Fotograma extraido de “Wonders”.
Fotograma extraido de “Simply the best”
Fotograma extraido de “Simply the best”
Fotograma extraido de “Simply the best”
Intereses personales: “Siento pasión por mi trabajo y siempre lo he antepuesto a todo. Lo que antes veía como algo natural ahora me parece insano. Actualmente, intento tomarme las cosas con más calma y distancia. Siento necesidad de fomentar aspectos de mi persona que hasta ahora había marginado”. Visión de la vida en sociedad: “Me gusta estar rodeado de gente que me hace sentir bien. También soy una persona muy independiente. Aunque con la edad tendemos a volvernos más huraños, procuro ser generoso con mi tiempo y dedicarlo, siempre que puedo, a mis amigos. Me parece la mejor inversión que uno puede hacer”. Inspiración a la hora de realizar tus piezas: “Conceptualmente: Me interesan principalmente las obras conectadas con su tiempo y capaces de desplazarse de lo más anecdótico a lo universal. No me interesan las liturgias impostadas de la trascendencia, muy al contrario, creo en lo cotidiano, en lo vulgar, en lo inesperado… ahí es donde realmente reside el misterio. Visualmente: Mis referentes visuales pertenecen a diferentes ámbitos de la cultura y el entretenimiento como la música pop, el cómic, la televisión o la iconografía adolescente, pero no necesariamente a la historia del arte. En mis trabajos, estas influencias se suceden de manera despreocupada, solapándose unas con otras, procurando crear algo nuevo e interesante”. Proceso de creación: “No entiendo la obra como un listado de temas sino como una capacidad de comunicar, de activar resortes. Por tanto, más allá de las tesis que queramos incorporar, la obra tendrá siempre una manera de comportase propia e imprevisible. Durante el proceso de creación, la tarea del artista es estar atento a estos procesos, comprenderlos y acompañarlos”. Video como medio: “Ningún otro medio, a parte de la performance, ofrece la posibilidad de controlar el tiempo, alternando imagen, texto y música; aunque me siento mucho más cómodo con el trabajo en estudio que con la ejecución en directo”. Wonders: (Video HD 15 min, 2016) “Combina el biopic musical con la performance para cuestionar el mundo de la cultura de masas. En él, Dennis Seaton y Michael Grant, miembros del grupo Musical Youth, recitan, interpretan y cantan una serie de textos sobre el fenómeno ‘one-hit wonder -reconocimiento masivo gracias a un solo éxito-’. Dichos textos, fluctuando entre la reflexión analítica y lo poético, resultan de una colaboración con Eloy Fernández Porta, ensayista especializado en mass media y cultura pop. El interés temático se centra en la idea del artista tratado como un producto. En el caso de Seaton y Grant, el single ‘Pass the Dutchie’ vendió en los ochenta cinco millones de copias y optó a un Grammy. Estos éxitos, efímeros a propósito, son fruto del paradigma neoliberal que ha impregnado todo en las últimas tres décadas. En Wonders ambos músicos intercalan los textos de Fernández Porta con momentos anecdóticos de sus vidas, como sus encuentros con Stevie Wonder, Donna Summer o Michael Jackson. Simply the best: (Video HD 20 min, 2016) “Mezcla diferentes lenguajes del género de ficción: desde el falso documental al musical. El vídeo se ha grabado en Zúrich y lo protagoniza un joven bombero fascinado por la música afroamericana, cuyo origen versa en la esclavitud y el trabajo (tema de la bienal).
La película presenta a los bomberos preparando un evento para anunciar el nuevo eslogan de la ciudad Simply the Best, inspirado en el tema de Tina Turner. Usando diferentes recursos, el filme muestra los altibajos del evento combinándolo con episodios personales del bombero y el ensayo de un coro de góspel formado por individuos blancos e interpretando ‘FI/RE’ -acrónimo para ‘independencia financiera/jubilación anticipada’. Así, la presencia de los bomberos, es pertinente en una zona próspera donde se depositan fortunas y sus poseedores se retiran, como Tina Turner, nacionalizada suiza y residente en Zúrich. La pieza comprende un laberinto de imágenes e ideas que componen un retrato crítico de la sociedad primermundista y sus contradicciones.

carlescongost.blogspot.com
Simpleza: “Hace ya unos meses que terminé la grabación de ‘Fixion’ y tengo muchas ganas de que todo el mundo pueda degustarlo de principio a fin. Creo que es uno de los trabajos más completos que he grabado nunca. De primeras, quien lo escuche puede llegar a pensar que guarda ciertos paralelismos con mi anterior largo, ‘Lost’, pero esta vez he querido simplificar los sonidos de forma considerable. Todo suena de una forma mucho más minimalista. Hace diez años me peleaba conmigo mismo en el estudio creando diversas versiones de cada tema, y en esta ocasión me he limitado a simplificarlo todo. Los vocales son los grandes protagonistas esta vez. Podría decirse que la música está al servicio de la voz, y no al revés. Cuando empiezo un nuevo disco no suelo ponerme reglas y me dejo llevar. No obstante, en esta ocasión desde el principio tenía muy claro que sólo iba a hacer lo básico, no estaba en mis planes llenar los temas de elementos o efectos innecesarios que ensombrecieran las melodías. Siempre he dicho que mi música es muy cinemática, pero me atrevería a decir que este LP es el que más. Recomiendo escucharlo con unos buenos altavoces para apreciar todos los detalles, sin duda”. Instrumentales: “Aunque la voz es muy importante, la verdad es que también disfruto muchísimo creando canciones instrumentales porque permiten que florezcan los sentimientos sin ningún tipo de ataduras. Cuando alguien escucha un tema sin letra todas las interpretaciones son válidas. Mi música es muy melancólica y se presta a que cada uno la entienda como mejor considere”.
Letras: “Jamás me he atrevido a escribir la letra de ninguna canción. Prefiero que sea el vocalista invitado quien se encargue de ello porque, de esta forma, el resultado es mucho más puro y honesto. No puede haber nadie mejor que quien interpreta el tema para componer su letra. De cara al futuro no está entre mis planes atreverme a ello: prefiero seguir encargándome de lo estrictamente musical y dejar las palabras a terceros. No les guio ni les comento previamente sobre qué debe tratar la pieza, básicamente les dejo componer libremente y que vuelquen todos sus pensamientos sin directrices”. Invitadas: “Con Marie Fisker he trabajado muchas veces previamente. Es más, de cara a algunos de estos temas la tenía en mente porque me encanta como su voz encaja con mi música. La sorpresa esta vez también ha sido que la voz de Marie se complementa perfectamente con la de la otra principal vocalista del álbum: Jehnny Beth, líder de Savages. Antes de encerrarme durante meses en el estudio tenía la idea de que sólo hubiera una vocalista, pero al conocer a Jehnny me enamoré de sus cuerdas vocales y no dudé ni un instante en preguntarle si quería involucrarse en el proyecto. Desprende una energía increíble sobre el escenario y, sin duda, es toda una profesional. Probablemente, es una de las artistas más relevantes que tenemos hoy en día”. Directo: “Aún no sé la fecha exacta, pero la gira recalará en España probablemente en febrero del próximo año. Me encanta que el público pueda redescubrir el disco en vivo. Ahora mismo estoy trabajando con mi banda en las adaptaciones de los temas. A diferencia de otras giras, esta vez cuento con un bajista como principal novedad y te puedo avanzar que los visuales serán increíbles”. Futuro: “No puedo parar quieto. Cuando pase este verano voy a ponerme ya a trabajar en el que será mi próximo disco. Siempre se tiende a pensar en el siguiente álbum cuando ha acabado la gira, pero en esta ocasión no quiero repetir este patrón. Aún no puedo decir cómo sonarán estas futuras canciones ni nada por el estilo porque una vez que uno se encuentra en el estudio es cuando realmente todo coge forma. Me gusta tener la mente totalmente abierta y no ceñirme a nada previamente. Sólo de esta forma florecen las ideas y la creatividad campa a sus anchas”.

‘Fixion’ se edita a mediados
de septiembre bajo su sello, In My Room.

Akira y su instalación “Forest Comes Home”. Foto: Patricia Parinejad.
Muestras de la colección de tejidos Stick Tree.
Fular de la colección Frutta.
¿Por qué te atrae tanto la cultura y el diseño escandinavo? “Me gustan la cultura y el diseño nórdicos porque la función y la decoración son parte del diseño, por tener sus raíces en la vida humana, por su búsqueda de la perfección en el trabajo en sí mismo haciendo que sea la sal de la vida, teniendo muy en cuenta el pensamiento y el proceso artesano en la producción. Tanto los usuarios como los creadores pueden enriquecer su vida gracias al diseño. Esta idea es también importante en Japón.
Es importante enriquecer también el entorno del creador, no solo cuidar los productos diseñados y su valor individual”.
¿Cuáles son los puntos de conexión entre la estética escandinava y la japonesa?  “Creo que el sentido estético radica en la búsqueda de la belleza proporcionada, que el objeto resulte agradable al tacto, pero también al espíritu. Será ‘simple’ en una palabra. Con ‘simple’ no me refiero a que sea normal ni elemental, no puede determinarse, ya que es la relación relativa de la mente y el objeto. Esta idea de la belleza es común en los países escandinavos, en Japón y en mí mismo”. Tu marca, Minä Perhonen, es una expresión finlandesa que significa “Yo Mariposa”, ¿por qué elegiste ese nombre? “Minä representa mi faceta como creador y como usuario. Perhonen se refiere a que hacemos diseño textil inspirados en las alas de mariposa y sus diversos motivos. Estos diseños podrían volar suavemente por el mundo, como una mariposa”.
¿Cómo surge la primera colaboración con Kvadrat? “Hace diez años, me encontré con el señor Anders, el presidente de Kvadrat, en una visita que hice a Fritz Hansen. Entonces conocí a la señora Anne, la directora de diseño, y comenzamos de una forma natural a colaborar. Kvadrat tiene una mente abierta para la creación”.¿Por qué la naturaleza está tan presente tanto en tu trabajo personal para Minä Perhonen, como también en el que desarrollas para Kvadrat?  “La naturaleza tiene una gran presencia en mi trabajo porque muestra la vida bajo la diversidad. Estas referencias nos recuerdan el significado de la vida, cuentan la esencia de la convivencia. La relación entre el medio ambiente y la vida puede ser capaz de encontrar una respuesta en la naturaleza, desde lo micro a la macro”. Imagino que con esa adoración a la naturaleza, todo el proceso de fabricación textil es totalmente respetuoso con el medio ambiente ¿no? “El proceso de fabricación de textil es una preocupación directamente de Kvadrat, pero en cuanto a diseño, es importante que sea eterno, duradero, ya que alargar la vida de un objeto puede reducir el impacto sobre el medio ambiente”.
¿Cuáles son tus materiales preferidos para trabajar y reproducir mejor los prints que diseñas? “Cualquier material hace que la imaginación trabaje. La gráfica surge de la observación de las características de los materiales. Puede ser similar a la del chef que desea convertir
buenos productos en deliciosas comidas”. ¿Qué te resulta más cómodo: vestir un sillón o vestir a una mujer? “Me gusta sobre todo crear materiales en sí mismos, dibujar gráficos, hacer formas… en todas esas fases pongo todo mi sentimiento y pasión, también disfruto cuando mis creaciones gustan a los demás”. Tus colecciones son femeninas, ¿es porque el hombre japonés es reacio a usar estampados? “Es posible que se perciban como femeninas ya que el diseño con estampados tiene un sentido poético. El corazón de los humanos puede salir y entrar en la realidad y en ese sentido poético, en esta área no podemos distinguir entre géneros”.¿Qué resulta más complicado: elegir un tono concreto para un textil o el diseño de la estampación? “Siento que el valor existencial (raison d’être) de todos los colores pueden cambiar a través de las relaciones. La belleza para mí podría ser diferente de la de los demás. Suelo elegir el color de acuerdo a mis necesidades fisiológicas”.
¿Llega a influir tu trabajo para Kvadrat en tus propias colecciones de moda?  “Creo que la experiencia actual con Kvadrat podría ser una buena influencia en el futuro para nuestro trabajo de diseño interior, más que en el  campo de la moda”.

www.mina-perhonen.jp
www. kvadrat.dk

XTEXTOX
XXXVÍCTOR ANT
XXX


La historia: “Me ha acompañado muchos años, tantos como desde que empecé a trabajar en esto. Quería reflexionar sobre la figura del artista y sobre el acto de vivir, como un acto de fe en el rol que nos toca representar y me parecía que era el momento. Estaba en un punto muy complicado con todo lo de Dunia y me llegó la hora de la verdad. Me enfrenté a un proyecto que en realidad era una conversación habitual mía y de Dunia. La ficción nutre a la realidad y al revés. Muchas de las veces lo que escribíamos se parecía a lo que vivíamos y otras veces acababa por reproducirse en la realidad de una manera extraña, como si antes de crearlo ya supiéramos que iba a suceder porque en realidad verbalizábamos el futuro inmediato. No tiene que ver con la magia, tiene que ver con estar en la vida y estar observando”.
Inspiración: “La realidad, los amigos y las situaciones cotidianas me parecen de lo más inspirador. La ficción es una especie de juego de muñecas rusas, de suma, que al final produce una realidad sobre otra. De ahí nace El Tiempo de los Monstruos”. Homenaje: “Es un homenaje al cine que surge de la desesperanza que me produce que el espectador no sea tratado como un ser inteligente. Creo que el público que reflexiona es más activo y por lo tanto está más vivo y es más feliz. Todo parte por tanto de la ambición de incluir al receptor como parte de la obra”.
El espectador: “Siempre pienso que, cuando el público se sienta ante una película o ante una obra, experimenta una cierta sensación de impotencia al no poder tomar decisiones, como si no le perteneciera, al estar la historia cerrada por otra persona. Me parecía interesante hacer que el receptor formara parte de la obra, que la lectura del espectador terminara la película“. Los actores: “Aunque parezca mentira, no pensé en los actores desde el punto de vista comercial. Quería sobre todo gente cercana y amiga, porque era mi primera aventura en solitario después de la muerte de Dunia. Me apetecía rodar con personas que tuvieran fe en lo que yo iba a proponer, porque era un viaje complicado para ellos. Les estoy muy agradecido porque se pusieron en mis manos y se sintieron seguros y a salvo, dejándome hacer la película como yo la imaginaba”. Los personajes: “Hay bastante equilibrio entre los personajes de esta película. Hay algo de la historia que se cierne y que pesa bastante sobre los personajes de Pilar Castro y Javier Cámara y su relación, pero luego hay un punto de giro que invierte los roles y los protagonismos. Esto es algo que forma parte de la creación de las historias. Vivir es un acto de fe y al final, tienes que sostener al personaje que representas para seguir viviendo, aunque ya no creas en él. Juego con este mensaje en la película”. El vestuario: “Decidí que todos los personajes iban a llevar un look determinado y lo iban a sostener durante toda la película, por eso de que en definitiva, eran eso, personajes. Para ello, había que ser muy sintético y elegir looks muy concisos. Todo lo que tiene que ver con los personajes y el vestuario me parece que forma una imagen compacta, que funciona porque es inquietante”. Una película para Dunia: “Fue tan reciente la muerte de Dunia que yo tenía la sensación de tenerla cerca.  Creo que la suma del tiempo transcurrido y de lo aprendido juntos está latente en la película. Yo siempre digo que esta película no es una conclusión, pero sí es un resultado de muchos años y por eso la sentí cerca. De alguna manera le pertenece”. Claves de la película: “Yo le daría al público tres claves: La primera, que estén abiertos a participar de una obra en la que no deben tener la ambición de entenderlo todo para poder disfrutarla; la segunda, que esperen a que se monte el puzle en su cabeza, que solo con lo que recuerdan armen el puzle y desaparecerá lo abstracto y se quedará el mensaje de la película; y en tercer lugar, que confíen en su opinión, que lo que vean y lo que ellos consideren su interpretación de la realidad, será cierta”.

El Tiempo de los Monstruos
se estrena en cines el 30 de septiembre.


