecho de sentirse diferente siempre viene dado de un acto egocéntrico muy fuerte”.
NUEVAS IDEAS: “En el cine la gente se cierra a nuevas ideas por dinero. Funcionan determinadas cosas y se repitan en bucle. Quizá una mujer con un ano en la cara, que es el argumento de mi penúltimo cortometraje, no funciona tanto porque no genera dinero y porque duele. A mí me gusta hacer cosas que duelan y a la gente no quiere que le molesten las cosas, aunque sea tremendamente necesario que así suceda”.
FIDEL: “Así se llama mi último cortometraje en el que homenajeo al Warhol eating a hamburger, del artista pop. Ahora que Cuba está cambiando, me parecía interesante intentar pensar si Fidel Castro se habrá comido una hamburguesa. Un acto pequeño que destruiría todo un ideal. Si Castro no se ha comido una hamburguesa, tiene muchas ganas de hacerlo”.
CUBA: “Estudié allí pero lo que menos hice fue estudiar. Trabajé, dirigí videoclips y sobre todo viví, que vivir ya es fuerte. Hay mucho talento, mucho que contar, pero no se puede contar nada”.
LIBRO EDICIÓN LIMITADA: “El público encontrará los guiones de todos mis cortometrajes, storyboards, fotos de rodaje, foto fija, carteles retocados y sin retocar (algunos inéditos) y un DVD con mis cortos (los que están online y los que no). También hay un apartado en el que te puedes meter en mi móvil y ver todos los vídeos que he grabado en los rodajes”.
LYNCH: “Me gusta porque te genera  una necesidad de no entender sus películas. Hay una cosa muy ordinaria en el arte en general  y es el tener que entenderlo. Hay cosas que no tienen explicación, porque la vida no la tiene. Lynch es el que mejor retrata lo surrealista de esta vida”.

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Calzoncillos CALVIN KLEIN
Calzoncillos CALVIN KLEIN
MUSA: “Ana Polvorosa es mi hermana, mi mejor amiga, una parte muy importante en mi vida. Además, considero que es una muy buena actriz, porque tengo otras amigas que son actrices y no trabajo con ellas. En Ana se dan muchos factores que hacen que al verla, entienda que el papel tiene que ser para ella. De la misma manera que John Waters admiraba mucho a Divine/Glenn”. 
PELÍCULA: “Mi primer largo se llamará Pieles y estará producido por Alex de la Iglesia. Empezaremos a pre-producir en mayo y rodaremos en junio. Trata de gente físicamente diferente, deforme.
La idea surgió tras el cortometraje Eat my Shit, en el que el papel de la Polvorosa tenía un ojete en la cara. La gente físicamente distinta es una de mis obsesiones. La sociedad genera unos constructos sociales a nivel físico muy fuertes, pero ¿qué pasa con aquellos que no cumplen el canon? Vas a un McDonalds y no ves a deformes. Hay mucha falsa moral. El humano es cruel y por eso hago esta película”.
OBSESIÓN MATERNO-FILIAL: “Casi todo lo que he hecho ha sido hablar de madres e hijos porque me parece que la figura de la madre justifica cualquier acto. Tú pones a una madre en un guión y puede matar por un hijo, robar, prostituirse, comer mierda, convertirse en zombie. Mi relación con mi madre es muy concreta y eso es lo que me lleva a escribir sobre ellas. Solo se escribe desde la obsesión, todo es muy insano. Mira la
que montó Hitler por una obsesión.
La obsesión hay que aceptarla, no luchar contra ella”.
ESTÉTICA: “Es uno de mis problemas.
Me cuesta mucho medirla y donde más esfuerzo pongo es en intentar que no se coma a la historia, ya que ésta debe prevalecer, pero mira, a veces te pones a pintar paredes de color rosa y se te va la olla. Debo ser ponderado, equilibrar y no caer en la frivolidad porque es la muerte”.
META: “¿Hasta dónde quiero llegar? Quiero cambiar el mundo pero sé que es una ambición muy grande. El mundo tiene la necesidad irrevocable de evolucionar y hay personas que lo hacen posible. Soy una de esas personas y ya estoy en camino. Todo desde la hu-mil-dad”.
MIERDA: “Así es como está la cultura en nuestro país. Si no se fomenta, es un país pobre y si lo es, se va a la mierda, se muere. España no ayuda a sus jóvenes y aunque yo tenga la tremenda suerte de haber hecho televisión, ganado dinero y gastado todo en mis rodajes, hay muchos con talento que no pueden crear”.
DOLOR: “Me gustaría que los que vieran mi trabajo, tanto audiovisual como escrito, les doliese verlo, lloraran, rieran, les provocara arcadas o se enfadaran. Es la clave del arte. Me gusta más provocar dolor, porque hay una dictadura de la alegría, un contubernio que nos exige ser felices. La felicidad absoluta es imposible y una ordinariez, por eso hablo del dolor, porque es el único camino hacia la alegría”.

Portfolio Synchrodogs
¿Cuáles han sido vuestros proyectos más relevantes del año?
El museo Dallas Contemporary nos encargó organizar una exposición en solitario para septiembre, así que durante 2015 hemos trabajado sobre todo en ese proyecto que se llama Supernatural.  Al mismo tiempo, durante el año, hicimos también shootings para Bimba y Lola, Swarovski, Shiseido, Vogue, Citizen k… Siempre intentamos mantener un equilibrio saludable entre lo que es trabajo personal y lo que son proyectos de encargo, ya que para nosotros son 2 caminos totalmente distintos.
¿Cómo os conocisteis?
Nos conocimos por internet, los 2 vivíamos en ciudades distintas, nos separaban 8 horas en tren.
¿Cuál es vuestra formación?
Los 2 nos graduamos en universidades técnicas. Roman estudió Automoción y Robótica, lo cual le ha venido bien tanto para la vida como para el trabajo. Tania estudió Records Management, lo que le ayudó a comprender mejor el inglés y todas sus palabras técnicas y específicas que ahora leemos en los contratos y acuerdos que firmamos. Básicamente ninguno de los 2 recibimos una formación artística, y eso es la mejor parte.
¿Habéis trabajado como asistentes para otros fotógrafos?
Nunca, siempre hemos estado muy seguros sobre lo que queríamos hacer y cómo queríamos hacerlo. Así que solo tenemos a alguien que nos asiste a nosotros.
¿Y algún otro fotógrafo os ha servido de referencia?
Nosotros siempre hemos estado más interesados en la naturaleza que en los humanos, ya que para nosotros era algo misterioso, todavía salvaje. Eso es lo que nos inspiró para en trabajar en nuestra propia dirección.
¿Qué visteis el uno en el otro para formar juntos Synchrodogs?
Cuando nos conocimos hace 8 años comenzamos a quedar y a hacer fotos juntos, nos sentíamos muy bien haciéndolo. Y todavía tenemos ese mismo sentimiento. Nos acostumbramos a existir como una entidad y no nos hemos vuelto a separar. Por supuesto, podemos discutir sobre ciertos detalles (somos personas, no solo synchrodogs), pero esa discusión siempre nos conduce a obtener mejores resultados, nunca es irracional.
¿De dónde viene lo de Synchrodogs?
Los perros son los mejores amigos de los seres humanos, y eso es exactamente lo que somos. Preferimos conducir una moto a través de campos sin fin a estar sentados en un apartamento. Los 2 somos muy parecidos en cuanto a gustos y percepciones. Y de ahí viene el prefijo “syncro” (del griego synchronos, simultaneidad, con la misma frecuencia, siempre juntos).
¿Tenéis hijos?
Aun no tenemos hijos, pero los tendremos más adelante, cuando ambos estemos física, mental y economicamente preparados. Es un paso muy serio, y nosotros somos personas responsables.
¿Habéis seguido alguna estrategia para alcanzar reconocimiento profesional a nivel internacional?
Sí, tenemos una estrategia, pero no siempre la tuvimos. Cuando comenzamos con la fotografía, jamás pensamos que nuestro trabajo se hiciera tan popular en internet. Nuestras fotos comenzaron a salir en blogs, luego en fanzines, revistas… y finalmente terminamos trabajando con galerías y marcas. Todo sucedió poco a poco, es un proceso que todavía sigue ocurriendo ya que por ahora solo estamos en el camino, no en la meta final. Dentro de nuestra estrategia actual, por ejemplo, somos muy exigentes a la hora de aceptar un trabajo de encargo, muy rara vez lo hacemos si no consideramos que está en la línea de nuestra dirección de arte. También creemos que es mejor disparar menos trabajos pero los que hagamos que sean todos muy potentes. Tenemos grandes ambiciones, pero solo porque nos conocemos y sabemos que podemos hacerlo posible.
Parecéis 2 espíritus muy libres, ¿cómo os amoldáis a las exigencias de un trabajo comercial?
Los clientes que nos llaman no esperan que hagamos sesiones convencionales. Ellos esperan una calidad alta e ideas frescas, y eso es justo lo que consiguen.
¿Habéis rechazado algún trabajo por no identificaros con la marca o el medio?
Claro, lo hacemos a veces. Tomamos muy seriamente todo lo que afecta a nuestra carrera, y por lo general estamos de acuerdo en trabajar solo con marcas y revistas establecidas, ya que valoramos nuestras ideas y nuestra energía por encima de la oportunidad de hacer tanto dinero como sea posible.
¿Os interesa el mundo de la moda? ¿Dónde os sentís más cómodos en el mundo de la moda o en el del arte?  Hacer moda es interesante. Además, como consecuencia, nos da la posibilidad de crear nuestros propios proyectos. En realidad nos sentimos cómodos en la vida, en general. Nos gusta hacer arte, fotos por encargo, hacer vídeos, tocar el piano juntos… sí, este años nos hemos comprado un piano. Hacemos un montón de cosas, todas las sentimos naturales y son igualmente importantes para la consecución de nuestra armonía interior. También desarrollamos un proyecto de caridad en el que Tania realiza piezas únicas de joyería.
¿Cuál es vuestro proceso de trabajo? Lo más importante es siempre la idea. Vamos recolectando ideas a lo largo de la vida, y cuando llega el momento de tener que trabajar en el proyecto, comenzamos a darle más vueltas a esas ideas para conseguir finalmente que sean mejores. Investigamos, hacemos bocetos, creamos accesorios, buscamos localizaciones… lo que haga falta. Como principal fuente de inspiración utilizamos nuestros sueños nocturnos, experimentamos con nuestra propia técnica de meditación antes de intentar conciliar el sueño, y así conseguimos muchas ideas durante la noche. También el entorno natural es algo que siempre ha tenido un gran impacto en nosotros, influye mucho en nuestro arte y también en nuestras almas.
Esos ejercicios de meditación los habéis aplicado a series como Reverie Sleep, ¿no os da miedo tener malas visiones durante esos ejercicios? Meditábamos mientras intentábamos conciliar el sueño. Nunca hemos tenido ningún tipo de visión negativa. Solo recibimos imágenes casi estáticas de algo que pasa, como un episodio de una película, y solo lo ves unos segundos así que tienes que despertarte y tomar nota de todo. Si continuas mirándolo terminas relajándote.
Portfolio Synchrodogs
Aparte de vosotros 2, ¿sois más en el equipo? Cuando se trata de proyectos personales somos solo 2 personas que trabajan como 10: planificamos las sesiones, creamos accesorios, respondemos los emails, trabajamos en las exposiciones con los comisarios, producimos las impresiones fotográficas, tratamos con las publicaciones… En los proyectos por encargo la cosa cambia, ya que siembre hay un gran equipo que va en el pack de las grandes sesiones de fotos, y eso es fantástico ya que tú puedes concentrarte en las cuestiones fotográficas y confiar el resto en otros profesionales.
¿Tenéis un agente que os mueve el trabajo comercial?
Tu pregunta es muy oportuna ya que en este momento estamos buscando una buena agencia que nos represente en los Estados Unidos. Para nosotros es muy importante que haya una buena compenetración. Por lo general nos contactan directamente ya que participamos en muchos proyectos y regularmente nos publican en diferentes medios de comunicación y de esta forma los clientes pueden llegar a conocer nuestro trabajo. A veces conseguimos trabajos de nuestra agencia en Londres con la que estamos trabajando en un periodo de prueba.
¿Y en el mundo del arte?
Tenemos una fantástica galería de arte que nos representa en Texas, se llama Galleri Urbane. Y también nos representa otra en Holanda llamada Bright Side Gallery, antes se la conocía por el nombre de Walls Gallery. La situación con el tema de las galerías y las agencias de representación es la misma. Nos gustaría tener una galería de representación en Nueva York, Los Angeles, París, Berlín y Londres, ciudades que son el centro del mundo. Ha habido una gran cantidad de ofertas que hemos rechazado ya que estamos buscando algo con reconocimiento internacional. Si firmamos un contrato eso significa que va a ser para mucho tiempo, y tenemos que estar 100% seguros de que tomamos la decisión correcta en temas que tienen que ver con nuestro futuro.
¿Sois buenos relaciones públicas de vuestro trabajo? Somos buenos. ¡Larga vida a internet! Organizamos muchas cosas a través del correo electrónico. A veces responder cartas se hace interminable.
¿Seguís viviendo en Ucrania? Os imagino viviendo en el campo, pero lo mismo vivís en un apartamento…
Vivimos en Ucrania, pero viajamos tanto que a veces bromeamos y decimos que vivimos en aviones o trenes. Mañana, por ejemplo, tenemos que coger un tren y pasado un avión. Pero en realidad vivimos en un apartamento en frente del lago y con las montañas detrás. Es el último piso y tenemos unas vistas muy bonitas de la ciudad.
¿Os afecta la crisis económica de Ucrania?
Nosotros no sentimos el efecto dramático de la crisis, pero todas las personas con puestos de trabajo normales de oficina la sufren mucho a causa de la devaluación de la moneda, el grivna ucraniano. Pero además, también es deprimente vivir en un país donde hay una guerra en la zona este.
¿Que ciudades ucranianas nos recomendaríais visitar?
Os recomendaríamos volar a Kiev, y caminar junto al río Dnipro, disfrutar del jardín botánico, visitar el Pinchuk Art Center, e ir a clubes como Closer. Deberíais también visitar ciudades como Odesa con su mar Negro, o Lviv (Leópolis) con sus calles estrechas y su atmósfera étnica.
¿Tenéis pensado mudaros a otra capital más internacional?
Somos conscientes de que deberíamos movernos a otra gran ciudad en el futuro por algún tiempo, ya que todas las cosas importantes suceden en estás megalópolis donde todo se mueve muy rápido.
¿Cuál diríais que ha sido el momento álgido de vuestra carrera hasta la fecha?
Hasta ahora hemos hecho muchas exposiciones en muchas ciudades y países, pero este año tuvimos nuestra primera exposición en solitario en un museo. Fue sobre un road trip de 4.000 millas para crear un proyecto para el Dallas Contemporary. El proyecto nos llevó un año de nuestra vida y nos sentimos muy felices con los resultados. Y eso es importante porque es muy difícil contentar a 2 perfeccionistas. Ahora estamos planeando nuestra próxima exposición individual en Amsterdam, y también participaremos en un gran festival de fotografía en Canadá durante esta primavera.
¿Cómo pensáis que se desarrollará vuestro trabajo dentro de 10 años?
En 10 años deberíamos estar trabajando con nuevas tecnologías y nuevos medios para crear y exponer arte.
Más allá de hacer fotos y tocar el piano, Roman es aficionado a los deportes de deslizamiento, ¿qué tipos de tablas te gustan?
En realidad me gustan todas: longboard, surfboard, snowboard… Todo depende de lo que haya al otro lado de la ventana: asfalto, agua o nieve.
Y Tania colecciona y diseña joyería, ¿podrías describirnos tus diseños?
La joyería siempre ha sido mi pasión. Viajando por el mundo he ido recopilando collares vintage y piezas interesantes de joyería. Así que finalmente empecé a hacer mi propia línea. Se llama Crystaltania. Son piezas únicas realizadas con los elementos que he ido recopilando durante años. Todas cuestan 77 euros y el 100% de la recaudación de destina a fines caritativos. Enviamos una postal a cada comprador explicando exactamente en qué se ha gastado su dinero, para que así se puedan sentir orgullosos por ayudar al mundo. Visitad nuestra tienda en Etsy, se llama Crystaltania: www.etsy.com/shop/CrystalTania

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TEXTO MONGÓMERI
El nuevo jean Dynamic Stretch de Hilfiger Denim es un tejido novedoso, totalmente contemporáneo, con un 80% de stretch y un alto contenido de elastane, además de un acabado especialmente resistente. 3 súper poderes que garantizan que las características que buscas en este tipo de prendas duren mucho más de lo que hayas podido experimentar hasta la fecha: Fit perfecto, máxima elasticidad y comodidad total. Todo con la estética 100% denim y efecto vintage. En la colección encontrarás modelos femeninos y masculinos. Las siluetas para chicas son de corte skinny con opciones de tiro: bajo, medio, alto y extra alto. Todos disponibles en una amplia variedad de lavados y tonos, desde denim claro, medio y oscuro, hasta el negro, blanco, azul pálido y azulón, con acabados rotos y desteñidos. El menú de chicos también está muy bien: corte skinny o slim súper elástico en tonos gris oscuro lavado, negro aclarado y azul vintage en 3 tonos (claro, medio y oscuro). Algunos modelos además incluyen acabados especiales como desteñidos, descoloridos en 3D y bajos rasgados. Los puedes ver en acción en las imágenes de la campaña primavera verano 2016 de Hilfiger Denim, donde los nuevos jeans Dynamic Stretch se mezclan con versiones renovadas para esta temporada de piezas míticas de la marca.

