Mayo 2013
I'M INTO CREATIVITY
La Pantoja se desmayó ayer mismo y hoy es portada en los principales periódicos del país. Debería irse a Catar con Urdangarín, seguro que habrá muchachos dispuestos a aprender a cantar coplas. Se fueron también, pero más lejos, Margaret Thatcher, Sara Montiel, y el escritor y economista José Luis Sampedro. Suya es esta gran frase: “El tiempo no es oro; el tiempo es vida”. Esperamos que disfrutes de tu tiempo, y de tu vida, leyendo este nuevo número de Neo2. 
Pedro Pan (Fooding & Free Fonts): Suben las temperaturas, muy propio de este cambio de estación, y como ya es habitual, pasamos de la chupa de cuero a las chanclas y el pantalón corto de un día para otro. A pesar del cambio de vestimenta, aquí seguimos, salga el sol o llueva, para presentarte nuevos contenidos. En este número la tipografía del mes es un tipo súper chulo de serifas y batientes tridimensionales a cargo del tipógrafo danés Jonathan Faust. Se llama "East Rock", una sencilla y elegante tipografía de capitulares. La columna de este mes corre a cargo de la venezolana Valerie Iribarren, jefa de cocina del restaurante latinoamericano La Candelita, que nos cuenta una anécdota muy divertida sobre como, a pesar de tener ideas fijas sobre la gastronomía puedes abrir tu paladar a nuevos sabores sin darte cuenta, y encima repetir. Toda una lección.
Javier Abio (Housing): Ha sido todo un lujo tener al arquitecto danés Bjarke Ingels como Guest Creative este mes. Su estudio BIG es uno de los más exitosos del momento. Es difícil encontrar un arquitecto con menos de cuarenta años que tenga la proyección internacional que tiene Bjarke. Además, nuestro invitado forma parte también del estudio de diseño de producto KiBiSi al que también le dedicamos unas páginas. Y en este número de mayo encontraréis un artículo sobre predicciones en el mundo del diseño, “Our Future” es su título, y está inspirado en la exposición “Hoy es Mañana” que pudimos ver en la Bienal de Saint Etienne. Incluye una selección de proyectos que van desde una moto-coche, que ya se produce en San Francisco, hasta  un proyecto llamado Microbial Home, que es una casa que auto produce su propia energía generando metano de los desechos orgánicos. En los adneos, la expo sobre Charlotte Perriand o las del ICO sobre arquitectura. Y por último, el hit de la Feria del Mueble de Milán en esta última edición: la lámpara Wireflow diseñada por Arik Levy. El cierre de este mes nos ha pillado justo recién llegados de allí, donde inauguramos nuestra propia expo: Madtastic, que, por cierto, tuvo una muy buena acogida.

Tere Vaquerizo (Música & Cine): En mayo, oficialmente, se abre la veda festivalera. El mes empieza con el SOS 4.8 murciano y termina con el Primavera Sound barcelonés. Planazo. Precisamente en el Primavera Sound podremos ver a The Knife, el grupo favorito de nuestro Guest Creative, el arquitecto danés Bjarke Ingels. Y este mes no podíamos dejar pasar uno de esos discos que merece la pena escuchar… y ver, porque su creador, Woodkid, no es otro que Yoann Lemoine, realizador de videoclips para aristas como Lana del Rey o Katy Perry, entre muchos otros. El videoclip de su canción “Iron”, tiene nada menos que 20 millones de visionados en Youtube. Ahora publica por fin su primer disco, “The Golden Age”, un disco tan exquisito como las imágenes de sus videoclips. Marc Muñoz le entrevista para Neo2. Otros que se han convertido en una revelación son los londinenses Theme Park, que han publicado su primer disco de título homónimo. También hablamos con ellos y con los suecos Shout Out Louds, que regresan con nuevo disco y esperan venir a presentarlo a nuestro país muy pronto. Otro de los grupos que no podía faltar este mes es Suede. Lo suyo ha sido toda una sorpresa y una alegría para sus fans de antaño, porque su nuevo disco, “Bloodsports”, recupera, once años después de su último trabajo, el sonido clásico de la banda.

Rubén Manrique (Arte):
Resulta curioso, que, a pesar de todo lo que ha evolucionado el arte contemporáneo en un periodo muy corto de tiempo, todavía haya disciplinas, como el videoarte que siguen siendo minoritarias. Y eso que vivimos en el mundo de la imagen. A propósito de la celebración del festival "Loop" de Barcelona, Aurélien Le Genissel analiza la cuestión en el artículo “Video Art”. Este mes destacamos también una de las grandes exposiciones que podremos disfrutar en Madrid a partir del 23 de mayo: la retrospectiva de Darren Almond, perteneciente a la generación de los famosos Young British Artists, que podrá verse en la Sala de Exposiciones Alcalá, 31. También en Madrid, más concretamente en el CA2M de Móstoles, se inaugura este mes “Sin Motivo Aparente”, una exposición colectiva donde se olvidan las narrativas para apreciar las obras de forma individual. Fuera de nuestras fronteras destacamos el trabajo del artista Matin Zad, cuya obra se mueve a medio camino entre la moda, el arte y la fotografía. Y muy curioso, y vistoso, resulta el trabajo de Richard Woods que podrá verse en la Galería Alan Cristea de Londres. Intervenciones arquitectónicas llenas de color. Por último, profundizamos en la obra del artista danés Jeppe Hein, el favorito de nuestro Guest Creative, Bjarke Ingels. Arte Non Stop!

Ramón Fano (Moda): En este número, y cada vez más, tenemos también tecnología, cosmética y bebidas alcohólicas. Inspirado precisamente por eso, por el alcohol, quería hacer una reflexión muy sería sobre la injusticia de las leyes. Resulta que para 2013 están previstas nuevas restricciones a la publicidad de las bebidas alcohólicas bajo el pretexto de que son perjudiciales para la salud. Sin embargo, hay otros productos que no tienen ningún tipo de restricción legal a la hora de anunciarse, y está comprobadísimo el perjuicio social y humano que ocasiona. Hablo de la publicidad de los bancos, sus hipotecas, sus cuentas ahorro y demás servicios financieros de consecuencias dramáticas. Estas leyes contra la publicidad de alcohol y tabaco no sé muy bien a quien beneficia, ya que cualquier persona, mayor o menor de edad, puede entrar en un supermercado y ver todo el catálogo alcohólico sobre las estanterías. ¿Por qué eso no se considera incitación y está permitida su exposición? ¿Por qué un anuncio en una contraportada se considera incitación? Anuncios donde a veces la botella ni se ve, impresa en una esquina a 4 o 5 cm de alto. Lo único que hacen estas leyes es restringir las posibilidades de financiación de las publicaciones independientes. Ya están las cosas bastante difíciles como para que la administración nos las complique aún más. Al menos nos podían compensar con campañas sociales de algún ministerio. Pero claro, las campañas institucionales solo se planifican en grandes medios de comunicación como forma de subvención indirecta y para que todos estén contentos y tranquilos. Y me hago otras preguntas: ¿les preocupa tanto nuestra salud porque al paso que vamos quizás desaparezca el concepto de seguridad social en un futuro? Y en ese caso, es probable que desaparezcan las pensiones. Por tanto, ¿no sería mejor estimular que nos muramos cuanto antes para no ocasionar gasto? Hay que tener en cuenta que la esperanza de vida se prolongará. ¿De qué vamos a vivir, sin trabajo, sin pensiones y con una salud de hierro? Necesito comprarme ropa.
La luminaria Wireflow diseñada por Arik Levy para Vibia, ha sido sin duda el Highlight de Milán de este año. Una luminaria en la que el cable es la esencia formal de la propia lámpara. Un proyecto absolutamente innovador, de esos que abrirá una tendencia en el mundo de la iluminación. Una luminaria de suspensión que forma su estructura con finos cables y terminales Led. Wireflow es una delicada intervención geométrica del espacio que funciona tan bien en una dimensión 2D como 3D. La empresa catalana Vibia este año ha eclipsado Euroluce (la zona de iluminación de la Feria del Mueble de Milán) con novedades de una altísima calidad, este es solo un ejemplo.

Wireflow, un diseño de Arik Levy
www.vibia.com


Texto: JAVIER ABIO    
 
Complejo turístico y de ocio Calatrava.
Exposición Ruinas modernas.
Vista de la exposición
Spain mon amour.
Museo de la Historia de Lugo, de Nieto Sobejano. Exposición "Spain mon amour".
Foto:  Fernando Alda

Urbanización Dominion Heights.
Exposición Ruinas modernas.
“Spain mon amour” y “Ruinas modernas” son los títulos de estas dos muestras que buscan complementarse la una a la otra, aunque en realidad tratan temas totalmente diferentes. “Spain mon amour” es una selección comisariada por Luis Fernández-Galiano en torno a proyectos que en su opinión destacan por haberse adaptado a las circunstancias y necesidades arquitectónicas, sin dispendio ni delirios de grandeza. “Ruinas modernas” por su parte es una especie de inventario fotográfico realizado por la arquitecta Julia Schulz-Dornburg sobre urbanizaciones que nunca han llegado a ser habitadas o terminadas, mostradas junto a la decadencia que representan las imágenes en 3D y los anuncios que las promotoras utilizaron como muestra de lo que iban a construir. Así, obras como el Museo de Arqueología de Álava de Francisco Mangado, el Ayuntamiento de Lalín en Pontevedra de Mansilla + Tuñón, el Museo de San Telmo en San Sebastián de Nieto Sobejano, la Universidad Popular Infantil de Gandía de Paredes Pedrosa o la Biblioteca y Hogar de Jubilados de Barcelona de RCR Arquitectos integran la selección de Fernández-Galiano, entre otras realizadas tan solo por este reducido listado de arquitectos. Proyectos que según Fernández-Galiano reflejan el buen hacer de la arquitectura española. «Spain mon amour es desde luego la celebración de una etapa, unos arquitectos y unas obras, pero también una elegía por un pasado que ha llegado a su término, una denuncia de un presente dislocado y una invitación a pensar el futuro de otra forma», explica. Por el contrario, la intención de Julia Schulz-Dornburg no era realizar un censo de promociones fracasadas ni una muestra representativa, sino más bien una selección personal de los lugares visitados estos dos últimos años por esta arquitecta de origen alemán asentada en Barcelona. «Realidad y ficción forman un tándem inseparable a lo largo del recorrido expositivo. Sólo desde esta lectura doble, se puede llegar a comprender lo impensable, reconstruir lo inimaginable, constatar el disparate y sacar sus propias conclusiones», cuenta. Estas dos exposiciones se presentan conjuntamente para mostrar los éxitos de la arquitectura española reciente y el fracaso del urbanismo especulativo anterior a la crisis. Y aunque estos juegos de contraste siempre tienen su punto, quizá en este caso resulta asimismo un tanto especulativo, e incluso demagógico, calificarlas como complementarias ya que resulta inevitable preguntarse ¿es que no se hicieron promociones de viviendas que reflejaran el buen hacer de la arquitectura española en la misma época?  

Hasta el 9 de junio de 2013 en Museo ICO. Zorrilla, 3. Madrid. www.fundacionico.es



adneo Texto: TACHY MORA
Exposición “Síntesis de las artes”,
Tokyo 1955. Foto de los archivos Perriand.
Chaise longue bambou, 1941
Cama Bambou, 1940
Exposición Synthèse des Arts,
Tokyo, 1955
Se fue a Japón como asesora del ministerio de comercio nipón en 1940 y después de un par de años le sorprendió allí la entrada del país en la Segunda Guerra Mundial del bando de las potencias del Eje. Charlotte Perriand no pudo volver a París y se quedó en Vietnam durante cuatro años. Ambas estancias influirían definitivamente en su forma de diseñar. Perriand reivindicó el valor de materiales como la madera y el lacado japonés o el bambú, y las técnicas de tejido artesanales con fibras naturales aplicadas al mobiliario. En sus diseños de los años inmediatamente posteriores se aprecia perfectamente la huella de su estancia en Asia en piezas como la chaise longue Tokyo, el taburete Berger o la silla Ombra Tokyo, que recientemente ha recuperado Cassina comercializándolas en su colección I maestri. Pero además, ella misma también influyó en los diseñadores japoneses de la época. En particular a través de las dos exposiciones que organizó en Tokyo: “Selección-creación-tradición” en 1941 y “Síntesis de las artes” en 1955. Ahora, el museo de arte moderno Saint-Ètienne Métropole está exponiendo por primera vez piezas y escenografías de estas dos muestras recuperadas a partir de la información de los archivos de esta influyente creadora. Bajo el título “Charlotte Perriand et le Japon”, el museo de Saint-Ètienne (Francia) ha montado un espectacular despliegue en el que a petición de su hija Pernette, que nació durante la estancia de Charlotte en Vietnam, se han recreado piezas únicas mostradas en estas exposiciones. Incluso “Síntesis de las artes”, que fue una investigación de Perriand en torno a los modos de vida, ha sido íntegramente recreada. Un gran trabajo por parte del museo de arte moderno Saint-Ètienne Métropole que permite conocer individualmente más a fondo la interesante personalidad de esta creadora, incluso a través de fotos hechas por ella en aquellos años, a la que en pocas ocasiones se le pone el foco en solitario al haber sido estrecha colaboradora de otras grandes figuras de su tiempo como Le Corbusier, Pierre Jeanneret o Jean Prouvé.

Hasta el 26 de mayo en el museo de arte moderno Saint-
Ètienne Métropole (Francia). www.mam-st-etienne.fr

adneo Texto: TACHY MORA
Con amplio bagaje en el campo del videoclip - ha trabajado para Lana del Rey, Drake o Katy Perry, pero también para sí mismo  (“Iron” acumula 20 millones de visionados en Youtube) - este joven de 30 años, nacido en Polonia, criado en París y asentado en Nueva York, decide ahora concentrar sus energías en el terreno musical bajo el alias de Woodkid. En su primer disco hace hincapié en un pop de carácter épico y con fuerte presencia orquestal. Multidisciplina: “Tengo dos pasiones: crear música y dirigir piezas audiovisuales. Para mí ambas se construyen sobre procesos creativos parecidos. No concibo una gran diferencia entre estas artes, en ambas intento volcar mis emociones. Lo relaciono más con una cuestión de agenda: a veces tengo que estar más por la música, y cuando esto ocurre no tengo tiempo para dirigir videoclips para otros”. The Golden Age: “Lo ideé como una especie de viaje arqueológico, partiendo de símbolos, memorias, fragmentos, imágenes y piezas visuales que me han dejado huella. Puse todos estos elementos encima de la mesa y construí una historia fragmentada alrededor del período vital en el que uno se convierte en adulto, todo lo que conlleva este paso a nivel de sexualidad, violencia, identidad y esos aspectos que configuran tu carácter en esa edad. Básicamente lo construí de una forma moderna, poética, y cinematográfica. Porque de algún modo también quería transmitir mi amor hacía el cine”. Influencias: “Tengo un amplio abanico de referencias que provienen de distintas disciplinas. Por supuesto la música, pero también el cine, la moda, los videojuegos. Directores como Ingmar Bergman, Orson Welles, Michael Haneke, Alan Resnais o Einsentein suponen una gran influencia en mi trabajo. Pero también los RPG…sagas como Final Fantasy. Y en el campo musical compositores clásicos como Prokofiev o Mussorgsky,  la música balcánica, y en general toda la música clásica del este de Europa”. Videoclips: “En mis propios vídeos, como el ‘Run Boy Run’ o ‘Iron’, la idea era convertir el background en un mundo real, dándole forma a partir de fragmentos, símbolos y figuras comunes. También utilicé el blanco y negro para dar continuidad a las piezas y por la influencia de cierto tipo de cine en mi obra”. Videojuegos: “Cuando era más joven era un gran aficionado al Final Fantasy, y creo que de algún modo mi pasión por los juegos de rol se refleja en mi obra. Me interesa ese aspecto de construcción de identidades que tienen los RPG’s. Y creo que de un modo u otro esos juegos y sus universos fantasiosos han marcado la arquitectura, los personajes, el vestuario, la geografía, e incluso los planos de mis vídeos”. Directos: “En mis conciertos estos dos componentes, lo visual y lo musical, cobran de nuevo mucha fuerza. La idea es dar continuidad al universo del disco a través de proyecciones en blanco y negro, con material que no está sacado de los videoclips, sino que es nuevo y que va en consonancia con las emociones que transmite cada tema. Son visuales muy futuristas, digitales y emotivos.” Futuro: “Voy a estar de gira durante año y medio. A la vez voy a seguir con mi aprendizaje de escritura de guiones y estudios de cine para poder aplicarlo en un largometraje”.