Modelo: Tricia @ M4 Models

Cutis Skin Balm POT OF GOLD
+ Labios Tagarot Dahlia UND GRETEL
+ Cejas Black Knight Pigment HIRO COSMETICS
+ Máscara de Pestañas Wint Black UND GRETEL
+ Pelo This is a Medium Hold Modeling Gel DAVINES

Modelo: Tricia @ M4 Models

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Modelo: Tricia @ M4 Models

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Modelo: Tricia @ M4 Models

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Modelo: Annika @ Modelwerk
Cutis 02 Fair Light GRESSA SKIN + Colorete Multi Stick Put a Spell on You ILIA BEAUTY
+ Labios  Tagarot Apricot UND GRETEL + Sombra Ojos  Space Balm Nala mezclado con Misty Rose HIRO COSMETICS
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Modelo: Donata @ MegaModels
Corrector Ivory NUDE BY NATURE + Colorete Happy KJAER WEIS + Labios Holt Auburn UND GRETEL
+ Labios CCS Caracas Simón Bolívar USLUAIRLINES + Cejas Wint Chestnut UND GRETEL
+ Pelo This is a Curl Moisturizing Mousse DAVINES

Modelo: Laura Celine @ Modelwerk
Sombra de Ojos Navi Baby HIRO  COSMETICS + Labios 99 Red Ballons ILIA BEAUTY
+ Colorete Sheer Light Pressed Iluminator NUDE BY NATURE + Máscara de Pestañas Wint Black UND GRETEL
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Modelo: Linda @ PMA Models
Cejas This is a Strong Hairspray DAVINES + Labios POT OF GOLD + Cutis Ivory NUDE BY NATURE
+ Lápiz de Ojos Holt Black UND GRETEL + Colorete Multi Stick All of Me ILIA BEAUTY
+ Pelo This is a Texturizing Dust DAVINES

Modelo: Lotta @ M4 Models
Cutis N2 Warm Nude NUDE BY NATURE + Sombra de Ojos Imbe Bronze & Bark UND GRETEL
+ Cejas Sprusse Taupe UND GRETEL + Labios Come Undone ILIA BEAUTY + Colorete Sunne Bero UND GRETEL
+ Iluminador Skin Balm POT OF GOLD + Pelo Volu Hair Mist DAVINES
TEXTO GONZALO HERRERO DELICADO
RETRATOS ANABEL NAVARRO LLORENS
A lo largo de los últimos años, Londres ha gozado de un muy buen estado de salud en cuanto a construcción se refiere, y eso se ha reflejado en una masiva migración de arquitectos venidos de toda Europa que llegaban a la ciudad, en muchos casos directamente desde la propia universidad, a conseguir una oportunidad laboral. Uno de los primeros arquitectos españoles que plantó la pica en Londres y montó su propio estudio fue Alejandro Zaera en 1993. Primero como Foreign Office Architects y ahora como AZPML, el estudio que comparte con Maider Llaguno. Nos encontramos con él en su estudio de East London donde nos habló sin pelos en la lengua de sus primeras experiencias profesionales, de la educación en España, del Brexit o de cómo se maneja con las redes sociales, entre otras muchas cosas. Tal y como él mismo dice, todo empieza por casualidad y esta vez la casualidad nos lleva a entrevistar a uno de los arquitectos españoles más reconocidos en todo el mundo. Comenzamos.

Estudiaste en Madrid, ¿qué opinas de tu formación en España? “Yo salí de la Universidad Politécnica de Madrid muy bien preparado, más por ejemplo que cualquier estudiante en una universidad americana. En Estados Unidos todos los estudiantes aprueban y te tratan bien y sin embargo en España hay que salir de la universidad a tortazos. La escuela de Madrid estaba súper masificada. Cuando yo estudié había alrededor de 7.000 alumnos y eso se nota. Por otro lado era un momento donde había muchas oportunidades de construir y ya en mi tercer año de carrera empecé a trabajar cuatro tardes a la semana en el estudio de Iñaki Casas”.

¿Cómo podías compaginarlo con los estudios? “Principalmente me dedicaba a sacarme proyectos – una de las asignaturas con más peso de la carrera - y lo demás me lo sacaba raspando. Esa experiencia laboral me enseñó mucho. Entonces se hacía un proyecto de 1.200 viviendas sociales entre sólo dos o tres personas. También hice varios proyectos de restauración en ese estudio y me tocó subirme a un andamio a medir las bóvedas de la catedral de Toledo. Aquello era arquitectura pura y dura, y aprendí muchísimo. Más tarde también trabajé con Iñaki Ábalos y Juan Herreros.
Yo fui su primer empleado. Después, poco antes de acabar la carrera me ofrecieron un trabajo en el estudio de Rafael Moneo.
No me había interesado demasiado lo que hacía entonces y me sigue sin interesar. Allí estuve sólo tres meses haciendo los wáteres para el aeropuerto de Sevilla. Coincidiendo con que me dieron una beca Fullbright para ir a Harvard, me marché. Moneo es una persona inteligentísima, pero esa forma de trabajar no me interesaba”.

Paralelamente desarrollaste una amplia carrera teórica escribiendo para varias revistas, ¿de dónde venía ese interés? “Siempre me había gustado escribir. Desde pequeño me había interesado la filosofía, además mi madre escribía, y mi casa siempre estaba llena de libros. Me invitaron a escribir un par de artículos sobre
Le Corbusier y Mies van der Rohe para la revista del Consejo Superior de Colegios de Arquitectos y coincidió que la gente de la revista El Croquis estaban empezando en ese momento. Empecé a escribir para ellos en cuarto de carrera. Mi primer texto para
El Croquis fue sobre Calatrava en uno de sus primeros monográficos. Todo empezó casi por casualidad. Todo siempre empieza por casualidad… aunque cada vez menos”.

¿Cómo ves la situación de la crítica de arquitectura en España? “Yo siempre he tratado de portarme bien con la gente.
Ser crítico no tiene ningún interés. Decir
cosas negativas de alguien es muy fácil,
lo que es difícil es intentar ver cuáles son los potenciales detrás de una obra. Yo siempre he tenido esa norma y es una forma de trabajar que desarrollé para sobrevivir al sistema. Siempre me ha interesado la teoría de la arquitectura más que la crítica y diría que la crítica de arquitectura en España no existe”.

Interior de la Estación Grand Central en Birmingham,
Reino Unido. © Network Rail

Exterior de la Fundación Cerezales Antonino y Cinia en León.
© Fundación Cerezales Antonino y Cinia

Volviendo a Harvard, ¿cómo fue tu experiencia allí? “En Harvard estuve dos años. Tuve una formación muy americana, muy parecida a Princeton, Columbia o Yale. Es una formación puramente profesional, radicalmente diferente a la de España. Allí te preparan para trabajar en un estudio corporativo donde lo único que tienes que hacer es pensar en términos de diseño, pretender que eres artista, y crear un discurso eficaz para convencer a los clientes de la empresa de que tus servicios merecen la pena. Toda la parte técnica la desarrollan otras personas en la oficina, no el arquitecto. El diseño y la construcción están completamente separados”.

¿Cuál fue el siguiente paso?
“En Harvard conocí a Rem Koolhaas que me invitó a irme a trabajar con él a Rotterdam. Allí estuve tres años. En esos años su estudio OMA estaba básicamente en bancarrota, no pagaban regularmente y decidí con mi entonces pareja Farshid Moussavi que era una situación que no nos interesaba. Nos mudamos a Londres en 1993 para dar clase en la AA -Architectural Association- donde estuvimos siete años. Al llegar a Londres la situación no fue fácil, ahora sería incluso más difícil. Los precios de la vivienda ya eran altos y en aquella época cobrábamos dos duros en la AA. Tuvimos que buscarnos la vida como podíamos y montamos nuestro estudio en casa. Aún así, a decir verdad, tuvimos mucha suerte. En esos años ganamos el concurso para la Terminal Portuaria de Yokohama en Japón, nos instalamos en Tokio durante dos años y terminamos el proyecto en 2002”.

Poder montar tu propio estudio fue un lujo que ahora es casi imposible en una ciudad como Londres y para un recién llegado. Todo esto se va a ver afectado con la salida de Reino Unido de la Unión Europea, ¿cómo os va a afectar a vosotros? “El Brexit es una putada.
No tengo ni idea en qué va a derivar esto. Londres es un lugar muy interesante, precisamente porque hay gente de todo el mundo. Aún tengo una mínima esperanza de que den marcha atrás. El efecto en cadena que puede generar sería devastador. Si tuviéramos que pedir permisos de trabajo para todos los trabajadores de la oficina, no nos lo podríamos permitir y tendríamos que considerar llevarnos la oficina a otro sitio”.

Ahora tienes tu estudio en el este de Londres, una de las zonas que más ha cambiado en los últimos años y una de las más cosmopolitas de la ciudad ¿cómo has vivido la evolución de la zona? “Estuve viviendo en Pimlico desde 1994 a 2011, durante varios años compartiendo espacio de trabajo y vivienda. En 2003, aun siendo FOA - Foreign Office Architects con Farshid Moussavi -, nos mudamos al este de Londres al edificio donde ahora está AZPML, el estudio que comparto con Maider Llaguno. Entonces la zona no tenía nada que ver con lo que es ahora pero vi muchas posibilidades en ella. Siempre he considerado tener buen ojo para invertir. Comprando propiedades he sacado más beneficio que con mi práctica”.

A lo largo de tu carrera también has publicado varios libros ¿qué libro estás leyendo ahora?
“Ahora mismo no estoy leyendo ningún libro. Llevo mucho tiempo trabajando en un libro sobre fachadas que a su vez estuvo vinculado con mi investigación para la Bienal de Arquitectura de Venecia –dirigida por Rem Koolhaas en 2014-. Así que cuando leo es principalmente libros académicos muy específicos vinculados con este tema”.

Recientemente hubo una gran polémica en torno a tu participación en aquella bienal que derivó en tu dimisión como decano de la escuela de arquitectura de Princeton, ¿en qué ha derivado todo eso? “Sigo trabajando en Princeton como profesor fijo. Aquello se gestionó muy mal en aquel momento y ahora estamos en trámites legales”.

Vista aérea y detalle de la fachada de
la Estación Grand Central en Birmingham,
Reino Unido. © Ross Jukes Photography

Vista aérea y detalle de la fachada de
la Estación Grand Central en Birmingham,
Reino Unido. © Ross Jukes Photography
Cuando empezaste tu estudio no existían las redes sociales, sin embargo recuerdo que con vuestro primer proyecto para la Terminal Portuaria de Yokohama, conseguisteis un gran impacto mediático a nivel internacional, ¿cómo comunicabais vuestro trabajo entonces? “Cuando ganamos Yokohama no existían las redes sociales, entonces había otros canales mediáticos como las revistas con los que yo por mi propia trayectoria estaba en contacto. Aquellos medios eran analógicos y muchísimo más lentos que los que hay ahora, y a la vez mucho más restringidos en el sentido de que o estabas en contacto directo con los editores o estabas fuera de juego. Ahora cualquiera puede hacerse público y las redes sociales homogenizan el mensaje, eliminando la carga crítica de la propia selección de contenidos”.

¿Cómo os habéis adaptado a las redes sociales?
“Las redes sociales tienen una importancia muy relativa para nosotros. Hay gente como Bjarke Ingels que ha sabido rentabilizarlo muy eficazmente.
Yo en un momento tuve Facebook, acepté todas las solicitudes de amistad y no lo volví a tocar. Maider sí que está más metida en redes como Instagram y actualiza nuestro perfil con algunas imágenes de visitas de obra, pero a mí me queda lejos. No nos interesa explicar cada fase del proyecto, eso lo hacemos a través de nuestras conferencias. No sé realmente si en nuestro caso las redes sociales nos ayudarían a conseguir más encargos o comunicar mejor nuestro trabajo. Sin embargo entiendo que hay arquitectos que desarrollan un trabajo a un nivel más teórico y limítrofe con otras disciplinas, en los que las redes sociales sí juegan un rol más importante. Quizás nos los deberíamos de tomar más en serio”.

¿En qué proyectos estáis trabajando últimamente? “Llevamos varios proyectos en marcha en este momento. Hace poco hemos terminado la Estación Central de Birmingham y estamos trabajando en un concurso que ganamos en 2013 para diseñar el Palazzo del Cinema en Locarno, en Suiza. También estamos terminando la Fundación Cerezales en León y una casa experimental en Sotogrande. Por otro lado estamos trabajando en la primera Bienal de Arquitectura y Urbanismo de Seúl de la que soy co-director y abordará el concepto de post-human city”.

¿Qué más nos puedes adelantar sobre esta bienal? “La idea para esta bienal es generar una crítica a la Carta de Atenas donde se definió que todos los mecanismos de diseño de la ciudad
están basados en funciones humanas.
La Carta de Atenas de 1943 publicada por
Le Corbusier define la ciudad a través de cuatro funciones destinadas puramente
al ser humano, y que incluían los usos residencial, laboral, recreativo y el transporte. Sin embargo, los problemas más importantes que ahora tiene que resolver la ciudad contemporánea no están relacionados con los humanos,
sino con el aire, el agua, la energía o la vegetación, que se enlazan a su vez con
el rol de la tecnología. El proyecto lo contamos desde la reinterpretación
y análisis de los cuatro elementos primigenios: fuego, tierra, aire y agua,
en la ciudad”.

Villa Haynes, vivienda particular en Sotogrande.
© AZPLM – Alejandro Zaera-Polo
& Maider Llaguno Architecture

Vista aérea de las instalaciones del Centro Especializado
de Alto Rendimiento de Vela “Principe Felipe” en Santander.
© Riancho & Herrero

Gillian Wearing. Fotograma extraidos de
“Trauma”. 2000.

Gillian Wearing. Fotograma extraidos de
“Trauma”. 2000.
Claudia Mate. Fotograma del video “SuitPhases”
*Unpublished Detalle. 2004.Cortesía de la artista.

La idea del alter ego y conceptos semejantes tienen miles de años y han formado parte de los cuentos medievales, la mitología griega y ciertas leyendas egipcias entre otros. El Doppelgänger, por ejemplo, era un fantasma con presencia corpórea que no proyectaba sombra, considerado un presagio de mala suerte. Cruzarse con el tuyo no aventuraba nada bueno. En otras culturas era un espíritu doble, un gemelo malvado que te proponía ideas siniestras y consejos engañosos. En la tradición nórdica se cree que son entes con nuestro mismo aspecto y que hacen nuestra vida antes de que nosotros lleguemos físicamente ahí. Hacen tus compras y rellenan tus formularios pero están huecos por dentro.
Si el Doppelgänger medieval era una sombra que pasaba entre los árboles del bosque, el nuestro es un maromo que vive en un dúplex y toma proteínas. Este superyó es el Patrick Bateman de American Psycho, y el Tyler Durden del Club de la Lucha, un consejero tenebroso más capacitado que su otro yo y dispuesto para la acción que pasa inadvertido entre nosotros.
Bateman, como las criaturas embadurnadas de grasa de Matthew Barney en Cremaster, pertenece a ese mundo ficción/realidad, pero al quitarse la mascarilla facial ante el espejo, descubre su verdadero ser pernicioso. La aparición del doble hoy en día nace de la insatisfacción con la vida que llevas, con las cosas que anhelas. Ese doble es aquel al que nada de esto le importa y es esencialmente feliz prendiendo fuego a los contenedores bio.
El monstruo moderno tiene muchas facetas y muchas maneras de formalizarse en las obras de los artistas. Gillian Wearing se autorretrata en su obra habitando la vida de otros: una camarera, un teenager fan del hardcore o la dueña de una autocaravana. El trabajo de esta artista británica es excepcional y está depurado conceptualmente funcionando como un catálogo social desde su perspectiva personal. Sus caras enmascaradas miran de frente, firmes y en apariencia seguras pero llenas de vacío existencial. Las facciones de sus rostros son las nuevas ruinas románticas de las pinturas de John Constable. En Wearing asoma la incertidumbre del XIX como se asoman los excursionistas de Friedrich a los acantilados de la isla de Rügen. Sus personajes esconden las emociones detrás de una careta inexpresiva con una actitud entre amenazante y amenazada.

Gillian Wearing. Fear and Loathing. 2014.
Cindy Sherman. Untitled #355, 2000
Cortesía de la artista y Metro Pictures, New York.

Cindy Sherman. Untitled #359, 2000
Cortesía de la artista y Metro Pictures, New York.

Cindy Sherman. Untitled #465, 2008
Cortesía de la artista y Metro Pictures, New York.

Jake & Dinos Chapman.
One Day You Will No Longer Be Loved XVII. 2008.
Cortesía de Jake & Dinos Chapman.

Simón García-Miñaúr.
Welcome to Introduction to Fractal Sex, 2015.
Cortesía del artista.

Stanley Sunday. Sin título.
Fotograma de video. Stanley Sunday, 2016. 
Cortesía del artista.

Stanley Sunday. Sin título.
Fotograma de video. Stanley Sunday, 2016.
Cortesía del artista.

En las figuras africanas de Jake & Dinos Chapman, lo que vemos es la cara ancestral del folclore perdido. En su caso, las piezas talladas en madera imitando el arte africano aparecen combinadas con elementos de logotipos comerciales como ídolos sagrados de una distopía. Galerías bien modernas como Peres Projects en Berlin, están curiosamente interesadas por el arte africano con todo lo desaparecido que estaba desde los cubistas. Por otro lado, los impresionantes maniquíes de los Chapman Two-Faced Cunt, Fuckface Twin o Tragic Anatomies tienen ese aura de representación del subconsciente. Las pieles y los cuerpos fundidos toman forma de mutante. Existe un juego en torno al tabú del sexo siniestro en zapatillas deportivas, juegos infantiles depravados.
La misma inocencia perdida está en las blancanieves de Paul McCarthy, unas veces son grandes bustos derritiéndose y otras son interpretadas por performers en las bacanales de sus películas. En buena parte de su obra se barrunta la idea del monstruo, tanto en sus esculturas hinchables como en sus instalaciones. Los videos de McCarthy podrían ser los precursores conceptuales del notabilísimo trabajo de los jovenes artistas Lizzie Fitch y Ryan Trecartin. Su obra en conjunto es un mundo que se presenta entre interiores mundanos del ámbito de lo domestico, gimnasios y chalets adosados de la clase media norteamericana. Allí se pone en escena un teatro coral de personajes histriónicos, versiones demenciadas de fans de estrellas pop adolescente y faunos actualizados. Su trabajo propone un análisis sobre la superficialidad y la comunicación entre recursos formales youtubescos, aparentes errores digitales y cromas abruptos. De nuevo nos topamos con la visión crítica de la burguesía parecida al trabajo cinematrográfico de Harmony Korine. En Spring Breakers Korine representa un Doppelgänger coral de Britney Spears. Su amigo James Franco interpreta al fantasma sin sombra, una especie de tipo siniestro con dentadura metálica que lleva a las protagonistas a cruzar el rio de la sociedad hasta las tinieblas.
James Franco tiene a su vez una obra plástica donde la infancia, la identidad y la cara b de la fama juegan un papel que funciona como un eje de todo el conjunto de su trabajo. Los maniquíes quemados o los autorretratos distorsionados son la consecuencia de la ingesta de la pócima del doctor Jekyll que da como resultado los actos de su Mister Hyde.
En los retratos de Cindy Sherman se vislumbra esa costra relativa a las clases sociales, el lado tenebroso de la asistenta o la abogada workaholic. La artista se disfraza y construye sus retratos sobreexponiendo las imperfecciones y exagerando las marcas de identidad, describiendo así sus arquetipos particulares. Smileys y emoji de aprobación para Sherman.