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Justo ayer llegué de la feria del mueble de Milán, con la revista casi ya en imprenta solo me da tiempo a incorporar una de las novedades vistas allí. Las imágenes que hay en esta página pertenecen a la novísima colección que la empresa española Sancal presentó en el Salone. La colección está inspirada en el futuro, pero en un futuro estético ganador, que como en la serie Black Mirror, observa al pasado. Nada más divertido que mirar a los años sesenta para ver cómo será o es el futuro. El desembarco de la firma española en la feria fue triunfal, como casi siempre. Una escenografía de rollo Odisea de Kubrik con paredes perforadas con gigantes agujeros, moquetas peludas continuas desde el suelo hasta el techo, superficies de papel de plata arrugadas, un look de era espacial algo DIY. De los productos presentados destacamos dos, por un lado las mesitas Dúplex del estudio Mut (derecha) inspiradas en la casa de la cascada de Frank Lloyd Wright, y por otro la butaca Tortuga diseñada por Nadadora (izquierda) inspirada en la longevidad y el paso lento de este singular animal. Sancal también presentó el sofá Obi de Rafa García, las mesas Vesper de Sebastian Herkner, nuevas versiones de la Silla 40 o de la Tonella. También se estrenaba Elena Castaño-López con una colección de cojines. Pero quizá la novedad más curiosa fue una serie de objetos de edición limitada creados por el estudio creativo Número 26, que bajo el título Relics From a Past Future (reliquias postmodernas), bromean con los ídolos de su infancia y construyen reliquias que podríamos encontrar en una subasta de Sotheby’s
en 2096.  

www.sancal.com

TEXTO: JAVIER ABIO
TEXTO: SOFÍA DOS SANTOS
El trabajo de este barcelonés lleva ya
unos cuantos años centrado en temas
de denuncia social que nos enfrentan a
las desigualdades, abusos e injusticias de
la sociedad capitalista en la que vivimos.
Por ejemplo, en “I.D.E.F.S.1” (2006),
Luis Vidal denunciaba los maltratos físicos a mujeres con un video donde, sobre el busto en mármol de una mujer, van apareciendo hematomas producto de golpes, mientras, gritos reales de una mujer que está siendo maltratada ponen la banda sonora a la pieza. En “Euroafricans” (2007), el artista se trasladó al sur de Senegal, donde consiguió que comunidades muy pobres produjeran su propia moneda con los recursos que disponían en su entorno. Además de concienciar del problema de la pobreza en el continente africano a través del único lenguaje que el denominado primer mundo parece entender, el económico, con este proyecto se recaudaron fondos a través de una ONG. Los billetes producidos, 60.000 Euroafricans, fueron subastados en el Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona, consiguiendo 60.000 euros.
Allí también se presentó el documental
que recogía todo el proceso. En “Staple Paintings”, su último trabajo, Luis Vidal pone el dedo en la llaga, es decir,  denuncia la distribución de la riqueza en el mundo contemporáneo, donde  3.000 millones de personas, cerca de la mitad de la población mundial, viven con menos de dos dólares al día, mientras que el 20% de la población posee el 90% de las riquezas del mundo.
Un mundo donde, y no es que sea una frase hecha, lo vemos a diario, los ricos son cada vez más ricos y los pobres cada vez más pobres. Luis Vidal escenifica esta gran desigualdad a través de una serie de pinturas realizadas en su estudio de
San Juan, en Puerto Rico, a partir de ropa recogida en organizaciones que trabajan con gente necesitada. Con esa ropa, grapada sobre bastidores de madera rellenados de fibra sintética para dar
efecto acolchado, ha creado estampados inspirados en las marcas de moda más lujosas como Gucci, Chanel, Louis Vuitton
o Fendi. El trabajo de Luis Vidal ha sido utilizado en varias ocasiones por organizaciones que luchan por los
derechos sociales. 

cargocollective.com/luisvidal
Comienzos: “Dom y yo nos conocimos hace dos años por amigos en común.
Por aquél entonces estábamos en distintos proyectos musicales. Un amigo nos presentó y después fui al estudio a verle y nos pusimos a escribir cosas juntos. Arthur y Dom se conocían de antes, de la escena musical, se hicieron vecinos y empezaron a escribir alguna cosa también. Dom y yo seguimos trabajando juntos y poco a poco Dom empezó a conseguir un sonido que nos gustaba. Una noche decidimos tocar los tres juntos, fue algo espontáneo y ahí escribimos ‘Dust’, la primera canción del disco.” Haelos: “Queríamos un nombre que conectase con todo el mundo y haelo es un término de la iconografía científica, algo circular que se puede reconocer universalmente y puede significar cientos de cosas. Al ser algo tan amplio y universal encaja perfectamente con nosotros, nos sentimos conectados con las cosas más ocultas y es algo que nos gusta explorar.” Full Circle: “Es el título del disco, pero también de una canción. Esta es, de hecho, una de las primeras canciones que hicimos como trío, nos olvidamos de ella durante un tiempo y después la incluimos por casualidad en el disco, y ahora es una de nuestras favoritas. Creo que nos gusta porque hablamos de temas como reconectar con uno mismo, encontrarse a uno mismo… también de lo que hemos vivido, los altos y bajos de la vida, patrones que pasas en la vida como el amor, el dolor, la destrucción...” Gira por EEUU y Coachella: “En enero comenzamos a tocar en la costa oeste de Estados Unidos pero ahora es que, por primera vez, hemos hecho una gira completa y total por Estados Unidos, que empezó en Nueva York y terminó en Coachella. Ha sido una experiencia muy enriquecedora, te hace humilde, porque pasas meses en el estudio, en un sitio casi monástico para escribir  y trabajar, y después esto es genial porque ves ciudades, la respuesta del público, encuentras inspiraciones para el próximo disco...” Trip Hop e influencias: “Es un gran halago para nosotros que se nos compare con la música que hacen bandas como Massive Attack o Portishead, ellos son los padrinos del trip-hop, de la escena de Bristol de los años ´90, cuando nos pusimos a escribir ellos salieron como bandas en común que nos inspiraban y nos gustaban.” Planes de futuro: “Ahora lo que tenemos en mente es tocar en directo el disco e ir de gira lo máximo posible, disfrutar esta oportunidad. Estaremos en algunos festivales en Europa y después, en agosto, de vuelta a Estados Unidos para girar de nuevo.”

“Full Circle” está editado por Matador Records y distribuido por Everlasting Records.

TEXTO: NADIA LEAL        FOTO: DAVE MA
TEXTO: MONGÓMERI
FOTO: JAVIER ÁVILA   

Estudió moda en FdModa de Barcelona (actualmente LCI), donde reconocé que se nutrió mucho de patronaje y acabados. Posteriormente pasó a la London College of Fashion, donde desarrolló su faceta conceptual. Con su primera colección fin de carrera ganó el Hempel Award 2014 y
el reconocimiento al mejor talento en ModaFad. Actualmente tiene 24 años y después de diseñar para varias marcas de Hempel en Beijing, el grupo le ha sponsorizado su tercera colección. Concursos: “Soy de los que piensan que dedicar tiempo a hacer dossieres y concursos siempre es una inversión a largo plazo”. Hempel: “Este premio es el que más me ha encaminado profesionalmente. Los seleccionados inauguran la Mercedes Benz Beijing Fashion Week. A partir de ahí me surgieron varios  proyectos. Uno de ellos fue realizar mi propia colección para la tienda Arrtco, especializada en jóvenes diseñadores. Diseñé un total de 50 prendas, todas firmadas por mí”. Shanghai: “Después de 4 meses trabajando en Hempel, me promocionaron a su equipo internacional en Shanghai, donde soy el único español. Aquí el ambiente es muy internacional. Es una experiencia muy enriquecedora. Es una ciudad llena de oportunidades y en constante desarrollo”. Ahora: “Trabajo para Hempel creando colecciones proyectadas al mercado europeo y americano. Aquí desarrollo todo el proceso de búsqueda, diseño y supervisión del departamento de prototipos y producción. Finalmente, estas colecciones se presentan a empresas como Ck o H&M entre otras”. Jon Mikeo: “Hempel y otras empresas han sponsorizado mi tercera colección, la segunda bajo mi marca. Actualmente estamos decidiendo cómo enfocar el futuro de mi marca. Los zapatos los hice con la empresa Sweet Villians”.
Evolución: “La primera colección era muy rimbombante. En las siguientes he seguido apostando por los mismos elementos, con el detalle del patronaje y las siluetas, pero también es cierto que me he acercado más al mercado sin perder mi identidad. La última colección es más sobria. Prendas más limpias y con juegos de volúmenes. Trabajando siluetas muy verticales y mezclando materiales como terciopelos de sedas, PVC, antes y lanas”. 

www.jonmikeo.com

Si bien la pintura es el territorio de Seth Price (Jerusalén, 1973), en el caso del artista con base en Nueva York, esta se materializa a través de la escultura, el vídeo, la música y la escritura. “What Decomposes Is Nature” es el título de su nueva exposición individual en la Galería Chantal Crousel (París) y al igual que en proyectos anteriores continúa explorando el diseño de un sobre comercial anodino.
A través del sobre y sus diferencias de brillo, textura, plegado y color, el artista plantea cuestiones vinculadas con la parte interior y exterior de un mensaje y con los modos de comunicar y ocultar algo. Pero también se detiene en los aspectos más corporativos de este tipo de objetos, realizando pinturas con las tramas reticulares que el interior de este tipo de sobres contienen. Seth Price no parece estar interesado en señalar el diseño tipográfico que tales objetos portan y sus posibles interpretaciones. Cada uno de los fragmentos o plenos enmarcados no tienen contenido y al igual que un sobre vacío no trasmiten ningún mensaje.
El artista caracteriza su obra a partir de
las abstracción y lo hace, no tanto por un interés pictórico, como por una estrategia de concentración. A través de la abstracción es posible expresar un tipo de asociación intuitiva en la que los sobres de papel y los mensajes que transportan se convierten en los elementos principales de un señalamiento sobre la tecnología postal que utilizamos en la actualidad. Cada una de estas pinturas ofrecen de una manera más o menos directa comentarios sobre los sistemas postales no táctiles que utilizamos para enviar imágenes e información de todo tipo. Hay logos reconocibles del estilo Dropbox, pero también patrones compuestos de una sola palabra, con los que el artista evoca las abreviaturas y marcas de agua, a través de las cuales la papelería tradicional incluía sus logotipos. Pero Seth Price nunca es del todo lineal, por ello es importante ver estos elementos como zonas de relación y juegos interpretativos y no como mensajes cerrados. 

Hasta el 2 junio, www.crousel.com

TEXTO: MARIANO MAYER
Sketch Via Inside Out, 2011.
©Seth Price

Disidentified Financial Service, 2014.
Cortesía del artista y Galerie Chantal Crousel, París.
© Foto: Florian Kleinefenn.

Albec Bunsen: “El nombre salió de una coña. Tenía yo 16 años, y solía estar igual de despistado que ahora, y el profesor de dibujo técnico le preguntó a mi compañera de atrás `Ho veus? (¿lo ves?), y ella soltó un `Sí, el vec, el vec`, a lo que yo reaccioné pensando que decían mi nombre… y de ahí empezaron a salir bromas sin sentido hasta Albec Bunsen, haciendo referencia a `el bec Bunsen` (el mechero Bunsen en catalán). Entonces, sí, sí tiene que ver con el químico del siglo 19, Robert Bunsen”. Evolución: “Ahora no destrozo tantos metros como cuando empezaba (risas). La elaboración de las prendas es mucho más complicada, me centro más en el concepto inicial e intento desarrollarlo con lo que aprendí en LCI Barcelona. Lo que antes eran 6 prendas con 50 estampados diferentes, ahora son 50 prendas con 6 estampados distintos. Ahora tengo más conocimiento a la hora de utilizar algo para un fin… ya sea maquinaria, tejidos, fornituras… En cuanto a repercusión, sigo de subidón por la respuesta positiva. Hace 4 años no me imaginaba desfilando en Montreal o teniendo un stand en Who’s Next Paris”. Género: “Realmente yo pienso mis colecciones siguiendo una inspiración masculina, enfocada hacia él, pero no descarto que mis prendas seas usadas por mujeres. Y cuando pasa me parece muy chachi. De todas formas, la palabra ‘hombre’ y lo que conlleva en diseño, me lo paso un poco por alto, ya que me encanta ponerle faldas y vestidos”. Tejidos: “Para la colección invierno 2016 utilizo tejidos más bien técnicos: engomados, termoprensado, impermeables con aspecto platicoso. Tranquilamente, puedes irte a esquiar sin pasar una gota de frío. El tricot es una colaboración con Aitana Baeza, una buena amiga y una artista con las agujas. Lo que no utilizo son pieles en mis colecciones, por lo que aunque parezcan, no lo son”.
Prints: “Sí, los estampados de las prendas más chandaleras son horas de dibujo a mano y digitalización. Si algo me gusta más que coser, eso es dibujar como un loco”.
Público: “A la gente Bunsen me la imagino divertida y descarada, sin vergüenza, con fuerte individualidad. Alguien con ganas de dar la nota sin dejar de estar cómodo (bendito chandal)”. Precios: “Rondan los 150 euros, pero hay de todo. No hay precios ni altos ni bajos. Simplemente, mucho trabajo detrás”. Banda Sonora: “Empezaría el desfile con Destination: Mother Moon, de Kid Cudi, y acabaría petando con Universo de Las Bistecs”.
 
albecbunsen.blogspot.com

Muah & Modelo: Raffaele Romagnoli
Director de Arte: Fausto Leoni

Muah & Modelo: Raffaele Romagnoli
Director de Arte: Fausto Leoni
Muah & Modelo: Raffaele Romagnoli
Director de Arte: Fausto Leoni
TEXTO: MONGÓMERI
FOTO: JUAN SERLO

TEXTO: MONGÓMERI
FOTO: LA MANO ROBADA
MODELOS: IRENE & ELENA PARRA

Madrid: “Vivo en Madrid desde hace 3 años. Vine para el Máster de Investigación en Arte y Creación en la Universidad Complutense. En Murcia hice Bellas Artes”. Familia: “Mi madre y mi abuela son los ejes centrales de mi vocación. Mi abuela fue modista y pintaba en sus ratos libres.
Y a mi madre siempre se le dio genial, es una artista aunque ella no lo sepa. Ellas fueron las que me llevaron a clases de pintura con 8 años”. Moda_Arte:
“La moda aparece en mi obra plástica desde el momento en el que hablo de mi familia. Mi obra tiene un mismo seguimiento y búsqueda conceptual:
el recuerdo, siempre ligado a mi historia personal. Mi abuela me enseñó todos los elementos necesarios para la confección. Utilizo el hilo como pintura, los patrones como estructuras y la tela como papel”. Funny Swing: “Es una marca de ropa de estilo atemporal, se centra en la realización de estampados y formas dinámicas, alternativas y creativas. La felicidad, el balanceo, la fugacidad, la velocidad, el tiempo y su recuerdo son los conceptos que forman la esencia de la marca. Mis prendas tienen un diseño muy cuidado. Las siluetas de la colección son oversize, de líneas rectas y estructuras en bloque. La prenda estrella es la camisa.
Al crear un print también necesitas pensar muy bien la forma del soporte, porque cambiará en función del patrón.
Los tejidos de esta primera colección son algodón, viscosa, neopreno y seda. Yo me encargo del diseño y patronaje, y cuento con un taller para la confección y producción”. Público: “Aunque hay piezas unisex, esta primera colección va dirigida a chicas. Alguien que valora el diseño hecho en España y las producciones artesanales realizadas en pequeños talleres. Una chica vital, atrevida y divertida, que no le asuste llevar estampados y se aleje de la moda fugaz y repetitiva”. Vestidos de Artista: “Son las piezas más especiales de la colección. Están creados a partir de piezas de mi obra plástica. Son únicos. El patrón seleccionado es un vestido de cuello camisero y canesú delantero, con una leve forma ovalada en el bajo. Los estampados son dibujos de la serie ‘Un balanceo, un recuerdo’ realizados con tintas y rotuladores”. Precios: “Desde los 25 a los 200 euros”. Puntos de Venta: “Ahora 2 en Madrid: Gazela Thomson en la calle Pez de Madrid, y Miseria en la calle Verónica”. Objetivo: “Presentarme a la convocatoria de Ego dentro de la MBMFW, y mover la marca en otras ciudades como Barcelona”.

www.funnyswing.com

Presentación: “Somos Carlos, David, Marco y Fran. Llevamos un par de años juntos como banda, ensayando y viviendo entre Madrid y Santander, donde nos formamos como dúo un poco antes. Desde hace un mes ya estamos en la capi asentados al completo. Todos venimos de diferentes proyectos y de tocar en otras bandas, así que ya teníamos algo de experiencia”. Madrid: “No sé si viviendo en Madrid lo tienes más fácil para darte a conocer, pero es un sitio donde es más sencillo rodearte de gente afín. Cuando éramos dos en Santander intentamos buscar gente para la banda allí y fue imposible”. Hipnopop: “Define bien esa mezcla de canciones de pop y pieles ‘psicodélicas’ (más hijas de un sonido nineties que sixties, pero la palabra es cómoda para el gran público). Melodías y ‘hooks’ vestidos con capas de efectos y ritmos cercanos a Smith Westerns, Toro y Moi o UMO”. Colaboraciones: “A Brian Hunt lo conocíamos previamente y teníamos muchas ganas de probar su estudio, El Invernadero, pero lo de Joe Walker surgió espontáneamente, después de tener grabado el EP. Fue flipante que lo hiciese. Joe estaba de tour con King Gizzard y le tocó mezclar en la furgo... Le dio un aire distinto a las canciones que de otra forma no habríamos conseguido”. Directos:
“Al ser canciones que son un collage de ideas de todos, cuando ensayamos trabajamos los moods, los ambientes que va a generar eso con el público. Ahora que estamos todos en Madrid podemos ensayar con más regularidad, y hemos montado un pequeño estudio donde grabamos demos”. Festivales: ”Primavera Sound fue el primer festival que nos escribió y fue bastante impresionante. Es algo que ves como referente desde los 15 años y de repente tienes un mail invitándote a tocar.
A partir de ahí cerramos más fechas, así que nuestro plan de verano empieza en SOS 4.8 y luego pasa por Primavera, FIB, VIDA, Quintanilha Rock, Santander Music y alguna cosilla más que se anunciará pronto”. Vivir de la música: “De la música sí. ¿Del grupo? Por ahora no. En Europa hay más grupos que consiguen vivir de ello pero aquí es casi utópico. Nuestro objetivo es tocar lo máximo posible e intentar buscarnos la vida hasta que podamos, si no es exclusivamente con el grupo, sí con algo relacionado con la música”.