“The Golden Age” está editado por Green United Music y distribuido por Universal Music
www.woodkid.com
adneo Texto: MARC MUÑOZ · Fotos: ISMAEL MOUMIN
Génesis creativa: “Conozco a los hermanos Haughton, Miles y Mike, desde hace muchísimos años. En realidad hemos crecido juntos y nuestros padres son los típicos que incluso se reúnen para pasar el fin de semana juntos jugando al tenis. Cuando teníamos 16 años creamos nuestra primera banda, algo muy épico a lo Arcade Fire que poco tiene que ver con lo que hacemos ahora. No fue hasta que empezamos la universidad que nos desvinculamos de eso y nos reinventamos con un par de demos que marcarían el verdadero inicio de Theme Park”. Nerviosismo de debutante: “Ahora mismo sentimos una sensación muy extraña. Empezamos a trabajar en nuestro primer álbum en marzo del pasado año y ya hace unos cuantos meses que está completamente terminado. De modo que nos hallamos en ese punto en el que nos gustaría que todos pudiesen disfrutar del trabajo duro que le hemos dedicado a estas canciones. Tras la buena acogida de nuestros primeros singles, por ejemplo ‘Jamaica’ o ‘Two Hours’, tenemos una presión positiva. Lo de positiva lo digo porque estamos del todo satisfechos con el disco en sí. La aventura no ha hecho más que empezar para nosotros”. Renegando de “Milk”: “A mucha gente le ha sorprendido que ‘Milk’ no figure en el tracklist del largo, pero al ser una de las primeras piezas que compusimos en aquella época en la que íbamos a la universidad, se ha quedado algo lejana para nosotros. Además, hubo personas que tras dar a conocer aquel tema nos quisieron comparar con los Talking Heads. No es que aquello supusiera un problema para nosotros, ni mucho menos. Sin embargo, teníamos claro que queríamos ir mucho más allá de ese parecido razonable y presentar algo que fuera más acorde a lo que somos en la actualidad”. Evolución técnica: “Como músicos desde 2011 creo que hemos mejorado mucho. No es que técnicamente fuéramos malos cuando empezamos, ya que desde bien pequeños hemos estado rodeados de instrumentos, pero sí que nuestra compenetración como banda ha dado un paso más allá. Sobre todo, desde el momento en el que empezamos a trabajar en un estudio de grabación profesional”. ¿Cuestiones de liderazgo?: “Miles siempre es quien se encarga de traer los bocetos melódicos de las canciones. Una vez él nos muestra esas demos primitivas, todos juntos trabajamos en su desarrollo. La democracia reina en la toma de decisiones. Para cualquier banda pop, como en nuestro caso, eso supone algo esencial”.   

“Theme Park” está editado por Transgressive Records y
distribuido por Music As Usual
www.themeparkband.com

adneo Texto: SERGIO DEL AMO
Disco: “Ha sido una experiencia totalmente diferente. El disco anterior lo grabamos en Seattle con Phil Ek en un mes. Esta vez no hubo límite de tiempo y trabajamos con alguien que conocemos desde hace mucho. Más responsabilidad, pero también mayor espacio creativo. Sólo el sello dijo que había que dejarlo listo antes de verano, sino todavía podíamos seguir metidos ahí abajo (risas). Nuestro productor ha trabajado con muchas bandas aquí: Likke Li, Miike Snow, The Radio Dept… Hicimos todo, incluso la mezcla final en su estudio, no hizo falta ir a ningún sitio más grande, ni siquiera para arreglos de cuerda ni voces”. Composición: “Tenemos más experiencia, podemos hacer las cosas más rápido. Cada disco para nosotros es como una era, hemos crecido juntos con esta banda. Tener más tiempo para hacer el disco puede ser bueno y malo, pero acabó bastante bien. Quisimos ‘trabajar’ menos y disfrutar más. Adam es el que suele empezar los temas y luego vamos uniendo cosas juntos, Carl suele añadir cambios y todos añadimos elementos. De todas formas esta vez intercambiamos roles y todos hicimos un poco de todo, también por eso disfrutamos más. Bebban participó en las letras y melodías, y canta más coros”. Blue Ice: “Decidimos que fuera el primer tema para sacar a la luz. Al principio a Ted no le gustaba nada, era más rápido y Adam cantaba distinto, así que probamos a cambiar la clave. Mola ver como puedes ajustar cosas, como crees que el disco debe sonar. Con ‘Blue Ice’, al decidir que fuera el primer single, quisimos hacer algo especial y surgió la idea de hacer el disco de hielo. Hicimos una tirada limitada de diez discos,
adneo Foto + Texto: VICTOR MORENO · Maquillaje + Pelo: THOMAS MCENTEE
Raíces: “Con ‘Head Music’ y ‘A New Morning’ nos distanciamos de nuestro sonido habitual y muchos reaccionaron negativamente ante ese toque más electrónico que introducimos en las canciones. Por ello, de cara a ‘Bloodsports’, pensamos que lo mejor era volver sonoramente a nuestros inicios. Nuestro productor, Ed Buller, estaba entusiasmado con la idea de que resurgieran los Suede de los noventa como si el tiempo no hubiera pasado desde entonces”. Presión: “En ningún momento nos hemos planteado qué pensaría el público o la prensa sobre este nuevo álbum. La única presión que hemos sentido ha sido con nosotros mismos. Después de tantos años en silencio nos obligamos a grabar piezas de las cuales nos sintiéramos orgullosos dentro de unos años. El proceso de escritura se dilató más de la cuenta, pero curiosamente ha sido uno de los discos que más rápido hemos grabado. Fue muy curioso porque de golpe y porrazo tuvimos que aprender a trabajar nuevamente todos juntos. No obstante, lo mejor fue comprobar cómo entre nosotros todo seguía siendo igual. La magia y la conexión se mantuvo intacta, y volver al trabajo resultó más fácil de lo que a priori pensábamos”. Retorno: “Fue toda una sorpresa que Brett Anderson nos llamara para volver a juntar a la banda. En un primer momento la idea era simplemente la de hacer unos conciertos, pero cuando vimos la reacción tan maravillosa del público empezamos a pensar en la posibilidad de editar un nuevo disco. Aunque mucha gente tuviese la idea de que acabamos muy mal entre nosotros, nada de eso era cierto. Salvo con Simon Gilbert, que se fue a vivir a Tailandia, el resto de miembros durante estos años de inactividad seguíamos en contacto. Vivimos en el mismo barrio de Londres y es inevitable que coincidamos con el carrito de la compra en el supermercado”. Objetivos: “A estas alturas no pretendemos revitalizar el brit pop ni volver a ser una banda de éxito internacional. Lo más importante para nosotros ahora es pasarlo bien y disfrutar del momento, por muy tópico que pueda sonar”. Futuro: “No sabemos si ‘Bloodsports’ marcará un nuevo inicio o el final definitivo. No nos hemos planteado nada al respecto. El plan es que no hay plan más allá de la gira en la que nos embarcaremos para presentar estas nuevas canciones. Es mucho mejor vivir así, sin torturarte por el qué ocurrirá”.   

“Bloodsports” ya está a la venta a través de Warner Music
www.suede.co.uk

adneo Texto: SERGIO DEL AMO
Fullmoon@Wall, 2007.
Moon Bow@Fullmoon, 2011.
Black Chance, 2012.
Cortesía del artista y Galerie Max Hetzler, Berlín.
Dentro de los Young British Artists no todo era provocación. Al menos así lo demuestra la obra de Darren Almond, que huye del escándalo fácil para adentrarse en territorios más emocionales. “El Espíritu del Tiempo” es el título de la retrospectiva que la Comunidad de Madrid dedica al artista británico, una exposición que se enmarca dentro de la Sección Oficial de PhotoEspaña 2013 y que está comisariada por Lorena Martínez de Corral y Santiago Olmo, en colaboración con el British Council. En ella podremos ver alrededor de 60 obras del artista que, a lo largo de su carrera, ha trabajado con diferentes formatos y técnicas, como la fotografía, el cine, el dibujo, la pintura, la escultura, el vídeo o incluso la transmisión en vivo vía satélite. Diferentes técnicas para plasmar los mismos temas, ya que la obra de Almond gira en torno a conceptos recurrentes como el tiempo, la melancolía, la memoria histórica o las huellas de la industrialización. El núcleo de la exposición es su instalación “All Thing Pass”, compuesta por cinco pantallas de proyección, uno de sus más recientes trabajos, rodado en la India, en Chand Baori, el mayor aljibe escalonado del mundo (contiene 3500 escalones en 13 niveles, con una profundidad de 20 metros). También podrán verse fotografías pertenecientes a una de sus series más famosas “Fullmoons”, donde Almond plasma paisajes remotos siempre en noches de luna llena, utilizando solo su luz, lo que hace que las fotografías tengan un característico aspecto fantasmagórico. Una de las mayores aportaciones del artista es su análisis y recuperación del tiempo fotográfico para explorar las nociones de movimiento y quietud. Por ejemplo, en su serie Six Months Later, Almond retrata un mismo rincón de su estudio en diferentes momentos para captar las diferentes maneras en que la luz incide en él. Una de sus piezas recientes más sorprendentes es Rauschenberg’s Mantle Piece, una escultura de cristal cuyo mecanismo interno se activa y se pone en movimiento cuando cambia la luz ambiente. Darren Almond nació en un pequeño pueblo inglés y él mismo ha confesado en alguna ocasión que solía huir de allí subiéndose a los trenes que pasaban, sin importarle su destino. Años después descubriría que éste se encontraba en la Winchester School of Art, donde se graduó en 1993. El resto ya es historia. Una historia que podremos seguir de cerca en esta retrospectiva que puede verse a partir del 23 de mayo en la Sala Alcalá 31. 

Del 23 de mayo al 4 de agosto. Sala Alcalá, 31. Madrid.
adneo Texto: SOFÍA DOS SANTOS
 Lara Favoretto. Gummo II, 2007.
Lampara: Etienne Chambaud. L'Electricite,
Exclusion de la Tautologie nº2, 2007.
Cortesía del artista y sies + Höke, Düsseldorf
Runo Lagomarsino. OtherWhere, 2001. Cortesía de colección privada, Bogotá.
Adneo Texto: MARIANO MAYER
Construida bajo la premisa de que el arte y sus convenciones expositivas pueden huir de la funcionalidad ilustrativa de la narración, los más de treinta artistas presentes en la exposición parecen vaciar de toda significación explícita una serie de piezas hasta potenciar las posibilidades ficcionales de una forma abierta, donde las obras simplemente existen. Como bien señala el título las relaciones se establecen, o mejor dicho se descubren, sin motivo aparente. ¿Es necesario portar una narración, transferir de manera velada o directa enunciados al espectador? Como guía de respuesta Javier Hontoria, el comisario de la exposición, reactiva las intenciones de Robert Filliou, el artista que en los años cincuenta descomprimió al arte reflotando la figura del amateur y señalando que para ser artista no se necesitaban conocimientos, sino imaginación. A su vez el rumbo de la exposición retoma uno de los puntos de la Declaración de intenciones de Lawrence Weiner escrita en 1969 donde señalaba que “la obra podía no ser construida”. Weiner se refería en concreto a piezas escritas, discursos ideados y formulados a través de la escritura y no de la forma. Dirigir usos y significados al espacio perceptivo del espectador, y subrayar el potencial de empoderamiento que tal acto es capaz de otorgar, es la zona activa donde se ubica "Sin motivo aparente".  Piezas como las de Lara Favaretto, compuestas por grandes cepillos de diferentes colores y texturas correspondientes a túneles de lavado que giran a distinta velocidad, los objetos cotidianos desplegados en la sala de Jason Dodge, o las líneas compuestas por cajas de distintos tamaños con orificios circulares y cuadrados de Julia Spínola, son sólo algunos de los receptores y agitadores de actividad perceptiva cuya narrativa central, a favor de nuestra imaginación, permanece velada. Obras y gestos que antes de exponer su negación o su hermetismo se presentan como lo que son: experiencias, sentidos y múltiples conductores de ficción, cuyas tramas han sido liberadas de toda imposición para ofrecer un tipo de potencialidad informe.