Jake & Dinos Chapman. Tragic Anatomies. 1996.
Cortesía de Jake & Dinos Chapman

Claudia Mate. Portrait at DDP(Seoul) for Camper.
Foto Yohan Ji. Cortesía de la artista.

El papel de la identidad digital no está fuera del análisis de los artistas. En su obra An Unexpected Visit, el artista español Simón Garcia-Miñaur señala con mucha gracia e inteligencia lo que igual es uno de los asuntos más interesantes: un hombre croma de existencia anodina tiene un encuentro sexual con un amante 3D, es decir, insípida vida real vs excitante apariencia de tu yo digital.
Llegados a este punto adoro mencionar el show de tv Sálvame como ejemplo de Frankenstein actualizado. Hecho a base de cuellos pochos, pieles con poros obstruidos por años de espeso maquillaje y cicatrices escondidas detrás de las orejas. Ver aquello en HD y sin sonido es la lección de anatomía de Rembrandt contemporánea. Sus tertulianos, una vez desdibujados y entendidos solo como facetas perniciosas de un estrato de la sociedad, reflejan las mismas cualidades que las caras de Sherman. Asomarse aquí es contemplar el manierismo moderno. Un camino que Orlan ya inició con la relación entre cirugía estética y arte, operando su cara hasta ver en el espejo a su propio alter ego.
La aparición de internet implicó un punto de inflexión en la creación de nuevas identidades, porque es en la red donde cualquiera puede convertirse en otra cosa. Claudia Mate es una artista reseñable en la grieta artística del doble digital. Mujeres 3D sobre-musculadísimas, intepretaciones jocosas de Miley Cyrus o autoretratos con rostros digitales ultra-retocados forman parte de su catálogo de criaturas que tanto éxito ha tenido en las redes. De fondo se puede percibir una crítica destacable a la fama y al estado de bienestar.
En un orden semejante las creaciones efébicas de Stanley Sunday aka David Domingo aportan frescura al tema. Más allá de lo simpáticos que puedan resultar al espectador sus videos, no nos equivoquemos, reflexiona con puntería sobre el hedonismo, la ficción y las diferentes capas del ídolo. En la cabeza de Bruce Willis por ejemplo, un niño de voz robótica nos ofrece la cabeza del icono cinematográfico en bandeja de plata como hiciera Salomé con la cabeza de San Juan Bautista.
El Ecce Homo de Borja es otro monstruo pero este, exquisito y colectivo. Una obra de Art Intervention involuntaria y un fenómeno que nada tiene de broma. El interés desmedido que tuvo la accidentada restauración probablemente reside en varios puntos: la farragosa cara estofada del Señor, la candidez y el arrepentimiento de la autora y en tercer lugar, el hecho de que el error diese como resultado otra obra aún mejor, reinterpretada por el público. En último lugar y más relevante, la observación por primera vez del Doppelgänger de Cristo. Éste aparecía con expresión turbadora y se convertía de una forma pintoresca en El Grito de Munch. El propio Nietzsche no habría conseguido tanta repercusión cuando anunció la muerte de Dios. Del mismo modo en el conjunto de artistas y hechos artísticos hay también una creación colectiva involuntaria que constituye el relato común del monstruo moderno, quemado, pulido, podrido, brillante, untuoso, pura costra y derretido.

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Lenguas, morros, tripas, caretas, mofletes, gónadas, sangre... Parece la cámara frigorífica de Hannibal Lecter. Pues, queridos y remilgados paladares, sentimos confesar que se trata de los ingredientes que componen
la mesa de operaciones de cada vez más restaurantes españoles y del más allá.
La tradición casquera experimenta un proceso
de dignificación que justifica que muchos cocineros se lancen a lucir mollejas y criadillas. Descuiden, no es casquería humana.

Gracieta aparte, un rápido vistazo al panorama culinario actual demuestra que las partes más pudendas y bestiales de los animales han dejado de esconderse y son ahora objeto
de análisis y reportajes gastronómicos. Son portada de revista. Como si el tuétano también mereciera su cuota de glamour. Lo que tantas veces ha sido carne de descarte, material
de baja reputación sólo apto para paladares curtidos y estómagos de amianto, hoy vive
su repunte amparado por la reivindicación de
la alta cocina. Los índices de consumo lo demuestran.

Si algo bueno nos reserva la burbuja gastronómica –o que, quien más quien menos tenga en la boca tanto una conversación foodie como un bao o una ensalada de espirulina-, es que llega un momento en que no se hace ascos a nada. Estamos en ese estadio. Y ya era hora, más que nada porque junto a tontadas insustanciales reaparece el gusto por saborear productos intensos, antes denostados por innobles pero dignos de una defensa razonable. Hay que tener en cuenta también que el abuso de la casquería, de alto valor proteico y hasta arriba de vitaminas y hierro, puede hacer que el contador del colesterol pite hasta en los arcos de los aeropuertos. Tampoco es materia prima sencilla para el cocinero. Requiere de una buena selección, un atinado corte y una reposada cocción. No todo vale.

En este contexto conviene hacer pedagogía y comenzar a adiestrar el gusto. Se recomienda por eso empezar por productos y recetas poco intimidantes, donde las texturas, elemento clave en la aceptación, queden en un segundo plano. El sabor hace justicia al producto,
no buscamos algo insípido cuando nos enfrentamos a un pulmón o a un hígado encebollado, pero todavía cuesta superar
la montaña que supone abordar un bocado gelatinoso, peludo, con ternilla. Francis Paniego, chef del Hotel Echaurren en Ezcaray, La Rioja, fue de los primeros en adoptar una visión nítidamente casquera para la alta cocina, siempre y cuando se dieran dos factores determinantes: mejorar la estética de los platos con órganos vitales y refinar su nomenclatura. Los emplatados deben entrar por los ojos, aunque se compongan precisamente de éstos. Hay que proponer juegos, engaños sensoriales, trampantojos visuales y gustativos. Así se logran los contrastes y que la pegada tenga equilibrio. La buena literatura, por su parte, ayuda a que el comensal visualice más atractivos unos  tendones de cerdo o un cuello de cordero.

TEXTO MIGUEL Á. PALOMO

Sollo. Corteza verde, corteza seca
(piel de esturión con mahonesa de
wasabi y sus higaditos).

La Tasquería.
Rabitos con anguila y queso
.
La Tasquería. Tacos de morros,
encurtidos y anchoas.
La Tasquería. Tacos de morros,
encurtidos y anchoas.
Álbora. Ensalada de berros con mollejas.
Venta Moncalvillo. Morros de ternera
“Homenaje a la Jefa”.

Kulto. Manitas Thai.
Un paseo por la casquería patria y global

Las vísceras comestibles siempre han estado ahí,
en el recetario popular de nuestra tradición casquera,
en los relatos centenarios. Lo teníamos delante y nos daba cosa. Y ahora resulta que es tendencia como el dashi o el kimchi coreano. Tendencia de mercado y de carnicero español, como muestra la vitalidad de negocios como el de Casquerías Óscar, con cinco tiendas repartidas por Madrid –algunas tan bien puestas como la de la calle de la Encomienda, en Lavapiés- y 80 años de experiencia acumulada ya en su tercera generación. El surtido va desde entraña de ternera a corazón de cordero, de asadurilla a morros, magro de cabeza y rabitos de cerdo. Sin salir de Lavapiés, en plena plaza de Cascorro, merece la pena parar en el bar Los Caracoles para pedir sus zarajos (tripas enrolladas en palo), monumental finger-food
a la española que subsiste plenamente en las plazas conquenses como en este entorno lo hacen las mismas gallinejas o los entresijos de verbena madrileña. Goza de buena salud la tortilla de Sacromonte, bien nutrida de sesos y criadillas, y las castañuelas (glándulas salivares) de cerdo ibérico, una exquisitez que tuvo su hueco en El Bulli y que en Extremadura se llega a engullir cruda como parte del ritual de la matanza.

La práctica de cumplir con estas piezas políticamente incorrectas no es costumbre exclusiva de España.
La proliferación de restaurantes de fusión asiática y latina nos ha recordado la afición de algunos países por su particular casquería local. Ya sabemos lo que son los anticuchos peruanos aunque menos el cau-cau de mondongo; nos atrevemos con los tacos de lengua mexicanos pero nos queda pendiente el caldo de menudencias típico de Colombia. En los restaurantes chinos de aquí, por otro lado, no abundan los intestinos y la sangre como en los locales de Shanghai. Aunque para entender lo que es el aprovechamiento total hay que viajar a Hong Kong e hincharse a dim sum rellenos con hígados de pollo o cerdo y con patas de casi cualquier mamífero,
o comprobar cómo un mismo pescado puede intervenir en distintas sopas y guisos según se utilice la piel, la carne o las espinas. Romper la barrera es una cuestión mental pues cada cultura tiene sus propios tabúes culinarios.

De los callos clásicos a la fusión y la casquería moderna y hasta marina

La pasión por la casquería en España ha llegado vibrante hasta hoy gracias a multitud de bares
y restaurantes que la han sostenido desde la retaguardia. Con humildad, estos locales han ido guiando hasta la ruta casquera a los entregados fans que buscaban rememorar platos de infancia y de hogar. Referentes del tapeo como Salamanca, San Sebastián, Cádiz o Logroño nunca han dejado de ofrecer mollejas, callos y orejas en su formato popular. Al mismo tiempo, restaurantes de producto se han erigido en templos de la cocina más visceral. En Valencia, el restaurante Askua despacha excelentes mollejas. En Barcelona, Ca L’Isidre es especialista en manitas, callos y sesos de corderito, preparados con manteca negra.
En Valladolid son conocidas las alcachofas con lengua a la plancha y trufa de Villa Paramesa, en donde tampoco faltan las orejas con mojo, las mollejas o los callos “hechos por mi madre”. La Venta de Moncalvillo, cerca de Logroño, rinde pleitesía a este recetario con platos como sus morros de ternera “Homenaje a la Jefa”,
el más longevo de su carta, presente desde el arranque y que alude a la matriarca. Imposible de abarcar tanta oferta, uno puede acabar en
La Tasquilla, en Rodalquilar, y encontrarse con unas mollejas con caldereta asada, zanahoria
y coco o con unas delicadas manitas con langostinos recién incorporadas a la carta.

Pero es Madrid la ciudad que acumula más puntos de interés para satisfacer las ansias de sangre y matanza gastronómica. Juanjo López incluye en La Tasquita de Enfrente un plato de callos como está mandado y otro de tuétano
al horno. Las mollejas del Álbora tampoco se olvidan fácilmente. Ni los sesos a la romana
de Sacha, ni el tuétano en su caña y los callos asturianos de Aldaba, ni las manitas de lechal en su salsa y el mix de casquería (hígado de ternera encebollado, sesitos a la romana y criadillas de toro español) de De La Riva. Otros maestros indiscutibles son el chef Abraham García, en cuyo caso recomendamos acompañar los entresijos del Viridiana con la lectura de su libro De tripas corazón, y Julio Reoyo, padre de los míticos callos de El Mesón de Doña Filo, uno de esos sitios en los que la casquería es religión. Tampoco se quedan atrás los callos tremendos de El Fogón de Trifón e incluso los de Kulto, elaborados también por los mismos cocineros en la taberna Trasteo de Zahara de Los Atunes –además de un pulpo glaseado al wok con jugo de callos y oreja frita- y que cumplen con la espesura soñada. Allí mismo disfrutamos de unas épicas manitas thai con garbanzos, curry y calamares con las que viajar lejos sin movernos del distrito de Retiro. El de Kulto es además un perfecto ejemplo de cómo algunos jóvenes suman un estrato más original al saber enraizado de la casquería. Finalmente, y sin salir de la capital, la influencia mestiza toma rumbo a México, con el tuétano a la brasa con salsa molcajateada y majado de hierbas de Punto MX, al Perú, con los anticuchos de Astrid y Gastón, y al mismo Perú criollo fusionado con China, con la lengua de cerdo a la vinagreta china del Chifa, el comedor hermano pequeño del restaurante Sudestada.

Punto Mx. Tuétano a la brasa.
Foto: Rodrigo Vázquez.

La Tasquita de Enfrente.
Tuétano de vaca con caviar y puré de patatas.

La Tasquita de Enfrente.
Tuétano de vaca con caviar y puré de patatas.

La Tasquita de Enfrente.
Tuétano al horno.

La Tasquita de Enfrente.
Callos.

La Tasquería.
Sesos con mantequilla negra
y alcaparras.

Cal Isidre. Manitas de cerdo.
Francis Paniego. Asaduras.
Francis Paniego. Sesos lacados.
Como este cantar trata del nuevo impulso experimentado por una cocina considerada previamente de bajo rango, hacemos justicia
a los tres últimos puntales de la nueva creatividad asociada a la casquería o los descartes: el ya mencionado Francis Paniego, Javi Estévez y Ángel León. Cada uno a su estilo y con su propia dimensión, los tres cocineros abren puertas a la acostumbrada concepción rígida de estos productos. El primero de ellos ejerció de cerebro –con toda la intención lo decimos, de ahí sus fotos en las que aparecía ensoñando una sesera como si fuera a ser trinchada y salteada con un Borgoña por el Doctor Lecter- de esta reivindicación cuando destapó el tarro de las esencias en una de las ponencias de Madrid Fusión 2014. Ya había pisado este espinoso terreno en 1998, aunque Paniego tuvo que abortarlo por su limitación comercial hasta que eligió tema para aquella clase maestra. Con el objetivo de desmitificar la casquería, su ponencia quiso repensar la versatilidad de estos productos separados de la musculatura cárnica. Aquella puesta en escena supuso un aldabonazo al mostrar cómo superar los prejuicios y cómo encarar esta cocina con sentido del humor. Los sesos lacados, el ¿corazón o pichón?, las orejas como cocochas al pil pil… Aquella experimentación todavía perdura. Desangrar y gelatinizar corazones, limpiar pieles, rebanar orejas, extraer cartílagos, blanquear sesos… De ahí a emprender viaje hacia símiles asiáticos o ceñirse más a recuerdos europeos
y españoles. Todo es empezar.

Casi al mismo tiempo que Francis Paniego mostraba el camino, el televisivo Javi Estévez (fue concursante de Top Chef antes de ser nombrado Cocinero Revelación 2016) se establecía en La Tasquería de Madrid, un renovador concepto en el que la casquería ocupa el foco central pero se presenta con una estética actualizada y sugerente. No hay grandes aportaciones a la revolución, pero sí un punto resuelto y desenfadado por el atrevimiento que supone lanzarse al ruedo con la base de un material que hay que saber vender. Al fin y al cabo, Estévez había mamado la receta de los callos de Julio Reoyo, con lo que cabía esperar su buen hacer a la hora de desenvolverse con unos tacos mexicanos de morros, unos rabitos fritos también de cerdo con anguila o una tortilla
de sesos de cordero con erizo. Entretanto surgieron sinergias mano a mano con el chef del Echaurren y recorrieron las redes sociales bajo el hashtag #somoscasqueros.

Por último, el chef del mar y compadres.
Si estamos por romper esquemas, pocos como
el cocinero Ángel León. Desde su restaurante Aponiente, ahora a bordo de la nueva sede en un molino mareal, el sevillano aunque gaditano de adopción lidera una cruzada
en defensa del pescado de descarte.
En Fuengirola, asimismo, el restaurante
Los Marinos José
aprovecha los hígados
y las huevas, mientras en Sollo, el chef del caviar Diego Gallegos vacía peces fluviales para cocinar sangre, huevas y vejigas.
Si la casquería de cerdo, cordero o ternera despierta recelos, qué decir de la casquería marina. Los escrúpulos se multiplican. Empeñado en dicha labor, Ángel León salva especies no siempre afortunadas como lo son las caballas, los jureles o las pescadillas. Esta temporada rescata los lenguados albinos. Los primeros pasos en su camino hacia la tercera estrella Michelin se dieron con platos tan fotogénicos como la emulsión de higaditos
de pescados de descarte, con alga nori y café
o con la royal de sangre y piel de morena rellenada con este tipo de pescados aparcados durante algunos días. Hoy, la experiencia tiene forma de descartes en arcilla al pan frito, por ejemplo, aunque echamos de menos la molleja de albur. Este Neptuno de los fogones bucea en el análisis de las propiedades del humor vítreo o de las texturas pre mortem y post mortem del pescado de la bahía de Cádiz y nos invita a chapotear en los secretos del mar sin que quepan grumetes melindrosos.
El recetario de la casquería se estiliza y flexibiliza. Devoramos despojos y entrañas, pero no a lo Walking Dead, sino como educados gourmets.