“Only For Uz” está editado por Foehn Records y disponible en plataformas digitales.

TEXTO: TEREVISIÓN RUIZ
El grupo: (Morata) “Surge un domingo por la mañana en el colchón de los invitados del salón de Leti. Desayunando cerveza decidimos que había que formar un grupo. Esto ocurrió en septiembre de 2013 más o menos. Aún no teníamos ni instrumentos”. Comparaciones: (Morata) “Hay fijación por buscar los 80 en donde no los hay. (Leti) “La verdad es que yo tampoco estoy muy metida en el rollo de los 80. Aunque los sintetizadores me molan un montón. Los Punsetes nos gustan pero no ha sido algo buscado. También nos comparan con Helen Love y ni puta idea”. Colaboraciones: “A Juan de Axolotes Mexicanos le conocimos a través de José Sanz, que había escuchado una canción que habíamos grabado con el móvil, y nos comentó que podría ayudarnos. Luego fue todo rodado. Lo de Guille Mostaza fue cosa de Club Social, pero estamos muy contentos”. Estopa: “Cuando Club Social nos propuso sacar el disco, nos pidió que hiciésemos una versión de algún grupo nacional. Para nosotros no tenía sentido versionar algo de la movida o del indie de los 90. Cuando teníamos diez años lo que sonaba era Estopa”. Club Social: “No sabemos muy bien cómo Borja llegó a escucharnos, pero el caso es que lo hizo y lanzó un mensaje a través de su podcast para que nos pusiéramos en contacto. Al principio pensábamos que era broma” (risas). Políticamente incorrectos: (Morata) “No creo que seamos políticamente incorrectos, ni que hablar de la iglesia lo sea. La iglesia es el chiste comodín del humorista-tuitero medio. ‘Santa Teresa’ va un poco de las JMJ, yo no estaba en Madrid cuando aquello, pero veía fotos y la gente allí se lo pasaba realmente bien, la canción va de gente que se lo pasa bien de fiesta, JMJ o David Gueta, da igual”. Directos: “En directo lanzamos las bases con el portátil y tocamos encima. De momento no tenemos mucha soltura, pero estamos en ello”. Imagen: (Leti) “Yo me encargo. Parto de fotografías y luego hago las ilustraciones y los gifs. Tanto la portada del disco como la de la maqueta están basadas en fotos que hizo Morata. Para nosotros es muy importante toda la estética del grupo”. Y además: “Les hemos hecho un videoclip no oficial a los Ganglios. También intentamos hacer un Festival en León, pero fue un fiasco. Nos gustaría seguir probando y organizando movidas”. Proyectos: “Dar conciertos. De momento es lo único que nos planteamos. Y ya, más tarde, volver a grabar”.

“Gente Guapa, Sitios Feos” está editado por Club Social.

TEXTO: TEREVISIÓN RUIZ
FOTO: @MANULOPEZPRECIOSO (IG)

Los premios IF Design se dividen en numerosas categorías que van desde el diseño de producto hasta la arquitectura, disciplina recién incorporada, que hasta este año no formaba parte de los premios IF Design.  Estos premios se engloban dentro de la MCBW - Munich Creative Business Week - el evento de diseño más importante de Alemania y de repercusión internacional, que funciona no solo como presentación de proyectos, sino también como un interesante encuentro entre diseñadores y empresas, donde suceden además debates acerca del diseño y se tratan temas como su importancia cultural, social y económica. Como no siempre los Premios Oro son los mejores, hemos seleccionado aquellos que reúnen ciertas particularidades, en algunos casos coincidiendo con la opinión del jurado, como es el caso de Exploded Cinema que ha sido galardonado con el IF Gold Arquitectura de Interiores. Exploded Cinema es obra del estudio chino One Plus Partnership. De interiorismo futurista, el espacio de Exploded Cinema se convierte en un universo de ciencia ficción, un juego de percepción cuya experiencia se crea a partir de volúmenes tridimensionales, los cuales, combinados con efectos multimedia, generan un espacio conceptual más de cine que de un mundo real, comenzando pues antes de la butaca y la proyección, la experiencia cinematográfica. En arquitectura marcará tendencia Arca, una vivienda sostenible que se adapta a un nuevo estilo de vida nómada tan propio de la última generación, su tiempo de construcción se reduce a 120 días y con la misma rapidez se puede volver a desmontar. Es obra del estudio brasileño Atelier Marko Brajovic. Por otro lado, Axent, la firma suiza de sanitarios, con numerosos premios IF, mantiene su línea elegante con Axent.one, un WC de líneas sencillas y de funcionamiento inteligente, que se ilumina en la oscuridad, es de bajo consumo y se esteriliza y descalcifica solo.  Futurista rock es el estilo de las gafas de Mini Ar, dentro de la categoría movilidad, que transforman la experiencia del viaje en coche permitiendo ver a través del automóvil. Y en contraposición a éstas, el reloj ultrafino de Braun de sublime elegancia y precisión. Y dentro de la disciplina producto, la silla Campus Up contempla el estudio desde acciones dinámicas- giros, inclinaciones y rotaciones- al contrario que la mayoría del mobiliario para estudiantes. Floating Garden, es uno de los IF Gold más brillantes de este año, es un tejido de superficie hiperbólica 3D de triple capa, funciona como jardín flotante que puede actuar como parte de un ecosistema, paisajismo comercial o como nuevo material vegetal para la arquitectura.

IF Design
ifworlddesignguide.com

TEXTO: AURORA DOMÍNGUEZ
Silla Campus Up
Axent.one de Axent
Floating Garden
Reloj, Braun
Exploded Cinema, de One Plus Partnership
Arca, del Atelier Marko Brajovic
Arca, del Atelier Marko Brajovic
Gafas Mini Ar
TEXTO: JAVIER DE JUANAS
FOTOS: ADRIÁN CATALÁN

Vigo-Barcelona: “Soy gallego, de Vigo. Mis estudios de moda los inicié en Galicia, allí estudié solo un año. Fue más un primer contacto con la moda que otra cosa. Luego seguí estudiando en LCI Barcelona. Esta ciudad me parece la idónea para estudiar cualquier cosa relacionada con el ámbito artístico. A Barcelona hay que escucharla, tiene muchas cosas que contar, enseñar y aportar con todo ese tránsito europeo de personas”. Temporadas: “No creo que el sistema de temporadas como lo entendemos ahora esté obsoleto, simplemente pienso que para un diseñador joven es muy complicado poder presentar dos colecciones al año. Hay que pluriemplearse, está a la orden del día para cualquier joven creativo que se quiera montar su proyecto ahora mismo. Y aunque pase un año de una presentación a otra, si a alguien le gusta tu trabajo se acordará de ti. Además, es más sano pensar en todo esto como un ejercicio artístico, disfrutar de ello y sentirlo”. Genderless: “Cada vez se encuentran más chicos que visten exactamente como les da la gana, sin tener impedimentos por su condición sexual. No tienen prejuicios, se sienten libres y cómodos consigo mismos para ponerse lo que les dé la gana. En cuanto a lo que yo presento, mi imagen en cada colección refleja al hombre que tengo en mi cabeza. Se sitúa en medio de toda una historia y no solo transmito cómo se viste, sino también si sabe hablar francés, qué música escucha o hacia qué lado se peina el pelo”. México: “Desfilé el año pasado en México y todo es muy diferente. Hay diseñadores que tienen trabajos interesantes, pero la realidad es que la sociedad europea es diferente a la latina, así como los referentes o las cosas que se consumen”. España: “Aquí la industria la veo un poco como siempre. Falta que las grandes empresas apoyen a los jóvenes emprendedores. Desde mi punto de vista parece como si, en lugar de recompensar, se castigara por hacer cosas”. Ventas: “Muchas de mis prendas se podrán comprar en Dust and Soul. Es un proyecto que inician unas chicas justo ahora. Se trata de una web en la que se venderá moda y arte. Además también he diseñado una pequeña colección cápsula para ellas”. Precios: “Oscilan desde los 40 euros por un polo de tweed, a jerseys de lana, mohair y angora, tejidos a mano que andan sobre los 400 euros”.
Maquillaje: Raffaele Romagno
Peluquería: Esaü Raoul

Maquillaje: Raffaele Romagno
Peluquería: Esaü Raoul
Maquillaje: Raffaele Romagno
Peluquería: Esaü Raoul
Tiene solo 19 años, pero lleva escribiendo canciones desde los 9. Quizás por eso, a pesar de su juventud, ha publicado un disco debut tan bien ejecutado como “All My Demons Greeting Me As A Friend” (Universal Music). Un disco muy esperado por crítica y público, que ya habían caído rendidos a sus pies con singles como Runaway o Conqueror. Hasta Katy Perry se ha declarado fan. Por cierto, también sus fans tienen ya nombre, son los “warriors and weirdos”.
En su disco debut no predomina ningún estilo concreto, pasando con increíble soltura de la electrónica al pop y de momentos intimistas, e incluso oscuros, a melodías pegadizas. Todo un fenómeno que no ha hecho más que empezar.

TEXTO: SOFÍA DOS SANTOS
Vestido Crêpe diseñado
por María Barros

Silla Mava diseñada por Stephanie Jasny para Punt
Zapatilla colección Node de Muro.exe
En Neo2 Shop encontrarás una variada selección
de productos, algunos son piezas únicas. Hay desde zapatillas o ropa, hasta mobiliario. Incluso hay aspiradoras vanguardistas. Y lo mejor de todo es
que esta oferta te la podemos ofrecer con buenos descuentos sobre el precio original. Deseamos que
la idea te guste tanto como a nosotros.

Llevamos 146 números y miles de posts mostrándote fotos de cosas que nos gustan. Lo hacemos porque pensamos que a ti también te gustarán. Pero ahora damos un paso más. Queremos que esos objetos se hagan realidad, que dejen de existir solo en fotos y
que se materialicen  cómodamente en tu casa. Ese es nuestro deseo, pensamos que también el tuyo, por eso abrimos nuestra propia boutique online: Neo2 Shop.

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Litost FW16/17
Jingüo by Laura Searle

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Días 1 y 2.  Huevo & Aeropuertos
Voy de camino a Beijing, China, donde me han seleccionado como una de las 29 finalistas de todo el mundo para participar en el Hempel Award. Debería llevar conmigo una caja armario con un huevo dentro, pero al parecer se ha perdido en Amsterdam. Aquí, empieza la odisea. El huevo es una pieza que tiene más de tres semanas de trabajo, dos ovillos de lana XXL de EEUU, plástico taladrado a mano con más de 1.000 agujeros realizados con punzón y martillo, verja de jardín para reforzar la estructura, 70 cuadraditos en 3D recortados y cosidos a mano, y que ha requerido a 2 personas, una de las cuales tenía que meterse dentro, para coserlo. El huevo está ahora en Amsterdam, perdido, y se trata de una pieza clave para presentar a un jurado el próximo día 23. Tras más de 36 horas de vuelos, esperas y cancelaciones, llegamos a Beijing, Terminal 1. Parece que hay suerte. Nos comunican que el Huevo está en otra terminal, y tras intentar hacerle entender a nuestro conductor a base de mimo que antes de ir al hotel tenemos que encontrar mi Huevo, finalmente lo encontramos tristemente tirado en una esquina.

Día 3. Competencia
Llega el momento decisivo de entregar las prendas. Poco a poco en el desayuno identifico al resto de concursantes. Visten prendas largas, oversize, principalmente negras y son los únicos occidentales peleándose entre dumplings por una tostada con mermelada. Después toca recoger número y llevar las prendas a una sala donde por fin puedo ver las colecciones de todos. No hay nada convencional: mucho plástico y estructuras. La gente corre de un lado a otro dando martillazos, y las vestidoras, unas señoras chinas, bastantes mayores y diminutas, tratan de comprender lo que tendrán que poner a las modelos. Me asignan el número 1. Seré la primera en presentar al jurado y abriré la Mercedes Benz Beijing Fashion Week.

Día 4. Fitting

Llega el día importante: presentación al jurado. Se palpan los nervios. Yo seré la primera en hablar. Mentalmente repaso una y otra vez lo que voy a decir mientras intento explicarle a una perpleja traductora conceptos como “antítesis, peso y levedad”. Llega el fitting. Modelos y vestidoras tratan la ropa como si hubiera salido de un mercadillo. En medio del caos está el Huevo… Pasa alguien y le da un golpe. Yo sufro por los cuadrados en 3D y digo “be careful”. Las vestidoras se acercan y lo tocan… “Mei you”, digo… y otro golpe. Finalmente tengo que ejercer de cirujana y remendarlo una y otra vez. Por fin llega la presentación. 11 jurados, 7 internacionales y 4 chinos me evalúan con una medio sonrisa. Extrañamente es el momento más relajante del día, y no me dejo nada por decir en los dos minutos que nos brindan. A la salida otros concursantes me sonríen mientras intentan sacarme información. Yo corro con las modelos para que no lancen las prendas por los aires y evitar más reparaciones.  Al final del día traslado al hotel donde se celebra la pasarela: un autobús con 29 concursantes, el doble de maletas y, el huevo. Consigo subirlo, sufriendo, colocarlo en dos asientos, y al acabar la maniobra me dicen que ahí no lo puedo poner… drama… acaba colgado de una barra de la puerta trasera, balanceándose, y yo de los nervios.