Del 10 de mayo al 22 de septiembre, CA2M, Mostoles, Madrid
www.ca2m.org

Adneo Texto: LUISA BERNAL
Lo hemos descubierto gracias a su colaboración con el diseñador Duckie Brown. La belleza contenida en los pósters de modelos masculinos, camuflados entre ropas y fondos florales, no ha pasado desapercibida. Matin Zad es lacónico en sus respuestas, como si se tratase de uno de esos artistas que dejan que su obra hable por ellos. Este año cumple 26 años, acaba de graduarse en la neoyorkina School of Visual Arts (MFA) y carga una mochila de talento. Antes de decidir qué es lo que iba a hacer, Zad ya sabía que quería ser artista: “solo tenía que encontrar la obra. La fotografía vino a mí de un modo natural al final de mi adolescencia. Es un medio que me permite compaginarlo con mis otras pasiones: la moda y los photo-books”. Una vez que encontró su vocación, no dudó en trasladarse de su Toronto natal a Nueva York persiguiendo llegar lo más alto posible en el mundo de la moda. Para conseguirlo, su obra pretende “reflejar la poesía que reside en lo banal y transmitir una imagen de purgatorio heroico”.  Matin busca dos ingredientes fundamentales: “modelos que olviden que están posando para ser ellos mismos y la luz natural con un halo de misterio de un día nublado”. Una cita de la personalísima fotógrafa Diane Arbus le ayuda a no perder el rumbo a la hora de editar su trabajo: “Cuanto más específico eres, más general será”. Además de esta cita, su lista de referencias está presidida por movimientos estéticos como la escultura del Formalismo, el Postminimalismo, el movimiento Antifashion de los años 90 y la obra de artistas como Maurizio Cattelan o Rei Kawakubo. Pero Matin no quiere limitarse a la fotografía de moda. Entre los proyectos en los que está involucrado actualmente, uno de los que más le entusiasman es su debut como director en un corto: “Sucederá en una cocina de Brooklyn de hoy en día mientras el modelo se prepara una taza de café. Me gustan los planos secuencia que resultan líricos y conmovedores.” En el horizonte, un claro objetivo: “Significar para el diseñador británico J.W. Anderson lo que Juergen Teller, para Marc Jacobs”.  

www.matinzad.com
Stone Clad Cottage, 2011.
Zabludowicz Collection, Sarvisalo.
Foto: David Bebber.
Cortesía de Richard Woods Studio.
Logo no. 49, 2008. Rook Chapel,
Frome, Somerset.
Cortesía de Richard Woods Studio.
Richard Woods. Logo no. 77, 2011.
Colección privada, Londres.
Cortesía de Richard Woods Studio.
Adneo Texto: COVADONGA GARCÍA
Las superficies cotidianas que nos rodean proporcionan un lienzo perfecto para el artista Richard Woods. La obra de Woods traspasa los límites entre la arquitectura, el arte, la ilustración y la decoración de interiores, y propone los elementos necesarios para establecer una nueva relación entre piezas funcionales y ornamentales. Sus intervenciones arquitectónicas juegan con la percepción y la realidad, la manipulación y la transformación de fachadas e interiores. Woods está interesado en transformar estructuras ya existentes aplicando sobre ellas diversos materiales. En su obra los interiores y fachadas de edificios combinan lo urbano con lo rural, lo viejo con lo nuevo, cambiando la geometría del espacio. Cada instalación nos desafía a enfrentarnos con un nuevo entorno renovado cargado de color. Aparentemente simples en su forma, estas imágenes audaces se producen usando técnicas tradicionales de impresión capaces de generar un lenguaje visual propio. Woods utiliza métodos artesanales y se inspira en el poder de la iconografía y el consumismo. La fuerza y las formas geométricas de estas edificaciones, interiores y mobiliario se hacen eco de la ironía posmoderna y juegan con la intersección entre el mundo artificial y el real. Richard Woods colabora desde hace años con el diseñador Paul Smith y ha creado el espectacular interior de la tienda de Comme des Garçons en Osaka. Conocido por manipular espacios existentes, su obra se encuentra en galerías y tiendas de todo el mundo, así como en domicilios privados. La exposición que ahora se presenta en Londres contará con una instalación en la que el artista vestirá el espacio de la galería del suelo al techo. En esta instalación a gran escala se mostrará su renombrada serie “Woodblock Inlays“ y también un grupo de nuevas esculturas.

Richard Woods: D.I.Y. Hasta el 1 de junio. The Alan Cristea Gallery, Londres
www.alancristea.com
Adneo Texto: SOFÍA DOS SANTOS · Fotos: ANTHONY LYCETT
Hendrick’s Gin: “Todo empezó en 2003. Estaba actuando como Maestro de Ceremonias en un evento llamado ‘Whoopee!’, la primera fiesta neo-burlesque en Londres que dio a conocer a numerosas estrellas. Al mismo tiempo, por esas fechas, estaba también organizando mis propias fiestas, ‘The Modern Times Club’, con un aire muy secreto, intimo y también un poco salvaje, inspiradas en los años 20. Justo entonces me llamaron de Hendrick’s y conocí al equipo. Muy poco después me pidieron que diseñara y construyera para ellos tres excéntricas bicicletas victorianas, ¡y así es como empezó nuestro romance! Con el paso de los años nuestra colaboración ha continuado. En 2008, por ejemplo, les ayudé con el lanzamiento del Hendrick’s Horseless Carriage of Curiosities (un vagón de tren victoriano lleno de cosas increíbles, desde los esqueletos de unos siameses hasta extrañas y viejas máquinas eléctricas). En 2011 empecé a trabajar con Hendrick’s a tiempo completo y en diciembre de 2013 me convertí en embajador de la marca”. Multifacético: “Si tuviera que elegir solo una de mis múltiples facetas creo que me quedaría con la actuación. Estos últimos años he estado desarrollando mi voz y he empezado a grabar algunas cosas como poesía, tonterías que se me ocurren, e incluso algunas cintas bajo el efecto de la hipnosis. Ahora, como embajador mundial de Hendrick’s, puedo hacer un montón de cosas: actuar en directo, o en video, escribir, pinchar en fiestas… y, lo más importante para mí, puedo plantear todas las ideas que se me ocurran, por ridículas que sean”. Música: “Cuando pincho puede sonar desde jazz de los años treinta hasta música gitana moderna”. Relatos: “Todavía no he publicado ningún libro, pero sí algunos relatos cortos. Uno de mis favoritos es probablemente ‘New Shangri-La’, un relato corto de ciencia ficción que apareció publicado en La Revue Litteraire de París”. Proyectos: “Hay un montón de cosas que me gustaría hacer, por ejemplo, viajar a la luna, y lo digo totalmente en serio. Ahora mismo estoy impaciente por mi inminente viaje a Venezuela. Iré con nuestra Maestra Destiladora, Lesley Gracie. Nos vamos a introducir en la selva con el increíble explorador Charles Brewer-Carias para vivir con los indios y buscar y destilar nuevas plantas, para, posiblemente, crear una versión experimental de Hendrick’s". Compartir Hendrick’s: “Si pudiera elegir un personaje famoso con quien compartir un Hendrick’s, ese sería Alfred Jarry. Un autor y provocador francés, toda una inspiración para los Surrealistas, inventor, entre otras cosas, de la máquina del tiempo, y fundador de la ciencia Patafísica. Estoy seguro de que él apreciaría la incongruencia de mezclar pepino y rosa…”. Recomendación: “Recomiendo urgentemente a todo el mundo probar un Hendrick’s Red Snapper, la version en ginebra del Bloody Mary. ¡Delicioso!”.

www.hendricksgin.es
 Texto: SOFÍA DOS SANTOS
En este hotel no acabarás de fiesta, sino que empezarás… y continuarás. ¿Te imaginas poder disfrutar de conciertos y sesiones de diyéis desde la terraza de tu habitación? Pues eso, y mucho más, es lo que podrás encontrar en Ushuaïa Ibiza Beach Hotel. Un hotel donde la música es tan importante (imprescindibles sus daytime parties al aire libre) como el confort de sus habitaciones. David Guetta, Avicii, Loco Dice y Jean Claude Ades son sólo algunos de los artistas confirmados para esta nueva temporada. Y además, este año Ushuaïa Ibiza Beach Hotel presenta novedades, ya que inaugura The Ushuaïa Tower. Otro hotel a pocos metros del centro neurálgico, The Ushuaïa Club, que ofrece todavía más exclusividad y lujo. Desde jacuzzis en terrazas exteriores hasta un innovador sistema de cromoterapia con luces LED. La opening party que dará el pistoletazo de salida a esta tercera temporada de Ushuaïa tendrá lugar el próximo 25 de mayo con la presencia de SvenVäth, Luciano, Loco Dice, Maya Jane Coles, Joris Voorn, Reboot, Andrea Oliva y Uner. Consulta su web para que no te pierdas ningún fiestón.

www.ushuaiabeachhotel.com

Adneo Texto: JOSÉ BELLO FUNCASTA
Parece que cada vez nos acercamos más a la idea de que en el hogar todo esté automatizado. Desde que la nevera nos hable, a que la comida esté servida cuando lleguemos a casa y solo tengamos que preocuparnos de dormir. 3 nuevos proyectos hacen que esta utopia sea cada vez más real. (1) Kult de Emo Design para Kblue: Es el más general de los 3, se caracteriza sobre todo por su diseño, y consiste en varios aparatos y aplicaciones que centralizan aspectos tan cotidianos como las luces, vigilancia y control de acceso, temperatura, videoportero y distribución de audio y vídeo. (2) Vestel Assist de Begüm Tomruk para Vestel Electronics: centrado exclusivamente en dominar la cocina y la mente de los electrodomésticos inteligentes para que interactúen entre ellos. El elemento principal de este proyecto es una pantalla fija que permanece en su módulo de carga conectado con un sistema de imanes. A través de este artilugio se puede hacer de todo: controlar el sistema de sonido incorporado en la cocina, navegar por internet, ver la TV, compartir recetas, chequear la temperatura de la nevera y el congelador, o comprobar la información que hay dentro de los packs alimenticios. El control de la pantalla se ejerce mediante un lápiz especial más un dispositivo parecido a un ratón, que también hace las veces de lector de códigos de barras. (3) Loupe de Beata Patašiúté y Sarah Gao: una evolución del mando a distancia tradicional. Su parte frontal es una pantalla táctil de 1136 x 640 píxeles, protegida con un cristal anti-rayazos, en la que se nos muestra una interfaz totalmente personalizable con el que se puede controlar la programación televisiva o buscar y visualizar grabaciones para reproducir en la televisión. Pero para rizar más el rizo, también incluye una cámara (capaz de hacer fotos con 8 megapíxeles de resolución, y vídeo a 1080 p) y un asistente por voz para que si preferimos ni tan siquiera toquemos el mando. Ahora la gran pregunta: ¿Nos atreveremos a vivir en casas así? ¿Nuestro hogar, dulce hogar, llegará a ser más inteligente que nosotros mismos? ¿Cuánto nos costará la hipoteca?  En caso de alquiler y de avería, ¿quién se hará cargo de las reparaciones de estos aparatos: el arrendatario o el arrendador? ¿Habrá espacio para los fantasmas en las nuevas casas automatizadas? El tiempo lo dirá.  

Imágenes del proyecto Kult de Emo Design.
Self-Tanning Body de Comodynes,
Manopla, Pack de 3: 13,4 euros.
Self-Tanning Intensive de Comodynes,
Pack de 8: 11,3 euros.
Self-Tanning Natural de Comodynes,
Pack de 8: 11,3 euros.
Radiant Glow Body de Comodynes,
Tubo 200ml:21 euros
Hydratanning - Body Moisturising
de Comodynes, Tubo 200 ml: 18,45 euros.
Hydratanning - Face Moisturising
de Comodynes, 40 ml: 25,6 euros.
Radiant Glow Face de Comodynes,
Tubo 40 ml: 25 euros.
Adneo Texto: LILU DIAZ DE QUIJANO
Bronceado Express: 3 productos autobronceadores que garantizan un bronceado natural y uniforme ¡en solo 3 horas! Para la cara, cuello y escote: la toallita Natural que revolucionó el mundo del autobronceado, inigualable, con efecto hidratante elaborada con fibras naturales 100% que garantiza un bronceado bonito y saludable en una sola aplicación. Para obtener un bronceado natural más intenso y duradero: la toallita Intensive. Para el cuerpo: la manopla autobronceadora corporal, ultra-esponjosa con 25ml de fórmula activa y propiedades hidratantes. Bronceado Progresivo & Hidratación: 2 productos para hidratar la piel durante las 24 horas del día y, al mismo tiempo, autobroncearse progresivamente. Para la cara: una emulsión facial con dosificador que hidrata intensivamente la piel y aporta un bronceado progresivo, prolonga el bronceado natural y refuerza las fotodefensas frente a los radicales libres. Para el cuerpo: una leche hidratante bronceadora, adaptada a cada fototipo de piel, que puedes usar los 365 días del año. Bronceado Instantáneo: 2 geles para obtener un bronceado de quita y pon, mágico, rápido, seguro, natural y radiante que permanece durante horas y desaparece bajo la ducha. Un gel para la cara y otro para el cuerpo, una innovación que te hará lucir tu mejor bronceado al instante. Comodynes es el secreto para un bronceado perfecto, antes, durante y después del verano, sin necesidad de sol.

Todos los productos Comodynes han sido testados dermatológicamente y no contienen parabenes. A la venta en la web de Comodynes, farmacias, parafarmacias, perfumerías y en la parafarmacia de El Corte Inglés.
www.comodynes.com
Colección Otoño Invierno 2013-14.
Modelo: Martina Vurmová.
Colección Otoño Invierno 2013-14.
Modelo: Martina Vurmová.
Colección Otoño Invierno 2013-14.
Modelo: Martina Vurmová.
Colección Otoño Invierno 2013-14.
Modelo: Martina Vurmová.
Colección Otoño Invierno 2013-14.
Modelo: Martina Vurmová.
Colección Otoño Invierno 2013-14.
Modelo: Martina Vurmová.
Colección Otoño Invierno 2013-14.
Modelo: Martina Vurmová.
Adneo Texto: MONGÓMERI · Fotos: SUNG-HWAN  www.jeonseunghwan.com
Los que la conocen bien dicen que irradia la misma serenidad de sus diseños. Un equilibrio que Kaylee Cho localiza en medio de las ambivalencias que dominan la existencia, como si quisiera descubrir la esencia de la vida comprendiendo y aceptando los polos opuestos que rigen el sentido de la estética: bello y feo, perfecto e imperfecto, complejo y simple. Conceptos que probablemente han decorado desde pequeña su cabeza, ya que por lo visto creció en Seúl en un ambiente creativo, rodeada de artistas y escritores. A su paso por la Universidad de Seúl, Kaylee continúo adentrándose en el mundo de las dicotomías especializándose en los estudios de la Cultura Anglosajona y China. Después de estudiar la cultura norteamericana, decide vivirla. Continúa su formación en Los Ángeles. En esta ocasión, en beneficio de la historia del prêt à porter se matricula en Diseño de Moda. A partir de ahí comienza una carrera profesional como diseñadora free-lance que le lleva a mudarse a Nueva York, donde trabaja para Assembly New York. Pero regresa a Seúl. No fue un paso atrás, ni mucho menos, fue como coger carrerilla para dar un gran salto: la creación de su propia firma epónima: Kaylee Cho. Aunque acaba de presentarse con éxito en París y Londres, su primera colección verá oficialmente la luz este otoño invierno 2013-14. Bajo el título Being Between Times, Kaylee Cho desarrolla su personal perspectiva del equilibrio inspirándose en los particulares contrastes de un viaje a través de Asia (Japón, Corea y China), donde casas abandonadas o destruidas renacían milagrosamente como rascacielos. Un cúmulo de sensaciones que Kaylee ha traducido para su público en un formato de colección de moda. Patrones muy técnicos que en ocasiones desafían las normas para aportar una visión propia. Minimalismo complejo en una gama de color que va del negro al blanco, pasando por niveles de grises, algunos enrojecidos. Yuxtaposición de texturas rugosas y lisas. Lanas y algodones preciosos que estructuran la silueta con fuerza y delicadeza al mismo tiempo. Una propuesta que aunque acaba de ver la luz, ya tiene puntos de venta en Nueva York y Chicago. Europa espera.