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ICONO ANDRÉ LUIZ GOLLO
@ NOUN PROJECT
TEXTO SILVIA SUÁREZ
Las comparaciones son odiosas pero, en cuestión de estilo, a este quinteto de la ciudad condal podría comparársele con bandas históricas de finales de los 60 y los 70. Sin embargo, el psychorock que transpira de su fórmula experimental y garajera es único en su especie y, una vez experimentado en directo, difícil de olvidar. Con un EP y varios singles editados, esta joven banda está a punto de pasar la prueba de fuego con un primer largo.

Pandilla:
“Hace más de seis años que tocamos juntos y también con otros amigos del colegio, por pura diversión. El hecho de poder crear y componer nos alucina. Se podría decir que es de lo que más orgullosos estamos: de nuestros colegas y de la música influyendo en nuestras vidas”. Debut: “Acabamos de lanzar el segundo single de adelanto de nuestro primer álbum de debut, que saldrá a finales de octubre. Estamos muy ilusionados y trabajando a tope para que todo quede perfecto”. Hippie Rock: “Nuestra música está inspirada en un movimiento cultural que implica muchas ideas, por lo que es mas amplio decir que tocamos rock de finales de los 60’s o ‘hippie rock’, que nombrar a bandas como Pink Floyd, The Doors o the Who, de las cuales podemos aprender pero no somos igual que ninguna de ellas”. DIY: “Nos hemos costeado la gira nosotros mismos porque aun no hemos conseguido llamar a la puerta de alguien que de verdad nos interese y, sobre todo, con el que nos sintamos a gusto. El dinero puede hacer muchas cosas, pero no puede hacerlo todo”. Asignatura pendiente: “A medida que hemos ido dando conciertos hemos notado que tenemos mejor ambiente con el público y que nos es más fácil pisar el escenario; aun así ninguno de nosotros ha saltado todavía al público...”. Próximamente: “Tocamos en casa por partida doble (el 16 y 23 de septiembre) y después pasaremos por Valldoreix (17), Murcia y Orihuela (el 7 y 8 de octubre)”.

Escucha ‘Hippie Girl Lover’ en Spotify y Souncloud
Foto: Leo López
No conocíamos muchas bandas de origen canario que tuvieran cabida dentro del término indie, mucho menos en el del subgénero de la psicodelia. Para más inri, a los cromosomas isleños de Luis, Toni y Ale se les unió Dani (el madrileño del grupo) para poder dar rienda suelta a una refrescante y cuidada mezcla de sonido experimental que no ha tardado en conquistar Malasaña y que va camino de hacerlo más allá de
nuestras fronteras.

Modular Pop: “Hay muchas bandas dentro de la denominada neopsicodelia, así que creemos que es un término que se queda corto para todo lo que recoge. Grupos que admiramos como Whitney o Pond son distintos entre sí pero tienen un nexo en común: las características de producción que utilizan a partir de las modulaciones de sonido. Parte de la idea del nombre también viene del sello australiano Modular People, que son unos precursores de este género”. Chicas: “En su día empezamos a tocar para ligar. Después por los Beatles y después para ligar otra vez”. Festivales: “Hace poco tuvimos la oportunidad de tocar en el FIB y fue una locura. Ciento cincuenta mil guiris volviéndose locos, ebrios de pasión y desenfreno y nosotros unidos a la causa. Es otra dimensión a nivel organización y todo lo que rodea el festival en contraste con otros eventos. Emborracharnos con Mac DeMarco mientras nos bañábamos en la piscina o jugábamos al futbolín y escuchar de fondo a Kendrick Lamar, que estaba justo al lado actuando, es toda una experiencia”. Grabando: “Tenemos muchas ganas de estrenar los temas nuevos. Siempre nos gusta lo que tenemos entre manos, aunque a veces pasan unos meses y abandonamos cosas que nos encantaban”. Inconformistas: “Ya sea con el sonido o las creaciones visuales; siempre estamos dándole vueltas a todo”. Próximamente: “El 16 de septiembre en el Villa de Bilbao, el 27 en Madrid y el 15 de octubre en el Monkey Week. Del 19 al 22 estaremos de gira por Francia”.

‘Exofase’ puede escucharse en Spotify y Souncloud

Pedro, Calde y Esteban son tres artistas audiovisuales que no pueden vivir sin la tensión del directo. Quizá sea algo que no se entienda hasta que no se ve al trío gaditano en acción pero, mientras que su música llama a consumirse en movimiento, su directo es efervescente, divertido y no tiene nada que envidiar al de otras figuras de la electrónica y el synthpop con quienes les comparan. Tampoco el inglés que exhiben en las letras de Cangrejo Yeti, su disco debut, que comenzaron presentando en el FIB y que les tendrá ocupados hasta bien entrado el otoño.

Proyecto: “Llevamos en la música desde antes de que nos crecieran los pelitos del bigote. Con Perlita, hace unos tres años. Dando conciertos secretos y moldeando el espíritu del grupo hasta llegar al actual”. Identidad: “Nuestro estilo es dispar, ecléctico e imprevisible. Hacemos pop altamente electrizante y electrificado, con melodías pegadizas, un dubstep algo melancólico y mucho sentido del humor, todo pensado para hacer bailar. Es como una explosión de sonidos de otra época pensada para escuchar en el futuro”. Mezclas imposibles: “Nos dicen que somos un cruce imposible entre Jean Michel Jarre, Spandau Ballet o Talking Heads. Unos Hot Chip encabezados por Freddie Mercury. Un Dan Deacon pasando por un filtro Disney los mejores temas de Air… Todo eso han dicho en medios nacionales e internacionales, entre otras cosas”. Fans: “En uno de los primeros conciertos de esta gira, en Tomavistas, vino una niña de diez años con el disco en mano a que se lo firmáramos. De motu propio, sin que ningún adulto la guiara ni nada. Nos pareció un gran halago”. Colaboración: “Nos encantaría hacer algo con Dan Deacon. Hace poco le conocimos en Benicassim y nos pareció un tipo entrañable”. Próximamente: “Nos quedan algunas fechas de festivales, como el Monkey Week… El 30 de septiembre estaremos en la sala Sol
y en primavera planeamos un pequeño tour por Japón”.

Escucha a Perlita en su Soundcloud:
https://soundcloud.com/weareperlita

Presumiendo de ganas de pasarlo bien y con esta premisa como objetivo prioritario, este cuarteto quasifemenino- ya conocido en el circuito indie de su Barcelona natal como “las Aloha”, a pesar de contar con Álvaro a la batería- canta sobre festivales, chascos amorosos o viajes inesperados. Lo que en su día fue un experimento, se ha convertido en una temporada imparable por los escenarios de la ciudad condal y un primer EP bajo el brazo, estrenado hace solo unos meses. Un soplo de frescura, actitud
y buen rollo solo aderezado por algún que otro adorno tropical
en el escenario.

FEA: “Empezamos a tocar hace dos años, cuando decidimos que queríamos montar algo, porque cada semana íbamos de conciertos y nos empezó a picar el gusanillo de hacer algo nosotras. Un día vimos el anuncio del concurso Festival Electropop Alternativo (FEA) y aunque no era del rollo que tocábamos, nos quisimos presentar para echarnos unas risas... Tantas que, increíblemente, lo ganamos. Nos lo pasamos tan bien que quisimos seguir haciendo cosas, así que empezamos
a tomárnoslo en serio, a ensayar y a buscar bolos”. Barcelona: “Es difícil encontrar sitios para tocar, pero una vez estás dentro del mundillo hay mucho compañerismo y, personalmente, creo que nos han acogido muy bien”. Fans: “Lo que más nos gusta es cuando, después de tocar, se nos acerca alguien del público a decirnos que se lo ha pasado genial. Nos quedamos con eso”. Fiesta tropical: “Esa sería una buena definición de lo que hacemos”. Próximamente: “Nos morimos de ganas por ir al Monkey Week en Sevilla y también pasaremos por alguna otra ciudad durante el mes de octubre”.

Escucha Varadero en alohabennets.bandcamp.com
y su nuevo single, ‘Púdrete’, en Spotify

“Orgánico, compacto y simple, pero eficaz” dicen Nacho y Xavi, guitarra y batería respectivamente, a la hora de definir el motivo de su unión musical. No en vano muchos aseguran que dos es el número perfecto para alcanzar el éxito y, en el caso de estos amigos y residentes en Madrid, está resultando una apuesta segura. Mientras que comparten escenario en la escena local (han tocado junto a Solo Astra o
Los Ramblings), preparan nuevas fechas y temas que precedan a
su EP y más reciente doble single en formato vinilo.

Orígenes: “Empezamos a tocar por el sexo. O por el amor profundo a la música”. Vinilo: “Probablemente lo que más nos enorgullece es haber tenido la suerte de sacar un single en vinilo con Tuzz Records. Ese trocito de dinamita siempre estará con nosotros”. Europa: “Acabamos
de volver de París, donde dimos uno de nuestros mejores conciertos arropados por nuestros grandes amigos los Travel Check; el público dándolo todo, las cervezas volando... ¡Fue inolvidable! Aunque sin duda la guinda del tour la puso Ámsterdam, donde tuvimos la suerte de vivir unos días alucinantes entre sus canales. Rara vez hemos visto tanto buen rollo como en DePeper, un bar vegano donde nos trataron fenomenal, descubrimos nuevos sabores y dimos nuestro primer concierto en tierras holandesas”. Verano: “Ha supuesto 4800 kilómetros de risas y musicote, noches bajo las estrellas a la intemperie con guitarreo y mucha cerveza. Además de viajar, hacerlo por la música es lo mejor que te puede pasar. Tall Juan nos encanta y compartimos escenario con él en Pacific Park (Holanda), además de con el sudor y el bailoteo como colofón de lo que fue un tour suave como el peligro. Ya tenemos ganas de volver a las carreteras”. Futuro: “Ahora estamos haciendo nuevos temas y probando cosas. De momento no hay prisa, pero cuando llegue el momento volveremos al estudio”. Colaboración soñada: “¡Los Go!Zilla!”. Próximamente: “El 9 de septiembre en la sala Phantom de Madrid”.

Shoot/Colours In The Street ya está disponible en
su bandcamp (dinamitabrother.bandcamp.com)

Foto: Sergio Albert
Este cuarteto, mitad gallego, mitad madrileño, que empezó tocando en fiestas underground ha convencido a la crítica y público más trendsetter de la capital en poco más de un año. Lo mismo que tardó el madrileño sello Subterfuge en echarles el ojo gracias a una efervescente mezcla de new wave y post-punk de alto voltaje.

Inicios: “Empezamos en abril de 2014, en septiembre sacamos nuestro primer EP homónimo y en noviembre hacíamos nuestro debut como banda en el Ochoymedio Club, junto a El Columpio Asesino. Supongo que teníamos demasiadas cosas en la cabeza como para no sacarlas.
El hecho de que cada uno de nosotros tuviese proyectos desde temprana edad nos ha hecho madurar y dar forma a lo que hoy es White Bats”. Madrid: “Después de tocar en salas tan míticas como La Riviera, Joy Eslava o El Sol, y en algunas otras del resto de España, fichamos por el sello Subterfuge Records en septiembre de 2015. Tocar con gente como Neuman, Cycle o El Columpio Asesino es un sueño”. Sold out: “Parece que nos hemos hecho cierto hueco y nombre, aunque no sea especialmente grande todavía. Ver a la gente disfrutar en nuestros conciertos y que se sepan las canciones es algo mágico, que realmente nos llena y nos hace estar orgullosos. Al final quedan todas las experiencias vividas y la gente que hemos ido conociendo por el camino”. Estilo: “Nos gusta que la gente se deje llevar por nuestras canciones. Jugamos con la dinámica, los detalles, las atmósferas... Pueden sonar hasta nueve sintes en una canción pero todo tiene su lugar definido. Sobre esta base se montan el resto de instrumentos (batería, bajo, guitarra y voz). Suelen ser canciones largas pero siempre buscamos una explosión de sonido”. Producción: “El pasado mes de enero lanzamos nuestro segundo EP, ‘Complex Echoes’. Ahora queremos centrarnos en terminar de componer y grabar lo que será nuestro primer largo”. Próximamente: “Estaremos en el Monkey Week, en Sevilla,
del 13 al 15 de octubre”.

Complex Echoes puede escucharse en Spotify
Dicen que a La Castanya, sello que comparten con referentes del género como Nueva Vulcano o Aries, les convencieron las “guitarras lánguidas” de este trío formado por tres chilenos y un catalán residentes en el Raval barcelonés. También dicen que fue su precisión a la hora de ejecutar un pop psicodélico próximo al de bandas como Beach Fossils o Real Estate. Lo que está claro es que llevan un par de temporadas de éxitos imbatibles y que están camino de conquistar el resto de la península de la mano
de Jägermusic.

Pink Floyd: “Una de las razones por las que empezamos a tocar fue porque vimos demasiadas veces el Live at Pompeii de Pink Floyd”. Skate: “Nuestro nombre está inspirado en un team de skateboarders de los 60. Hay una película sobre ello, así que hablando de esto con la emoción y patinando nocturnamente dijimos: ‘hee… Zephyr Bones?’” Cercanías: “Tres de nosotros dividimos el tiempo entre tocar en un cercanías de Barcelona a Sant Vicens de Calders, y la banda”. Gira: “En el Low Festival a uno de los integrantes del grupo se le incendió la cabellera. Otro gran momento fue cuando la furgo se quedó sin batería y acabamos empujándola en medio del desierto”. Grupo: “Lo que más nos enorgullece es tener a Marc, un killer machine a la batería”. Similitudes: “Por lo general nos comparan con grupos como Echo and the Bunnymen, Wild Nothing o The Drums, bandas que no escuchamos tanto pero con las que sí tenemos cosas en común (¡dame mas reverb!)”. Covers: “Nunca nos ponemos de acuerdo para las covers, pero si tuviéramos que hacer un tributo sería a Buena Vista Social Club”. Un deseo: “Nos encantaría tocar con DIIV”. Próximamente: “Estaremos de gira con Boogarins
el 7 de septiembre en Madrid, el 8 en Barcelona, el 9 en Oviedo, el 16
y el 17 en las fiestas de Poble Nou (en el Hi Jauh USB). Además de eso:
Grabar-mezclar, grabar-mezclar, grabar-mezclar...”.

‘Black Lips b/w Surrounded by Sunflowers’
ya está a la venta y disponible en Bandcamp


Camisa & Sujetador JUAN VIDAL + Pantalón CARHARTT WIP + Gafas GIVENCHY + Collar MARQUISE

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Sujetador RUBÉN GALARRETA + Camisa DIOR Homme
+ Bomber JEAVEN & JELL + Pantalón LEVI’S Vintage Clothing
+ Gafas FENDI + Collar MARQUISE

Camiseta & Zapatillas ADIDAS ORIGINALS + Americana SANDRO + Pantalón MANÉMANÉ
+ Gafas CARRERA + Reloj NIXON + Collar MARQUISE

Bomber & Gafas GUCCI + Camisa LOVE MOSCHINO + Collar MARQUISE

Blusa PALOMO SPAIN + Cazadora CARHARTT WIP
+ Guantes MM6 MAISON MARGIELA

Bata PALOMO SPAIN + Gafas FENDI

Plumas TOMMY JEANS + Pantalón & Sobrefalda DSQUARED2
+ Mochila HERSCHEL + Reloj SWATCH + Collar MARQUISE

Jersey CUSTO Barcelona + Falda Pantalón REYDELBOSQUE + Cinturón SOLOLAVERDADESSEXY
+ Medias WOLFORD + Zapatos ART x DAVIDELFIN
TEXTO SILVIA SUÁREZ
Los Ángeles: “Me gustaría tener una finca y vender vegetales. Ahora te hablo desde un pedazo de tierra pequeñísimo y más seco que el desierto, así que no creo que cuente ni como jardín”, dice un Barnhart de un marcado acento venezolano que a veces oscila hasta un inglés con regusto californiano. Esto es porque el músico, que nació en Texas pero vivió en Venezuela de los 2 a los 14 años, se ha mudado definitivamente a L.A., donde trabaja y ha montado en casa su estudio de grabación. “No encuentro demasiada diferencia con Nueva York, porque allí vivía en un barrio muy lejos de Manhattan. Pero tampoco hubiera podido tener ni un poco de jardín como tengo ahora”. En el barrio latino donde reside en la actualidad ha compuesto y grabado íntegramente su nuevo disco, Ape in The Pink Marble, siguiendo religiosamente una rutina (nada más acabar de grabar un disco, comienza a componer el siguiente) que, en este caso, se ha invertido ligeramente: “Al terminar el disco nos miramos y pensamos: wow, pasamos un año haciendo algo que suena como si lo hubiéramos hecho en un día. Lo más curioso es que en todo este tiempo las canciones pasaron de estar muy limpias a sonar como si fuese la primera vez que las tocásemos. Fue interesante, como si trabajásemos al revés.”
Los 90 y Suede: “La primera vez que no oí salsa, merengue o super radio cuando llegué
a los Estados Unidos fue Nirvana, y eso me afectó mucho. Sin embargo no creo que haya sido mi mayor influencia, aunque inicialmente su bajista [Mat Osman] iba a tocar el acordeón en este nuevo disco, pero no pudimos encontrarle una canción para ello”. Sí que hay un tema inspirado en la primera vez que Devendra vio a Suede en concierto siendo un adolescente (‘Daniel’) y que está incluida en su anterior disco (Mala, 2013). “Creo que la razón por la que este álbum suena así es que es una reacción consciente a los álbumes del pasado. No sé si consciente es la palabra adecuada… cuando digo esto, quiero decir más bien intencionada. Sobre todo, que estoy muy lejos del último disco y de donde estaba cuando lo grabé.”
Carácter latino: “Es cierto que en el álbum no hay ninguna canción en español, pero no tiene nada que ver con el idioma, sino con el sentido del disco. Otras en inglés tampoco entraron, pero casualmente todas las españolas quedaron fuera. Así que tuvimos la idea de que el próximo fuese todo en español. Yo sigo escuchando mucha música latinoamericana y del resto del mundo; de hecho, en este momento estoy enamorado de Sumo, un grupo de Argentina que de hecho empezó en España.”
Arte: “Siento que todo el arte que he hecho es un juego que no tiene instrucciones. No sé si como un juego, como un sistema o una máquina. Personalmente paso la mitad del año dedicado a la música y la otra mitad dedicado a la pintura de óleo, y son dos disciplinas muy distintas. Sin duda son artísticas, pero me siento mejor sin mezclarlas. Si hago una cosa la mitad del día y otra en la otra mitad, siento que no me doy del todo a esa disciplina. Por ejemplo, si no dibujo en una semana, cuando empiezo a coger el lápiz no lo siento orgánico ni familiar, y los primeros tres o cuatro dibujos son terribles… Pero después empiezo a entender de qué va la cosa, soy capaz de meterme de nuevo en el sentido. Por eso me cuesta tanto alternar ambas técnicas.”
Yoko Ono: “La colaboración surgió como parte de la reposición de una exposición que ella hizo en los años 60 y que incorporaba el agua como elemento en su trabajo. Para mí fue tal honor que me invitara a participar que ahora pienso: qué suerte tiene esa persona, porque realmente no siento como que me pasó a mí. Es tan abstracto colaborar con alguien de la talla de Yoko Ono… Es la gran madre del avant garde”.