Día 5. Desfile
Finalmente entre bastidores. Llegan los ensayos y nuevas vestidoras, mi pesadilla. Explícale a una china que por favor no toque tus cuadraditos… Lo señalas y ella sonríe, lo vuelves a señalar y haces un gesto de negación y ella te imita, vuelves a señalarlo, y allí que va, “gachetobrazo” directo a estrujarlo… Me voy sintiendo como una mezcla de guardaespaldas histérico y “El Diablo se viste de Prada” en versión serie B. En el backstage, y esto lo sabemos todos, no hay glamour. Tenemos que salir a saludar, voy la primera, tengo que recorrer la pasarela entera con una fila de 28 personas detrás que dependen de mi memoria para seguir el recorrido. Llega el momento. Coloco lo ya más que colocado, y ahueco y aliso arrugas inexistentes. Repito unas 500 veces a las modelos que me miran con cara de exasperación, especialmente la atrapada dentro del huevo, cómo tienen que caminar. Tras un discurso y un estallido de luces queda inaugurada la Mercedes Benz Beijing Fashion Week. Yo observo todo desde una pantalla sin ser consciente verdaderamente de lo que está sucediendo. Todavía no lo soy.
Litost FW16/17
Jingüo by Laura Searle
Maquillaje Maite Tuset & Caritina Ramos para M·A·C
Texto Roberto Juanes Fotógrafo Jesús Leonardo  Estilismo Javier de Juanas
Peluquería Kley Kafe  Peluquería de Ingrid Ana Roca Tesias Plató
Lumiere Studio

Mamá, quiero ser artista: “Desde muy pequeña he sentido que actuar era lo que me hacía más feliz, aunque fuera jugando. Yo no sabía si me iba a dedicar a esto profesionalmente, si tenía que estudiar otra cosa pues lo haría. Cuando de repente a los catorce años hice mi primera TV movie me di cuenta de que igual podía dedicarme a jugar todo el rato, que era lo adecuado”.
Cumpliendo un sueño: “Cada vez que algo me va bien respiro y pienso: ‘uf, qué guay, ya lo he logrado’. Y luego es mentira. Esto es un círculo todo el rato, estás arriba y luego estás abajo, te va bien y consigues cosas y luego se olvidan de ti. Ya he entendido que esto va a ser así siempre y que nunca lo terminas de conseguir, pero que hace mucho tiempo que lo has conseguido”.
‘Amar es para siempre’: “Fue muy duro. Es una serie diaria y son diez horas cada día, muchas secuencias, un ritmo muy rápido. Yo nunca he estudiado la carrera de interpretación porque empecé a currar bastante jovencita, pero ‘Amar’ es una escuela muy bestia. Yo he aprendido muchísimo, porque estás muy vendido. Van a un ritmo en el que no se pueden parar a pensar en tu interpretación y te tienes que sacar las castañas del fuego como puedas. Igual eso no es bueno para cualquier actor, pero a mí me sirvió de mucho”.
‘La llamada’: Llevo dos años y medio haciendo el musical y sobre todo me ha enseñado lo que es el teatro, la constancia, y el compromiso con algo que haces todos los fines de semana, semana tras semana, mes tras mes, año tras año. Aparte me ha dado una familia entera, y es que acabas haciéndote familia de esa gente con la que compartes tanto tiempo. Vamos a hacer la película este verano. Está todo muy encarrilado y tiene muy buena pinta”.
Últimos proyectos: “He protagonizado ‘El Olivo’, de Icíar Bollaín. Personalmente, para mí era un reto ver si era capaz de llevarlo bien, de estar a tope y de no decaer en ningún momento, sobre todo de cansancio, aunque al final el rodaje fue menos duro de lo que esperaba. Profesionalmente es un registro que yo nunca había hecho antes, así que estoy muy agradecida de haberlo podido afrontar. Me parece que ha quedado una película muy bonita. Además la relación con Icíar ha sido muy buena, es una mujer muy inteligente, tiene una sensibilidad que a mí al principio me impresionó muchísimo. Y al haber sido actriz estuvo todo el rato cuidándome durante el rodaje, sin presionarme, entendiéndome. Fue un apoyo muy grande”.
Psicología: “Estudié hasta tercero de carrera, poque luego empecé justo con ‘Amar es para siempre’ y con ‘La llamada’ a la vez y lo dejé, aunque ya volveré. Últimamente pienso que si no funciona lo de ser actriz voy a dedicarme a ser coach de actores, que toca la psicología y la interpretación”.
La industria y las mujeres: “Es evidente que las mujeres estamos por debajo de los hombres. Toda la gente que está arriba son hombres, porque venimos del cine que venimos y de la época que venimos, que tampoco está tan lejos. Y eso tiene que cambiar. ¿Dónde están las mujeres guionistas? Claro que existen, las hay que estudian guión y dirección, pero no se ven. No sé si les cuesta más llegar, no sé cuál es el problema. Bueno, supongo que sí sé cuál es, y es que venimos de una industria machista. Creo que necesitamos que haya un cambio ya, que haya jefas de departamento, productoras, guionistas y directoras”.
El futuro: “Quiero ser actriz toda mi vida, pero espero y deseo que si en algún momento esta profesión no me hace feliz, poder dejarla. Veo a tanta gente de mi profesión más mayor que sufre por el hecho de que no la llamen, o por el hecho de que se olviden de ellos, que no quiero sufrir. Quiero que me hagan feliz otras cosas al margen de esto para poder disfrutarlo y no vivir con agonía”.
Tras las cámaras: “Soy una chica muy inquieta, con mucha energía, muy impaciente y muy pasional”.
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Mamá, quiero ser artista: “A mí lo de actuar me llegó de rebote. Cuando Tristán Ulloa preparaba la película de ‘Pudor’ hizo castings por Madrid y Barcelona y yo me presenté porque se presentaban mis amigas. Y me cogieron. A partir de ahí Tristán me inculcó el gusanillo de la actuación y me dijo que si quería seguir me podía ir muy bien. Yo al principio quería trabajar en la NASA”.
Cumpliendo un sueño: “Hubo un año que enlacé un trabajo tras otro, la suerte del principiante. No podía asistir al instituto y me di cuenta de que no veía a mis amigos ni a mi familia, lo único que hacía era actuar, incluso fuera de Madrid. Entonces ahí fue cuando dije: madre mía, al final la tontería se ha convertido en mi trabajo”.
Maldita crisis: “Yo he vivido dos momentos del cine y la industria, uno en el que no parábamos de trabajar en ningún momento y de repente un parón. Se empezó a trabajar en los proyectos con más miedo, menos presupuesto. Personalmente sí lo noté. Reconozco que ahora ha vuelto a cambiar a mejor”.
Y el premio es para...: “El caso de ‘The Perfect Stranger’ fue muy curioso, lo hemos comentado mil veces con Colm Meany. La película recibió muchísimos premios fuera de España y aquí apenas tuvo repercusión. ¡Hasta Robert Redford nos dio uno, que a mí casi me dan siete infartos! Pero bueno, son cosas que pasan. Personalmente, creo que recibir un premio siempre ayuda a tu carrera. Tú ves el Goya a actriz revelación y siempre es un trampolín para que te den proyectos mejores. Aunque al final, como de verdad se consiguen buenos papeles es trabajando duro”.
La Meca del cine: “Cuando tenía catorce años sí que pensaba que triunfar significaba llegar a Hollywood, pero porque era otro momento. A día de hoy mi meta es trabajar, que me salga algo que me interese. Quiero algo que me llene como actriz, en el que pueda hacer un personaje rollo Joaquin Phoenix o Daniel Day-Lewis. Me da igual si es en Hollywood o en Bollywood, lo importante es tener un papel que puedas gozar”.
Probando, probando: “Disfruto mucho haciendo de todo. Mucha gente me dice: ‘es que te tiras a la piscina y luego te mueres de miedo’, porque a mí me dicen que haga teatro y en seguida digo que sí. Luego estoy a diez minutos de estrenar y me doy cuenta de dónde me he metido. Pero hay que enfrentarse a todo”.
La industria y las mujeres: “No es por sentirme Emma Watson, pero le pediría a la industria que haya personajes que favorezcan a la mujer, no como ‘la esposa de’ o ‘la chica guapa de’. Además hay un problema serio con los cánones de belleza, quizás mas dentro de la televisión que del cine, donde importa más cómo sea tu físico y lo guapa que salgas que lo que puedas dar como actriz. A mí a veces me apetece salir en pantalla sin rimmel y con ojeras. Echo de menos una película en la que la protagonista tenga un papel con un recorrido que no estamos acostumbrados a ver, que salga fea, con el pelo sucio. Por no hablar de cuando nos hacemos mayores. Una de las cosas que me desesperan y me dan miedo con mis veintitrés años es darme cuenta de que a lo mejor cuando tenga cuarenta se van a olvidar de mí. Porque siempre dicen esa cosa de que los hombres envejecen bien y las mujeres no. Disculpa, ¿has visto a Cate Blanchet? Es ridículo. Espero que la cosa cambie y que lo hagamos las mujeres al lado de los hombres, porque si no lo cambian ellos no se va a poder hacer nada. Tiene que ser un cambio de mentalidad de todo el mundo”.
El futuro: “Yo me moriré actuando. Eso o de astronauta”.
Tras la cámara: “Soy una persona bastante mediocre, no voy a mentir. Soy de quedar con mis amigos en el bar a tomarme unas cervezas, irme de conciertos. Toco el violín y veo muchísimas series, a veces no tengo vida social. Muy normal, de chupa de cuero, vaqueros y Vans”.
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para conseguir un efecto ahumado
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Mamá, quiero ser artista: “Con cuatro años ya estaba haciendo escenarios en el salón. Me ponía a cantar, actuaba. No recuerdo el día en que yo decidiese ser artista porque siempre he estado haciendo eso, no recuerdo otra cosa. De hecho el escenario, actuar en la rama que sea, es mi identidad. Desde siempre, desde niña”.
Cumpliendo un sueño: “Lo sentí varias veces y luego me llevé la bofetada. Bastantes veces, por suerte, he tenido trabajos muy bien considerados a nivel de público, incluso a nivel de sueldo, con compañeros muy reconocidos. En ese momento piensas: ‘ya está, lo logré’. Y no es verdad. Hoy puedes estar haciendo un trabajo genial y de repente no tener nada en un año. He aprendido que no me hace bien engancharme a la seguridad, prefiero ir a la aventura. Ahora que estoy bien voy a aprovechar y disfrutarlo al máximo, porque a saber qué es lo que viene”.
Artista multidisciplinar: “Me gusta mucho la multidisciplina porque creo que cada faceta nutre las demás. Actuar nutre a mi cantante, mi cantante a mi actriz. Incluso escribir nutre a mi actriz porque entiendo más un texto. Al final para mí todo forma parte de lo mismo, ni siquiera cuando hago las diferentes cosas por separado siento que esté cambiando lo que hago siempre”.
Musa del cine indie: “En su momento me sentó muy bien el apelativo, pero ahora ya no tanto. Coincidió que en dos o tres años hice cinco películas low cost que tuvieron mucha repercusión y en los medios les dio por llamarme así. Hay que tener cuidado porque parece que sólo hago ese tipo de cine y no es verdad, también me gusta el de gran presupuesto”.
Producciones low cost: “Lo que surgió hace unos años de poder hacer películas a cero euros ya no está funcionando. Ahora es el todo vale, cualquier cosa es una película. Cuando apareció este tipo de cine era un momento muy jodido, pero ahora la gente se aprovecha: si no puedo pagar, no pago. En muchos casos se está utilizando mal y hay que estar muy despierto”.
 Últimos proyectos: “Hago de Jane en el musical de Tarzán. Mi personaje es supercómico, así que me lo paso genial. Me exige muchísima energía, no solo porque estoy prácticamente todo el rato en escena, sino porque el personaje es fuego puro y duro. He hecho más musicales y este es el que más me divierte sin duda”.
La industria y las mujeres: “Hace poco han salido unas estadísticas, no sé si del año 2014 o 2015, donde se demuestra que sólo el once por ciento de los papeles habían sido femeninos. Me parece alucinante. Además en la actuación somos más actrices que actores, así que tenemos una lucha que hacer ahí. De hecho creo que se está haciendo, pero por mucho que yo me queje o hable de que esto no puede ser así, no puedo hacer nada si la mayoría de los personajes son masculinos. Yo de momento en los trabajos que hago cobro igual que los hombres, pero se conocen muchos casos de sueldos inferiores en mujeres, algo que no puedo entender. Por suerte sí que veo a la mujer intentando hacer más fuerza que hace años, hay más conciencia, aunque aún queda mucho por hacer”.
El futuro: “V
oy a ser viejita y voy a seguir actuando. Estoy segura de que voy a tener mucho trabajo, porque las veces que me he enfadado y he pensado en abandonar no me ha salido bien la jugada, no he podido. Pero no tengo expectativas como tal. Ya he aceptado que la vida sabe más que yo y que tiene preparadas cosas mejores para mí que las que yo misma puedo desear, entonces confío y le dejo que me las traiga”.
Tras la cámara: “Tengo mucha energía y soy muy expresiva. Mi novio me define como explosiva, pero no en el sentido sexy de la palabra, sino porque siempre estoy haciendo algo. Además me flipan la alimentación y la salud, soy una friki del tema. Me gusta divertirme, ir a bailar todos los días. En definitiva, soy una chica normal, muy curranta y llena de inquietudes. Una chica feliz”.
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y riza las pestañas consiguiendo un look marcado
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Mamá, quiero ser artista: “Lo mío es vocacional, con seis años ya lo tenía claro. Recuerdo que en mi primer casting le dije a mi madre: ‘mamá, esto me encanta’. No me importaba pasarme horas rodando un anuncio. Siempre he estado muy ligada a la interpretación y a la danza, que para mí tienen muchísima similitud. Empecé bailando y lo hice durante muchos años, y al final bailar es actuar y contar historias”.
Cumpliendo un sueño: “No me considero actriz profesional. Aunque suene a tópico, sigo aprendiendo con cada trabajo. Pero sí recuerdo cuándo tuve claro que quería dedicarme a esto por completo, y fue con once años, haciendo una TV movie con Ana Duato e Imanol Arias. Estábamos grabando y me dije: ‘quiero ser Ana Duato, hacer esto el resto de mi vida’. Ahí se terminó de formar la idea”.
Bailando: “Siempre digo que fui, soy y seré bailarina toda mi vida, aunque ya no me dedique a ello. Forma parte de mi vida. Bailando puedes expresar mucho más que actuando porque puedes introducir el cuerpo, y en la interpretación estás más limitado, únicamente es vocal o emocional”.
‘Yo soy Bea’: “Para mí la serie siempre será mi pareja y mi hija. Además fue la oportunidad de dar el salto a una cadena nacional y darme a conocer. También un reto, porque apenas tenía dieciocho años y era un personaje protagonista. El ritmo de la serie era bestial, no tenía vida. Rodábamos treinta o cuarenta páginas al día. Me aprendía un capítulo diario, no sé cómo estudiaba. Cuando salí me sentí muy preparada”.
De repente, ser popular: “En aquel momento el boom de ‘Yo soy Bea’ era bestial, lo veía todo el mundo. Yo no era consciente de nada porque no salía a la calle: de mi casa al plató y del plató a mi casa. Entonces recuerdo el día que fui a un centro comercial a las afueras de Madrid y noté que me miraba todo el mundo. Se hizo una piña de gente y pensé: ‘¡ay madre!’. Además recuerdo que salieron unas fotos en una revista del corazón porque había paparazzi fuera. A día de hoy soy consciente de que forma parte de nuestra profesión. Nos debemos al público, a la gente que nos sigue y lo llevo muy bien”.
Últimos proyectos: “Ahora se estrena ‘La noche que mi madre mató a mi padre’. Fue todo un reto porque nunca había hecho comedia tan dura y extrema. Cuando te dicen que vas a compartir reparto con Eduard Fernández, Belén Rueda, Maria Pujalte y Fele Martínez, actores que dominan tanto esa rama, asusta un poco. Pero ha sido maravilloso, porque todo reto para mí es una experiencia. Además de que ha sido un intensivo, he aprendido muchísimo”.
La maternidad: “Siempre he querido ser madre joven, y si no lo he hecho antes ha sido porque laboralmente no he podido. Aparte he tenido la suerte de tener una pareja y una relación estable, que creo que es lo más importante. Sí me he podido plantear qué iba a pasar con mi carrera, pero cuando de verdad lo deseas no te puedes preocupar por eso. Además yo he sido afortunada, porque cuando empecé a hacer la película no sabía que estaba embarazada, y al enterarme pensé que me iba a quedar sin papel. Pero Inés París, la directora, es madre y entendió que estar embarazada no es estar enferma y que puedes trabajar”.
La industria y las mujeres: “Es verdad que hay más papeles de chicos que de chicas, pero yo no me he sentido nunca en una posición inferior. Al final la que consume televisión es la adolescente, y le gusta el chico más que la chica. A no ser que te conviertas en un fenómeno fan, que entonces sí que te siguen por cómo te vistes o por tu forma de ser. Pero no, no creo que haya tanta diferencia como en otros sectores”.
Tras las cámaras: “Soy una chica natural, espontánea, divertida, valiente y luchadora. Me gusta decir las cosas a la cara, soy sincera. Y soy muy de mis amigos, de rodearme de gente saludable y positiva. Y que sonría mucho, que es muy importante sonreír”.
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Mamá, quiero ser artista: “Creo que secretamente siempre supe que quería dedicarme a esto, lo que pasa es que soy muy cagona. Nunca les dije a mis padres que quería ser actriz. Mucha gente piensa que los actores son gente famosa que va a fiestas y que luego sale en la televisión, y no quería que mis padres pensaran que yo quería ser ese tipo de actriz, así que jamás les reconocí que quería dedicarme a esto profesionalmente. Lo que pasa es que me fascina y no puedo evitarlo”.
Cumpliendo un sueño: “A mí me cuesta mucho trabajo decir que soy actriz. Cuando la gente me pregunta que a qué me dedico digo que trabajo en la industria audiovisual, para que parezca algo más aburrido. Respeto mucho este trabajo y todavía me siento muy intrusa, no merezco estar aquí. O sea, lo merezco, porque me lo he currado mucho, pero sé que estoy donde estoy por un golpe de suerte, porque me dieron el personaje en ‘Hermosa Juventud’. Y eso es suerte, aunque luego lo defendí guay. Pero que yo esté aquí no es cien por cien una decisión mía, sino que la vida me ha ido colocando”.
La nominación al Goya: “Creo que me sirvió de cara al público, porque la gente comenzó a saber quién era. Pero laboralmente no tego ni idea, la verdad. Para lo único que me ha valido la nominación es para que mi padre esté tranquilo y piense que su hija es buena actriz y no una farandulera. Eso es realmente para lo que me ha servido. Y para conocer a gente muy guay en la época del premio”.
La salud del cine: “Como llevo poco no sé como era antes, pero todo el mundo te habla de que era mejor, se ganaba más, esas cosas. Tengo la sensación de que por mucho que las películas tengan grandes presupuestos se está luchando mucho por sacarlas adelante. Luchando y trabajando en unas condiciones que son bastante duras, de muchas horas y de estar a un nivel de curro que antes en vez de hacerlo en un mes lo hacías en tres. Entonces sí que noto que la gente que estamos somos gente que realmente nos gusta esto y nos apasiona. Además parece que por fin estamos volviendo a encontrar nuestra seña de identidad, que el cine español está tomando un cuerpo y un peso mucho más importante que antes. Creo que se hacen cosas mucho más interesantes que hace unos años, y el público también lo está viendo”.
Últimos proyectos: “El 2015 fue un año de locos, grabé ‘Toro’, ‘Acantilado’ y ‘Gernika’. Una detrás de la otra. Me preocupa que no esté bien el trabajo, porque casi no tuve tiempo para preparlo. En algunas películas entré muy rápido y fui currando al día, y yo nunca había trabajado de esa manera. Entonces he ido cambiando de personajes, de idioma y de registro de una manera poco controlada. Tengo muchas ganas de ver cómo se toma la gente el resultado”.
La industria y las mujeres: “En mi corta experiencia he visto algo objetivo, y es que hay muchos menos personajes de chicas que de chicos. También creo que el cine es un reflejo de la sociedad y que está cambiando muchísimo, pero va despacio. Reconozco que sé que hay películas donde he ganado menos que compañeros cuando los dos teníamos carreras parecidas, pero no te atreves a pedirlo o te enteras después. Pero soy muy positiva con respecto a que de pronto se está hablando del tema y la gente se está preocupando por hacer otro tipo de cine. Tenemos que luchar y estar ahí. Ahora se habla de que hay muy pocas mujeres directoras en Cannes. Pues hay que buscar el germen de eso, promover, enseñarle a las niñas que vienen que pueden ser directoras de cine”.
Tras las cámaras: “Tengo una vida aburridísima, no hago ni deporte. Paseo a mi perro, veo series y voy al teatro o al cine. Ahora he descubierto la jardinería y estoy comprando plantas como loca y transplantándolas de un lado a otro, aunque se me mueren la mitad. Y ya está, eso. Una persona así como normal, supongo”.
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Texto: Lilu Díaz de Quijano
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¿Cuáles son las propuestas de maquillaje de M·A·C para esta primavera verano?
Las propuestas de maquillaje de primavera-verano suelen prestar especial atención al bronceado pero esta temporada el núcleo es la calidad de la piel. Es fundamental tratar y preparar muy bien la piel antes de aplicar el maquillaje para conseguir este efecto no-makeup contemporáneo. Por lo tanto destacan las hidratantes y los preparadores para que la piel se vea jugosa, sana y libre de producto, aunque lo haya. Además dentro de este concepto del “nada” donde prevalece la piel, cabe destacar el protagonismo que ha alcanzado la iluminación de la misma, lo que conocemos como “strobing”. El “strobing” proviene de un producto de M·A·C, Strobe Cream, una hidratante que cuenta con unos pigmentos perlados muy molidos que al aplicarla sobre la piel crea una pátina muy transparente, reflejando la luz desde el interior. La luminosidad es fundamental para conseguir este efecto de piel real, jugosa y saludable.