www.kayleecho.com
Adneo Texto: MONGÓMERI
Nueva York: La huelga de transportes paraliza la ciudad de los rascacielos durante 11 días del mes de abril de 1980. Los neoyorquinos obligados a acudir a sus trabajos a pie, sustituyen los incómodos zapatos por prácticas zapatillas de deporte como medio de transporte. Surgen así la primeras mujeres ejecutivas que cruzan Manhattan con traje de 2 piezas y zapas en lugar de tacones. Melanie Griffith las representa en la película Armas de Mujer luciendo unas Reebok Classic Leather blancas. 1983: Reebok responde al fenómeno diseñando, a partir de un modelo en nylon ya existente, una zapatilla deportiva de piel. Es decir, transformaron una silueta sport en calzado de vestir, y la bautizaron como Classic Leather, un hito de la moda  que pasará a la historia por haber sido la primera zapatilla de vestir, el detonante de la "moda casual". 2013: Con más orgullo que nostalgia, Reebok quiere conmemorar de forma especial el 30 aniversario de las Classic Leather, el eslabón que aglutinó, en los 80 y para siempre, conceptos como deporte, cultura, música y arte en un único estilo de vida. Más que una zapa, una actitud que dio sus primeros pasos en las calles de un Nueva York en su máximo apogeo creativo. Todo ello está presente en la nueva colección de Reebok Classics, desde modelos originales a las interpretaciones hechas bajo la influencia espiritual y creativa de Keith Haring y Jean-Michael Basquiat. Live With Fire es el slogan con el que Reebok define esta filosofía de vida, una actitud intensa y pasional ya presente en los orígenes de la marca cuando, en 1890, un atleta adolescente del Reino Unido, Joseph William Foster, fundador de Reebok, le puso unos clavos a sus zapatillas para correr aún más rápido. Inventó el calzado deportivo y las bautizó como Skipes of Fire. Casi un siglo después, la película Carros de Fuego desarrolla la épica de la historia. Apasionante.

www.reebok.es
Carhartt WIP nos ilustra la primavera verano 2013 con pequeñas lecciones de la historia textil de la marca que se remonta al siglo 19, cuando, al otro lado del Atlántico, Hamilton Carhartt crea en 1889 su propia empresa especializada en ropa de trabajo. Prendas fabricadas en lienzo de algodón, un tejido conocido como "cotton duck" (algodón de pato), denominación que viene del holandés "doek", que fonéticamente suena como "duck", pero que en realidad significa "paño". Este tejido se convirtió rápidamente en emblema de la marca, y aunque nada tiene que ver con los patos, Carhartt WIP recupera la idea como bonito estampado de la colección: al agua patos.  

www.carhartt-wip.com

Foto: JOSÉ MORRAJA · Texto: Mongómeri

Estilismo: Nirave.
Grooming: Marina Alejandre @ Talents con productos M·A·C Cosmetics + Art Lab-Avena.
Asistentes Fotógrafo: Pedro Agustín + Carlos Pedrosa + Víctor Aertsen.
Asistente Estilismo: Jorge Olmedo + José Lupa.
Total Look: Carhartt Wip .
Modelo: Ben Allen d Select London.

David Bustos & Ricardo Cavolo
durante el proceso creativo para Nike Air Max
David Bustos & Ricardo Cavolo
durante el proceso creativo para Nike Air Max
David Bustos & Ricardo Cavolo
durante el proceso creativo para Nike Air Max
David Bustos & Ricardo Cavolo
durante el proceso creativo para Nike Air Max
David Bustos & Ricardo Cavalo
durante el proceso creativo para Nike Air Max
David Bustos & Ricardo Cavolo
durante el proceso creativo para Nike Air Max
David Bustos & Ricardo Cavolo
durante el proceso creativo para Nike Air Max
1987: Nacen las Nike Air Max con la ilusión de revolucionar el mundo del calzado deportivo. La idea era sencilla: crear unas zapatillas más ligeras y resistentes gracias a la sustitución de la entresuela de espuma por aire. Lo que no sabía su creador, Tinker Hatfield, es que también se convertirían en un icono de la calle. A partir de ese momento, las Nike Air Max han ido reiventándose periódicamente con nuevas tecnologías. Cada nueva edición es un evento y, como todo gran evento, se le denomina por su año: Nike Air Max 1, 90, 95, 97 y 2013. Para celebrar el 25 aniversario de la familia, este año aterriza una nueva revolución: un nuevo modelo Air Max 2013, más ligero, con cápsula de aire más flexible, mejorando la adaptabilidad al pie y facilitando aún más la transpiración. Un soplo de aire fresco que llega al mundo del deporte y la cultura. Reinvención: En el 25 cumpleaños de las Nike Air Max, la marca quiere celebrar este concepto con la campaña "Air Reinvented", que se basa en la característica de renovación inherente a las Air Max, llevada a las historias de reinvención de personajes ejemplares del deporte y la creatividad. Un proyecto que se inició con un alucinante libro de colección, Max100, una recopilación de Matt Stevens, artista gráfico, con 100 interpretaciones visuales de la mítica zapa. Un proyecto que en 2013 se ha ampliado bajo el título #AirMax con nuevas recreaciones de la familia de sneakers. En España, la historia de reinvención, que caracteriza a las zapatillas, se cuenta a través de 2 personajes: David Bustos & Ricardo Cavolo. David, medio fondista de 23 años, considerado una de las grandes promesas del atletismo español. Curiosamente, inicia con éxito su carrera deportiva jugando al fútbol. Pero un buen día, decide reinventarse deportivamente y pasarse al atletismo, donde triunfa igualmente. En conexión con el fútbol, aunque esta vez como aficionado, Nike reta al salmantino Ricardo Cavolo, artista gráfico de 31 años, para realizar su propia interpretación creativa de las Air Max basándose en el atributo principal de las mismas, el aire. Un ejercicio de reinvención, ya que Cavolo ha hecho de todo (murales para tiendas, ilustraciones para libros, exposiciones personales, carátulas para discográficas, carteles para Cirque Du Soleil...), pero esta obra pasará a la historia de la producción del artista como su primera pieza en 3D. El resultado: un globo aerostático dirigido por una Air Max. Una obra que, bajo la inspiración de Georges Méliès, el padre del ilusionismo cinematográfico, cobra vida en una instalación callejera en el centro de Madrid, la capital de la reinvención. Ahora te toca a ti, ponte unas Air Max y a ver en qué te reinventas.  

www.nike.com
El tiempo pasa volando. Springfield lo sabe bien. La cadena española de moda celebra su 25 aniversario. Y lo hace con muchísimos regalos, míralo en su web. Hay becas, y hasta Vespas, en color pastel, por supuesto, es tendencia, como toda su colección, de chico y chica. Pero lo más importante es que Springfield te invita a celebrar tus propios 25 años, valen tanto los biológicos como los mentales. Durante 25 horas al día. Aprovecha tu tiempo que pasa volando. Besos. spf.com

Fotos: JOSÉ MORRAJA · Texto: Mongómeri
Estilista: José Lupa / Grooming: Ricardo Calero @ Talents para M·A·C Cosmetics & Art Lab /
Modelo: Claudio Ciocirian @ Uno Bcn /
Asistente Fotógrafo: Marta Gabaldón / Producido dentro del Master Internacional de Fotografía de Moda de EFTI /
Ropa: Total Look Springfield spf.com

Adneo  Textos: SOFÍA DOS SANTOS + MONGÓMERI  Fotógrafo: JOSÉ MORRAJA
Llegó a Madrid a los 18 años desde Mallorca persiguiendo un sueño: ser actor. Y aunque los inicios siempre son duros, en su curriculum se incluye ya su aparición en alrededor de ocho series de televisión. “No es fácil dejar a tu familia, a tus amigos y tu casa. Menos para empezar con algo tan complicado como el mundo de la interpretación, pero era lo que quería hacer”. Estudió un año en la escuela municipal de teatro de Mallorca. En Madrid se formó también en dos escuelas de interpretación. La serie de televisión que le ha cambiado la vida ha sido Física o Química: “Supuso para mí el primer papel fijo en televisión. Me ha dado fama y ha sido un trampolín para seguir haciendo lo que más me gusta, que es dedicarme a esto”. También el cine y el teatro le resultan atractivos: “Si pudiera elegir me quedaría con el cine, es lo que más me apetece ahora, aunque el teatro es donde más se aprende”. El futuro lo ve duro, pero también lleno de posibilidades: “Creo que un actor tiene que estudiar y leer mucho, y no dejar nunca de formarse. Hay que estar siempre activo. En el futuro me gustaría hacer papeles totalmente distintos, ser versátil”. Tras su transformación en estas fotos no podemos evitar preguntarle si le asusta envejecer: “Forma parte de la vida, es algo natural, no le tengo ningún miedo. Mientras me conserve bien... Además, creo que seré un viejecito bastante interesante” (risas).

Fotógrafo: José Morraja · Estilismo: Xavi Reyes · Grooming & Caracterización: Lolita para Graftobian · Textos: SOFÍA DOS SANTOS + MONGÓMERI · Plató: ADDICT STUDIOS www.addictstudios.com
Adneo  Textos: SOFÍA DOS SANTOS + MONGÓMERI  Fotógrafo: JOSÉ MORRAJA
Visto que Álex no tiene ningún miedo a envejecer, siempre y cuando "me conserve bien", le pusimos a prueba envejeciéndole para esta foto, hecha bajo la inspiración de los legendarios Levi's 501, los jeans más longevos de la historia, nada menos que 140 años de vida. Eso sí que es envejecer bien, o mejor dicho rejuvenecer constantemente, temporada tras temporada. Un ejercicio de reinvención que para esta primavera verano 2013 ha sido aún más radical, presentando, por primera vez en la historia, una línea de vaqueros Levi's 501 en tejido non-denim. Una actualización que incluye una silueta ligeramente más ajustada, con bolsillos alargados y costuras más bajos reforzados. Disponibles en 4 colores: cámel, verde kaki, azul y rojo. Álex Martínez tiene razón: tras la caracterización, y con los nuevos Levi's 501, resulta un señor bastante interesante. 

Total Look Primavera Verano 2013.
www.levis501.com Levi's.


Fotógrafo: José Morraja ·
Estilismo: Xavi Reyes ·
Grooming & Caracterización: Lolita para Graftobian ·
Plató: ADDICT STUDIOS www.addictstudios.com


Texto: MONGÓMERI Fotos Cócteles: LARA ARGUEDAS MARTÍN
DESDE TIEMPOS INMEMORIALES, EL MARKETING POPULAR, O REFRANERO, HA INTENTADO DEFINIR LAS DIFERENTES FORMAS DE SER Y SENTIR, Y HASTA LAS DE VESTIR. JUEGOS DE PALABRAS, PARONOMASIAS, ALITERACIONES, METÁFORAS, EUFEMISMOS, HIPÉRBOLES, PROSOPOPEYAS Y HASTA METONIMIAS QUE EXPLICAN LA NATURALEZA HUMANA, SUS   GUSTOS E INCLINACIONES. A UNA LARGA LISTA DE DICHOS, AHORA PODEMOS INCORPORAR EL DE “DIME CÓMO VISTES Y TE DIRÉ QUÉ BEBES”,
¿O ERA AL CONTRARIO?: “DIME QUÉ BEBES Y TE DIRÉ CÓMO VISTES”. SEA COMO FUERE, EN ESTE ARTÍCULO LO PONEMOS EN PRÁCTICA CONECTANDO 3 TENDENCIAS DE MODA CON 3 COMBINADOS CREATIVOS. PRUÉBALOS Y DESCUBRE NUEVAS Y ESTILOSAS FIGURAS RETÓRICAS.
“Sine Metu”, una expresión en latín muy popular en Irlanda. Aparece en todas las botellas Jameson, el famoso whiskey irlandés creado en 1780 por John Jameson. La misma frase la podemos ver en su escudo familiar. Significa “sin miedo”, un blasón otorgado a la familia por su lucha contra los piratas en los altos mares de Irlanda durante el siglo 16. Emparentado con las principales sagas de destiladores de la historia, John Jameson, también conocido como Glorious John, sabía como marcar la diferencia en el mundo del whiskey: creó el más suave y puro del mundo. Una personalidad fruto de la triple destilación irlandesa de sus componentes: agua, cebada y cebada malteada. El whiskey escocés solo se destila 2 veces, y una el americano. Esa es la clave, junto a un mágico proceso de maduración en barricas de roble americano, bañadas previamente de bourbon americano, y barricas de jerez.
 
Jameson con Ginger Ale & Lima. En este caso, el “perfect serve” supone disfrutar de un combinado de alta calidad, fácil de preparar y sin pretensiones. Tan sencillo como servir en una copa de balón hielo: Jameson, 50ml; Ginger Ale (Fever-Tree), 20ml; más media rodaja de lima exprimida. El resultado en una bebida suave, refrescante e inolvidable. Perfecta para momentos cualitativos. Te recomendamos los siguientes locales: La Realidad (Madrid), Café La Palma (Madrid), Black Horse (Barcelona) y Betty Fords (Barcelona).

www.jamesonwhiskey.com
LEVI’S Colección Commuter Especial Ciclistas Urbanos
Primavera Verano 2013 www.levi.com

REEBOK Zapatillas Classic Leather Vintage
Primavera Verano 2013 www.reebok.es
REEBOK Zapatillas Classic Leather Vintage
Primavera Verano 2013 www.reebok.es
REEBOK Zapatillas Classic Leather Vintage
Primavera Verano 2013 www.reebok.es
H&M Colección Brick Lane Bikes
Primavera Verano 2013 www.hm.com
LEVI’S Colección Commuter Especial Ciclistas Urbanos
Primavera Verano 2013 www.levi.com
LEVI’S Colección Commuter Especial Ciclistas Urbanos
Primavera Verano 2013 www.levi.com
Han pasado casi 200 años desde la invención de la bicicleta. En aquella época no tenían pedales. Desde entonces, técnicamente han evolucionado muchísimo, conservando, eso sí, las 2 ruedas que le dan nombre. Pero es en los añoas 70 cuando la bicicleta pasa a ser algo más que un vehículo y se convierte en bandera del movimiento verde. Un práctico medio de transporte que a la vez representa la conciencia de un nuevo estilo de vida más relajado y comprometido con su entorno. Una sana actitud que hoy en día está renaciendo en todas las ciudades. Estéticamente siempre va ligada a tendencias añejas y naturales precedidas del prefijo neo: vintage, folk, handcraft, eco... Una corriente que se va extendiendo paulatinamente. De hecho, algunas marcas, pocas de momento, comienzan a crear líneas especiales de ropa diseñadas especialmente para ciclistas urbanos. Colecciones que combinan la estética streetwear con la física de la bicicleta y el cuerpo. No es un deporte, es simplemente tomarse la vida de otra forma, con un Jameson.
Un ron con historia, añejado naturalmente durante un mínimo de 7 años en barricas de roble blanco. Este largo proceso de envejecimiento le proporciona su característico claro color caoba, más un poderoso y complejo sabor fruto de su reposada y refinada combinación: cacao cálido, vainilla, azúcar de caña y castaña, mezcla potenciada por el gusto de frutas tropicales caramelizadas, suave roble, cedro, tabaco dulce y especias. Al paladar, la mirada y el olfato, es la personificación del ron cubano. Un referente de la gama premium, pura cultura. Una bebida con un punto intelectual que invita a conversar y compartir historias. Con esta filosofía, la marca ha puesto en marcha “Havana 7. Historias que cuentan”, encuentros humanistas entre importantes periodistas, con muchas cosas que contar, y personas con muchas ganas de escuchar. 