Japón: “Visité Tokio recientemente para una exhibición de murales y fue muy chévere. Me encanta Japón, es un lugar único en el mundo. Intento ir al menos una vez al año para conectar con mis amigos de allí y, sobre todo, conectar con esa libertad que tienen gracias a la disciplina. Hay una dignidad especial que la gente tiene en su manera de ser, de vestirse, de hablar… El respeto prevalece tanto que es común a todo y a la vez todo el mundo se siente respetado. Para mí esto es algo muy fuerte y que no existe en ningún otro lugar”.
Donald Trump: “Es realmente difícil encontrar una cosa buena cuando hablamos de este desastre llamado Trump. Lo único bueno que encuentro es que por este motivo, todo el mundo tiene que participar mucho más en la política. Es como en el Brexit; el día después de la separación con la UE, la cosa más googleada en Inglaterra era qué es la UE y qué es el Brexit. Es un tragedia pero creo que al mismo tiempo son hechos que han forzado a que la gente participe un poco más y yo no soy una excepción; es decir, soy un artista, no me importa una mierda la política y siempre que he hecho alguna cosa filantrópica es porque es personal, íntima. Pero creo que esto ya no va a valer más, sino que hay que utilizar todas las posibilidades que se tienen al alcance para despertar la conciencia social de la gente y votar en cualquier circunstancia. Porque cualquier cosa va a ser mejor que Trump. En realidad, creo que la otra cosa buena de este personaje y la ignorancia de sus ideas es que han hecho que se escuche más la voz de la gente mexicana, latina o musulmana en Estados Unidos. Quizá es la única forma de que exista un diálogo, porque todas estas ideas no tienen tanto que ver con el hecho de ser americano sino con la falta de educación o con el miedo.”
Venezuela: “La última vez que fui a Venezuela hice un pequeño show, casi secreto, para ayudar a los niños de un hospital de Caracas. La realidad es que todo el mundo sabe la situación de allí y lo peor es que nadie puede hacer nada porque el gobierno no solo no da nada a la gente sino que tampoco acepta ayuda externa. Yo no puedo salvar a todo el país, pero sí hacer que un pequeño grupo de niños puedan comer, aunque esto signifique pasar la comida y las medicinas, cómo se dice, ¿de contrabando? Si mandamos el dinero, allí no pueden comprar nada.”
The Strokes y España: “El hecho de que Fab [Fabrizio Moretti, batería de los Strokes] colaborase con nosotros en la última gira por Europa y EEUU fue algo fortuito, porque él tiene otro grupo un poquito más grande que el mío y ahora está un poco ocupado (risas). Por entonces mi baterista habitual estaba grabando y no podía venir. Ahora queremos volver a España y tenemos una gira a lo grande planeada allí, aunque aun no sabemos cuándo. Lo que sí que tengo claro es que esta vez quiero ir a Mallorca y Menorca.”
Colaboraciones: “Tengo pendientes unas cuántas. Me encantaría trabajar con Meredith Monk, que es mi cantante favorita, y también volver a colaborar con Anohni [ya trabajaron juntos en el I Am A Bird de Anthony &
The Jonssons, en 2005]. Hay muchas bandas españolas con las que también me gustaría hacer algo… A poder ser, en vasco. Creo que
es un idioma perfecto para el punk-rock.”

“Ape in Pink Marble” está editado por Warner Music y estará a la venta el 23
de septiembre

Inicios: “Todo empezó por casualidad. Un amigo que acababa de terminar su home studio me preguntó si rapeaba por aquello de ser el único chico negro del pueblo. Le dije que no, pero por aquél entonces era el cumpleaños de mi (ex) novia y una canción me parecía un muy buen regalo. Lo hice, me picó el gusanillo y allí comenzó todo”.  Familia: “Al principio mi música les parecía horrible, pero ahora me apoyan. No vengo de una familia que haya tenido escarceos con ninguna disciplina artística. Todos mis primos y tíos son abogados, ingenieros… profesiones aburridas” (risas).Los Ángeles: “La gente de Red Bull me estaba siguiendo y mi proyecto les parecía lo suficientemente interesante como para implicarse y prestarme ayuda para desarrollarlo. Era un sueño para mí ir a L.A. desde siempre, y encima ir por mi música es lo más bonito que me ha dado hasta ahora. Fue una experiencia increíble, los Red Bull Studios, el equipo humano y el espacio eran de diez”. Directo: “La idea es amoldar las canciones en directo para que sean más dinámicas, las baterías cobran más importancia. Como todo, para hacerlo bien empleamos mucho tiempo de preparación”. Componer vs actuar: “Siempre había disfrutado más componiendo, pero en el último año las actuaciones han cobrado importancia, ya no por la creciente asiduidad, sino para mí personalmente, en el sentido artístico es algo que me está llenando bastante”.
SXSW: “Fue genial ir, es un festival maravilloso que te permite conectar con mucha gente de la industria. La ciudad bulle música durante toda la semana. Aparte de nuestros conciertos, que fueron bastante bien, tuve la oportunidad de ver en directo a Blood Orange, Tory Lanez o Chairlift en espacios o salas bastante pequeñas. Todo un lujo”. Londres: “Los conciertos allí han ido muy bien, la gente se sorprendía cuándo les decíamos que veníamos de Madrid. Los conciertos con Jessy Lanza fueron los más difíciles a priori porque siempre es complicado abrir para un público que espera a otro artista. Pero hubo conexión con ella y con su público y nos lo pasamos muy bien. Tal vez repitamos”. Redes sociales: “Soy bastante reservado y las redes sociales no me gustan mucho, pero intento estar en contacto con la gente que me sigue o sigue mi trabajo”. Proyectos: “Una gira, la publicación de mi segundo EP y empezar a trabajar en algo más largo”.

www.johnsynthgray.bandcamp.com
Formación: “A los 21 sabía que quería dedicarme a la moda, con 18 no tenía ni idea. Me rondaba la cabeza, pero era demasiado sensata como para lanzarme a estudiar diseño. Por ese me licencié en Publicidad y RR.PP, de lo cual no me arrepiento. Me ha permitido tener una visión más global de la moda. A los 19 hice mi primer curso de diseño en Londres, y desde entonces invertí cada verano en seguir formándome. El centro que más me ha marcado es en el que menos tiempo he estado: Central St Martin’s. No solo es la escuela en sí, y la biblioteca, sino la importancia que dan a la fase de ‘research’. El concepto lo es todo, aunque no descuidan la ejecución. Su base se asienta en el poder de una idea”. Desfiles: “Desfilar en la MBBFW dentro del Hempel Award y abrir la semana de la moda china significó mucho. Fuimos portada del NY Times online, entre otros medios. A partir de ahí han surgido oportunidades de desfilar en otras pasarelas internacionales. El problema siempre es el mismo, los presupuestos. Ser joven creativo puede salir muy caro”. Colección: “Se llama Litost, es un sentimiento de infelicidad por algo que ha hecho alguien, y que no puedes superar a menos que esa persona se sienta como tú. Si lo hace se entra en un punto de equilibrio. Al final, esa idea de equilibrio la trasladé a la colección en forma de prendas pesadas y ligeras. Tendemos a pensar que esos 2 conceptos son contradictorios, pero yo pienso que pueden convivir”. Creatividad: “El frágil límite entre crear, ser diferente, aportar algo a nivel conceptual, y vender… es complicado. Litost es un proyecto en el que me he dejado llevar, sin pensar más allá. Puedo decir que es algo que me representa como creadora, pero también soy consciente de que tengo que vender sí quiero que esto sea sostenible”.
Jingüo by Laura Searle: “Nunca quise que mi nombre y mi marca fuesen lo mismo. Quería que mi ropa fuese la protagonista, no yo. Jingüo viene de un día, hace mucho, en el que ojeaba un libro de botánica con mi madre. En sus páginas se hablaba de la leyenda del Ginko Biloba, un árbol sagrado en China y Japón que me llamó la atención. Me puse a investigar y descubrí toda una simbología de dualidades que me resultó interesante. Finalmente, se ha convertido en parte de mí”. 

www.laura-searle.com
Fotos: ANNE ROIG
Iluminación: Carlos Babler
Dirección de arte: Lorena Mon
Modelo: Andrea Tivadar @ 5th avenue
Muah: Gloria Rico
Moda: Jingüo by Laura Searle

Fotos: ANNE ROIG
Iluminación: Carlos Babler
Dirección de arte: Lorena Mon
Modelo: Andrea Tivadar @ 5th avenue
Muah: Gloria Rico
Moda: Jingüo by Laura Searle
Fotos: ANNE ROIG
Iluminación: Carlos Babler
Dirección de arte: Lorena Mon
Modelo: Andrea Tivadar @ 5th avenue
Muah: Gloria Rico
Moda: Jingüo by Laura Searle
Jean Bechameil (París, 1964) lleva trabajando como escultor desde la década de los 90. También ha trabajado para el cine encargándose de los decorados de películas como Anticristo o Dancer in the Dark, de Lars Von Trier. Martine Feipel (Luxemburgo, 1975) estudió Bellas Artes en Londres, graduándose en 2002 y trabajando en diversos proyectos artísticos desde entonces. Fue en 2008 cuando ambos se conocieron y empezaron a trabajar juntos. En 2011 ya expusieron su trabajo en el Pabellón de Luxemburgo de la Bienal de Venecia con su trabajo “Le Cercle Fermé”, donde lo real y lo irreal y la percepción del espectador jugaban un papel fundamental. Desde entonces, su obra gira en torno al concepto de espacio y a nuestra relación con él. En su anterior exposición en esta misma galería de Bruselas, que tuvo lugar en 2014, exhibieron la serie “A Perfect World”, donde el dúo artístico tomaba como punto de partida la arquitectura modernista y utópica comprendida entre las décadas de los años 50 y 70 del siglo 20. La arquitectura y el espacio interior han sido una constante en su trabajo, sin embargo, en la serie “A Hundred Hours From Home” que exponen ahora en la galería Valérie Bach, la arquitectura pierde protagonismo frente a objetos cotidianos que aparecen ajados, abandonados, destruidos… una visión apocalíptica, decadente, de una civilización, la nuestra, vista desde un hipotético futuro. La pieza central de la exposición se titula “At Dawn”, está realizada en poliéster y fibra de vidrio, y en ella podemos ver apilados sobre un coche abandonado objetos rotos como una televisión y una radio. No será la única obra donde encontraremos este tipo de material audiovisual: radios, televisiones, altavoces, amplificadores… vuelven a aparecer en trabajos como “Moonlight Solitude”, donde toda esta chatarra tecnológica se apila de nuevo en un ejercicio de nostalgia, y también en un intento de plasmar esa sociedad nuestra del ocio y el bienestar que además ha supuesto la democratización de la cultura. El color blanco, también característico en sus instalaciones, y la utilización de objetos cotidianos, hace también que esta serie tenga un aire pop, pero añadiéndole un aura romántico y dramático, de un futuro que muestra nuestro pasado.

Del 9 de septiembre al 22 de octubre. Galerie Valérie Bach. Bruselas. www.galerievaleriebach.com
Entre cientos de emails, recibo uno de la estilista Ana Laguna. Sin leerlo miro las imágenes. Rememoran la edad de oro de la pintura neerlandesa. En estos retratos -dice Ana- puede intuirse a Rembrandt. Por cierto, la ropa que aparece es de Amai Rodríguez. Pero, ¿qué fue de Amai desde que dejó, en su momento, Cibeles? “Pasármelo muy bien, a pesar de tener que sobrevivir a esta gran crisis económica”, comenta la diseñadora. “Me mudé a Londres donde trabajé con la diseñadora Reem Alasadi. En esa época trabajo en tienda y como traductora, con poco tiempo, pero el suficiente, para disfrutar de Brick Lane. Luego regreso a España y me instalo en Barcelona donde estudio patronaje. Con la ayuda de trabajos a tiempo parcial, me centro en la ilustración y consigo varias exposiciones. También creo una marca de camisetas con un amigo. Y por amor al arte colaboro en diferentes blogs y publicaciones. La decepción y complicaciones de un país en crisis me obligaron a apartarme de la moda. Pero ahora, por fin, puedo decir que desde Barcelona y con amor estoy trabajando en lo que será mi tercera colección. Creo que todo este tiempo no ha sido en vano, sino necesario para reinventarme y no quemarme dentro de una industria gigante como la de la moda, que, a día de hoy, exige y se alimenta de tendencias y colecciones semanales”. Amai se crió en el Pazo de la Saleta en San Vicente de Meis (Pontevedra). “La Saleta ha influido mucho en mi creatividad. Tiene la capacidad de teletransportarme, es el lugar ideal para perderme y encontrarme de nuevo. Allí hago sesiones de fotos, algunas basadas en extraterrestres y otras muy románticas. En la actualidad, soy directora de arte del Pazo de La Saleta y viajo 2 veces al mes a Galicia para trabajar con mi madre y mi hermana, el mejor equipo del mundo. Ellas son las mejores guías para enseñaros este rincón paradisíaco y secreto de Galicia”. Por superstición, Amai no suele hablar de sus proyectos antes de  tiempo. Pero algo nos cuenta: “Mis planes son crear una marca prêt-à-couture Made in Spain, y a ser posible a precios económicos. Como adelanto, puedo decir que estará enfocada a la estampación, con prints dibujados a mano para aportar ese toque artesanal que busco. Una vez lanzada la mini-colección, presentada en pasarela o no, crearía una tienda virtual, y quien sabe si un espacio físico donde convivan diferentes disciplinas”.
El concepto de funcionalidad en la moda ha cambiado en los últimos tiempos. Antes, una prenda funcional se definía por su comodidad y su capacidad para protegernos de las condiciones atmosféricas adversas. A partir de ahora, a la moda se le exigirá mucho más. Por ejemplo, que no solo nos proteja a nosotros, sino también a la propia atmósfera. Eso es lo que hace la pieza “Human Sensor” creada por el artista Kasia Molga en colaboración con el científico Frank Kelly, profesor de salud medioambiental en King’s College de Londres. Su función es alertarnos de los niveles de contaminación en nuestro entorno más cercano. La pieza, un polímero acrílico cortado al láser y recubierto por una tela a modo de origami, reacciona cambiando su color y su gráfica ante las partículas contaminantes, casi siempre invisibles, que hay en el aire. Todo ello se pudo comprobar en una performance realizada durante la última semana de julio en las calles de Manchester. La información recogida durante estos paseos ha servido para crear un mapa de la contaminación de la ciudad cuyos habitantes han podido consultar en tiempo real a través de internet.
Este proyecto ha sido producido por Invisible Dust, una organización que conecta científicos y artistas,  en colaboración con el ayuntamiento de Manchester, nombrada Ciudad Europea de la Ciencia. En realidad no pretende crear una moda textil, sino una moda medioambiental para que todos, empezando por gobiernos y multinacionales, nos concienciemos de los problemas de la contaminación. La reducción de la esperanza de vida es uno de esos problemas. Las cifras son alarmantes. En Londres 9.400 personas mueren cada año por culpa de esas toxinas invisibles, las mismas que causan más de 430.000 muertes prematuras en toda Europa. El 80% de la población mundial respira aire asesino. De momento, el proyecto ha cosechado numerosos premios. Esperemos que todo esto no sea una moda pasajera y que la contaminación deje de ser una amenaza.

www.invisibledust.com
Inicios: (Louis) “James y yo nos conocimos en 2012 cuando un amigo común nos propuso unirnos a su banda. Después ambos dejamos ese grupo y le pregunté a James si le gustaría formar otro grupo conmigo. Había escrito un par de canciones que no encajaban con el estilo de la otra banda, se las enseñé a James y empezamos a tocarlas juntos en su casa. Los dos conocíamos ya a Riley y nos gustaba la idea de que se uniera a la banda, pero ella no sabía tocar la batería, así que nos pusimos muy contentos cuando finalmente decidió aprender. Empezó a tocar en el grupo inmediatamente, después de dar solo dos o tres clases”. La batería: (Riley) “Sí, es posible aprender a tocar la batería en solo un mes, aunque reconozco que no es una buena idea. Al principio solo podía tocar el mismo beat en cada canción y me sentía bastante frustrada. Ahora ya toco un poco mejor y no me pongo tan nerviosa en los directos”. Críticas: (Louis) “Las leemos todas, estamos un poco obsesionados con esto. Un gran momento fue cuando leímos la crítica de Everett True (The Guardian). Era la primera vez que leíamos algo sobre el disco y estábamos muy nerviosos, fue un gran alivio cuando vimos que no nos ponía a caldo”.
Chapter Music: (Louis) “A finales de 2014 grabamos dos canciones que pensamos editar nosotros mismos como un 7”. Chapter es una de nuestras discográficas australianas favoritas, así que pensamos que tampoco pasaba nada por enseñarles nuestras canciones y se las enviamos. Fue increíble cuando nos contactaron y nos dijeron que querían que hiciésemos un disco”. The Go-Betweens: (Louis) “Todos nuestros padres nos han apoyado, no solo el mío. En cuanto a las comparaciones… bueno, entendemos que haya comparaciones, lo que no nos gusta es cuando alguien escribe algo sobre nosotros y habla más sobre mi parentesco que sobre nuestra música”.
Directos: (Louis) “Ver inmediatamente la reacción del público ante algo que tu haces es la mejor parte de todo”. Próximos pasos: (Louis) “Vamos a mudarnos a Berlín el año que viene así que podremos girar más fácilmente por Europa, y seguramente grabemos nuestro próximo disco allí. Ninguno de nosotros ve el grupo como un hobby, sino como la parte principal de nuestras vidas. Y, por supuesto, dentro de nada, ¡nos vemos en España!”.