Por otro lado, M·A·C no renuncia al color en los ojos, optando por bloques de color en tonos primarios, con una técnica de aplicación muy naif y trazos infantiles. La estrella indiscutible de esta temporada son las pestañas que se presentan en grupitos, un poco apelmazadas recreando un efecto que recuerda a una muñeca con un punto grunge. En los labios siguen arrasando las tonalidades más rojizas y anaranjadas. El maquillaje en las últimas temporadas se ha ido abriendo mucho más, ofreciendo una visión mucho más divertida, más enérgica, menos seria que nos permite experimentar y  probar con todo tipo de colores.

¿Cuáles son los mejores productos para conseguir el efecto piel sana y luminosa?
En primer lugar las herramientas para aplicar el maquillaje son fundamentales, por lo que las brochas cobran más protagonismo que nunca. Para conseguir este efecto de piel sana, jugosa y natural recomiendo una base de maquillaje hidratante y ligera como Studio Waterweight SPF30 o Face & Body Foundation de M·A·C si buscas menos cobertura. Para potenciar la luminosidad del rostro lo mejor es optar por productos como Strobe Cream que hidrata y elimina el tono apagado de la piel.

¿Y para dar color qué nos recomendarías?
Respecto al color en los ojos hay dos opciones dependiendo del efecto deseado. Se puede optar por sombras y lápices de ojos en tonos azules, verdes e incluso amarillos o contar con producto de la línea Pro, ya que mezclando diferentes pigmentos se pueden conseguir texturas mucho más opacas, trazos más intensos y una mayor definición. Un producto que no puede faltar esta temporada por su feminidad es la máscara de pestañas. La clave está en aplicar una gran cantidad de la misma para conseguir un efecto de muñeca “rota”. En los labios se puede optar por diferentes texturas o acabados pero no pueden faltar un tono rojo clásico, un tono rojo más apagado, un rojo fresa y un rojo anaranjado.

¿Qué destacarías de M·A·C Cosmetics que no tengan otras marcas?
M·A·C es una firma especial. Más allá de sus productos, M·A·C es una cultura que evoca la provocación y mantiene un estilo y actitud muy personales. El respeto al derecho de auto-expresión de todo el mundo se pone de manifiesto a través de su lema: “Todas las razas, todos los sexos, todas las edades”, lo que se traduce en una amplia y variada gama de productos para todo el mundo. Además, siempre en contacto con el mundo de la moda, belleza y cultura, M·A·C está presente en los backstages de las pasarelas de moda más importantes del mundo (Nueva York, París, Milán, Londres…) creando los maquillajes de cada temporada de la mano de los diseñadores más prestigiosos. Tras los desfiles internacionales y nacionales se hace un análisis y recopilación de todos los looks que hemos realizado, creando así las tendencias de maquillaje de cada temporada. Porque en realidad M·A·C fue creada en sus orígenes para satisfacer las necesidades de los maquilladores profesionales, por ello cuenta con una línea PRO dirigida a los profesionales de la industria. El éxito de M·A·C se debe tanto al talento artístico y profesionalidad de sus maquilladores como a las fórmulas innovadoras, colores y texturas únicas de sus productos.

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ESTILISTA
JAVIER DE JUANAS

ASISTENTE ESTILISMO
CARMEN BENA
MODELO
ALICIA BORRÁS
@ Uno Models
FOTÓGRAFO
JOSÉ MORRAJA

MAQUILLAJE & PELOS
LOLITA con productos
GRAFTOBIAN y SCHWARZKOPF
¿Qué fue lo que le motivó a volver a las pasarelas y a los platós? Me motivó volver a las pasarelas la palabra Reivindicación. Porque mientras el cuerpo y la mente continúen funcionando bien, ¿por que tendría que limitarme a no hacer cosas que yo me sentía capaz de realizar? Por este motivo acepté desfilar en el Fashion Week de Madrid, para demostrar que con 69 años podía desfilar de la misma forma que cuando tenia 18. No pensé nunca que iba a volver a desfilar o a entrar en un estudio fotográfico, pero en esta vida no puedes decir “¡nunca!”, porque no sabes lo que el destino te puede deparar.
¿Qué le dice su familia sobre esta vuelta a la moda? Mi marido ha sido, y es, la persona que más me ha apoyado en todo. Fue él quien me empujó a hacerlo diciendo que lo tomara como un reconocimiento a toda mi carrera.
En algunos sitios he leído que se casó con un alto ejecutivo y en otros con un cantante de origen aristocrático… Al casarme y dejar todo atrás, incluso mi país, se especuló mucho… que si me había casado con un Italiano, porque nos fuimos a residir en Italia… que si era un noble alemán, porque mi marido es Alemán… y que si era un cantante de opera. Nada de todo eso era verdad. Mi marido en esa época era un alto ejecutivo de una compañía multinacional, y ese fue el motivo por el cual nos trasladamos a otro país.
En mi época, la llamada “sociedad española” nos miraba con interés y curiosidad porque formábamos parte de una elite que no sabían ubicar. Éramos conocidas, famosas y participábamos en muchos de los eventos de la época sin llegar a formar parte de esa llamada “sociedad española”, porque en realidad éramos trabajadoras.
¿Cuáles son sus mejores recuerdos de su primera etapa como modelo? Recuerdos tengo muchos y muy interesantes. Con Pertegaz estuve en la Feria Mundial de New York en 1963. En 1965 estuve desfilando con Carmen Mir en la Embajada Española de San Diego. En 1966 con Pedro Rodríguez en Filipinas, Hong Kong, etc… Quizás ahora todos estos viajes no tienen demasiada importancia, pero yo estoy hablando de algo que sucedió hace más de 50 años, cuando España no era como ahora y no digamos Asia, era fantástico y real. Todo esto ha cambiado mucho hoy en día.
Total Look VERSACE + Joyas MARQUISE
Alicia Borrás
¿Y cuáles son las mejores vivencias de la nueva etapa? Vivencias tengo un montón, porque estoy haciendo lo mismo que hacia 45 años atrás, con la salvedad de que todo el personal, maquilladores, peluqueros, estilistas…, todos podrían ser mis nietos. Pero este  hecho no me incomoda para nada y creo que a ellos tampoco. Quizás la vivencia que más me impresionó fue el desfile de la Fashion Week de Madrid. El gran montaje que había detrás de cada desfile era increíble: música, pantallas, luces, focos… Esto sí que ha cambiado muchísimo, antes no había nada de todo esto cuando nosotras desfilábamos.
¿Cómo empezó su carrera? Mi padre era sastre y tenía el taller en la misma casa donde vivíamos, o sea que crecí entre telas y agujas. Un día en Menorca, era el año 1962, se organizó un desfile de moda donde participaban todos los sastres y modistas de la isla, y mi padre confeccionó para mí dos vestidos con los que desfilaría. Y me gustó, así que a partir de ese momento mi deseo fue ser Maniquí. Tiempo después, mi padre leyó en La Vanguardia (que en aquel tiempo llegaba a las islas con dos o tres días de retraso) un anuncio de Pertegaz donde solicitaba maniquíes para trabajar en su atelier. Le envío dos fotografías mías y al poco tiempo recibió contestación dándole día y hora para tener una cita conmigo en Barcelona. Y ahí empezó todo. Era el año 1963, mi padre me acompañó a Barcelona, fue el artífice de todo.
¿Qué nos puede contar de Pertegaz? Él creaba las prendas encima de cada maniquí, dependiendo de lo que tuviera en mente llamaba a una u otra para desarrollar su idea. A veces estábamos muchas horas de pie hasta que conseguía crear lo que quería. Podía ser encantador y a veces nos imitaba la forma de desfilar. Pero era mejor esconderse el día que no le salían bien las cosas porque tenía mucho carácter y era muy exigente con él mismo y con los demás. Fue un gran creador, su vida fue su trabajo, el empeño en superar siempre cada prenda que creaba y nunca, o casi nunca,a se rendía sin conseguirlo. Para mí Pertegaz fue la mejor escuela que tuve en el mundo de la moda.
También fue modelo publicitario y de prêt-à-porter. Los tiempos estaban cambiando y y la mayoría de las maniquíes, incluida yo, dejábamos el trabajo fijo en las casas de Alta Costura para trabajar por libre porque los salarios que nos daban eran realmente muy bajos. Por ejemplo, hacer un spot publicitario equivalía al trabajo de todo un mes en cualquier casa de moda.
¿Qué faceta de modelo le gustaba más? Yo siempre decía que lo mío era desfilar, en mi época desfilar significaba “lucir la prenda”. Es decir, enseñarla, moverla. Si llevas chaqueta quitártela, si lleva bolsillos poner las manos en ellos. Ahora se desfila de otra forma, más estática. A veces parece como un desfile militar, sin gestos sin vueltas. ¡No sé! Es diferente, es mi sincera opinión. Ahora, con toda la tecnología que hay, también me gusta posar para fotos de moda. En mis tiempos, las sesiones de fotos se hacían sin maquillador, sin peluquería, sin estilistas, sin ayudantes… La verdad es que cada una tenía que sacar lo mejor de sí misma. Ahora, por lo que yo he hecho, hay más profesionalidad, más organización, saben y tienen claro lo que quieren hacer y cómo tiene que quedar. Quizás ahora sea más difícil para las modelos alcanzar la fama que en mi época, porque hay muchas mas chicas que quieren dedicarse a ello y  el camino no es fácil, es largo y muy duro, y solo lo consiguen unas pocas.
Vestido BURBERRY Prorsum
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Alicia Borrás
Fue Miss España en 1965.
Ahora los cuerpos de las modelos y las misses son muy diferentes, ¿cómo eran entonces?
Cuando me presente para Miss Barcelona y luego para Miss España yo ya era Maniquí de Pertegaz, y siendo delgadas no llegamos a la delgadez de ahora, Creo que en mi época la talla 34 en personas adultas no se fabricaba, y la 36 creo que tampoco. Hay que tener en cuenta que el ser humano en los últimos 50 años ha cambiado mucho. Por ejemplo, desfilé durante 10 años con zapatos mas pequeños que mi pies, porque el número más grande que se fabricaba para las mujeres era el 38.
Y el mundo de la moda, ¿ha cambiado mucho? Ha cambiado bastante. Cuando empezó el Prêt-à-Porter se hacían dos colecciones al año, lo mismo que cualquier otra casa de confección. Desde hace algunos años tenemos la llamada colección “Crucero” y continuamente salen avances de temporada. Y cuando hablan de tendencias, no entiendo de qué tendencias hablan, porque si compras una revista de moda, cualquiera, sale una página de ropa a rayas, otra de flores, otra de los colores amarillos, otra de ropa corta, otra de faldas anchas, otra de faldas estrechas. ¿Cuál es la tendencia de la que hablan? Crean confusión a las personas que compran ropa. El abanico de opciones es muy grande. ¿Rayas? ¿Flores? ¿Los dos juntos? También ha cambiado mucho la calidad de las telas y la confección. En Milán, donde viví 9 años desde 1973 a 1982, era impensable que los milaneses comprasen ropa fabricada con tejidos sintéticos, todo era fabricado con tejidos nobles, también en España se usaban muy buenos tejidos en esa época. Todo eso ha cambiado. La confección ha empeorado y las telas también. Son otros tiempos. Quizás ahora el publico no busca tanto la calidad como la comodidad y la oportunidad de poder comprar más barato y más a menudo.
¿Hay algún diseñador o marca que esté aportando algo nuevo a la moda? La mayoría de los diseñadores intentan aportar algo nuevo. Pero luego entras en las tiendas y te das cuenta que siempre es más de lo mismo. Por ejemplo, sueters en todos los colores que quieras, pero desde hace 3 temporadas todos oversize… porque así te los puedes poner tengas una 36 o una 40. Todos recurren a la fabricación fácil. Moda años 60-70, líneas rectas, no mangas, no pinzas, no bolsillos, no forros… Blusas anchas, rectas y con algún detalle. ¿Dónde hay un modisto que quiera crear algo que no hagan los demás?
TEXTO
MONGÓMERI
No conocíamos tu faceta de ilustrador.
Sinceramente yo tampoco la conocía. No me considero un ilustrador a tiempo completo. Suelo dibujar en mi tiempo libre, y cuando me propusisteis este proyecto pensé que podía ser curioso usar uno de mis dibujos en una prenda de Pepe Jeans.

El dibujo es el rostro de un chico con gafas y una antena. El texto dice “Read My Mind”, ¿qué quieres transmitir con este mensaje a la gente cuando te vea por la calle?
Que a veces sería todo más fácil si los demás nos entendieran sin tener que hablar, seríamos todos más sinceros y directos. Comunicar simplemente con una imagen, o con una mirada, es más interesante y divertido.

¿Desde cuándo dibujas?
Desde hace un año aproximadamente. Es algo que hago en los pocos momentos que tengo libres o cuando viajo, que los vuelos largos pueden ser muy aburridos. Al comienzo solo lo hacía de forma personal en mi sketchbook, pero luego empecé a compartirlos en Instagram, Tumblr y demás redes sociales y vi que a la gente le gustaban. Eso me animó a seguir.

¿Cómo definirías tu estilo?
El estilo de Lonely Boy, el pseudónimo que uso, es irónico infantil. Es un humor que me ayuda a ver las cosas que me pasan, o que les pasan a mis amigos, bajo una luz más positiva, aunque sean malas o cínicas.

¿Siempre añades mensajes?
Sí, a veces pongo un mensaje que tiene la función de subtítulo irónico. Lo hago todo a mano y la tipografía es mi propia caligrafía.

¿Y sobre qué prenda de Pepe Jeans lo has aplicado?
He elegido la cazadora vaquera Legend porque tiene un corte muy bonito y es muy cómoda de llevar. Además, el espacio de la espalda es justo lo que necesitaba para imprimir el dibujo. He usado ese espacio como si fuera una página blanca donde poder dibujar.

¿Y cuáles son los recursos de Custom Studio que has utilizado para personalizar la cazadora de Pepe Jeans?
Comencé imprimiendo el dibujo y la inscripción Read My Mind, luego añadí el nombre de Major Tom bajo el cuello como homenaje a David Bowie, por todo lo bueno que nos ha dejado tanto en música como en estilo visual. Terminé con otro dibujo bajo el puño derecho y mi apellido bajo el puño izquierdo. Casi todos los textos están escondidos. Me gusta la idea de que puedan aparecer y desaparecer tan solo subiendo el cuello o dándole la vuelta al puño de la manga.
@vincenturbani con su cazadora Legend personalizada
en el espacio Custom Studio de Pepe Jeans

De todas las posibilidades que ofrece Custom Studio de Pepe Jeans, ¿cuál te ha impresionado más?
La impresión láser, sin duda. Ha sido muy guay ver como la ilustración iba tomando forma encima de la tela. También todo el proceso de preparación digital del dibujo y de los textos ha sido muy interesante. Pensar en los tamaños, los espacios y ver cómo la cazadora se transformaba poco a poco.

¿Qué tal con Mariano, el encargado del Custom Studio?
Mariano ha sido muy majo, ha estado muy dispuesto a todo.
Sin él no hubiera sido posible llegar al resultado final. Ha tenido mucha paciencia, espero que el resultado le haya gustado tanto como a mí.