Havana 7, perfect serve.
Verter 60 ml de ron Havana 7 en un mortero y encender con un mechero. Pelar una naranja y cortar la piel, un twist, exprimiendo su aceite sobre el mortero donde sigue quemándose el ron. Echar una pizca de canela y tapar el mortero. Después, servir en un vaso bajo con cubitos de hielo, añadir el twist de naranja y remover ligeramente con una cuchara y añadir el removedor en la copa. Para abrir nuestras papilas gustativas, durante el proceso saborear unas rodajas de naranja empapadas en pimienta y cacao.

www.havana-club.com
REEBOK Zapatilla Princess Colección Basquiat Primavera
Verano 2013 www.reebok.es
CARRERA Gafas Línea Carrera 6000 Primavera Verano 2013 carreraworld.com
BIMBA Y LOLA Cinturón Colección Primavera Verano 2013
www.bimbaylola.com
BENETTON Total Look Primavera Verano 2013
es.benetton.com
NIXON Relojes Colección Dip-Dye Verano 2013 es.nixon.com
MARNI Colección Primavera Verano 2013
www.marni.com
Colores diluidos en agua que aplicados sobre papel dan nombre a un tipo de pintura originaria de China, la acuarela o watercolor. El efecto de esta técnica milenaria era especialmente sensible al sol, palideciendo bajo su influencia. En el siglo 19, asociada al paisajismo, la acuarela se populariza entre los artistas pictóricos occidentales, siendo Turner quien la llevará a su máximo nivel. Sin embargo, el uso de acuarelas se extendió tanto entre pintores amateurs e ilustradores publicitarios que cayó en desgracia entre las élites artísticas. Es la industria de la moda, en los años 90, la que le devuelve el esplendor al efecto watercolor bajo diferentes técnicas textiles como tintes “tie-dye” o sofisticados lavados. El objetivo es aportar algo de narrativa y fantasía sobre prendas nuevas, a estrenar: experiencias imaginadas, una historia interesante, la magia de un vintage. Es el romanticismo de la moda. Un tema muy interesante sobre el que conversar de after work bajo la influencia de un Havana 7, auténtico ron vintage.

Una bebida alcohólica totalmente natural, elaborada con manzanas orgánicas de cultivo ecológico fermentadas durante 6 semanas. No lleva edulcorantes ni conservantes artificiales, solo  agua mineral danesa, 90% de zumo de manzanas europeas, tanto dulces como ácidas, y un 9’8% de flor de saúco, todos los componentes son saludables y naturales. Con esa misma naturalidad se presenta al mundo en una desenfadada y estilosa botella blanca de 33cl, con un tipografía totalmente funky serigrafiada en múltiples colores. Sin duda es una de las ideas más frescas de la temporada, y está dando mucho que hablar en las redes sociales. Además Moho fue condecorada en 2010 con una medalla de oro en el reconocido certamen Sial Paris por las principales federaciones de cerveza y sidra. Con la vitalidad propia de la juventud, Moho Cider está presente en los mejores locales de Barcelona, y en toda fiesta que se precie. También la puedes comprar en DeliShop (Barcelona).

Cider Ice Tea.
Giuseppe Santamaria, uno de los mejores bartenders del mundo, nos propone un trago largo de Moho al estilo ice tea. Ingredientes: Moho, 90ml; vodka, 10ml; ginebra, 10ml; ron blanco, 10ml; tequila blanco, 10ml; Cointreau, 5ml; Angostura Aromatic Bitter, 3 golpes; zumo fresco de yuzu (cítrico de mandarina), 12,5ml; jarabe de té verde, 15ml. Agitar los ingredientes, menos el Moho, en una coctelera y servir straight up en vaso de trago largo con cubos de hielo, rellenando con Moho. Decorar con una rama de menta fresca y una rodaja de mandarina.

www.mohoparty.com
UNITED NUDE Zapato Primavera Verano 2013
www.unitednude.com
MARNI Colección Primavera Verano 2013
www.marni.com
BENETTON Primavera Verano 2013
es.benetton.com
BIMBA Y LOLA Total Look Colección Primavera Verano
2013 www.bimbaylola.com
BLACK FLEECE by Brooks Brothers Total Look Primavera
Verano 2013 www.brooksbrothers.com
Frente a los caros tapices que cubrían los muros de las mansiones aristocráticas, durante el Renacimiento, la burguesía emergente adopta el papel pintado como revestimiento de paredes. Es el inicio de la decoración moderna. Continuos gráficos, cuyo patrón se repite en un sinfín. Con la llegada de la  Revolución Industrial, las nuevas técnicas de impresión más económicas hacen que el wallpaper se popularice entre la clase media. Es en los años 60 y 70 del siglo pasado cuando el mundo del papel pintado alcanza su máximo apogeo creativo, pasando de los motivos florales a los diseños geométricos como extensión de la música funky de la época. Pero a medida que pierde adeptos en el mundo de la decoración, los gana en la industria textil. Hoy en día, alegres estampados siguen cubriendo nuestros cuerpos recordándonos que la fiesta continua, ya sea con ritmo funky, hip hop o cualquier variedad del house y la electrónica, pero aderezada siempre con Moho Cider.

3 Novedades Aquafitness con fragancia
y diseño oceánico: Revitalizing Shower Gel Hair
& Body + Eau de Toilette + Desodorante
Texto: JOE MADRAZO
TE VAMOS A PROPONER QUE TE PONGAS EN LA PIEL DE UN SURFISTA. NO EN LA DE UNO CUALQUIERA, SINO EN LA DE CHRISTIAN YEAGER, NUEVA IMAGEN DE LA LÍNEA AQUAFTINESS DE BIOTHERM HOMME. COMO TODOS LOS EMBAJADORES DE LA MARCA, ES TAMBIÉN UN PERSONAJE POLIFACÉTICO: SURFISTA, FOTÓGRAFO Y PRODUCTOR DE CINE INDEPENDIENTE. LA PELÍCULA FALLING OVERNIGHT ES SUYA. UNA LÁSTIMA QUE ESTUVIERA DETRÁS DE LAS CÁMARAS Y NO DELANTE. SIN EMBARGO, EN ESTA OCASIÓN, PARA BIOTHERM HOMME, DA LA CARA, Y EL TORSO. UNA OPORTUNIDAD PARA PONERNOS EN SU PIEL E IMAGINARNOS CON AQUAFITNESS DENTRO DE SU ELÁSTICA SILUETA ZIGZAGUEANDO OLAS REALES O FICTICIAS.
Aquafitness Revitalizing Shower Gel Hair & Body:
Contiene agua marina, oligoelementos y minerales
que proporcionan un efecto refrescante y tonificante
al instante. Funciona en cabello y cuerpo.
No contiene parabenes y el 98% de su composición
son ingredientes biodegradables. 19,9 euros.

Desodorante Aquafitness:
Efecto 24 horas, con tecnología
antimanchas, blancas y amarillas.
Sin residuos. 23,6 euros.
Aquafitness Eau de Toilette Revitalizante:
Nueva frangancia Biotherm Homme enriquecida con agua marina. Frescas salpicaduras marinas y cítricas de salida, que posteriormente te envuelven en enormes olas de menta verde, madreselva dulce y salvia sclarea, que terminarán sumergiéndote en un cálido fondo marino con notas amaderadas. 42 euros.
Christian Yeager: “Nací en Hawai. Para mí el océano era como el patio del recreo. A los 15 años cogí mi primera gran ola. Era enorme, casi sólida. Debía tener unos 6 metros. Ahora vivo en Los Ángeles, y trabajo como fotógrafo y productor cinematográfico. Y, por supuesto, sigo haciendo surf. Es un poco el motor de mi alma. El océano es como el latido de la vida, es la base de toda mi energía y creatividad”. Océano: “Para mí, los 2 mares más hermosos están en la costa norte de Hawai, donde me crié, y en las islas Vírgenes Británicas. En Hawai el agua es profunda, de un azul perfecto, con un arrecife de un verde resplandeciente repleto de peces y con unas olas increíbles. Las aguas de las Islas Vírgenes son de un azul turquesa perfecto en toda su extensión. Al verlas piensas: ¿Para qué regresar a la sociedad teniendo esto? Es una lástima que la calidad de los océanos se esté deteriorando. Los arrecifes se están muriendo y la gente no se entera o le da igual. Eso me parte el corazón. Deberíamos hacer algo antes de que sea demasiado tarde”. Olas: “Lo mejor es cuando puedes surfear un tubo y estar dentro del océano. Es como un hermoso cañón azul que ofrece una preciosa vista totalmente simétrica. Dentro, el sonido es increíble y te puedes encontrar con un delfín surfeando contigo. En California, los delfines surfean en todas partes”. Entrenamiento: “Hay que estar preparado para lo que el mar pueda depararte. Hay que mantenerse ágil, fuerte y en forma. También debes estar bien mentalmente, el océano es un gran lugar para meditar”. Adrenalina: “La adrenalina fluye cuando surfeas, pero no piensas en el peligro ni por un segundo. Solo existe el presente. Cuando te encuentras ante una situación realmente peligrosa, debes confiar en tu instinto y dejar que la adrenalina lo resuelva”. Experiencias: “Mi mayor satisfacción fue cuando terminé el instituto. Tenía 17 años y me fui de instructor a México, a Puerto Escondido. Allí hay unas olas perfectas y grandes que siempre forman cañones. Daba clases de surf y también enseñaba inglés a niños huérfanos con los que surfeaba todos los días. Fue un año increíble.  Fui lo más feliz que se puede ser como ser humano”. Piel: “Uso productos de tratamiento a diario. A diario me expongo al sol, al agua y al salitre. Y encima vivo en un clima seco. Necesito cuidar la piel: limpiarla, hidratarla y proporcionarla protección solar. Es algo sin lo que no puedo pasar. ¡No pasa nada por ser chico!”. Biotherm Homme: “Los valores de la marca me resultan muy estimulantes. Creo que sus productos y su marketing son excelentes. Me gusta que quieran utilizar mis habilidades como deportista acuático, y me emociona ver cómo Biothem Homme desea realmente identificarse con este estilo de vida. Todo el equipo de Biotherm Homme es increíble y tiene una energía maravillosa”.

www.biothermhomme.es
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SUEDE ”Bloodsports”
(Warner Records) 
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Primavera Verano 2013
www.stories.com
POR: RAMÓN FANO, JAVIER ABIO, RUBÉN MANRIQUE,,
TERE VAQUERIZO Y JOSÉ BELLO
TEXTO: MANU ROMERO
Era cuestión de tiempo que superados los límites de la clonación, la nanomedicina o la genética, aunque enfrentados todavía al dogmatismo religioso más confeso e implacable, lo siguiente sería la incursión hasta el tuétano en la ‘fabricación’ de partes del cuerpo humano. ‘Con la Iglesia hemos topado’, pensarían algunos, pero a estas alturas ya no hay protodiácono que nos marque el ‘stop right now’. El body part maker es la nueva profesión sobre el tablero de juego. Especialidad, que aún en pruebas, es ya una realidad más que justificada. Una puesta en escena que, a partir de 2020, será tan habitual como decir que tu abuelo era mecánico o tu madre arquitecta. Un profesional de vocación, apasionado por la cirugía plástica, la robótica, la regeneración de tejidos o la biomedicina, al que se le permita navegar con cierta libertad a través de esa obsesión humana de jugar a ser Dios, Padre y Espíritu Santo, creando y desarrollando a nuestro antojo, pero siempre a favor de la humanidad.
Las personas no somos como las salamanquesas ni los tritones de mar. En caso de perder las extremidades, no volvemos a recuperarlas. Enigmas de la naturaleza que han provocado siglos y siglos de investigación, estudiosos al borde de un ataque de nervios y bocetos, teorías y estudios contrastados de Aristóteles a Darwin, pasando por Voltaire, acerca de la regeneración genético-celular. Y ahí seguimos. El Departamento de Defensa americano, por ejemplo, ha invertido 160 millones de dólares para intentar regenerar los miembros amputados de sus casi 900 efectivos en Irak y Afganistán. El Pentágono por su lado se gasta en la actualidad 250 millones de dólares para hallar la manera de crear nuevos órganos en laboratorio. España, sin perder comba, ha descubierto cómo el uso de células mesenquimales (obtenidas del cordón umbilical), podrían llegar a rehabilitar el corazón en caso de presentar enfermedades con déficit vascular, como el ictus, el infarto de miocardio y la arteriosclerosis. Al ser humano le apasiona eso de alterar el orden natural de las cosas y es que como decía Mary Shelley en su obra ‘Frankenstein’, “quien no haya experimentado la seducción que la ciencia ejerce sobre una persona, jamás comprenderá su tiranía”. Una tiranía que se torna en nueva apuesta por crecer genéticamente hablando y en pro del ser humano. Pero señores, no nos alarmemos, el body part maker no quiere hacer de su vida profesional el sueño de llegar a dar con su particular y moderno Prometeo. No pretende hacer una pierna, brazo o dedito pequeño del pie, sino que investiga para crear piel, tendones o músculos, es decir, los tipos individuales de tejido. ¿Quién no ha soñado alguna vez con regenerar un tejido blando para sanar heridas?, ¿quién no querría llegar a fabricar un brazo o incluso un riñón, teniendo como base diseños, moldes y bastos estudios en nano-ingeniería y que al testarlos resulten la perfección hecha miembro? Seguramente sugestione a muchos, pero es el futuro queridos lectores, algún día alguien tendría que hacerlo.
JOQUER Butaca Oru diseño de Ramón Esteve.
www.joquer.com
Brandon Lattu Computer Shelf, 2006
Patrick Tuttofuoco Twins, 2009. 
Cortesía Pilar Corrias Gallery.
Foto: Andy Keate.
DORIAN
“La Velocidad del Vacío”
([PIAS] Spain)

WOODKID “The Golden Age”
(Green United Music / Universal Music)
ANTONY MORATO Total Look
Primavera Verano 2013
www.morato.it
MILLI MILLU Bolso
Modelo Hong Kong,
Spring Summer Collection 2013
& OTHER STORIES Brazalete
Primavera Verano 2013
www.stories.com
& OTHER STORIES
Bolso Primavera Verano 2013
www.stories.com
CARRERA Gafas Plegables
Modelo Champion Fold
carreraworld.com
POLIFORM Silla Harmony
diseño de Rodrigo Torres
www.poliform.it
NIXON Reloj Modelo
The UNIT 40 Colección
Summer Fall 2013
es.nixon.com
DEUXSOULIERS
Sandalias Primavera
Verano 2013