“Up to anything” está editado por Chapter Music.
The Goon Sax en directo en septiembre: día 22, Madrid, Teatro del Arte + día 23, Zaragoza, La Lata de Bombillas + día 24, Barcelona, sala por confirmar.


Nombre: “Para ser sincero no tiene ningún significado especial o relación con el presidente, simplemente sonaba muy bien, claro y directo. El nombre de un grupo refleja lo que es y Roosevelt es cálido y creo que muestra lo que soy”.
Comienzos: “Estuve en muchas bandas cuando era adolescente, desde los 13 hasta los 19. Me di cuenta que era bueno tocando instrumentos y a los 19/20 años empecé también a pinchar. Me parece interesante ver cómo consigues hacer bailar a la gente, tienes un feedback inmediato. Me di cuenta de que más que tocando me sentía cómodo mezclando”.
Trabajar en solitario: “Comencé tocando con una banda llamada Beat!Beat!Beat! y ahí tuve mi primera experiencia en cuanto a salir de gira se refiere. Ahora, en solitario, a la hora de de grabar toco todos los instrumentos en el estudio, así que es como si siguiera tocando en una banda”.
Vocación: “Llevo diez años tocando y girando y no me veo haciendo otra cosa, es el único talento que tengo, el de hacer música, así que nunca he pensado en si parar o seguir, tengo claro que esto es lo único que quiero hacer”. Estilo musical: “Si tuviese que poner una etiqueta a mi música sería música pop. Abarca muchas cosas y siempre me he sentido atraído por la cultura pop, gente como David Bowie, Prince o Michael Jackson”. Elliot: “Después de publicar este EP estuve de gira durante un año, pero tuve que hacer un parón por motivos personales, por eso es que ha pasado tanto tiempo entre el EP y el disco”.  Autoproducción: “Lo he hecho porque es la mejor forma de mantenerte fiel a tus ideas sin comprometerlas por ni con nadie. El proyecto Roosevelt es como un experimento para ver qué puedo hacer con los instrumentos que tengo, quizá en el futuro trabaje con alguien, tampoco me cierro a ello”. Roosevelt: “Le puse al disco el mismo nombre porque me gustaba y porque me recordaba al primer disco de Prince que se llamaba tal cual. Me gusta el mensaje que lanza, directo y contundente”. Directo vs. disco: “En directo la canción que más disfruto es Colours, pero en el disco todas son mis favoritas, no puedo escoger ninguna”.

“Roosevelt” está editado por City Slang y distribuido por Music As Usual.
Casi 13 años ha costado finalizar todo el proceso de creación para la rehabilitación del Castillo de Garcimuñoz. El inmueble pertenece a la Iglesia Católica y ha sido cedido temporalmente al Estado Español. Esta cesión no incluye la iglesia anexa en el lado sur. La superficie del castillo sin incluir la iglesia es de casi 2.000 metros cuadrados. La intervención, además de contribuir a reforzar y proteger los restos, persigue dos objetivos fundamentales: incluir una dotación pública de carácter cultural, y hacer visitables los espacios del antiguo inmueble habilitando ascensores, pasarelas y conexiones que salvan los abundantes desniveles y permiten la visita de los diferentes puntos de interés. En el diseño se ha respetado todo el complejo legado histórico, por ejemplo, la pasarela que recorre interiormente el muro norte separa la arquitectura del siglo 15, defensiva, de la arquitectura del siglo 16, de carácter más palaciego. La plataforma central separa los restos de una fortificación anterior de los del castillo tardomedieval. La dotación cultural  incluye: cine al aire libre; área de exposición cubierta y atemperada; zona de exposición al aire libre; biblioteca; área de ordenadores y videoteca; cocina; áreas de degustación y dos terrazas panorámicas. Todo tiene un carácter temporal, como explican desde el estudio de Izaskun Chinchilla: “Casi todos los elementos incluidos en el proyecto pueden ser transportados por dos personas y todos pueden ser desmantelados. Se trata de un proyecto completamente reversible. Desde el punto de vista tectónico, la intervención se asemeja más a un mobiliario adherido al inmueble que a una nueva construcción. Esto permite no solo la futura incorporación de otros usos, sino también futuras actualizaciones del equipamiento -con importante presencia de usos digitales- y el traslado de elementos obsoletos a otros emplazamientos.” El material que más se ha utilizado ha sido el acero galvanizado y pintado. Este material tolera una gran durabilidad con escaso mantenimiento y permite, tal como prevé la Carta de Atenas y los acuerdos internacionales posteriores, que la obra nueva se distinga con claridad de la antigua.

www.izaskunchinchilla.es
Suiza: “Mi madre emigró a Ginebra cuando tenía unos 20 años y mi padre fue detrás. Allí nació mi hermana y después yo. A los 14 años retorné a Galicia. Fue uno de los mayores cambios de mi vida. Al principio no me sentía española, y con el paso de los años tampoco suiza. Perdí el sentimiento de pertenecer a un lugar. La búsqueda de ese lugar es lo que me ha llevado a crear paisajes fantásticos”.
Formación: “Antes de estudiar moda, me licencié en Bellas Artes. Comencé a pintar grandes cuadros en los que el lienzo se convirtió en camisas, corbatas, suelas de zapatos o botones gigantes que yo misma fabricaba. En mis series fotográficas, la vestimenta también era protagonista. Tras Bellas Artes hice un máster en Maya y otro en Arte Contemporáneo. Y cuando comencé mi tesis doctoral, vinculada a la moda, me matriculé en Esdemga, donde la moda se concibe como arte. Es un proyecto muy diferente al de otras escuelas españolas. Ahora, en octubre, comenzaré a impartir la asignatura “géneros de punto” a los alumnos de tercer curso de Esdemga”.
Moda: “Para mí es un arte. Es la manera de llevar el arte a un objeto funcional. Me interesa mucho como medio de expresión: el espectáculo, la escenografía, el atrezzo… Llevo 8 años trabajando como artista con diferentes galerías y es extremadamente difícil vivir de ello. Creo que la moda, al tener una función, puede ser algo más fácil. En septiembre estaré en el showroom de MBMFW con 2 líneas. Una de piezas únicas, y otra línea más comercial y asequible. Después, lanzaré mi tienda online”. ITS: “Presenté mi colección en la categoría ITS Fashion, y me seleccionaron en ITS Artwork. Me pidieron que elaborara una pieza de pared, basada en mi colección, en la que debía incluir producto Swatch -patrocinador del premio-. Cuando conocí en Trieste a Barbara Franchin, directora del certamen, me dijo que le encantó mi colección y que luchó por sacarla a la pasarela, pero desgraciadamente cayó en la última ronda de votaciones“. Swatch: “Me han ofrecido trabajar en el Laboratorio Creativo de Swatch en Zurich. No tenía pensado regresar a Suiza, pero quizás tenga que aceptar que es mi destino. Es un país fantástico y aun tengo a la mitad de mi familia allí. Además, en comparación con los españoles, los sueldos son muy buenos”. Utopía: “Conseguir llevar el arte a la calle. Y eso puede hacerlo la moda. Me interesa mucho ese concepto de arte para llevar, el ‘art to wear’”.

www.sheilapazos.com

Fashion System: “Estamos en una época en la que hay mucha confusión. Lo demuestra la explotación de directores creativos por los grandes grupos del lujo, y el intercambio continuo entre ellos. Lo que cuenta son los números y sacar el ‘hit’ de la temporada que justifique las inversiones… No me extraña que ahora las firmas busquen directores creativos que vengan de entornos comerciales. El mercado está saturado y ya no es suficiente con  ser solo ‘artistas’”. Creación: “Me interesa mucho la parte ‘matérica’. La búsqueda de tejidos, hilos, patterns… con el tiempo he conseguido desarrollar una identidad que hace que mis colecciones se reconozcan por los colores, los jaquards, los puntos…”. Referencias: “He nacido en los 80. Mis referentes vienen de esa década. Sobre todo lo que es el tema street art. También me gusta mucho ir a tiendas vintage e investigar en archivos de finales del siglo XIX, al final encuentras cosas súper modernas”. Musa: “Los actores italianos de los 60. Creo que son un símbolo inequívoco de la elegancia masculina. También me gusta observar a la gente de la calle”. Punto: “Ya no estamos en los 80 con el boom de la moda y cuando todo el mundo vestía total looks. Antes había tribus… grupos que iban de Versace, Coveri… Ahora los buyers compran a los especialistas. A las big brands siguen comprando looks completos, pero cada uno se hizo famoso por una cosa (Hermès y sus bolsos; Saint Laurent y sus bikers), pero ahora se ha vuelto a comprar a los especialistas: el punto a quien sabe hacerlo, lo mismo con camisas y pantalones… Si vas a cualquier department store verás que está todo organizado por córners especializados”.
Gráfica: “El street art representa mi identidad. La gráfica fuerte, por lo que veo en tiendas online, funciona mejor por su impacto e inmediatez. Además, estamos saturados de básicos”. 3D: “Hay máquinas electrónicas que hacen cualquier tipo de punto en 3D. Me gusta mucho investigar sobre hilos y materiales. De hecho, en unos días lanzaré mi nuevo proyecto en colaboración con Zegna Garufa, un hilo muy especial que de momento es top secret”. Producción: “Todo está hecho en Italia. Produzco bajo pedido al final de las ventas en showroom. A veces pasa que prendas, que me han gustado mucho, no llegan a producirse porque no alcanzan los mínimos que exigen las fábricas”. Público: “Hombres con nivel cultural alto, y poder adquisitivo, que busquen destacar de la multitud”.

www.lucalarenza.com

Presión: “Llevamos mucho tiempo trabajando en nuestro disco y siempre existe esa incertidumbre acerca de qué opinará el público de tus canciones. Esa ansiedad, por decirlo de alguna manera, ahí está. No obstante, espero que la gente disfrute de lo que hemos hecho igual que nosotros hemos disfrutado en el estudio. Este último año ha sido muy bueno para nosotros, pero no queremos que se piense que somos unos novatos en esto de la música porque la banda ya lleva prácticamente tres años en activo. El álbum es la materialización de un proceso más largo”. Orígenes: “Anteriormente tenía otra banda diferente con Ollie, el otro cantante del grupo, cuyo sonido guardaba ciertos paralelismos con lo que ahora hacemos como Beach Baby. Ahora tengo 26 años, pero a Ollie le conocí cuando tenía 18 en una fiesta de Halloween en la que iba vestido como Malcolm McDowell en ‘La Naranja Mecánica’”. Evolución: “Antes de pasar a ser un cuarteto ya teníamos un gran número de canciones compuestas, aunque en los últimos dos años no hemos parado de escribir y el resultado ha ido a mejor. Por mucho que hayamos fichado por Island Records en ningún momento trabajamos bajo presión ni nada por el estilo. Hemos pasado muchísimo tiempo juntos y hemos mejorado como artistas de una forma muy natural”. Problema: “El tema más difícil de crear ha sido ‘Powderbaby’. A nuestro sello no le acabó de gustar la demo y volvimos a grabarla incorporándole una guitarra a lo Jimi Hendrix y un toque a Oasis y Stereolab. Finalmente ha acabado convirtiéndose en nuestra canción favorita. Más allá de esto no nos encontramos con grandes contratiempos en el estudio porque desde un principio teníamos muy claro cómo queríamos sonar”.
Letras: “Nuestras melodías son bastante luminosas, pero en lo que a las letras se refiere creamos un contraste porque no nos sale de dentro hablar de temas alegres. Preferimos focalizar nuestra atención en la soledad del ser humano y el malestar generalizado que los jóvenes vivimos con todo lo que nos rodea”. Ambición: “No tenemos ningún plan. Todo lo que nos está pasando ya es un sueño de por sí, por lo que lo único que nos importa ahora mismo es poder viajar alrededor del mundo y poder tocar en vivo nuestras canciones donde sea. Nuestro directo es muy enérgico y sonamos mucho más salvajes que en el disco. Espero que en breve podamos ir a España a demostrarlo”. 

‘No Mind No Money’ está editado por Island Records y distribuido por Music As Usual.
Anthony Goicolea nació en Atlanta (Georgia) en 1971, aunque tiene raíces cubanas, ya que su familia emigró de Cuba a Estados Unidos en 1961. Una historia de desarraigo que ha influido también en su obra, donde suele tratar temas como la historia, la tradición, la alienación o la identidad. En Georgia estudió pintura, fotografía y escultura, haciendo su debut artístico a finales de los años 90 con una serie de provocativos autorretratos. En sus inicios él mismo fue el protagonista de su obra, donde el mundo adolescente y los conflictos de género tenían también un papel importante. Después comenzó a experimentar con sus ya famosos y ambiguos paisajes, donde tanto el mundo rural como el urbano se transforman bajo su mirada en espacios inquietantes donde no hay prácticamente presencia humana, aunque de algún modo se intuye. A día de hoy Goicolea es ya un artista de prestigio internacional que ha expuesto en las principales ciudades del mundo, se han publicado varios libros sobre su obra, ha obtenido diversos premios y becas y sus creaciones forman parte además de prestigiosas colecciones públicas y privadas. En nuestro país, la barcelonesa Galería Senda presentó su primera exposición individual, titulada “Domesticated”, en 2012. Ahora, cuatro años después, presenta la segunda individual del artista, “Simulacrum”, donde una vez más podremos ver la versatilidad de este artista a la hora de plasmar paisajes o el cuerpo humano a través de la manipulación digital o utilizando papel Mylar, un material semitransparente, muy característico en su obra, con el que Anthony consigue delicadas texturas y colores. El grafito y el óleo son también las herramientas que Goicolea ha utilizado en su serie más reciente, Ano-nymus Portrait, donde el cuerpo humano, su motricidad, gestos y movimientos, son protagonistas. Esta nueva individual será una buena oportunidad para sumergirse de nuevo en el, a veces angustioso, pero también fascinante y delicado, mundo de Anthony Goicolea.
 