¿Cómo fue todo el proceso?
En mi caso llevé los dibujos en digital, y una vez impresos, los coloreé a mano. Mariano me ayudó a poner las tachuelas amarillas y a desgastar las letras con una lijadora eléctrica.

¿Habías customizado antes alguna prenda?
Había hecho ilustraciones a mano en camisetas, pero esta ha sido mi primera impresión en denim. Después de esta experiencia voy a usar la tela como base para dibujar.

¿Ya estrenaste la cazadora?
Sí, a los 2 días de salir de la tienda de Pepe Jeans. Está gustando mucho, y ya varias personas me han preguntado donde la pueden encontrar. Ahora todos mis amigos quieren que les haga un dibujo, aunque no sé de dónde voy a sacar tanto tiempo libre.

Visto tu arte, ¿vas a potenciar tu faceta de ilustrador?
La fotografía sigue siendo mi principal pasión. Es mi trabajo. La ilustración de momento es una actividad para el tiempo libre, pero no descarto proyectos interesantes que me están proponiendo últimamente. Nunca se sabe.

¿Cuáles son tus próximos proyectos?

En las próximas semanas seguiré con unos shootings en España, Italia e Inglaterra. Principalmente moda, retratos de gente de cine y performers teatrales. Me gusta mucho fotografiar a artistas e intérpretes. Retratarles y crear un personaje con ellos me enriquece y es un honor para mí. Hasta ahora he aprendido mucho de las personas a las que he fotografiado y quiero seguir haciéndolo.

Espacios Custom Studio

Tiendas Pepe Jeans en:
Calle Fuencarral, 23 (Madrid)
Calle Claudio Coello, 50 (Madrid)
Calle Provenza, 249 (Barcelona)
CC. La Maquinista (Barcelona)
Calle Jorge Juan, 11 (Valencia)


www.pepejeans.com
Modelos @ Uno Models:
TOM MASSELINK
+ YASMINA PAIMAN

Texto
MONGÓMERI
Maquillaje & Peluquería
LOLITA con productos
Graftobian y Schwarzkopf

Postproducción Digital
LA RETOCADORA
Fotógrafo
JOSÉ MORRAJA

Estilismo
JAVIER DE JUANAS
Periodistas de todo el mundo se dieron cita en Nueva York. Converse quería presentarnos algo: la Chuck Taylor All Star II Reflective, una gran paradoja contemporánea. La zapatilla de camuflaje reflectante.
La función original del camuflaje era, desde hace millones de años, hacernos pasar desapercibidos. Un don que la naturaleza se regaló a sí misma y que nosotros terminamos copiando sin reparo. Sin embargo, este modelo es reflectante. Rebota la luz en la oscuridad haciéndote más visible durante la noche. No pretende camuflarte, todo lo contrario. Esto me hace pensar.
El ambiente críptico de la presentación estimula mi imaginación. Estamos en el misterioso Hotel The McKittrick. Los periodistas llevamos máscaras al estilo de “Eyes Wide Shut” y ante nuestros ojos se representa Sleep No More, una adaptación de Macbeth. A la mañana siguiente, veo camuflaje en todas partes. En Nueva York se ve más que aquí. No solo en ropa, también en vasijas, mantelerías, carrocerías… Es mucho más que una moda. Es una señal. Pero, ¿de qué?
El camuflaje lo copiamos del reino animal y lo adaptamos a nuestras necesidades en cada momento, primero para cazar y luego para ir debidamente disfrazados durante las hazañas bélicas. En los 70, muchos ex-combatientes, no muy integrados, lucían parte de sus uniformes como seña de identidad. Tipos duros con problemas. Poco a poco, gracias al económico mercado de segunda mano, el camuflaje se extiende entre estudiantes pacifistas. Hoy, cuando pensamos que ha perdido todo su poder reivindicativo, el Camo está más presente que nunca en nuestras vidas. Converse incluso amplia su apuesta con el Camo Pack especial primavera verano 2016. 3 nuevas versiones en camuflaje de sus clásicas siluetas: la Chuck Taylor All Star II Reflective, la Jack Purcell Signature y la One Star Pro. Las 3 con tecnología Lunarlon de Nike para dar mucha más guerra. Y esto no es casualidad. Alguien o algo quiere decirnos algo a través de Converse. ¿Para qué sirve el camuflaje en medio de una ciudad? ¿Queremos camuflarnos? En realidad, todo lo contrario. Son señales. Llamadas de atención. Un deseo global de integración, con la naturaleza, con todo. Un homenaje a la vida. Nuestro ecosistema seguramente no existiría sin el camuflaje. Y por eso, nos ponemos a tus pies, Camo.
Camiseta Tirantes CONVERSE + Jersey Red SANDRO
+ Zapatilla CONVERSE CHUCK TAYLOR ALL STAR II
REFLECTIVE con tecnología Nike Lunarlon y lengüeta
acolchada antideslizante

Traje DIRK BIKKEMBERGS + Camiseta RAF SIMONS x FRED PERRY
+ Zapatillas CONVERSE ONE STAR PRO con plantilla
acolchada Nike Lunarlon y suela de goma de tracción

Camisa JUST CAVALLI + Cazadora CONVERSE
+ Pantalón NINE IN THE MORNING + Zapatillas CONVERSE
CHUCK TAYLOR ALL STAR II REFLECTIVE con tecnología
Nike Lunarlon y lengüeta acolchada antideslizante
Sudadera NEIL BARRET para Yusty + Bermudas DSQUARED2
+ Zapatillas CONVERSE JACK PURCELL SIGNATURE
con plantilla OrthoLite y tecnología Nike Zoom Air

Pantalón ACNE Studio para Yusty + Zapatillas CONVERSE
CHUCK TAYLOR ALL STAR II REFLECTIVE con tecnología
Nike Lunarlon y lengüeta acolchada antideslizante

Tipografía gratuita del mes: PERFOGRAMA
Tipografía diseñada por ASEN PETROV www.asenpetrov.com
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Cualquier amante de las bicicletas conoce la empresa inglesa Brooks y sus míticos sillines y bolsas fabricados a mano. La firma fue fundada en 1866 por John Boultbee Brooks, quien empezó haciendo arneses para caballos y artículos de cuero en general. Este año, la firma cumple 150 años y para celebrarlo se ha aliado con Canyon, la marca alemana que es sinónimo de calidad y tecnología. Canyon no es todavía centenaria, como Brooks, pero va camino de convertirse en todo un clásico dentro del mundo de las bicicletas. Su modelo Commuter fue elegido como mejor bici urbana en Eurobike 2014. Una bicicleta innovadora y muy elegante que aúna funcionalidad, diseño y resistencia, con los cables escondidos en el cuadro, luces integradas y correa dentada. Pues bien, este modelo, con la colaboración de Brooks, se ha convertido en una de esas bicicletas que va más allá de modas, una bici que te puede acompañar de por vida, y que incorpora a la Commuter de Canyon esos detalles que la hacen convertirse en automático objeto de deseo, como la nueva montura Cambium C15 de Brooks, una estupenda bolsa, luces de dinamo o el cuadro acabado con finos detalles en bronce. Haciendo honor al aniversario de Brooks, solo existen 150 bicicletas como esta en todo el mundo, ya que es una edición limitada que puede conseguirse en exclusiva a través de la web de Canyon. 

www.canyon.com

Samples: “No decidí no usarlos en este disco, simplemente salió así. Samplear discos es, de todas formas, una mínima parte de mi proceso a la hora de hacer música. En algunos de mis discos previos con Warp sí que sampleé discos, pero en este álbum me he centrado más en componer canciones y en la instrumentación tradicional”. Nuevo trabajo: “No creo que haya tardado tanto en publicar nuevo disco, quizás solo un poco más que otras veces, y es que durante cinco meses mis vecinos decidieron renovar por completo su casa y fue una pesadilla. El ruido era insoportable y tuve que mudarme de casa. Entre unas cosas y otras pasaron 7 meses en los que no pude componer a gusto”. Colaboraciones: “Gotye contactó conmigo hace unos años para que le hiciera un remix. Me gustó su voz desde la primera vez que la oí. Cuando me puse a trabajar en la canción ‘The Way You Talk’ le envié un email preguntándole si le gustaría cantar en el tema y me dijo que sí. En el caso de Olivier, le escuché a través de Hudson Mohawke y me encantó su voz y su estilo, así que le pedí a HudMo su email y nos pusimos en contacto. Wax Stag es amigo mío, y además soy fan de su música”. Composición: “Muchas veces empiezo con un riff de guitarra y la melodía vocal viene después. La verdad es que puedo componer una demo en cualquier parte, muchas veces en mi casa. Uso el teléfono para grabar ideas, esto me ayuda mucho a recordar cosas porque es muy fácil que se me olviden. Normalmente la música viene primero, después las letras”. Naturaleza: “No es que me inspire musicalmente, pero sí me hace sentir pasión por el mundo y la existencia. Por otro lado, me siento bastante furioso y frustrado por el impacto que el ser humano está causando en el planeta”. Anuncios: “A mí me ha resultado útil que mi música apareciera en ciertos anuncios. Hay tanta música ahí fuera que es difícil llegar a mucha gente y esta es una buena forma de hacerlo. Aún así, he rechazado buenas ofertas porque no me gustaba la marca o la campaña”. Gira: “No tengo planes de momento. Me gusta más estar en el estudio. Si voy a España, seguramente será por vacaciones”.

“A Mineral Love” está editado por Warp Records y distribuido por Music As Usual
Poesía: “Emily Dickinson es la principal referencia literaria de este disco en el que hablamos de amor y desamor, como también lo hizo ella en sus poemas. Y sin querer ahondar demasiado en este aspecto, ya que además las letras del álbum son bastante cotidianas y prosaicas, decidimos dejarlo sencillamente como una influencia, pues en un momento incluso pensamos en poner de título del álbum una de sus frases. Nos sentimos identificados con ella en la espontaneidad y visceralidad a la hora de componer, nos fiamos de lo que nos sale de manera natural”. La Casita de Wendy: “Cuando empezamos a pensar en el vestuario que queríamos llevar para este disco, desde esta firma de moda a la que ya conocíamos y de la que nos encantan su diseños, nos propusieron una tela de flores que habían creado inspirados en el herbario de Emily Dickinson dentro de una colección sobre escritoras. Así que nos dimos cuenta de que todas las piezas encajaban perfectamente. Han captado nuestro espíritu, hay una coherencia total entre el sonido y la imagen en este álbum”. Equilibrio: “El contrapunto siempre nos ha gustado, cuando pecamos de exceso de algo intentamos ir al extremo contrario para rebajarlo y así lo hacemos a la hora de escribir, de componer, en la estética... Somos cuidadosos en  los arreglos de las canciones y prestamos bastante atención a todo ese proceso. Los temas ‘True Metal’ y ‘Turn Out The lights’ son dos de los que más trabajamos con el productor, experimentamos bastante con ellos y evolucionaron mucho en el estudio”. Detallismo eléctrico: “Hay detalles electrónicos pero están muy medidos, son muy orgánicos. Hemos querido que estén presentes en forma de pulso, de pequeños arpegios, de sintes, pero están muy dosificados, muy sutil todo. Lo que hemos querido sobre todo con Away ha sido recuperar una esencia más rockera con la batería y las guitarras. Aunque también hay temas como  ‘Only One Thing’, que atienden a la estructura clásica del pop de una forma muy sencilla”. Primavera 2006: “Es cierto, este año cumplimos diez años, pero no lo habíamos pensado, nos hemos dado cuenta cuando ha surgido el tema en las entrevistas. Away es una buena manera de celebrar la década, además en los conciertos vamos a hacer un pequeño repaso por todos nuestros discos”.  

“Away” está editado por Mushroom Pillow.
Cuando decimos pop-up nos referimos a estas tres propuestas tan apetecibles: una tienda de vinilos, una tienda de ropa de segunda mano o un bar con juegos recreativos. Esto es lo que propone Beefeater a través de su iniciativa Beefeater Live! con la que estará presente en todos estos festivales: SOS 4.8, Vida Festival, Bilbao BBK Live, Cruïlla Festival, No Sin Música, Low Festival y Sonorama. En cada festival recreará con exactitud uno de esos locales, el que tu elijas, porque si ya tienes tu entrada para alguno de ellos puedes ir votando por tu pop-up favorita. Si eliges la Beefeater Vintage Store, la tienda de ropa de segunda mano, podrás encontrar gangas recién llegadas del corazón de East London con las que completar tu look festivalero. Si prefieres la Beefeater Record Store disfrutarás como un enano buscando tesoros entre los vinilos procedentes de la famosa tienda Sister Ray, situada en el mítico barrio de Candem Town. Y si eres más de pasar a la acción es probable que el Beefeater Sports Club sea lo ideal para ti, el perfecto lugar de encuentro donde podrás jugar al ping-pong, billares, dardos y hasta al crocket. Todo ello, claro está, con un muy buen gin&tonic mediante, porque Beefeater London Dry Gin ha sido reconocida nada menos que tres veces como la mejor ginebra del mundo. No es la primera vez que Beefeater, la ginebra british por excelencia, nos acerca un poco de la esencia londinense a nuestras tierras, pero sí será la primera vez que podamos elegir qué trocito de Londres queremos disfrutar en nuestros festivales. Para votar, entra ya en la página de Beefeater, ve al apartado Beefeater London Live, elige tu festival y la propuesta que más te guste. Además, entre todos los participantes que se registren, Beefeater sorteará un viaje para 2 personas para acudir a Reading Festival, en Reino Unido. 

www.beefeater.es
PhotoEspaña regresa en su decimonovena edición con una propuesta muy ambiciosa, ya que el festival estará dedicado de forma monográfica a la fotografía europea, desde sus inicios hasta la actualidad, con la intención de analizar el concepto mismo de Europa. Multitud de espacios emblemáticos de Madrid como Centrocentro Cibeles, la Fundación Telefónica, el Museo Cerralbo, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, y muchos más, ofrecerán una amplia muestra de fotografía donde tendrán cabida el retrato, la fotografía documental, el reportaje e incluso la fotografía científica. Veremos fotos del Madrid de los años 50 y 60, un ensayo fotográfico sobre el migrante o imágenes de los hitos que transformaron Europa, como la caída del Muro de Berlín. La historia del viejo continente vista a través de la fotografía.

PhotoEspaña 2016: Del 1 de junio al 28 de agosto. www.phe.es
El signo de los tiempos es darle la vuelta a todo para crear algo nuevo. Con ese mismo espíritu surgió la nueva silueta de adidas Originals, la NMD. Su diseño representa esa inquietud nómada por la experimentación y la búsqueda de referencias creativas. Precisamente por eso recientemente se sumó a las vanguardias con NMD_Future House BCN, un proyecto interdisciplinar donde, desde Barcelona, se encadenaron distintas acciones donde música, arte y tecnología interactuaron con la nueva silueta de la NMD Runner, la NMD_R1. Son como una remezcla futurista con lo mejor de los archivos de adidas Originals y la innovadora tecnología de vanguardia de la marca de las 3 bandas. En ella encontramos reminiscencias de clásicas zapatillas como las Micro Pacer, las Rising Star o las Boston Super. Elementos que han sido remasterizados con la tecnología BOOST en la media suela, más duradera y resistente, con inserciones EVA que le dan un punto gráfico muy futurista, además de la tecnología Primeknit en la parte superior para obtener unos niveles de flexibilidad, estabilidad y resistencia propios del siglo 21. Son perfectas para moverse por toda la ciudad. Su combinación de formas, ángulos, materiales y colores, la convierten en uno de los nuevos símbolos gráficos de nuestra era, el futuro.

www.adidas.es

Hace solo unos meses nos llegaba la noticia de que el mítico Rock Palace madrileño, abierto desde 1996, que cuenta con bar, sala de conciertos y locales de ensayo, cambiaba de rumbo. Hubo quien se rasgó las vestiduras pensando que se avecinaba la hecatombe y que se perdería otro de los puntos clave para la música en la capital, pero la catástrofe no se ha producido, simplemente se inicia una nueva etapa como Rock Palace Music House, con un equipo nuevo, ampliando sus horarios y su programación, mejorando las instalaciones, ampliando los locales de ensayo, mejorando el sonido de la sala de conciertos… Un cambio que mantendrá vivas esas paredes que han visto pasar a gente como Los Enemigos, Los Toreros Muertos, Enrique Morente … y muchos más que pasaron y pasarán. ¡Larga vida al Rock Palace!