ADIDAS Originals by
Jeremy Scott Bailarinas
Colección Primavera Verano 2013
www.adidas.es
A muchos la profesión les puede resultar algo extraña, freak o incluso que atenta contra toda atisbo de razón humana. ¡Inmorales, inmorales! Se equivocan de pleno, estimados colegas de esta, su particular inquisición. No nos dejemos llevar por los ecos de Robocop, Terminator, Tim Burton o un delicado e incisivo Dexter. No es cuestión de metamorfosearse, jugar con cuerpos encamillados, insuflar vida donde ya no hay o cortar y suturar en función de nuestro prediseñado monstruo doméstico. Nos encontramos ante una profesión para la que hay que ser un total instruido en biotecnología, biomedicina, ingeniería genética y nanomedicina. Fabricar órganos y extremidades para reemplazar piezas de nuestra anatomía dañadas o incluso eliminadas en combate (literal), no es para menos. Y es que llegar a convertirse en uno de ellos, aunque complicada y minuciosa sea la preparación, sólo conllevará un exitoso y bien remunerado futuro. Son muchas las universidades españolas, repartidas por toda la geografía, las que ofertan carreras con las que empezar a familiarizarse con los conocimientos que necesita el body part maker, un oficio con mucha salida laboral y mayor beneficio, y que en cuestión de un par de lustros, estará a la cabeza de las profesiones más demandadas, más necesarias. El ser humano es curioso, por tanto, serán muchos los que movidos por su capacidad creadora y entregada al prójimo, se lancen al estudio del cuerpo humano de la misma manera que el escritor Thierry Jonquet, diseccionó sobre ello en su obra Tarántula. Un libro en el que el cirujano Lafargue calmaba su sed de investigación genética frente a una camilla ocupada. Un argumento que llamó la atención del mismísimo Pedro Almodóvar y que convirtió en su película más aséptica. El placer de crear, sabiéndose profeta en tierra aún sin explorar, analista del cuerpo humano, ávido lector del ADN, piloto que sobrevuela a lo largo y ancho de un cuerpo que necesita rehabilitarse y que encuentra en la degradación de polímeros y células madre el motor que le arranque a diseñar tejidos, producir órganos que alarguen, mejoren y devuelvan el vitalismo al individuo, en su búsqueda de la perfección sobrehumana.
Cada temporada palpitamos con las propuestas de pasarela. Imposibles que en muchas ocasiones solo admiraremos en foto o a través del grueso cristal de un escaparate. Alguna cadena hará interpretaciones asequibles. Pero no es lo mismo. Sin embargo, en esas propuestas siempre hay algo realmente democrático que todas podemos disfrutar: Los peinados, cuya materia prima es única y preciosa, pero es nuestra, de nadie más. Por eso, en este número queremos resaltar el trabajo de Guido Palau, uno de los peluqueros más influyentes de las 2 últimas décadas. Inglés de padre español, Guido es, desde 2005, Director Creativo Global de Redken y cada temporada crea el concepto de peluquería para más de 30 desfiles internacionales. En este número destacamos 6 de ellos: melena lisa para Céline (como portada alternativa), recogido bajo para Loewe, coleta baja pulida para Dior, recogido wet para Nina Ricci, coleta tupé para Marc Jacobs y recogido deshecho para Bottega Veneta. Propuestas factibles y asequibles para esta primavera verano 2013, realizadas para Neo2 por 3 de los mejores peluqueros de Madrid: Isaac Blanco, Carlos Verbena y Silvia Moreno de la Santa Rubio.
Fotógrafo Beauties: PACO PEREGRÍN Texto: LILU DIAZ DE QUIJANO

Maquillaje: Lewis Amarante @ Bigggmonkey Team para Max Factor
Peluquería: Isaac Blanco + Carlos Verbena
+ Silvia Moreno de la Santa Rubio
Fotos B&N: Lara Arguedas
Modelos: Eva Lois @ Elite + Paula Hidalgo @ Happy Mondays
+ Raquel Palomo @ Uno Bcn
Asistente Digital: David García
Plató: Addict Studios Madrid

Eva lleva el look de pasarela creado por Guido Palau, Director Creativo Global de Redken, para Loewe SS13: un recogido bajo realizado para Neo2 por Carlos Verbena @ Salón Making of Hair. Un look muy español que puedes hacer con Redken: (1) Aplicar Full Effect 04 para crear volumen sin agregar peso; (2) Peinar con raya al medio; (3) Aplicar con las manos Glass Look 01 Smoothing Serum  para que brille el pelo; (4) Hacer una cola de caballo baja que cubra las orejas y enrollarla en un pequeño moño bajo sujeto con horquillas; (5) Aplicar Forceful 23 Super Strengh Finishing Spray para que el peinado quede fijo y brillante.
Raquel lleva el look de pasarela creado por Guido Palau, Director Creativo Global de Redken, para Dior SS13: una coleta baja pulida realizada para Neo2 por Isaac Blanco @ Salón Opzon. Un look fácil de llevar tanto de día como de noche. Muy facil con Redken: (1) Aplicar el spray Fabricate 03 para dar brillo y control; (2) Cepillar con cepillo natural y aplicar con las manos All Soft Argan-6 Multi-Care Oil para dar brillo y alisar; (4) Hacer cola de caballo baja y engancharla con una coleta a la altura de la nuca; (5) Pulverizar la cola de caballo con Quick Dry 18 y enrollarla en un moño con horquillas durante 2 minutos; (6) Deshacer el moño y rematar con el spray Quick Dry 18 para que quede totalmente liso y compacto.
Eva lleva el look de pasarela creado por Guido Palau, Director Creativo Global de Redken, para Nina Ricci SS13: Un recogido wet realizado para Neo2 por Carlos Verbena @ Salón Making of Hair. Un look muy femenino y fácil de hacer con Redken: (1) Aplicar Full Effect 04 para crear volumen sin agregar peso, levantando las raíces y estirando hacia atrás para que no quede plano; (2) Recoger en un twist francés con un tail comb para meter el final del cabello debajo del twist con un par de horquillas; (3) Sacar del twist algunos cabellos y dejarlos caer sobre la nuca; (4) Fijar el twist con Forceful 23 Super Streng Finishing Spray; (5) Termina con Shine Flash 02 Glistening para obtener brillo.
Paula lleva el look de pasarela creado por Guido Palau, Director Creativo Global de Redken, para Marc Jacobs SS 13: Una coleta tupé realizada para Neo2 por Isaac Blanco @ Salón Opzon. Un look muy 60, inspirado en Edie Sedgwick, y que lo puedes hacer tuyo con Redken: (1) Aplicar Aerate 08 para obtener volumen; (2) Secar y peinar con raya marcada, e irregular, a un lado; (3) Crear volumen: primero en coronilla separando 2 pulgadas de cabello y aplicando Quick Tease 15 Backombing Finishing Spray desde la raiz. Repetir la acción en toda la superficie; (4) Juntar el cabello en una cola de caballo baja y añadir Powder Grip 03 para una textura mate.
Silvia Moreno de la Santa Rubio, Carlos Verbena e Isaac
Blanco durante la sesión de peluquería para Neo2. Silvia
realizando la melena lisa de Céline, Carlos aplicando el
Shine Flash 02 Glistening sobre el recogido wet de Eva,
e Isaac dando los últimos toques a Paula y su coleta tupé.

2 imprescindibles de Redken:
(1) Argan 6 Oil, un aceite que fusiona tradiciones ancestrales y la última tecnología.
6 propiedades: Protege, ilumina, suaviza, hidrata, nutre y
acondiciona. 27,45 euros; (2) Two Smooth 03, sérum
bifásico de alisado resistente a la humedad. Fortalece y
repara la fibra capilar aportando un acabado satinado.
21,95 euros. www.redken.com

Paula lleva el look de pasarela creado por Guido Palau, Director Creativo Global de Redken, para Bottega Veneta SS13: Un recogido deshecho realizado para Neo2 por Silvia Moreno de la Santa Rubio @ Salón Salón 5th Avenue. Un moño bajo desordenado que puedes hacer con Redken: (1) Aplicar Powder Grip 03 Mattifying Hair y luego cardar algunas secciones de manera suave; (2) Hacer una cola de caballo y cardarla con cepillo boar-bristle; (3) enrollar en moño desordenado y sujetar con horquillas dejando mechones sueltos; (5) Aplicar Quick Tease 15 sobre la coronilla para obtener textura seca y airosa.
Imprescindible de Redken:
Quick Tease 15 proporciona
casi al instante un peinado
con efecto cardado flexible.
3 propiedades: Volumen,
textura y control. 18,45 euros.
www.redken.com
Te hemos explicado como realizar estos peinados,
pero nuestro consejo es que te pongas en manos
de los profesionales: - Isaac Blanco @ Salón Opzon
(C/ Hortaleza, 20. Madrid).
- Carlos Verbena @ Salón Making of Hair (C/ Jesús
del Valle, 36. Malasaña - Madrid)
- Silvia Moreno de la Santa Rubio @ Salón Salón
5th Avenue (C.C. El Ferial. C/ Pinto, s/n. Parla - Madrid)
Archivo Fulares Louis Vuitton
Ediciones realizadas por:
James Rosenquist (1989),
Richard Prince (2007),
Takashi Murakami (2010),
Yayoy Kusama (2012)
y Wilson William (1995)
Archivo Fulares Louis Vuitton
Ediciones realizadas por:
James Rosenquist (1989),
Richard Prince (2007),
Takashi Murakami (2010),
Yayoy Kusama (2012)
y Wilson William (1995)
Archivo Fulares Louis Vuitton
Ediciones realizadas por:
James Rosenquist (1989),
Richard Prince (2007),
Takashi Murakami (2010),
Yayoy Kusama (2012)
y Wilson William (1995)
Archivo Fulares Louis Vuitton
Ediciones realizadas por:
James Rosenquist (1989),
Richard Prince (2007),
Takashi Murakami (2010),
Yayoy Kusama (2012)
y Wilson William (1995)
Archivo Fulares Louis Vuitton
Ediciones realizadas por:
James Rosenquist (1989),
Richard Prince (2007),
Takashi Murakami (2010),
Yayoy Kusama (2012)
y Wilson William (1995)
Texto: MONGÓMERI
El concepto del arte ha cambiado mucho desde que en 1854 la casa Louis Vuitton creara en Francia sus primeros baúles destinados a recorrer el mundo. Durante estos 159 años, su logotipo monogram también ha viajado a lo largo de la historia del arte contemporáneo, siendo testigo de la evolución estética y conceptual de las vanguardias artísticas, llegando a convertirse, bajo la motivación de Marc Jacobs, Director Creativo de Louis Vuitton, en protagonista de la obra de muchos creadores del siglo 21. El arte ya no necesita un marco para colgar en la pared, ni una galería, y mucho menos un museo. El arte, al igual que las divinidades, ya está en todas partes. Así lo entiende Louis Vuitton cuando en 1989 presenta su primera colección de fulares, temporada tras temporada firmados por relevantes artistas contemporáneos. Por ejemplo: James Rosenquist, Stephen Sprouse, Richard Prince, Takashi Murakami o Yayoi Kusama. Acciones que han supuesto un cambio de mentalidad, tanto en la moda como en el arte. Transformaron un fular en objeto de arte, y viceversa. Democratizaron el arte cuestionando la  importancia de la pieza única. Hicieron realidad la fantasía de tener un Louis Vuitton y una Stephen Sprouse al mismo tiempo. El viaje a través de la historia del arte continúa. Esta primavera verano 2013, Louis Vuitton presenta el proyecto Foulard’s d’Artistes, donde la firma invita a 4 creadores representativos de la escena Street Art internacional a plasmar su estilo personal sobre 4 de sus clásicos fulares de seda de gran formato: El tunecino eL Seed, la japonesa Aiko, el americano Retna y los brasileños Os Gêmeos. 4 artistas y una bandera, el graffiti.
eL Seed x Louis Vuitton
Fular Seda Cuadrado Gran Formato
Primavera Verano 2013
www.louisvuitton.com
www.elseed-art.com
www.tashkeel.org
Tunecino de origen con formación parisina suburbial. En la actualidad reside en Montreal (Canadá). Tras un amplio periodo de tiempo inmerso en el mundo de la mercadotecnia, eL Seed finalmente se considera un artista a tiempo completo. Su particular sello, la caligrafía arábica, se ha propagado por las calles y galerías de medio mundo: Londres, Melbourne, París, San Francisco, Chicago, Frankurt, Toronto, Doha, Túnez, Dubái... Es precisamente en este Emirato Árabe donde se ha presentado uno de los últimos trabajos de eL Seed. Invitado a la edición 2013 de Art Dubái por Tashkeel, espacio expositivo independiente y promotor creativo de artistas viviendo y trabajando en los Emiratos Árabes, eL Seed descubrió su colaboración con Louis Vuitton: la intervención creativa de los escaparates de la casa francesa en Dubái, y la creación de un doble estampado para el gran fular de seda LV. En ambas colaboraciones fluye la poesía gráfica que ha hecho importante a este creador. “Me siento muy orgulloso y feliz de haber puesto la escritura árabe sobre esta bufanda de Louis Vuitton. A ellos les pareció muy bien el concepto y me dieron carta blanca. Me pareció un proyecto muy interesante cuando me lo propusieron. Llevar el espíritu de las calles a una marca de lujo es tener clase”.
eL Seed x Louis Vuitton
Fular Seda Cuadrado Gran Formato
Primavera Verano 2013
www.louisvuitton.com
www.elseed-art.com
www.tashkeel.org
eL Seed x Louis Vuitton
Fular Seda Cuadrado Gran Formato
Primavera Verano 2013
www.louisvuitton.com
www.elseed-art.com
www.tashkeel.org
INFANCIA: “He creado arte desde que era pequeño. Me divertía pintando, haciendo collages, cosiendo, inventando nuevos pasos de baile, escribiendo canciones divertidas, montando fiestas y eventos... Yo era una niña feliz a la que le encantaba divertir a su familia y amigos constantemente. En mi vida el arte está en todas partes”.  
ARTISTA: “A mediados de los 90, después de graduarme en la escuela de arte de Tokio, me mudé a Nueva York. Quería experimentar diferentes culturas, examinar otras formas de arte, trabajar con talentos de todo el mundo, expresarme y comunicarme con una audiencia internacional. Así que nada más llegar a NYC sentí la influencia del graffiti y la escena del street art, que estaba abierta a todo el mundo, incluso a alguien como yo. Me encantó, conocí a un montón de artistas, y amigos, de todo Estados Unidos, Europa, Asia y África. Desde entonces, hace 10 años, llevo viajando por todo el mundo haciendo arte urbano, murales tanto en la calle como en galerías y museos. Y mientras pateo las calles, también hago esculturas, fotos, películas, acciones editoriales, diseño productos... Me considero una artista multimedia”.
LOUIS VUITTON: “Me invitaron como artista japonesa a ser parte de este proyecto de colaboración que une graffiti y pañuelos. “Graffiti meets Japanese culture and tradition”, esa era la idea. Cuando comencé el proyecto justo estaba en Tokio y dediqué parte del tiempo a explorar mis raíces. Fui a ver una obra de teatro tradicional, Kabuki, y fue muy inspirador. Estuve a punto de llorar con los decorados y esos fastuosos trajes de colores. También visité antiguos mercados al aire libre, santuarios... pillé tejidos viejos, serigrafías, marcos... Me traje todo eso de vuelta y aquí estudié los patrones de los kimonos, la simbología y los iconos nativos”.
FULAR: “Mi fular tiene 62 colores vibrantes. Quise hacer un collage con mis plantillas, toques graffiti con motivos japoneses y el Louis Vuitton Monogram. En definitiva, mezclar la locura del graffiti con la belleza tradicional japonesa en un pañuelo de seda con la calidad característica de Louis Vuitton. Todo el viaje fue fascinante, desde el proceso de investigación en Tokio, a la producción en Italia, donde tuve la oportunidad de examinar la realización. Fue muy inspirador, y estoy realmente agradecida por haber llevado mi arte a otro nivel. Además, ha sido genial trabajar con el equipo de LV en Nueva York, Los Ángeles, Milán y Tokio”.
ESTILISMO: “Me encanta usar mi fular leopardo de Louis Vuitton. Me abriga y cuando trabajo, también me protege del polvo y pintura. Para salir por ahí me da un punto funky y sexy. Es muy útil. Me encantará ver a todo el mundo con mi bufanda por la calle. Aunque también pueden enmarcarla y ponerla en una pared a modo de cuadro”. 
1989

Louis Vuitton presenta su primera colección de fulares, convirtiéndose en icono de la marca. Una prenda unisex multifuncional que soluciona todo tipo de estilismos y situaciones. Un lienzo de seda producido por artesanos de Como (Italia), la cuna de la serigrafía. Un soporte inédito para la creatividad de una larga lista de figuras relevantes del arte contemporáneo.  