Del 29 de septiembre al 12 de noviembre.
Galería Senda. Barcelona. galeriasenda.com

Única es el nombre de la singular pieza que la firma catalana Nomon ha presentado este año. Un diseño de Andrés Martínez que es difícil de definir, ya que podría ser una estantería, una mesita auxiliar, un expositor de una tienda, un recibidor, un galán de noche, o desempeñar cualquier otra función que queramos darle. Está realizada en madera de nogal y su eje central puede apoyarse en el suelo o colgarse del techo, sus baldas pueden girarse creando composiciones diferentes o adaptándose a esquinas. Es una pieza muy funcional que respira un cierto aire retro, o dicho de otra manera más elegante, que respira clasicismo contemporáneo.

www.nomon.es
Surf vs Fotografía: “Por lo general diría que prefiero hacer fotos. Pero si las olas son buenas, a un punto intentaría hacer surf en algún momento. Comencé a surfear con 11 años, y a los 18 me compré una cámara de fotos. La transición del surf a la fotografía fue lenta”. Hobbies: “En la actualidad no practico tanto skate. Además de trabajar, me gusta mucho montar en moto con amigos, viajar y salir a dar una vuelta por donde vivo en Costa Mesa”. Formación: “En realidad nunca me propuse ser fotógrafo a tiempo completo. Fue una cuestión de mucho trabajo y persistencia. Aparte de una clase de fotografía en la universidad, no recibí formación técnica. Lo que realmente se necesita es estar motivado y enseñarte a ti mismo. Todavía estoy lejos de donde me gustaría llegar”. Brixton: “Comencé a trabajar con Brixton cuando tenía 20 años. Conocí a la gente de la marca a través de mi amigo Troy Elmore. Él acababa de empezar a surfear para ellos, así que empecé a enviarles fotos de él y de otros riders para que las chequearan”. Clientes: “Creo que es muy importante trabajar con clientes que encajan con tu estilo de vida. Eso hace que una sesión de fotos no parezca trabajo. Brixton encaja perfectamente conmigo. No hay ninguna otra marca con la que preferiría trabajar. Con cualquier trabajo free-lance intento evitar disparar algo que no me estimule. Al final del día hay que estar excitado con el trabajo que estás creando y firmando”. Sesiones: “Depende de la estación, pero normalmente para un catálogo empleamos entre 1 y 4 días. En el último de Brixton, hicimos 65 looks en un día”. Estilo: “Trato que mi trabajo sea muy consistente. Hago todo lo posible por no seguir las tendencias y crear una estética atemporal. Es difícil decir cómo me gustaría que evolucionen mis fotos, porque mi inspiración está siempre cambiando, y eso hace que la fotografía siga siendo divertida”. Objetivos: “Mis objetivos son siempre ir más allá. Cuando te propones algo y lo consigues, lo que quieres es avanzar y conseguir cosas mejores. Sin embargo, mi objetivo final sería tener un estilo de vida cómodo y formar una familia”.   

www.jackbelli.com

La lámpara OK que Konstantin Grcic diseñó en 2014 para Flos ha sido premiada con un Compasso D’Oro. Estos premios, que otorga ADI (Asociación para el Diseño Italiano), se crearon en 1956 y son muy reconocidos internacionalmente. OK es una evolución de la lámpara Parentesi, diseñada por Achille Castiglioni y Pio Manzù en 1971. Este último fue también ganador del Compasso D’Oro en 1979 con ella. Konstantin Gric ha conseguido una evolución respetuosa de la pieza pero a la vez ha actualizado su diseño a un lenguaje más actual en lo que respecta tanto a su forma como a su tecnología. 

www.flos.com
Especialistas en viajar ligeros de equipaje, Element nos propone constantemente soluciones textiles para los nómadas del siglo 21. Puedes seguir todas sus novedades con el hashtag #ElementTravelWell. La propuesta para este otoño 2016 es la colección Travel Well, Travel Light, prendas ligeras y fácilmente plegables: Bombers, chubasqueros, cazadoras y acolchados. Piezas estratégicamente diseñadas para ocupar el mínimo espa-cio en la mochila. Ligeras pe-
ro perfectamente preparadas para hacer frente a cualquier cambio metereológico, previsible o no.

@elementeurope

Convencionalmente hablando, el código de conducta  tras una violación es universal: denuncia policial, depresión mayúscula y reclusión domiciliario-familiar por tiempo indefinido. Y el cine, la más popular de las artes, es poco dado a frivolizar con dicho código. Que “Elle” arranque con una violación no es baladí: el hecho de que la mujer que la sufre tire el manual de instrucciones por el retrete es la forma más efectiva de retratar una peculiar alma de hierro que aborda su vida de acuerdo a sus propias reglas.  Paul Verhoeven dirige a una Isabelle Huppert más mordaz que nunca en “Elle”, thriller atípico en el que lo trágico, lo grotesco y lo políticamente incorrecto se enredan rozando lo sublime. ¿O acaso alguien había creído que Huppert iba a encarnar a una víctima? Cinefilia: “El guión es, junto con el aliciente de hacer algo distinto a lo que ya he hecho, lo que me lleva a decidir si rodar o no una película. La novela de Dijan lo tenía todo: intriga, humor y una inusual tensión entre lo trágico y lo cómico. No descarto la idea de volver a los grandes estudios, pero allí no suelo encontrar guiones interesantes.  Hago películas porque disfruto con ello, no por dinero”. Isabelle: “Tenía claro que el entorno de Hollywood era demasiado conservador como para imprimir a la película la atmósfera requerida y que Huppert era la actriz perfecta para el papel, así que rodar en París y en francés llegó de forma natural. Le estoy muy agradecido a Francia por haberme dado a Isabelle. No hay otra en todo el mundo como ella”. Realización: “Quería condensar la narración y darle movimiento, con una puesta en escena muy fluida, para lo que utilicé la técnica de la cámara en mano. Elegí a Stéphane Fontaine como director de fotografía porque me encantó su trabajo en ‘Un profeta’, de Jacques Audiard. Él era justo lo que quería”.
Identidad: “No hay evolución en el personaje de Michelle. Esa idea tan americana de la autosuperación no me interesaba en absoluto. Esencialmente uno es el mismo a lo largo de toda su vida, solo se añaden las cosas que pasan. Yo soy el mismo que cuando tenía seis años, y ya entonces hacía muchas cosas que mis amigos detestaban. En ‘Elle’ quise eliminar toda lectura freudiana; es el público quien debe atar los cabos sueltos. Doy indicios, pero no respuestas”.  

“Elle” se estrena en cines el 30 de septiembre.
Glass Animals: “Desde el principio sabíamos que la banda necesitaba un nombre musical, es decir, que transmitiera música y que tuviera música en sí mismo y uno de los primeros nombres que nos vino a la mente fue este. El sonido de las palabras es bastante delicado y plasma todo lo que queremos mostrar.”
How To Be A Human Being: “En realidad, si te fijas en la portada y el arte del disco, puedes ver a muchas personas. Por eso se llama así, porque en el disco hablamos de las experiencias que hemos tenido conociendo a mucha gente nueva a lo largo de estos dos años, algunas de forma extraordinaria. Canciones como ‘Agnes’ hablan de eso. Y con respecto a mi canción favorita del álbum, no te podría decir, porque algunas me gustan más en directo y otras más en el disco.” Fama: “No suelo pensar mucho sobre la fama y menos si es repentina o no, pero me siento bien y excitado, todo ha sido muy rápido. Procuro no pensar mucho sobre la idea de que hace dos años éramos cuatro chicos grabando en un garaje, sólo sé que somos muy afortunados”.
El grupo: “Sólo somos una banda formada por cuatro chicos, Dave, Drew, Edmund y yo (Joe) que hemos tenido la suerte de hacer música y lo estamos pasando todo lo bien que podemos.” Mainstream vs. Underground: “La verdad es que no sabemos dónde estamos, diría que hacemos música pop, pero te digo esto de una forma muy general y amplia, algo a medio camino entre lo mainstream y lo underground quizás”. España y la gira: “Yo tengo en mente ir pronto a España, no sé los demás, tenéis que empezar a twittear para que vayamos a tocar. Quiero ir muy pronto a tomar sangría y conocer a la gente española.”
Estilo musical: “Este disco en concreto no sé cómo definirlo, porque suena más a nosotros que nunca, entonces no puedo disociar ni ser objetivo. El álbum sonará a como quieras que suene. Hay gente que dirá que es muy Glass Animals y otra que es un disco para tener sexo.” Influencias musicales: “Para este trabajo no nos hemos dejado influir por nada en concreto, sólo hemos hecho lo que hemos querido, así que va a sonar a todo y al mismo tiempo a nada.”

“How To Be A Human Being” está editado por Caroline Records y distribuido por Music As Usual.
Predecimos el futuro mediante datos cuantificables mientras el presente se ha convertido en irreconocible. La historia ahora es nostalgia y la memoria se mide en petabytes. La propuesta del colectivo de comisarios DIS se centra en confrontar las falsas promesas que ofrece el neoliberalismo que gobierna nuestro tiempo. DIS cubre el presente cultural también desde la perspectiva generacional -artistas nacidos a finales de los 70 y 80. Las piezas expuestas poseen una imagen impecable: fotografías y videos en alta definición de carácter instalativo es el formato mas abundante. Estética de video juego, tecnología 3D... Todo es plano y brillante, líquido y pasajero cuando no invisible...
Akademie der Künste muestra trabajos sobre el espacio social. LIT es una serie de cajas de luz con perturbadoras imágenes a modo de anuncios urbanos. Debora Delmar Corp. vende MINT, zumo hecho de frutas procedentes de México, Indonesia, Nigeria y Turquía. La perfecta imagen corporativa de la firma nos recuerda las condiciones de dichos países.
Jon Rafman propone una pieza de realidad virtual sobre la plaza y Trevor Paglen & Jacob Appelbaum con su router encapsulado en plexiglás proporcionan acceso online con navegación anónima. The Happy Museum de Simon Fujiwara visibiliza lo que hay bajo la superficie de la comunicación. Una de la pocas piezas con referencia a la guerra es ExtraSpaceCraft de Hito Steyerl sobre el antiguo observatorio nacional de Iraq. En Kunst Werke, los obras inciden en la subjetividad y la condición “digital” del individuo. La poderosa instalación de Cécile B. Evans subraya el afán de las empresas por pensar como individuos.
Camile Henrot ha impreso en formato gigante todos los emails basura que ha contestado con reflexiones subjetivas y humanas generadas por el software creado por Bromberg. Amalia Ulman disemina falsa información a través de las redes sociales, Privilege trata de un falso embarazo difundido a través de Snapchat.
Anne de Vries presenta la falsa realidad mediante el uso de técnicas CGI que se funden con metraje real de festivales de música electrónica. La escuela de negocios ESMT aloja el trabajo del colectivo emiratí GCC, sobre la creciente obsesión por el wellness en la región del Golfo. Simon Denny exhibe Blockchain Visionaries mostrando visiones de tres empresas reales que operan con bitcoins.

Hasta el 18 de Septiembre.
www.berlinbiennale.de

La marca norteamericana Element y la británica Griffin Studio presentan un nuevo proyecto colaborativo para el otoño 2016: The Black Sky Project, una colección cápsula exclusiva que representa la vanguardia en moda urbana de exterior. Con el foco puesto en los tejidos, la ergonomía y la estética minimalista, la propuesta presenta 4 nuevas chaquetas, más interpretaciones de estilos clásicos de calzado y mochilas, donde se combinan la versatilidad urbana con elementos funcionales propios del diseño de piezas para el aire libre. Un concepto donde la artesanía de Griffin se une a la tecnología Authentech de Element, aportando membranas semi-permeables, laminaciones es-
peciales y sistemas de aislamiento interno. Las chaquetas, por ejemplo, incluyen funciones como un laminado 10K de impermeabilidad, relleno con 80% plumón y 20% plumas, mangas ergonómicas, cre-
malleras waterproof, detalles reflectantes y etiquetas tejidas en el interior. La chupa que combina camuflaje con hombros y capucha negra es una pasada. También hay un abrigo acolchado convertible en saco de dormir que es genial. Abracemos el frío. 

www.elementbrand.com

La colección Mix&Match está diseñada por la ceramista Flavia Del Pra y se ha fabricado en Brasil. Flavia ha reinventado las bandejas clásicas mezclando, de una forma muy eficiente, elementos tradicionales. Según la diseñadora: “Estas bandejas pueden utilizarse como fuentes, como mesitas auxiliares para servir y presentar comida, y como pedestales para destacar una obra de arte o una hermosa planta”. Se han fabricado nueve modelos diferentes. Todas ellas tienen una estructura de aluminio bañada en cobre donde se apoyan y sujetan las piezas cerámicas. “Las piezas son 100% artesanales. Prefiero centrar la atención en los productos hechos a mano: cálidos, únicos y sujetos a imperfecciones, como toda obra humana”, explica la diseñadora.
Otra de las novedades de este año ha sido el sillón Grapy diseñado por Kensaku Oshiro. “Me inspiré en la imagen de un agricultor que estaba sentado en un saco de yute”, comenta el diseñador. El  exterior de la pieza está disponible en dos algodones diferentes, loneta y terciopelo. Su interior está relleno de bolas de poliestireno, lo que hace que se adapte mejor al cuerpo y sea muy ergonómico. Según Gan: “Grapy se ajusta de forma natural a la línea trazada por la columna, adaptándose perfectamente al cuerpo y facilitando las posturas más naturales y cómodas”.

www.gan-rugs.com

Este verano todo el mundo iba con unas gafas de sol Polaroid Twist. El actor Maxi Iglesias incluido. Maxi, como veis en la foto, hizo una demostración de la flexibilidad de las gafas. Este modelo es especial, se dobla, pero no se rompe. Pero esta no es su única virtud. Sus lentes UltraSight ofrecen una visión perfecta, sin reflejos, con un elevado contraste. Una barrera 100% contra los rayos UV con monturas monocromáticas. Elige tu color para este otoño.

polaroideyewear.com
Con la inspiración de los archivos centenarios de la casa madre, en Carhartt WIP siempre encontramos la versión más contemporánea de la ropa de trabajo. Sin duda, es un reflejo de su conexión con la creatividad y el arte emergente. Un mundo en el que la marca está tan metida que esta temporada le ha llevado a interpretar su mítico camuflaje a base de brochazos y pinceladas pictóricas. No encontrarás otro igual.

carhartt-wip.com
Este otoño la fiesta va contigo a todas partes. Igual que la nueva propuesta femenina de Converse. Porque las Chuck Taylor All Star se visten ahora con detalles en relieve de piel y metal “stingray” en su versión más disco. Se trata de la colección All Star Metallic Leather. La encontrarás en colores Black y Pure Silver en los modelos de caña alta (85 euros); y en White y Metallic Glacier en los de caña baja (80 euros)

www.converse.com

Herschel Supply presenta una colección especial para alpinistas urbanos del siglo 21: Trail Collection. La primera colección de alto rendimiento técnico de la marca. Bolsas y mochilas de apariencia minimalista, pero estratégicamente organizadas, interna y externamente, para acarrear con todo el día a día. Fabricadas con resistentes y modernos tejidos waterproof, el modelo estrella es Britannia, un maletín que puede llevarse también como mochila. Es genial.

Más info en indusnow@indusnow.com
www.herschelsupply.com

FOTOGRAFÍA HANNAH WOOLD (ELISAVA) / ESTILISMO ESTELA TORROGLOSA (ICM)
MODELOS IRENE RAMÍREZ + OLIVER / PELUQUERÍA REDKEN & RAFFEL PAGÉS
JURADO VINCENT URBANI + JAVIER DE JUANAS + LOLITA + RAMÓN FANO

Jersey Negro Punto Calado XAVI GRADOS
Bomber Blanca KRIZIA ROBUSTELLA
+ Top Nude Cremallera BRAIN & BEAST
+ Falda Midi Blanca Canalé KRIZIA ROBUSTELLA

Pantalón Corto MIQUEL SUAY
+ Mono Pantalón Largo MIQUEL SUAY
+ Botas DR. MARTENS

Hannah Woolf y Estela Torroglosa se conocieron unos días antes de la competición. Fue en el showroom organizado por 080 para que los participantes pudieran conocer las colecciones de los diseñadores que dispararían. Ese día hablaron de sus gustos en fotografía y estilismo: Grace Coddington es el principal referente de Estela;
la lista de Hannah es larga, desde los clásicos a
los fotógrafos asiáticos, “tienen una estética brutal
y sus conceptos son más atrevidos y locos. Podría nombrar a Choi Hansol o Ren Hang” comenta la fotógrafa. El día del shooting quedaron 15 minutos antes. La sesión duró entre 3 y 4 horas. Las 2 coinciden en la misma anécdota, cada una la cuenta desde su perspectiva. Estela: “Oliver, el modelo,
se quejó un poco al ver el maquillaje, no le gustaba, pero la idea era que tanto él como ella fueran maquillados iguales”; Hannah: “Oliver estuvo encantado de no enseñar el rostro porque pensaba que el maquillaje no le favorecía. A la modelo le costó un poco más no mostrarlo, pero al ver los resultados se convenció. Y Estela, que conceptuó maquillaje y estilismo, me dio luz verde desde
el principio”.


Elena estudia moda en ICM, en septiembre empieza con su tesis, es su último año, y “destacaría la amplia formación que ofrece el ICM en las distintas áreas del mundo de la moda”, comenta la estilista. Mientras, Hannah, alumna de Elisava, resalta que en su escuela “además de proporcionar una formación profesional como fotógrafo, también conceden mucha importancia a lo artístico, a la creatividad
y la originalidad”.

Concepto Fotos:
(Hannah) “El concepto para
el Neo2 Photo Shoot Contest lo planifiqué con anterioridad. Quería `quitarles la cabeza´ a los modelos para dar protagonismo al trabajo de los diseñadores. Por otro lado, como mi  formación
es principalmente artística, quería introducir una pequeña crítica acerca de la sobrevaloración de
la belleza y mostrar que una buena foto, también
en moda, no necesita un rostro bonito para que funcione. Las posturas surgieron en la sesión, dependiendo de la colaboración y agilidad de
los modelos”.

Chaqueta Gris Detalles Azules CARLOTA OMS
+ Camiseta Tul Negro KRIZIA ROBUSTELLA
+ Pantalón Corto Azul OSCARLEON
+ Zapatillas NIKE

Body Negro con Fornituras en Pecho CELIA VELA
+ Falda Midi Negra Topos PAU ESTEVE

Top Negro Topos PAU ESTEVE
+ Pantalón Negro Largo MENCHÉN TOMÁS
+ Pantalón Blanco Corto KRIZIA ROBUSTELLA
+ Cinta Negra Piel XAVI GRADOS

TEXTO MONGÓMERI                                                     FOTOS BANDIZ STUDIO
Printing: Impresión y rotulación sobre denim,
tendencia arty directa de los 80

Todo ello es el resultado de más de 40 años de experimentación, innovando
en diseño pero también en producción,
y por supuesto observando las tendencias emergentes de la calle. Al fin y al cabo,
ahí es donde nació Pepe Jeans London,
en las calles de Londres, concretamente
en Portobello. El resultado de estas investigaciones se materializa en hallazgos como el Gymdigo, un nuevo tejido flexible inventado por la marca para crear un pantalón vaquero con alma de chándal.