www.facebook.com/
RockPalaceMadrid

Hace ya tiempo que se ha quitado el sambenito de “hija de…”. Todos sabemos quienes son sus padres, pero Willow Smith ya tiene méritos propios para ser reconocida por sí misma: cantante, actriz, bailarina y empresaria, ahora convertida también en embajadora de la firma Stance, como podemos ver en estas fotos donde posa con la colección Stance Spring 16, titulada “Miss Dazey”. Una colección llena de diseños psicodélicos y surrealistas, donde las flores son protagonistas, y donde también encontramos diseños de inspiración más vintage, con divertidas formas geométricas. El diseño es lo que vemos, lo que primero nos llama la atención, pero si recurrimos al tacto notaremos que los calcetines Stance tienen una suavidad excepcional, ya que están hechos con algodón Supima, algo así como el rey de los algodones. Las fantásticas fotos de esta campaña son la primera colaboración de Willow con Stance, pero es una colaboración que no ha hecho más que empezar, porque la artista está ya desarrollando una colección propia para la marca que verá la luz a finales de año. “Los socks emiten energía a través de uno mismo, incluso aunque nadie los vea. Tienen un mensaje que se irradia a través de todo su ser… al menos para mí lo hacen. Me apetecía trabajar con Stance porque los valores de la compañía van conmigo, ambos tenemos una mente creativa y pensamos en el futuro”, comenta Willow Smith. Como embajadora, ha pasado a formar parte de la gran familia Stance, el grupo Punks and Poets, donde también se encuentran, entre otros, la cantante Rihanna, el surfista John John Florence, el skater Nyjah Huston, el jugador de baloncesto James Harden o una de las leyendas de la NBA, Allen Iverson, todos ya incondicionales de la marca. A ver si seguimos su ejemplo y les damos a los calcetines la importancia que se merecen, porque además de comodidad y calidad, un buen diseño puede hacer que tu look cambie totalmente. Eso lo sabe muy bien Stance, que está devolviendo a los calcetines el protagonismo que se merecen en nuestro vestuario.

www.stance.com

La firma danesa de tejidos Kvadrat acaba de lanzar su tercera colección junto al diseñador Raf Simons. La colección se presentó el pasado mes de mayo en la galería Thomas Schulte. La nueva entrega viene protagonizada por un mundo de coloridas rayas compuestas con motivos gráficos. Para esta ocasión Simons reconoce haberse inspirado en un clásico del diseño italiano, la silla Seggiovia que Franco Albini diseñó en 1940. La nueva colección se divide en tres grupos: Reflex, Pulsar y Fuse, términos que Simons ha cogido prestados de la electrónica musical. Kvadrat continua así con sus colaboraciones junto a grandes diseñadores, pero quizá la de Raf Simons sea una de las más intensas, ya que ha creado marca propia en esta unión.

www.kvadratrafsimons.com
Arte: “Desarrollo mi trabajo de manera simple. No significa que no me lo tome en serio, simplemente creo que menos es más y una forma o una línea puede expresar mucho. Si hay algo que quiero expresar con mi trabajo es que la vida es un misterio y hay magia, tristeza, esperanza y humor en todo, si lo buscas. Tomo notas en un cuaderno, me gusta la forma en que las palabras y las imágenes pueden trabajar juntas. Mis ideas vienen de la observación de la sociedad, de la música y a partir de combinaciones accidentales. Trabajo en diferentes proyectos, así que no tengo mucho tiempo para experimentar en el estudio. Es difícil a fin de mes, pero no puedo imaginar un tipo diferente de vida”. Inspiración: “Mi inspiración se basa en mi espacio interior y en interactuar con el ambiente. San Francisco, Oakland y Berkeley son bonitas y vibrantes ciudades. De ellas me inspira el olor del océano, la música y la gente. A pesar de que yo no vivo allí, la mayoría de mis amigos si, así que regreso con frecuencia para trabajar en proyectos”. Competencia: “Estoy seguro de que hay competencia, pero yo no quiero competir con nadie. Quiero que la gente pueda disfrutar de mi trabajo, y si no les gusta, puedan disfrutar de otro. El arte es demasiado importante para ser un concurso”. Redes Sociales: “Me he dado cuenta como las redes sociales son muy importantes para correr la voz y que la gente conozca tu trabajo. Es importante mantener la distancia entre la vida real y la pantalla”. Element Perspective: “Fue realmente bonito colaborar en esta plataforma artística que Element creó hace más de 20 años. Todo el mundo que estaba involucrado era honesto y profesional y realmente se aseguró de que estuviera contento con las cosas. Creo que realmente respetan mi trabajo y no trataron de obligarme a hacer algo diferente. Fue todo un reto y estoy muy contento con cómo salió todo”. Futuro: “Me gustaría hacer más de todo, hacer un trabajo más público, como murales y grandes instalaciones. Me gustaría tomar algunas de mis pequeñas ideas y hacerlas grandes, pero también continuar haciendo pequeñas publicaciones, revistas, camisetas. Quiero hacer siempre las cosas que me gustan”. Consejo: “Sigan su camino, sepan qué es lo que hacen. Hagan que el arte sea la cosa más importante. No paren nunca de hacer cosas. Lo más importante es encontrarse a sí mismo para poder compartirlo con el mundo”.

www.elementbrand.com
nathanielrussell.com

Vista de la instalación. Adolph von Menzel.
Friedrich der Grosse auf Reisen. Fragmento.
Foto: Delfino Sisto Legnani Studio.

Hans Hollein
“Austriennale (Amphitheatre)” Recreación.
Foto: Delfino Sisto Legnani Studio.

“L’imagen volée” es el último capítulo expositivo en el que Miucca Prada vuelve a demostrar su interés y apoyo hacia el arte actual. Presentada en la Fondazione Prada (Milán) y comisariada por el artista Thomas Demand, “L’imagen volée” explica cómo los artistas no piensan de manera individual. Por ello, cada uno de los procesos creativos que es posible detectar aquí, nos revelan un proceso infinito de apropiaciones, préstamos y hurtos de todo tipo. Esta imagen robada que el título evoca es desplegada a través de 90 obras de más de 60 artistas, en un arco temporal que arranca en 1820 y llega a nuestros días. El proyecto subraya las relaciones y afinidades que toda obra de arte construye y lo hace a través de tres zonas diferenciadas. Cada una de estas aproximaciones al tema huye de toda investigación enciclopédica, dando pie a un despliegue muy particular en el que abundan las experiencias y las observaciones del artista Thomas Demand, que en este caso actúa como comisario. Estas secciones presentan una palabra o frase clave a modo de organización temática, para agrupar pinturas, fotografías, objetos y películas en las cuales el objeto robado aparece en primer plano. Pero también acciones y narraciones que explican la lógica de la apropiación y de la falsificación dentro del proceso creativo. “L’imagen volée” repasa de una manera muy precisa las distintas variables del acto de robar imágenes, ideas e identidades en el mundo del arte. Y lo hace a su vez de una manera coral, incluyendo distintas colaboraciones de otros artistas en el armado conceptual y arquitectónico del proyecto. Manfred Pernice ha diseñado cada uno de los espacios de la exposición. Los carteles del proyecto, que estos días se pueden ver en Milán, pertenecen a John Baldessari y los cuentos que figuran en el libro que acompaña la exposición han sido escritos por Ian McEwan y Ali Smith.

Hasta el 28 agosto, Fondazione Prada, Milan.
www.fondazioneprada.org

Looking at Art (IX Crate), 2016.
Photo Natasha Goldenberg, 3D design Filip Setmanuk.
Courtesy Berlin Biennale für zeitgenössische
Kunst / for Contemporary Art.
El colectivo de artistas y faschionistas irónicos con base en Nueva York DIS, en el que participan Lauren Boyle, Solomon Chase, Marco Roso y David Toro, conforma el equipo curatorial de la próxima Bienal de Berlín. DIS ha hecho de su revista online DIS Magazine un epicentro de análisis de los consumos contemporáneos capitaneados por la moda, el arte y la música. Pero lo han hecho desde una vertiente atestada de sentido del humor e ironía, influenciando y distribuyendo su estética viral. Cada una de sus actividades, que van desde editoriales de moda, campañas fotográficas, intervenciones en galerías hasta coloquios sobre estilos de vida, explora el poder de cambio y regeneración de la cultura popular. Sus proyectos son participativos, públicos y se extienden a través de Internet. La Bienal de Berlín, desde su primera edición en 1998, es uno de los eventos de arte contemporáneo que más se han interesado por seguir los impulsos del presente. De allí la expectación que genera la próxima edición dirigida por DIS. Y tanto es así que al cierre de esta edición no hay ni listados de artistas, ni temas del todo definidos por parte de sus organizadores. Solo unas líneas a modo de declaración de principios en las que, entre otras cosas, se anuncia: “el arte contemporáneo puede o no puede incluir arte contemporáneo. Las Élites Prancing pueden o no ser las embajadoras oficiales de la 9ª Bienal de Berlín. Un disco pop realizado por artistas puede o no puede sustituir a la nota de prensa”. De momento, lo que sí hemos podido descubrir es una convocatoria lanzada a la comunidad para participar de un taller de tres semanas de duración, alojado en las cuatro sedes de la Bienal. “DISCREET – An Intelligence Agency for the People” es una propuesta de Armen Avanessian y Alejandro Martos, cuyo fin es configurar una sociedad secreta de emancipación. Para ello cuentan con hackers y expertos, disidentes en arte, derecho ciudadano, tecnología, política y financiación para diseñar una nueva estructura de supervivencia para el siglo 21.

4 junio – 18 septiembre
www.berlinbiennale.de
Con Stockwell podrás montar tu propio festival donde tú quieras. Puedes enchufarle la música vía USB o por Bluetooth. También lo puedes conectar al móvil para conversaciones en grupo. Pesa solo 1,20 kilos, con batería recargable y 25 horas de non-stop. Es como un altavoz de mano, tan chulo con su funda protectora que parece un clutch. Precio, 249 euros. La funda va aparte y cuesta 30 euros.
Lo puedes pillar en
marshallheadphones.com

Son las Eclat Translucent, una reinterpretación de un clásico del retro running en versión totalmente transparente. A pesar de ello, prometen ser uno de los modelos que más llamen la atención este verano. Esta sneaker está pensada para chicas, por aquello de que están más familiarizadas con el mundo transparencias en la moda. Eso sí, para que el pie vaya tan fresco, las Eclant Translucen se comercializan con  un par de calcetines glitter. A la venta en 24 Kilates, LimitedEditions y lecoqsportif.com
Mud Jeans es una marca de vaqueros muy buenos, en todos los sentidos. Diseños minimalistas, algodón sostenible y trabajadores felices. Aquí no explotan ni a la gente ni a la naturaleza por un par de jeans. Y si te haces socio, te ofrecen la posibilidad de tener unos vaqueros renovables cada año. Pagas una especie de matrícula y luego 12 cuotas mensuales de 7,5 euros. Al año los puedes cambiar por otros. Infórmate en mudjeans.com
El puño se ha vuelto azul, el color de la utopía que viste a los príncipes azules. Esos tíos capaces de darle la vuelta a todo y a todos en un segundo. En su interior está Only The Brave Extrême, lo último. Una nueva versión de esta mítica fragancia, ahora más penetrante, profunda y sensual. Comienza con un rollo de cítricos muy fresco y termina con un corazón de rosas alucinantemente masculino. La tienes en 3 medidas: 50 ml, 61 euros; 75 ml, 68 euros; 125 ml, 87 euros. 
IVÁN SOLDO MARTINCIC

Ilustrador de moda. Habla alto, grave y con acento francés. Tono, que junto a su elegante silueta, traslada a sus creaciones, impresas en publicaciones nacionales e internacionales. Actualmente compagina su creatividad con el trabajo como Coordinador de Máster
en la escuela de moda IED Madrid.
He leído varios artículos alarmistas, tras los repentinos abandonos de Simons o Slimane, en los que se lanza un grito al cielo y se denuncia un cierto totalitarismo por parte de los grandes grupos, acusándoles de esclavizar a sus diseñadores, sometiéndoles a un ritmo frenético y, lo más duro, exponiéndoles a una mediatización constante. Algunos ya se atreven con titulares tan tremendistas, pero muy efectivos, como el maravilloso “final de la moda”. En fin, todo muy dramático. Pero, ¿realmente es esto cierto? ¿Es la única lectura posible tras estos últimos sucesos? Lo dudo…
Cierto es que la globalización, la era internet,  la democratización de la moda, la crisis y la consolidación de los nuevos mercados han revolucionado por completo nuestro modo de pensar y de consumir. Hoy en día es más que evidente que los grandes grupos de lujo buscan imitar al modelo de negocio de los grandes retailers, dando prioridad a la demanda y otorgando en consecuencia más protagonismo a sus departamentos comerciales o de marketing. Todas sus estrategias parecen basarse en un meticuloso análisis de mercado y un constante seguimiento  de sus  ventas.
En consecuencia, mantener valores vanguardistas  y vender  la idea romántica de una moda conceptual o más creativa sería posiblemente ilusorio, porque como sabemos con los números no se juega. Pero esto no debería de escandalizar a nadie, esto es así desde hace décadas. Quien sueñe o fantasee con asumir la dirección creativa de una firma de lujo debería saber que sus colecciones servirán ante todo para mantener el posicionamiento de la marca y vender sus licencias.
Pero es en esta era, y con estas condiciones, cuando estos diseñadores de los que hablamos emergen y triunfan… Por eso dudo que Simons  o Slimane ignorasen la envergadura de sus compromisos. Más bien todo lo contrario, lo demostraron cumpliendo con éxito  las expectativas puestas en ellos.
Recordemos que ninguno de estos abandonos fue motivado por una baja en ventas, en el caso de Slimane es aún más llamativo porque su triunfo en Saint Laurent fue total. Desde su incorporación en la marca, y a pesar de un debut algo aparatoso, pero sin embargo muy mediático, todos sus pasos fueron exitosos. Desde el cambio de las siglas de la marca, quizá para protegerse de los puristas, se marcó un magistral tour de force reinterpretando el héritage Yves Saint Laurent a la perfección y adaptándolo al fondo de armario de la mujer místico-cool de hoy. De inmediato, Slimane propulsó la marca a primera línea de fuego, y se consagró como el diseñador favorito de todas las redactoras, estilistas y blogueras más relevantes. Y todo esto encima con un rotundo éxito comercial, como lo confirma el aumento del 37% en las ventas de Saint Laurent comunicadas el pasado octubre.
En resumen, un  envidiable caso de éxito en el que visión, talento y marketing se unen triunfalmente y que recuerda, cómo no, al caso Lagerfeld y la resurrección de Chanel, por qué no decirlo.
Entonces, ¿por qué abandona precisamente ahora? Porque probablemente sea en realidad el mejor momento para hacerlo, ahora que todo apunta a su favor, que la experiencia le ha convertido en un grande y de paso haya seguramente elevado su caché… ¿Por qué esperar más tiempo y arriesgarse a un cambio en su suerte tal como lo padeció Marc Jacobs?
Yo creo que Slimane es demasiado bueno para caer en esto y que, al final, este es otro paso estratégicamente dirigido. Él, mejor que nadie, conoce y captura el espíritu de nuestro tiempo y sabe que seguramente no se vuelva a repetir un caso como el de Karl Lagerfeld, quien seguramente sea el último de los diseñadores en poder resistir al paso del tiempo al encarnar, como a él le gusta decir, el “oportunismo
de la moda”.
Así que yo diría que aquí probablemente no haya gato encerrado. En definitiva, las expectativas a las que se enfrentan diseñadores como éstos adquieren unas proporciones de tal magnitud que lo más conveniente para ellos seguramente sea ponerse a prueba midiendo muy bien los tiempos, y dejar el pabellón siempre muy alto, porque a cada uno se le juzga por sus últimos resultados.
Es la ley del mercado, es así de simple, y para los amantes de la vanguardia existen otras miles de marcas nicho en las que los diseñadores trabajan con otros tiempos y en los que uno puede consumir la moda como un intelectual. Pero es un tema para otra columna. Así que señores no desesperen, la moda está muy lejos de estar muriéndose, yo diría que nunca ha estado tan viva…