Fular Monogram Louis Vuitton SS13
Aiko x Louis Vuitton
Fular Seda Cuadrado
Gran Formato Four Season
Primavera Verano 2013
www.louisvuitton.com
www.ladyaiko.com
Aiko x Louis Vuitton
Fular Seda Cuadrado
Gran Formato Four Season
Primavera Verano 2013
www.louisvuitton.com
www.ladyaiko.com
Retna
GRAFFITI: “Creo que tenía 8 años cuando vi el primer graffiti que realmente me gustó. En ese momento descubrí que era eso lo que quería hacer con mi vida”.
ARTISTA: “Ya que para comunicar utilizo las herramientas del arte y la literatura, me definiría como un pintor y un artífice de la palabra. Intento crear un diálogo íntimo entre la poesía de mi obra y el espectador. Mi historia se niega a ser limitada, está en muros permanente, un medio que no está limitado a un lienzo, si no que se mueve en las calles en las que he nacido y donde me he formado. Mi objetivo es la verdad, estoy dedicado a ello, y uso mi arte como un medio de transporte para la angustia, la alegría y la libertad que conlleva ser brutalmente honesto”.
LOUIS VUITTON: “Antes de realizar este proyecto mi imagen de Louis Vuitton era la de una marca de lujo que estaba comprometida con el arte y que había participado en muchas colaboraciones que admiro, pero lo que he aprendido con ellos es que realmente están comprometidos con la juventud, lo cual me hace admirarlos aún más. La verdad es que la marca me dio total libertad para hacer este trabajo, así que me presioné yo mismo para llevarlo a un nivel que reflejará el privilegio que sentía”.
FULAR: “El texto estaba basado en una acuarela que había hecho. Quería recrear la atemporalidad de Louis Vuitton con algo nuevo. Un reflejo de mi estilo clásico que fusiona el arte del graffito con las filosofías de los escribas ancestrales. Algo que funciona sin esfuerzo tanto en el pasado, como en el presente y el futuro. La verdad es que suelo ponerme bufandas, pero tengo ganas de dar guerra con mi Retna x Louis Vuitton “.
EXPERIENCIA: “Lo mejor de este trabajo fue la posibilidad de colaborar con un grupo de chavales del Overtown Youth Center coordinados por Louis Vuitton. Teníamos un gran lienzo y trabajé con cada uno de los chicos para pintar las letras. Me encanta trabajar con niños, es una forma de recordarme a mí mismo porque hago lo que hago”.
Galería Louis Vuitton

Pocas galerías de arte pueden presumir de una lista de artistas como la que ha colaborado con Louis Vuitton en sus ediciones especiales de Foulards: James Rosenquist, Arman, Sol LeWitt, Arata Isozaki, Sandro Chia, Gae Aulenti, Andrée Putman, Jean-Pierre Raynaud, Richard Peduzzi, Philippe Starck, César, William Adjété Wilson, Stephen Sprouse, Takashi Murakami, Richar Prince y Yayoi Kusama. 

Fular Stephen Sprouse x Louis Vuitton ss13
VOCACIÓN: “Decidimos que queríamos ser artistas cuando empezamos a jugar, con 5 o 6 años. Rompíamos todos nuestros juguetes y luego los reconstruíamos. A esa edad empezamos también a dibujar. Lo compartíamos todo, los juguetes y los dibujos. Creemos que decidimos ser artistas porque descubrimos que la mejor forma de hablar con la gente era a través de nuestros dibujos y pinturas”.
ARTISTAS: “Como artistas vemos la vida de muchas formas con perspectivas muy diferentes. Creemos en nuestro propio mundo y compartimos el paisaje y las situaciones con el resto de la gente. Estamos involucrados con nuestro trabajo al 100%. Creemos que nuestras obras deben llegar a la gente, les tienen que llenar de alguna forma. Como artistas, a nosotros nos gusta estar de fondo, y que la gente disfrute el teatro”.
FULAR: “En este fular para Louis Vuitton nos inspiramos en los momentos sencillos de la vida, el equilibrio y la belleza de la simplicidad, y también en la magia y la seducción de las diferentes maneras de hablar con los ojos. Para nosotros LV es una marca muy especial y única, así que la ilustración tenía que ser perfecta al 100%, tanto sus líneas finas como la interpretación del color. Lo que más nos motivó fue la idea de hacer algo que más tarde lo llevaría la gente alrededor del cuello. Nosotros también llevamos bufandas a veces. Si tuviéramos que recomendar a la gente cómo deberían ponérsela, les diríamos que la lleven como quieran, fundamentalmente como una obra de arte sobre su cuerpo”.
Os Gêmeos x Louis Vuitton
Fular Seda Cuadrado
Gran Formato Mosaic Square
Primavera Verano 2013
www.louisvuitton.com
osgemeos.com.br
Os Gêmeos x Louis Vuitton
Fular Seda Cuadrado
Gran Formato Mosaic Square
Primavera Verano 2013
www.louisvuitton.com
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Texto: AURÉLIEN LE GENISSEL
Es curioso que, en la tan denostada “Sociedad del Espectáculo” (Guy Debord), en la época triunfal de la telerrealidad, en la era hegemónica de la “Pantalla Global” (dixit Gilles Lipovetsky), el video arte no sea el rey. Vivimos en el mundo de la imagen, enchufados constantemente al ordenador, tecleando y surfeando en el móvil, grabando paradójicamente las experiencias que nos tocan vivir, fotografiando sin parar la belleza que nos rodea como si encapsularla en un montón de píxeles la hiciera eterna. Nada existe si no se ve, si no se transmite, si no se difunde a través de una imagen. La invisibilidad se ha convertido en el reverso oscuro, el enemigo íntimo de una sociedad con hipertrofia visual, como no paran de repetir los teóricos e intelectuales. Y, pese a todo eso, ni rastro de videoarte. Paseando por ARCO, por la FIAC o por Art Basel, (muy) pocas son las obras que se presentan en formato audiovisual con soporte televisivo. Pensad en una lista de los 10 artistas más importantes de hoy: hay bastantes posibilidades de que no esté ninguno que trabaje con este soporte. ¿Obras de difícil acceso? El arte contemporáneo está acostumbrado a las instalaciones herméticas, a los archivos intelectuales o a las ocurrencias posmodernas. ¿Un problema de propiedad? El arte conceptual ya ha conseguido hasta vender aire (véase Duchamp). ¿Una temporalidad incómoda para el espectador? Las performances, efímeras y fugaces por naturaleza, han triunfado. Podemos tragarnos todas las temporadas de The Wire o Mad Men en un maratoniano fin de semana pegados a la tele, pero nos asusta un film de Carles Congost o Gary Hill. Quizás sea la suma de todos estos factores y quizás sea también un problema de apoyo, distribución, visibilidad y comodidad de acceso a este medio. Y, como suele ocurrir, en España las cosas son aún más complicadas. En Francia existe La Gaité Lyrique o Le Cube mientras en Alemania (seguramente el país europeo históricamente más ligado al videoarte) abundan los museos, festivales, fundaciones, ferias o catálogos online, como el Center for Art and Media (ZKM) de Karlsruhe, la Videonale de Bonn, el inter media art institute foundation (imai) o el video fórum del Neuer Berliner Kunstverein (n.b.k.). Aquí cierran mediatecas (como la del Caixaforum de Barcelona) y aun nos hace falta urgentemente un archivo fílmico, digital y/o material, que permita el acceso al videoarte de nuestro país para uso académico o artístico.
Aernout Mik. Schoolyard, 2009.
Vídeo digital, proyección de 2 canales.
Cortesía Carlier / Gebauer. Foto: Florian Braun.
arriba/ Eija-Liisa Ahtila. The House, 2002. Instalación,
proyección de 3 canales, 14:00 min. © 2002 Crystal
Eye - Kristallisilmä Oy, Helsinki. Foto: Malla Hukkanen.

abajo/ Eija-Liisa Ahtila. Where is Where?, 2008.
Videoinstalación. Kiasma Collections.
Foto: Malla Hukkanen.
Cristina Lucas. La Liberté Raisonné, 2009.
Video HD, 4min 29 sec (loop). Cortesía de la artista.
Jesper Just. Videoinstalación de 5 canales,
Pabellón Danés para la 55ª Bienal de Venecia, 2013.
Cortesía Galleri Nicolai Wallner, Galerie Perrotin, James
Cohan Gallery, y el artista.
Existen sin embargo proyectos punteros en el sector como el LOOP / SCREEN FESTIVAL, la primera feria a nivel mundial dedicada exclusivamente al video arte que se lleva a cabo durante este mes de mayo en Barcelona, y en la
que, por ejemplo, se pudo ver por primera vez en España el famoso “The Cremaster Cycle” de Matthew Barney. O la distribuidora sin ánimo de lucro Hamaca que centraliza y facilita la difusión y el visionado de trabajos en formato vídeo mediante su web. Con una idea parecida ha nacido recientemente PLAT, un archivo fílmico online libre de acceso en el que el usuario puede disfrutar del trabajo de algunos jóvenes y prometedores videoartistas como Chus Domínguez, Andrés Duque o León Siminiani. Y es que el carácter inmaterial, la reproductibilidad, los modos de exhibición y distribución, el número de copias o los derechos de autor son complejas problemáticas que hacen del videoarte un ámbito creativo particular y específico. A eso hay que sumarle la profusión de formatos y estilos que difuminan la frontera con el cine experimental o la creación televisiva, por ejemplo. Numerosos son los artistas que han dado el salto a la gran pantalla presentando trabajos claramente cinematográficos (pensemos en Steve McQueen o Sam Taylor-Wood). El propio Leon Seminiani, por ejemplo, estrenó recientemente en las salas del circuito cinematográfico tradicional Mapa, una suerte de “ensayo fílmico” (por llamarlo de alguna forma) con aires de falso documental, juego visual y meta reflexión sobre el propio medio. De la misma forma, ¿son las últimas (y herméticas) películas de Jean-Luc Godard o los trabajos de Derek Jarman cine o arte visual? El videoarte siempre se ha presentado como una forma híbrida y abierta, en la que cabían los panfletos audiovisuales, la grabación de performances, el trabajo con imágenes de archivo y tantas cosas diferentes. Hoy en día, también se podría incluir el arte multimedia, los videos digitales o ciertas creaciones minoritarias que circulan por el inmenso canal de distribución en el que se ha convertido también Internet. Una heterogeneidad formal y un bullicio artístico que permite disfrutar de trabajos tan diferentes entre sí como las obras satíricas, llenas de humor y de planteamientos sociopolíticos, de Aernout Mik o las lánguidas propuestas contemplativas y estilizadas de Hans Op de Beeck. Muchos recuerdan el famoso video de Sam Taylor-Wood en el que se podía ver a David Beckham durmiendo (“David”) o el no menos famoso “24 Hour Psycho”, en el que Douglas Gordon proyectaba la obra maestra de Hitchcock en cámara lenta durante un día entero. El videoarte permite evidentemente una reflexión sobre el tiempo que ningún otro medio propone pero también plantea las cuestiones, centrales en la sociedad actual, del estatus de la imagen en movimiento y de su uso como material comercial, creativo o social. En este sentido la abstracción conceptual de Tacita Dean o el lirismo poético de Eija-Liisa Ahtila transportan al espectador a una relación novedosa y fascinante con lo perceptivo. Algo parecido a lo que hacen, por ejemplo, otros creadores con el uso referencial e irónico de un material gráfico tan célebre que puede haber perdido algo de su potencia visual. Así lo vemos por ejemplo en el magnífico trabajo “La Liberté Raisonnée” (la libertad razonada) de Cristina Lucas, una reflexión en clave feminista basada en el conocido cuadro de Delacroix, o en la trayectoria de Mabel Palacín.
Hans Op de Beeck. Sea of Tranquillity (fotogramas),
2010. 29’ 50’’ Cortesía Galleria Continua,
San Gimignano, Beijing, le Moulin.
Hans Op de Beeck. Sea of Tranquillity (fotogramas),
2010. 29’ 50’’ Cortesía Galleria Continua,
San Gimignano, Beijing, le Moulin.
Hans Op de Beeck. Sea of Tranquillity (fotogramas),
2010. 29’ 50’’ Cortesía Galleria Continua,
San Gimignano, Beijing, le Moulin.
Douglas Gordon. Henry Rebel, 2011.
(Fotogramas). © Studio lost but found.
Sería imposible reseñar la cantidad de usos, deformaciones y juegos que permite el videoarte, desde lo que podríamos llamar una “estética Vimeo” (una plataforma que se ha convertido, a la vez, en un lugar de cuidada difusión audiovisual pero también en la causante de cierto encorsetamiento en el vocabulario artístico) hasta una creación de estética amateur facilitada por las nuevas tecnologías (las “Acciones en Casa” de Bestué y Vives o la trayectoria de Guy Ben-Ner) pasando por experimentos tan radicales e interesantes como “The Clock” de Christian Marclay, un montaje de 24 horas que recopila imágenes cinematográficas de relojes que marcan la hora real en la que se proyecta el video. Todo ello dominado por la alargada sombra de  “Electronic Superhighway: Continental U.S., Alaska, Hawaii”, la majestuosa instalación de Nam June Paik, padre del videoarte, que ejemplifica perfectamente como los países occidentales se han transformado en verdaderas autopistas audiovisuales. En un mundo en constante aceleración, dominado por los conceptos de utilidad, eficacia y comunicación, quizás el videoarte, y su apuesta por un tiempo subjetivo, unas imágenes densas y un espacio fuera de los círculos de lógica productiva, sea el medio más subversivo. Mirar una película de 24 horas casi se ha convertido en un acto revolucionario. El video experimental o video arte, explica Fredic Jameson en El posmodernismo o la lógica cultural del capitalismo avanzado “coincide rigurosamente con el posmodernismo como periodo histórico” y “puede fuertemente optar a ser la forma artística por excelencia del capitalismo avanzado” en cuanto permite un acceso directo, puro, alejado de “las ficciones” que definen al cine, la televisión y los otros artes, a la vivencia fundamental del tiempo y a una experiencia que la sociedad actual pretende esconder y reprimir (en un sentido casi psicoanalítico): el aburrimiento. ¿El videoarte como acceso privilegiado al aburrimiento? “¿Pero el arte no tiene que ser siempre divertido, liviano, bonito?” preguntarán los más ingenuos. No olvidemos que el aburrimiento (ese tedio existencial profundo) era, para Heidegger, la mejor (y casi única) manera de acceder a la verdad del ser. Y eso no es poco decir.
“La Prenda que Transporta”. 
Estudiantes del Istituto Europeo di Design
de Barcelona para BMW.