Aparte del Stretch, Pepe Jeans London también recurre a otras 5 técnicas principales: impresión y estampación sobre denim, desteñidos, remiendos y desgarros. Todas juntas forman el
tratado “The Science of Denim Style”.
Un documento audiovisual hecho público
por la marca, en colaboración con Bandiz Studio, donde se revela la ciencia y el arte para hacer prendas contemporáneas en denim. El tratado se divide en 6 capítulos: Printing, Dyeing, Patching, Distressing, Stretch y Stamping; los 6 temas principales de la nueva colección de
Pepe Jeans London. Una  ocasión especial para descubrir de forma gráfica cuál es
el proceso de fabricación de las prendas vaqueras del siglo 21. Desde cómo se pone un parche o se rotula un mensaje tipográfico sobre la pernera, a cuáles
son los procedimientos de desgarro, desteñido y estampación.

Todos estos recursos los encontrarás en la nueva colección de Pepe Jeans London. Pero si quieres ir aún más allá en el proceso de personalización, puedes hacer una visita a los centros Custom Studio de la marca. Allí encontrarás un pequeño laboratorio, con todas la herramientas necesarias, para que diseñes tus denim a tu libre albedrío: con tachuelas, tus parches, tus ilustraciones, tus propios desgarros o mensajes impresos… Si antes decíamos que el denim nos hace libres, ahora podemos afirmar que es Pepe Jeans el que hace libre al denim.

http://www.pepejeans.com
@PepeJeans

Detrás de un buen vaquero hay toda una ciencia, y mucho compromiso. Lo comprobé recientemente en una conferencia sobre artesanía, tecnología e innovación en
el IED Madrid. Allí, el responsable del departamento de Custom Studio de
Pepe Jeans London, nos explicó algunos
de los tratamientos que dan al denim
en sus laboratorios. Desde procesos de envejecimiento con rayo láser, a sistemas
de lavado con eco-lavadoras que apenas gastan agua, ni recurren a sustancias tóxicas para conseguir ese deseable efecto vintage natural. Un amplio abanico de técnicas contemporáneas que incluyen también procedimientos artesanales.

Dyeing: Radicales y originales desteñidos,
una corriente que nos llega desde los 60

Distressing: Desgarros, una herencia
del movimiento punk de finales de los 70

Stamping: Técnica milenaria de estampación
que renueva el denim del siglo 21

Patching: Parches y remiendos,
un homenaje al denim como ropa de trabajo

Stretching: Lo último en dénim, vaqueros
con la elasticidad y comodidad de un chandal

Tipografía gratuita del mes: CARBURA 84

Tipografía diseñada por ÁCARO PETRI @ GYMNASIO gymnasio.tumblr.com
Puedes descargártela gratis desde nuestra web: www.neo2.es/magazine
Una vez allí entra en tipografía de regalo e introduce el CÓDIGO DE DESCARGA: 0716-2007-16b

JBOSCO LÓPEZ

Director Creativo Ejecutivo de Sensory Sounds, un concepto innovador
y sofisticado de Boutique de Audio especializada en aportar valor emocional y estímulos sensoriales a marcas, productos y experiencias desde la pasión, el arte y el conocimiento profundo.
Convivimos con un mercado que satisface necesidades reales e irreales, al mismo tiempo que transmite valores e inspira deseos.
Las  marcas son aquello que nos hacen sentir. Las marcas auténticas nos aportan significado y actitud, aunque quienes más aportan a una marca son las personas cuando usan su producto y lo posicionan en la realidad haciéndolas creíbles. 
Existe un amplio imaginario, algunas marcas surgen desde el propio estilo de vida (Obey, Lacoste, Harley Davidson), otras se dirigen a conectar desde una percepción de  belleza, diseño y cierto estatus (Apple, Loewe, Aston Martin), hay marcas que nos transmiten tendencias con una mirada propia (Bimba y Lola, Cos, Camper) también el consumo rápido y asequible es otro de los signos de estos tiempos (Inditex, Dayaday, Hawkers) y cada vez son más
las propuestas de vida inteligente y ética (Ecoalf, El Naturalista, Skunkfunk, Ecoveritas).
Además de los beneficios funcionales que satisfacen necesidades,
lo que realmente nos seduce son los intangibles emocionales y sensoriales, así como los ineludibles aspectos sociales, antropológicos y culturales.
En esta era de internet, de innovación, de pseudo-abundancia y
de conocimiento, somos cada vez más sofisticados, más selectivos.
No solo necesitamos consumir productos sino también albergamos valores y queremos transmitirlos. La sociedad de consumo
evoluciona hacia la humanización, valorando la sostenibilidad, la cultura, la transparencia ética y  la responsabilidad. Una tendencia que va ganando posiciones y que seguirá creciendo.
El poder lo tenemos  los  consumidores, nuestros hábitos han cambiado y siguen evolucionando. Hay que acercarse y escucharnos, conocernos mejor, entablar una conversación y  sorprendernos superando nuestras  expectativas. Por ello la forma de atraernos se ha modificado, diversificándose para ser menos intrusiva y más coherente (branding emocional, marketing sensorial, marketing de contenidos…) y han aparecido nuevos métodos para entender mejor nuestro comportamiento (neuromarketing). Se trata de humanizar las  marcas para hacerlas más cercanas, atractivas y útiles para la vida de las personas. Necesitamos las marcas como ellas nos necesitan a nosotros,
pero somos cada vez más exigentes y nuestra fidelidad es volátil.
En el campo de la neurociencia contemporánea comienzan a abrirse nuevas posibilidades de conocimiento realmente interesantes, aunque todavía en un estado incipiente. “No existe un botón de compra en el cerebro del ser humano” que permita una manipulación absoluta que nos obligue a comprar subyugando nuestra voluntad, no se trata de eso. Sin duda es una buena noticia y lo afirma con solvencia María López, CEO de Bit Brain.
Este es uno de los mantras del marketing actual: “El 85% de nuestras decisiones de compra son no conscientes, motivadas por las emociones”. En su sentido literal significaría que aquello que nos emociona lo compramos. Quizás no sea una relación tan directa, lo que sí está claro es que en determinadas categorías de productos, que van más allá de lo meramente funcional, si las  marcas no conectan con nuestras emociones no van a estar entre nuestras opciones seleccionadas para una determinada compra.
Las experiencias de compra y de marca se han convertido en un eje central de la comunicación, en el que las percepciones han de ser coherentes, transmitiendo los valores y el posicionamiento con una puesta en escena que glorifica el producto en un entorno de marca que despliega su atracción y significados. Los estímulos se dirigen a los sentidos como el vehículo directo a las emociones. La tienda se convierte en el espacio físico donde todos los elementos confluyen para inundar nuestra percepción. La tecnología ha comenzado a introducirse con probadores virtuales, realidad aumentada, mobiliario interactivo…
Andy Warhol fue cuestionado por su atrevimiento al introducir elementos icónicos del consumismo (Coca Cola, Campbell) pervirtiendo el, hasta entonces, discurso puro del arte. Ahora estamos en el futuro donde todo es consumo, un momento en el
que los elementos artísticos se hacen necesarios en el mercado de consumo como señas de identidad, como signos culturales para propuestas que han de ir más allá del simple consumo. Prestamos atención a quienes se dirigen a nosotros como seres inteligentes y cultos, también somos hedonistas.
Quería hablar de  la revalorización de la música en este escenario como una herramienta artística sofisticada y eficaz, que activa los circuitos del placer de nuestro cerebro mientras conecta con nuestras emociones.

COTÉ ESCRIVÁ

Ilustrador multidisciplinar, sincero y autodidacta. Trabaja para clientes nacionales e internacionales. Su trabajo, a veces desconcertante, ha sido publicado en numerosas revistas del sector y ha sido expuesto en galerías de Londres, Los Ángeles o México D.F. entre otras.
El movimiento de los art toys, o designer toys (juguetes de autor), gana cada día nuevos adeptos. Pero cabe definir de qué se trata, ¿de dónde viene esta moda de coleccionar toys para adultos? ¿Es una nueva forma de arte? ¿Es un juguete? ¿No lo es? ¿Dónde están las barreras? ¿Quién decide qué es y qué no es? ¿Por qué se han hecho tan populares? Cuando a finales de los 90 Michael Lau, considerado por la mayoría como el padrino de este movimiento, creara su primer art toy, probablemente no sabría la repercusión que iba a tener.
Vamos con un poco de historia para comprender un poco mejor de donde vienen. Al terminar la Segunda Guerra Mundial, Japón se convirtió en la fábrica de los Estados Unidos. El sector juguetero se estableció allí, e influenciado por la cultura americana, el hip hop y el graffiti, se creó cierta moda de customizar o transformar algunos de estos muñecos. A lo largo de los 90 y gracias a que existe una conexión directa entre Tokio y Los Ángeles, surgen muchas colaboraciones entre artistas, marcas de ropa y sellos discográficos. Está en auge la cultura del featuring (colaboraciones) y es en este momento cuando artistas como Kaws o Kozik lanzan sus primeras creaciones al mercado. Para el que no lo conozca, Kaws, que proviene del mundo del graffiti, se ha convertido en un referente mundial. Ha trabajado con numerosas marcas de ropa y colabora con artistas como Pharrel Williams o Kanye West. A día de hoy sus figuras son muy cotizadas, llegándose a pagar varios millones de euros por las más grandes (estos bichos llegan a alcanzar los 10 metros). He de reconocer que me dejó alucinado la colaboración con MTV en los VMA de 2013, si no tienes ni idea de lo que estoy hablando te recomiendo que lo busques.
Pero no todo está pasando fuera, en el panorama nacional también tenemos buenos artistas. Destaca el trabajo de Emilio García, es el español más reconocido en este sector y sus obras se venden ya por todo el mundo. Y eso que no lleva mucho tiempo en esto, empezó hace 6 o 7 años, cuando las redes sociales no estaban tan instauradas. Él utilizaba los foros para subir sus progresos y el éxito no tardó en llegarle. Y es que Emilio mola mucho, ha trabajado para grandes empresas como Diesel, Inditex o Vans y acaba de fichar por una galería muy potente de Hong Kong para que le represente en Asia. El otro día le pregunté que cómo definiría el art toy. Él lo tiene claro, el ser humano siempre se ha relacionado con figuras, antiguamente la gente se ponía virgencitas en sus casas, figuras de Lladró, cosas así. Esto es una evolución contemporánea.
Un tipo de escultura, más relacionada con el arte que con un juguete. Camuflada en una estética infantil, de muñeco.
Mi buen amigo Sergio Pampliega, cofundador del colectivo Art Toy Gama, piensa algo parecido. Todos tenemos dentro el niño que un día fuimos y es esa parte entrañable, que todavía conservamos, en mayor o menor medida, la que ayuda a conectar con los art toys. A través de su colectivo Sergio organiza exposiciones que promueven este movimiento, la próxima será en Octubre, en la galería Arteuparte de San Sebastián, y tengo el honor de haber sido invitado.
Tampoco podemos hablar de art toys en España sin mencionar a Juan Redón. Es coleccionista de arte y gran amante de este movimiento. Empezó a coleccionarlos hace 10 años y a día de hoy tiene más de 400 piezas. Su casa parece un museo, su figura favorita es el Bear Brick y lo que le apasiona es la riqueza de la mezcla, el juntar gente tan dispar como pintores, grafiteros, dibujantes de cómic o ilustradores -usando como lienzo el toy- para dar vida a todas esas versiones tan distintas. Pero no ha sido fácil hacerse con esta colección, muchos de esos toys sólo salen a la venta en Japón y por algun motivo no se pueden comprar online directamente, sino es por la reventa de algunos especuladores, lo que además encarece el producto. Juan lleva mucho tiempo coleccionando arte y reconoce que a la hora de elegir una pieza para su colección no
le influye ese fetichismo o sujeción que recibe una obra cuando está expuesta en un museo o una galería de renombre. Elige piezas que le transmitan algo y a menudo estos toys le transmiten mucho más que obras de arte reconocidas. Probablemente le trasmitan sentimientos del pasado. O puede que no. Quizá tenga el síndrome de Peter Pan. Quizá lo tengamos todos. Quizá no necesitemos tenerlo para disfrutar de estas piezas. Y es que los art toys no son un juego de niños, ¿o sí?

AUTOPLACER

Colectivo con base en Madrid que se dedica a promover la música emergente y autoeditada, mediante pinchadas, conciertos y festivales.
También realizan un concurso de maquetas anual.
En Autoplacer estamos siempre atentos a la aparición de grupos nuevos, en parte por obligación, pero sobre todo por devoción: nada nos gusta más que descubrir el que puede ser vuestro nuevo grupo favorito. Hoy queremos traeros cuatro grupos, aún poco conocidos, que creemos pueden explotar en los próximos meses. Y que aunque no lo hagan, ya están sobradamente preparados para alegraros la vida.

Dentro de la escena del “punk” falta un relevo generacional. Esto no es nada nuevo. Somos las mismas viejas glorias metidas en las mismas bandas. Los treinta ya están cumplidos y no pasa nada, pero el ruido requiere frescura, es una parte inherente al mismo, y no la hay. Si la juventud que viene es mera pose, mucha foto y poco talento, tampoco arregla nada. Dentro de la desolación sorprende mucho más encontrar una banda tan joven y macarra, con todo lo bueno, lo sano y halagador que conlleva el término para nosotros, como Lamprea Explosiva. Los de Vigo se gastan un punk que, debido a su formato, se garajea (son un dúo de guitarra y batería y, sí, nos hemos inventado lo de “garajea”). Aprieta el fuzz todo lo que puedas, esa es la ley. Pura actitud, cero artificio y una ilusión que no veíamos desde hacia mucho tiempo, ni en viejos ni en jóvenes. Sus letras nihilistas, poéticas y políticas a su manera te pueden llegar a contar un capítulo de la revolución rusa, lo vagos y “lacazanes” que son, o hablarte de un pez de su tierra. Hablarte en gallego, que es en lo que cantan. Un soplo de aire fresco, un escupitajo, o todo junto. Pero muy fresco.

También gallegos, aunque suenen muy diferente, son Alarido Mongólico. Han tenido ya varias vidas que hemos tenido el placer de sufrir casi desde sus inicios. Al principio eran un par de querubines en calzoncillos jugando con el límite de tu cordura a base de teclados, guitarra y poesía surrealista, mucha poesía. Entre el punk más histriónico y el electroclash más gamberro, conseguían llevar al público a los rincones más vergonzosos de la existencia. A día de hoy se nutren de ritmos más contemporáneos como el grime, dubstep y derivados, apostando por una autoparodia de estos géneros y de su escena. Freaks empedernidos, mesías de lo absurdo, Joel y Andrés, te invitarán a “cagarte en su ducha” o a “irte a pudrir a otro lado”, pero siempre con mucho amor y sentido del humor. Alarido Mongólico no se escucha, se padece, como una dulce histeria.

En otro extremo, recomendamos no perderle la pista a un proyecto de electrónica que hace “bedroom pop” en todas las posibles acepciones que este término pueda tener, tanto por su autosuficiencia DIY, como por la sensualidad que desprende su propuesta (y es que bien podría ser la banda sonora de tu próxima cita). Se trata de Salfumán, el proyecto de Sandra Rapulp, compositora, vocalista y productora valenciana. Una promesa prácticamente afianzada en el panorama del dreampop nacional que ha sabido destacar en el último año allá donde haya estado o allá donde haya sido mencionada. El motivo es evidente, porque tanto sus directos, como el puñado de canciones que hasta el momento ha colgado en la red, son impecables, con un punto justo de densidad y reverberación, que los hacen especialmente atractivos. Salfumán transmite con sus temas sensaciones muy bien ecualizadas que oscilan entre la elegancia y el deseo más carnal, y lo consigue gracias a una estudiada combinación de ritmos envolventes y voces cálidas, y con una moderación muy poco común que ella convierte en pura actitud.

Pero como no solo de punk, indie o electrónica vive el Autoplacer, cuando surge un grupo que hace algo diferente lo disfrutamos como niños con zapatos nuevos. Si además hacen hits como los de Kou Keri Kou, la satisfacción crece. El quinteto barcelonés formado por Jordi, Olatz, Ánder, Juantxo y Pope recoge los ritmos y estructuras de la música africana y latina más juguetonas para hacer pildoritas breves con las que no puedes evitar mover la cadera (ojo, la cadera, no el pie, ni la cabecita de un lado a otro). Tienen ya grabado su primer LP, que verá la luz a finales de año, y que convertirá este próximo invierno en un nuevo verano. Mediante el uso de guitarra, bajo, caja de ritmos, percusión de otras etnias, trompeta y voces femenina y masculina, sus canciones te invitan a abandonar tu trabajo y unirte a ellos en una conga hacia la marginalidad, que, francamente, es mucho más interesante y divertida que tu aburrida vida actual.

Os invitamos a que los escuchéis, convencidos de que os gustarán. Son estos cuatro como podrían ser otros. Cada mes salen nuevos grupos emocionantes, solo hay que estar atentos cuando, en mitad del bosque escuchéis a un pájaro que canta algo diferente del resto.
Fotógrafía: Dianne Betties
Estilismo
: Kathleen Alisch
Maquillaje + Pelos: Aennikin
Asistente Fotografía: Antonia Jahn
Asistente Muah: Paloma Brytscha
Modelo: Tricia @ M4 Models