FERNANDO NAVARRO

Guionista. Ha escrito para prensa, radio y televisión. Para cine ha escrito la adaptación del cómic ‘Anacleto: Agente Secreto’, y ‘Toro’, dirigida por Kike Maíllo, que acaba de estrenarse en cines. En fase de preproducción están sus dos últimos guiones: ’Muse, que dirigirá Jaume Balagueró, y ‘El Expediente’, un guión de terror que dirigirá Paco Plaza.
Escribir guiones no es ser escritor. Es escribir. Pero no ser escritor.
Es hacer películas. Sin que nadie sepa que haces películas. Es estar. No estar. Mejor ser invisible. ¿Sigues queriendo escribir guiones?
Venga. Escribe todos los días. Un rato. Cinco páginas. Menos es de vagos. Más es de genios. Prueba por la mañana. ¿Tienes hijos? Prueba por la noche. Cuando todos duermen. ¿Tienes un trabajo que no te gusta y te jode no sacar tiempo? Escribe sobre ese trabajo. Saca tiempo y quéjate en un guión. ‘Seven’ la escribió un tío que odiaba su trabajo. La hizo para salir de él. Le salió bien la jugada.
Para escribir guiones está bien ver películas. Pero es mejor leer.
Tu vas a usar palabras, no una cámara. Aprende sobre palabras. Querrás explicar lo que pasa en el folio. Querrás que se entienda todo. Pues lee, joder.
¿Un guión sobre qué? En las bodas siempre hay alguien que te dice: “¿Eres guionista? A mi se me ocurren cosas para hacer películas todos los días”. Escríbelas.
¿Un guión sobre qué? El tema da igual. Es casi más importante el género. Si estás pasando por un momento malo, escribe una comedia. Si la vida te sonríe, prueba con un drama. Te joden las comisiones del banco, una de atracos. Tienes miedo al futuro: haz ciencia ficción.
Tu casa tiene ruidos por la noche. A escribir una de terror. Los temas son siempre los mismos. Se trata de darle un poco de vida a esos temas y que parezcan nuevos. O viejos pero con arte. 
Piensa en los personajes. En cómo hablan. Es importante cómo hablan. Busca referentes que no sean de películas. De amigos sobre todo. O de cómicos. Los cómicos son rápidos. Ingeniosos. Saben usar el lenguaje. Los músicos. Los escritores. Esa gente habla bien.
Y los que no hablan bien tienen personalidad. Mi charcutero es un personaje. Ya lo he metido en un guión. Me gusta la manera de hablar de gente como Tote King, Gloria Van Aerssen, Antonio Luque, Javier Rebollo o el cocinero Abraham García. Pon a los personajes a hablar como ellos. 
Pero que no sea solo hablar. Que se muevan. Que tengan que ir de un sitio a otro y no sepan cómo ir. Que empiecen en una ciudad que odian y acaben en una que les gusta. Que siempre cambien de aspecto en la historia. Si empiezan limpios, que acaben sucios. Si empiezan sucios, que acaben con una ducha. Si tienen la nariz recta, que alguien se la parta de un puñetazo. Si la tienen ya rota, igual está bien que alguien les de un beso.
Escribir es reescribir. Igual que querer es volver a querer. Ahí sí que te lo vas a pasar bien. Reescribiendo. Pon música y pásatelo bien. Dale. Quita. Pon. Añade. Pon. Quita. Lee. Relee. Imprime el guión y tacha. Cómprate un lápiz para eso. Disfruta de los productos de las papelerías. Los lápices huelen bien. Sirven para tachar. Lee en un lugar distinto al que escribes. En un sofá cómodo. En la mesa de la cocina. En el dormitorio. Tacha. Relee. Reescribe.
Tienes que enseñar el guión. Enséñalo. Sobre todo a gente que sea muy cabrona y muy sincera. Hay gente así en el mundo. Por suerte. Tíralo a la basura. Es muy bueno. Puedes hacerlo mejor. Joder, me encanta. Buenísimo. ¿Qué es esta mierda? El segundo acto es flojo. Muy buen final. El arranque es malísimo. No hay personajes. Te van
a decir de todo. Casi siempre tendrán razón. En todo. Aunque al final mandas tú, no te engañes.
Olvídate del rodaje. De los actores. De la película. Del estreno.
Piensa en el dinero, vale. El dinero está bien. Con él se compra comida. Lola Flores decía: “A mi cuando me pagan hasta afino”. Vale. Que te paguen. ¿Pero sabes afinar?
Dedica un rato a pensar quién puede dirigir el guión que estás escribiendo. Es importante. El director se va a levantar a las siete de la mañana o va a empezar el rodaje a las doce de la noche durante unas ocho semanas. Tu no. Le van a faltar horas de sueño. A ti no. Pero tampoco pienses que son reyes. No lo son. No son reyes. Son de carne y hueso. Pero a ratos tienen más cojones que tú. Por eso son directores. Viva por ellos.
Lee tu guión una vez más. Y luego olvídate de él. Se convertirá en una película. Una película no es un guión. El guión es un mapa que te ayuda a llegar a un sitio. Pero allí te buscas la vida. Has diseñado un mapa. Eres un cartógrafo estupendo. Pero ahí se terminó tu trabajo.
Se acabó. Date un paseo. Una buena comida. Unas cañas. Vete a un concierto. Vas al baño a echarte un poco de agua. Te miras en el espejo. Ves tu reflejo. Pero sigues siendo invisible.

SANDRA PINA

Socia de la consultora Quiero salvar el mundo haciendo marketing y Directora de Sustainable Brands Barcelona. Profesora asociada del Instituto de Empresa Business School en Innovación, Creatividad y Marketing.
Cuando nos topamos con una persona que nos habla de que consume productos ecológicos, todavía la miramos raro... Cuando pensamos en un consumidor “sostenible”, solemos pensar en una persona que consume poco, que compra poco, con unos hábitos de vida algo raros. Pensamos en esa gente altamente comprometida con el medio ambiente o lo social, que aboga por llevar la contra a la sociedad de consumo, minimizando sus consumos en todos los ámbitos. Pero la realidad siempre es más rica.
¿Cómo son esos consumidores con valores, también llamados aspiracionales? Según un reciente estudio realizado en 22 países presentado para España en Sustainable Brands Barcelona, son gente que busca comprar productos sostenibles -respetuosos con el medio ambiente y con las personas- y que cree que debe consumir menos para preservar el planeta, pero que al mismo tiempo son personas a las que les gusta consumir (“happy shoppers”) y que quieren destacar por su aspecto. A todo esto hay que añadir que les encanta recomendar productos social o medioambientalmente responsables a través de las redes sociales.
Este grupo es un grupo creciente, muy numeroso no tan sólo en el mundo sino también en España. Según estos datos, el 37% de los consumidores españoles están en ese grupo, mientras que en el mundo los consumidores aspiracionales son ya 2,5 miles de millones de personas. Consumir con valores es ya una realidad y ha dejado de ser un anhelo.
El consumidor ha disminuido su confianza en las marcas y les demanda más (especialmente los “millennials”). Ahora las marcas tienen una oportunidad de legitimar su rol, ese porqué están aquí, qué nos aportan. Y eso pasa por algo más que por vender un buen producto a un precio justo... y seguro hay más.
Las marcas se están dando cuenta de que existe una oportunidad de negocio en este consumidor con valores. Por eso muchas de ellas se aproximan al mundo de la sostenibilidad, algunas con más acierto que otras.
El nuevo consumidor no exige perfección porque una marca no puede ser “sostenible” por proponérselo de la mañana a la noche, pero sí exige coherencia, honestidad y transparencia.
Las marcas ya no pueden vender humo, porque el humo ya no se compra. Si algo no es verdad se acaba sabiendo (y si no que se lo digan a Volkswagen o Vitaldent), y cada vez se acaba más rápido. Porque desde ya estamos reconociendo la importancia de conocer lo que compramos antes de tomar una decisión como consumidores: ser soberanos.
Pongamos un ejemplo, centrémonos en la cosmética. Ingredientes como parabenos, aceites minerales y otros derivados del petróleo, siliconas, SLS, SLES, etalonaminas, PEG’s, perfumes y colorantes sintéticos. Son ingredientes tóxicos usados en productos de cosmética e higiene industrial. ¿Por qué?  Bien, los organismos reguladores consideran las dosis usadas como “seguras”, pero curiosamente, no hay ningún estudio que nos garantice que todas esas dosis “seguras” de productos tóxicos a las que nos exponemos cada día, no causan ningún efecto negativo porque ¿quién va sumando? Nuestro organismo.
Hay que decir no obstante que cada vez hay más marcas que se preocupan por hacer mayor esfuerzo a la hora de incluir menos químicos. También ha habido marcas que anunciando algún ingrediente natural en la mezcla pero llevando la misma química de siempre, se proclaman “naturales”. La solución es leer la etiqueta. Por imperativo legal los ingredientes han de ir de mayor a menor concentración, así que leer la composición nos da muchas luces al respecto del tema.
La cosmética más natural se da por ejemplo entre marcas como Aveda, Sans ceuticals, Caudalie, Mamamio, Korres, Apivita etc.
Algunas de las marcas con líneas de productos naturales de entre su gama (y con otros productos de su gama que no los son), son The Body Shop, Yves Rocher, Kiehl’s, L’Occitane, Lush… Además de otras de alta cosmética como Clarins, Decléor o Darphin. Merece una mención especial L’Occitane, que fue una de las primeras que, por iniciativa propia, redujo la cantidad de parabenos muy por debajo del límite cuando comenzaron las sospechas de actuar como disruptores endocrinos y tienen la política de optar siempre por sustancias naturales entre dos ingredientes con las mismas funciones.
¿Leer la etiqueta? Ya no es una opción, es una obligación. Si queremos saber qué hay detrás de lo que consumimos y qué queremos pedir como consumidores a nuestras marcas favoritas.
Y no sólo en la cosmética, en todo lo que compres: Si quieres comprar con valores, lee la etiqueta. Una pista:
http://www.labelsforyourplanet.com
Esta mañana almorzaba con un amigo y reflexionábamos sobre el concepto de la sostenibilidad. Apasionante, pues sí. La cosa venía por el tema del greenwashing. Hablábamos de la dimensión moral de la cosa. Es decir, esto ya no va de “no haces pero dices que haces”. Ahora va de “haces pero en el fondo no lo haces” porque
lo sientes, lo haces por dinero. Agotador.
Seguimos nuestro almuerzo con la dimensión temporal de todo esto. Nuestra cabeza y nuestros medios de comunicación se quedan, habitualmente, en este siglo, nuestros nietos, las próximas generaciones. ¿Tercera generación? ¿Cuarta generación? Este amigo y yo hablamos del año 7.524, o por qué no del año 2 millones. ¿Cuántos millones de personas seremos para esa fecha? ¿Tendremos bicicletas? ¿Seremos cabezones? ¿Cuánto de sostenibles tendremos que ser para llegar a esa fecha?
¿Será posible?
Se extiende el almuerzo y enlazamos con el concepto de la economía circular, el nuevo viejo paradigma de modelo de desarrollo sostenible. Observar la naturaleza para replicar su comportamiento. En la naturaleza no existe el término desperdicio porque todo, absolutamente todo, forma parte del ciclo de la vida. Una danza maravillosa que durará lo que la entropía diga que tiene que durar.
Diseñar un objeto pensando en lo que podrá ser después. Lo mismo que era o incluso algo mejor. Algo muy diferente pero nunca del todo peor, simplemente otra cosa.
De  esta visión económica del ciclo de la vida me recreo en esa danza vital y observo como nuestra manera de entender el mundo, en Occidente, es lineal. Como el concepto de infinito nos aplasta y nos hace desaparecer.
Pienso en la belleza de sentir que formas parte de un todo, el que sea. Pienso que el futuro no existe, porque el hoy es siempre.
La comida se acaba y paseo. Y en este pasear paso por el escaparate de un Zara y  pienso en el Sr. Ortega, fundador de Inditex. No le conozco personalmente y no puedo saber cuánto se cree los progresos que las distintas marcas del grupo van haciendo en términos de sostenibilidad. Me imagino por un momento que soy su espejito mágico. Ese al que por las mañanas pregunta: Espejito, espejito, ¿hay alguien en el fast fashion que se crea la sostenibilidad más que yo?
¿Qué le respondo? Amancio, querido, no tengo ni idea. Pero cuidado porque los analistas financieros están penalizando a las compañías que no tienen en cuenta criterios ambientales y sociales en su gestión. El coste de las materias primas cada vez va a ser mayor. Ojo con los procesos de producción poco eficientes. Amancio, el agua se va a convertir en un activo político muy sensible y clave en la estabilidad geopolítica de las naciones. La desigualdad social derivada de unas economías de escala exacerbada va a hacer saltar por los aires los regímenes democráticos. Amancio, ¿quieres seguir vendiendo?
Se acaba el paseo y ahora estamos tú y yo. No soy tu espejo.
¿Te parece normal este despropósito en el que andamos metidos?
A mí me encanta la moda, soy de los que cuando viajo me gusta ver escaparates. Para mí es cultura. Disfruto de unos buenos zapatos y tengo más de cinco pares de zapatillas, y sigo mirando. Sí, despacio.
Cuido lo que tengo, lo reparo, cuando compro algo es porque algo se va. Lo que entra, entra con cariño, con el mío y con el de la persona que lo ha hecho. ¿Vivo castrado? Ni mucho menos, disfruto. ¿Voy a ir al infierno por mi pasado? No lo sé. ¿Voy a ir al cielo por mi presente? No lo sé.
Soy feliz con lo que hago Y desde esa felicidad me da igual lo que piense o sienta el Sr. Amancio Ortega o el Sr Stefan Persson a este respecto. Por supuesto les deseo, como a cualquier otra persona, que busquen y disfruten de esa danza para la que el siempre, es hoy. Sus compañías ya saben que los mercados empiezan a decir que sin sostenibilidad no hay futuro.
Por ahí pulula un libro que se llama ¿Cuánto es suficiente?
A lo mejor deberíamos sacarlo de la estantería.

JOSÉ ANTONIO ILLANA

Fundador y CEO de “Quiero Salvar el Mundo Haciedo Marketing” (Quiero). Ha desarrollado su carrera en marketing y publicidad trabajando en agencias como Wunderman, Grey, FCB, Kitchen o Humana. También
es miembro de la Fundación Renovables y pertenece
al consejo asesor de Youth Business Spain.
Y me sigo preguntado qué es vanguardia gastronómica. Compleja discusión minada de trampas historiográficas, tretas semánticas, celadas comparativas… No es fácil, con la “diáspora” culinaria de hoy, adivinar, más allá del enorme corpus bulliniano, qué líneas son discontinuas con lo ya hecho y qué incógnitos relatos nos conducirán a una nueva “extropía”. No hay respuestas claras; pero Miguel Sánchez Romera, el esquivo y hermético “chef doctor”, propone su propio argumento: el “expresionismo orgánico”.
Confieso que fue inquietante, en el pegajoso calor mexicano de este último verano, recibir la inesperada llamada de Miguel Sánchez Romera, tragado por el tiempo y las geografías distantes desde 2009. Sí, supe que había abierto en New York y que había hecho fortuna con el sobrenombre de “Doctor chef” (es neurólogo); no sabía, sin embargo, que también se había conjurado en China… Miguel, para quien no lo sepa, fue el “enfant terrible” de la cocina española en aquellos furiosos tiempos del cambio de siglo. Jefe de neurología del hospital de Granollers (Barcelona), su violenta pasión culinaria lo obligó, tras haber convertido su casa en una enorme cocina (pasando por encima de su familia), a abrir restaurante: el mítico L’Esguard, en Llavaneres. El éxito fue fulgurante. Su radicalismo, no obstante, pronto lo convirtió en blanco de la “nomenklatura”, que lo tildó de “intruso”, lo que, sumado a su naturaleza rebelde y combativa, acabó en desengaño. Miguel, entonces, desapareció. Y fue el olvido… Quedó su teoría del “construccionismo”, o la capacidad para crear nuevas construcciones culinarias: desde una base científica, lograr arte gastronómico. El construccionismo, afirmaba con vehemencia Miguel, empieza con las propiedades naturales de los productos, sus sabores, sus olores, sus texturas… A partir de ello, desde la autonomía ideológica y sin buscar referentes, inventar técnicas para recrear novedades culinarias evitando al máximo la desnaturalización propia de la cocina. Y desde ahí, crear. 
Y Miguel Sánchez Romera ha vuelto. Secretamente. Sin ruido. De otra manera. En su propia casa, donde atiende a sus fervorosos algunos días al mes (el resto del tiempo sigue en USA y China). Con una cocina que sigue inclasificable, empeñada en la búsqueda de un nuevo lenguaje vanguardista a través del hiperrealismo culinario, gestualizado desde la concepción pura, el arte y las sinapsis neuronales. La meta final (?) de esta senda abrumadora: la “hiperpercepción” organoléptica.
Ciertamente, vivimos en tiempos de déficit conceptual y, si me apuras, hasta de pastiche elevado a categoría creativa. Aparte el discurso coral de Cala Montjoi (en progreso taxonomizador en El Bulli Lab), la “diáspora” que mencionaba más arriba ha generado un fuerte individualismo en el entorno coquinario avanzado, donde encontramos todo tipo de secuelas de movimientos anteriores mejor o peor digeridas, variados “homenajes” (eufemismo de “plagios”), superficialidad lúdica, magnificación (hasta sacralización) de lo ordinario, miradas desacomplejadamente “retro”, vindicaciones espantosamente reaccionarias, fusiones más o menos sugestivas de todo pelaje, y también algunas originalidades, sí, aunque, como apuntaba Voltaire sarcásticamente, la originalidad no es más que copia con criterio. Dice Miguel que, en este paisaje de desolación y egocentrismo, sólo aspira “a dejar interrogantes para la reflexión”, apuntes de nuevos conceptos que puedan ayudar a emprender nuevos caminos.
El caos –y hoy, en lo gastroconceptual (¿sólo?) estamos inmersos en él- es a su vez causa creadora, base generadora de orden. ¿Estamos entonces próximos a un nuevo amanecer? No lo sé… Pero mientras, la gastronomía mundial es un sendero tan lleno de “crossroads” como cocineros hay, Miguel, dice, camina aparte en ese laberinto, anda por un atajo solitario, absolutamente personal y ciego a reflejos ajenos. “Yo busco mi verdad”, afirma. Una verdad que conjuga en la perífrasis “cook art: expresionismo orgánico”. Arte, sentimientos, “violencia” sensorial, intensidad y armonía natural. Todo ello aplicado desde la voluntad creadora. Y de ahí al hiperrealismo, a la “hiperpercepción” de sabores, aromas, texturas, miradas… A Miguel le aburren los juegos, los trampantojos tediosos; a Miguel sólo le apasiona lo organoléptico inspirado científicamente y tratado formalmente desde lo artístico. Y lo emocional. Trabaja también en el “pairing” de cocina y música, pues, asegura desde su vertiente como neurólogo, “la unión de comida y música es la hostia”.
Y ahí están sus últimas concreciones del “expresionismo orgánico”, de astronómica y epatante belleza: “el mar” (agua de mar con infusión de algas y ostra; “planeta tierra” (esencias naturales de setas, verduras, algas de mar y lago, hierbas frescas y especias); “la luna” (leche de coco, jengibre, citronela, ajo silvestre…).
¿Y si...?

XAVIER AGULLÓ

Periodista y escritor gastronómico.
Crítico en El Mundo, El Economista y 7caníbales.com.