“La Prenda que Transporta”. 
Estudiantes del Istituto Europeo di Design
de Barcelona para BMW.
Marzo 2013. Se celebra una de las bienales más importantes en el mundo del diseño, la de Saint-Ètienne en Francia. El evento solo dura 15 días y aglutina un gran número de exposiciones. Recoge las mejores ideas y productos de los dos últimos años. Este artículo se centra solo en una de las múltiples exposiciones vistas allí.  La exposición que nos ocupa se llama “Hoy es Mañana” y su comisaria, Claire Fayolle, ha investigado en torno a ideas sobre el futuro. Predecir el futuro es más o menos difícil dependiendo de si es a corto o a largo plazo. Muchos de nosotros nos reímos recordando películas del siglo 20 donde se creía que las personas del año 2000 en adelante solo se alimentarían con cápsulas. Quizá no comamos cápsulas todavía, pero sí que por ejemplo tenemos robots-aspiradores que recorren nuestras casas. La exposición “Hoy es mañana” recoge ejemplos en los dos extremos: diseños que acaban de ponerse en marcha y otros que están en su momento más conceptual y que posiblemente se pongan en producción dentro de 40 ó 60 años. La exposición abarca tres áreas: el mundo de la alimentación, la movilidad y los sistemas de producción.

Servidor informático “Cléo”. Jérémy Gaudibert, 
Antoine Giret y Marion Jestin.

Aquí van algunos ejemplos: Proyecto ENTO desarrollado por alumnos del Royal College of Art de Londres. La idea consiste en la creación de una marca de comida basada en insectos para su distribución en los supermercados occidentales. Grillos, saltamontes o langostas transformados en exquisitos snacks, patés, croquetas o carne picada. Todo con un packaging muy Marks & Spencer. Los insectos son una materia alimentaria saludable y sabrosa. Es una  fuente proteínica mucho más sostenible que la cría de ganado, ya que necesita de menos cantidad de material vegetal para su alimentación: 100 kilos de material vegetal producen 40 kilos de grillos, pero tan solo 10 kilos de ternera. Asimismo,  el proyecto INSECTS OU GRATIN de Susana Soares también trabaja sobre esta misma idea. Una vez secados los insectos se convierten en harina y luego crea una masa para utilizar con impresoras 3D. Así genera una nueva tipología de comida, sabrosa, sostenible y estéticamente atractiva. Alejándonos a una zona más conceptual tenemos ALGACULTURE, de Michael Burton y Michiko Nitta, una nueva relación simbiótica entre los seres humanos y las algas. Propone un futuro donde los humanos incorporen algas en el interior de su cuerpo y así aprovechar las propiedades de la fotosíntesis de estas plantas. Convertir la luz en alimento ¿Por qué diseñar nuevos alimentos, cuando podríamos diseñar la forma en que se alimenta el cuerpo humano? Por su parte, el trabajo STEAM CELLS realizado por Pauline Vierne pronostica que en el 2075 los agricultores no podrán abastecer a las megalópolis. La comida se producirá en laboratorios. Se desarrollarán células con estructuras 3D, por lo que por ejemplo una gota podrá contener una lechuga. El plato ideal contendrá 4 cápsulas hechas de moléculas esenciales.
“Steam Cells” de Pauline Vierne.
"Oh J´M..." Un fruto creado genéticamente
que ofrece todos los nutrientes necesarios.
Diseño y foto de Stéphane Bureaux.

“Algaculture”, de Michael Burton y Michiko Nitta.
"Brainshot" Cámara de fotos teledirigida por
el pensamiento. Diseño de Florian Bédé.
Foto: Anne-Laure Weill.

En el área de movilidad LA PRENDA QUE TRANSPORTA recoge trabajos de estudiantes del Istituto Europeo di Design de Barcelona a petición de BMW, donde estudiantes de moda y movilidad han trabajado sobre la idea de una vestimenta que sea a la vez un medio de transporte. Mucho más cercano resulta el proyecto C-1 DE LIT MOTORS, una moto-coche eléctrica cubierta que aprovecha lo mejor de cada uno de estos vehículos.  Puede transportar hasta 230 kilos y lo mejor de todo es que aunque va sobre dos ruedas nunca se cae. Posee un sistema parecido a los balancines que por más que los empujas hace que la moto siempre recupere su verticalidad. La empresa que lo ha creado es una StartUp de San Francisco y ya admiten reservas. El precio del invento es de unos 24.000 dólares. En otra esfera más conceptual nos encontramos con el proyecto NEW VISION CABIN, the future by Airbus. Una visión de cómo serán los aviones en 2050. Tendrán materiales interiores autolimpiables, camarotes individuales que se trasforman en dormitorio o en oficina, fuselajes que se cambian de opacos a transparentes y lo más sorprendente: que se auto-reparan en caso de roturas. Por otro lado, LOCAL MOTOR es un proyecto sobre la producción de vehículos con enfoque Open Source, que reúne a una comunidad de más de 10.000 diseñadores, ingenieros y amantes del diseño para co-crear vehículos nuevos y piezas en una plataforma web llamada “The Forge”.  John Rogers, co-fundador de Local Motors, pretende revolucionar la fabricación de automóviles a través de micro fábricas implantadas en todos los EE.UU. La comunidad Local Motor está implementando en estos momentos el diseño, ingeniería y creación de prototipos de dos vehículos: Rally Fighter y XC2V DARPA.
“Bio Digester Island” pertenece
al proyecto “Microbial Home” de Philips.

Diferentes estructuras
de viviendas creadas con Wikihouse.

Ento, Packaging comida insectos. Desarrollado
por alumnos del Royal College of Art de Londres.

Vehículo “Rally Fighter” de Local Motor.
"L'Auto plus légère que l'homme: L'APLQ'H" Vehículo
portátil. un prototipo diseñado por Olivier Peycot.

En una línea de trabajo parecida a este último proyecto nos encontramos con WIKIHOUSE, un sistema de código abierto que a través de una web permite a cualquier persona diseñar, compartir, descargar y construir una casa sin necesidad de utilizar herramientas caras o habilidades específicas. Permite a través de una máquina de corte digital “imprimir” un kit listo para montar en materiales como madera contrachapada. WikiHouse aborda el problema de la crisis de la vivienda social en el mundo occidental. Desafía a la idea de “una talla para todos” en el mundo de la arquitectura. Es también una posible respuesta a la urbanización en los países en desarrollo. WikiHouse imagina un modelo en el que los ciudadanos asumen el control, en el marco de la economía social. WikiHouse fue creada en el año 2000 por un estudio de arquitectos con sede en Londres que recolectó tecnólogos, sociólogos y urbanistas. El servidor informático low cost CLÉO de los diseñadores Jérémy Gaudibert, Antoine Giret y Marion Jestin es otro proyecto relacionado con la producción. Se trata de un conjunto de piezas de barro que contienen los componentes de un servidor convencional, es decir, placas base, discos duros, fuentes de alimentación, etc. Cléo utiliza técnicas de enfriamiento pasivo. Puede ser construido con la artesanía local pues utiliza para su fabricación arcilla, que es un material de bajo coste muy apropiado para regular temperaturas. Cléo utiliza unos contenedores de agua rellenables que garantizan su refrigeración óptima. Por último, BIO DIGESTER ISLAND es una curiosa cocina que funciona con metano. El gas es producido en la propia casa a partir de los desechos orgánicos generados tanto en la cocina como en el baño. Esta pieza pertenece al proyecto Microbial Home de Philips. Estos son solo algunos de los ejemplos abordados en la exposición “Hoy es Mañana” y ponen sobre la mesa conceptos como la importancia de compartir, la sostenibilidad, el confort o la igualdad. Lo más esperanzador es que miles de diseñadores están trabajando para hacer un mundo mejor y todo apunta a que los frutos los recogeremos muy pronto.
Tipo del mes: EASTROCK
Tipografía diseñada por Jonathan Faust
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Polémico. Bjarke Ingels, el arquitecto danés al frente de la exitosa firma BIG, es sobre todo polémico. Tiene tantos seguidores como detractores. Unos lo consideran un genio, un visionario y un excelente comunicador, otros lo acusan de vender humo y tener un discurso vacío. Una muestra indiscutible de haber llegado a lo más alto sin haber cumplido los cuarenta años. Es el Richard Branson de la arquitectura, ese tipo de personajes que tienen éxito en el trabajo y disfrutan con lo que hacen, consiguen tiempo para pasárselo bien y encima se llevan a la chica. Este arquitecto que vive entre Copenhague y Nueva York, va a construir un rascacielos en Manhattan, un sueño sólo al alcance de unos pocos. Pero sus conquistas no acaban aquí, tras comenzar su carrera en solitario en 2005 con los edificios VM y cosechar halagos por medio mundo, en los próximos años culminará varios proyectos en ciudades como Seúl, Pekín o Miami, entre muchas otras. Un inspirador y optimista ejemplo para un sector deprimido, con unas previsiones nulas de crecimiento en los próximos años y donde sólo sobreviven los más fuertes. En esta entrevista Bjarke Ingels nos habla de sus inicios en Barcelona, sus maestros, sus proyectos profesionales, su amor por España, sus inquietudes, e incluso echa por tierra algún rumor sobre él. Bienvenidos al BIG show.     

POR: RAMÓN FANO, JAVIER ABIO, RUBÉN MANRIQUE
          TERE VAQUERIZO & PEDRO PAN


TEXTO: GONZALO HERRERO DELICADO + MARÍA JOSÉ MARCOS
FOTOS: PETER STANNERS

Interior de las zonas comunes de las V Houses
en Copenhague. Foto: Johan Fowelin
Vista principal de la icónica fachada de las V Houses.
Foto: Johan Fowelin
Tras varios meses siguiendo su pista, por fin conseguimos concretar una cita para entrevistar a Bjarke Ingels, aunque nos advierte que tendremos que compartir nuestro tiempo con la sesión de fotos. Es una persona muy ocupada. Divide su tiempo entre dos ciudades separadas por más de 6.000 kilómetros y dirige una de las firmas de arquitectura más exitosas del momento. Además encuentra tiempo para emprender nuevas iniciativas como KiBiSi, su firma de diseño industrial. Hablamos con él sobre autenticidad, compromiso y futuro, pero también sobre temas más relajados como Facebook o series de televisión. El resultado fue una conversación generosa de más de una hora que aquí resumimos, donde el arquitecto se abre para hablarnos no sólo de sus proyectos y su filosofía de trabajo sino de cómo compagina su vida profesional y personal. ¿Se pueden tener menos de cuarenta años y estar construyendo iconos por todo el mundo? Definitivamente sí y el ejemplo es Bjarke Ingels. Este es el gran momento de BIG
El diseñador Bjarke Ingels en su estudio de Copenague
Vista de las V Houses en el distrito de Ørestad
en Copenhague. Foto: Nicholai Moeller
Estudio de Bjarke Ingels en Copenague
Estudio de Bjarke Ingels en Copenague
Estudio de Bjarke Ingels en Copenague
Inicios: “Cuando empecé a estudiar arquitectura no sabía seguro por qué quería ser arquitecto. Era un estudiante muy bueno en el instituto, y sabía que quería hacer algo relacionado con el dibujo. El campo de la arquitectura me gustaba bastante y decidí probar a estudiar la carrera en la Royal Academy of Fine Arts de Dinamarca. Los primeros años consistieron en un entrenamiento básico de dibujo, y me sirvieron para decidir que la escuela de arquitectura sería el lugar oportuno para formarme durante los siguientes años de mi vida”.

Barcelona: “Fue en estos años universitarios cuando hicimos un viaje de estudios a Barcelona, era la primera vez que visitaba España. Tenía la idea preconcebida de que en España aparecerían por todas partes los clichés de los toreros y las sevillanas, pero Barcelona me dejó totalmente impresionado. El viaje fue en 1993, justo después de las Olimpiadas del 92. Fue el momento perfecto, la ciudad era maravillosa, con espacios públicos llenos de vida, desde el Passeig de Gracia hasta la Colonia Güell. Allí conocí la arquitectura de Gaudí con proyectos como la casa Batlló o la Pedrera, que afianzaron mi interés por la arquitectura. Volví a Copenhague completamente enamorado de España. Si tuviese que elegir vivir en alguna ciudad de Europa después de Copenhague, viviría sin duda en Barcelona”.

Enric Miralles: “En el cuarto año de carrera, tuve la oportunidad de venir de Erasmus a la ETSAB de Barcelona, donde pude meterme en la clase que impartían mis admirados Enric Miralles y Carme Pinós. Su arquitectura era mucho más que simple tectónica de columnas y pilares, y su intensidad creativa era más honesta que cualquier otra en ese momento. Aprendí de ellos que para que la arquitectura funcionase, debías estar siempre encima de tus proyectos, de otra manera no podrían llevarse a cabo. Sus clases eran inmensamente interesantes y hablábamos mucho, discutíamos sobre los situacionistas, la teoría de la deriva ... siempre con debates activos y enérgicos”.


Rem Koolhaas:
“En ese periodo en la ciudad de Barcelona fue donde conocí el trabajo de Rem Koolhaas, en la biblioteca de la ETSAB donde me pasaba horas devorando libros. Fue en un número de la revista Quaderns donde encontré una entrevista de Rem Koolhaas, y allí fue donde me enamoré de él. Traté de encontrar todos los documentos que pude sobre su obra, libros, proyectos, entrevistas e incluso me escapé de la clase de Miralles para apuntarme a un viaje a Holanda, donde pude comprobar en directo la obra de Koolhaas. Su arquitectura ha sido desde entonces una pieza clave en mi educación como arquitecto”.

Estreno catalÁn: “Fue también en Barcelona donde monté mi primer estudio de arquitectura. Participé junto con unos compañeros en un concurso en el que fuimos seleccionados y pasamos a la segunda fase. De repente nos vimos en 1993 con 18.000€ y con muchas ganas de hacer cosas. Decidimos entonces abrir nuestro primer estudio en el Carrer Carabassa, junto con otros amigos que antes habían trabajado para Enric Miralles, y que actualmente forman el conocido estudio BOPBAA. Durante seis meses tuvimos la oficina trabajando día y noche en ese proyecto, por desgracia luego no pasamos la segunda fase y decidimos continuar con nuestras carreras por separado”
Estructura escalonada para la fachada de Mountain Dwellings. Foto: Jakob Boserup
Pabellón de Dinamarca para la Expo de Shanghai en 2010. Foto: Iwan Baan
Detalle del interior del Pabellón de Dinamarca
con La Sirenita. Foto: Iwan Baan
 Los proyectos VM en el distrito de Ørestad en Copenhague.
Foto: Dragor Luftfoto
Vista general del Mountain Dwellings en Copenhague.
Foto: Matteo Sartori
Primera vez: “Uno de nuestros empleados en BIG jugaba al tenis con un amigo, cuyo padre resultó ser a su vez amigo del promotor del que sería el proyecto VM. Un día este chico, fue a casa del padre de su amigo, que casualmente estaba con el futuro promotor del VM, él le habló de nuestro estudio y fue entonces cuando decidió venir a la oficina. Durante su visita le enseñamos muchas cosas y enseguida surgió buena química entre nosotros. Unos días después lo llamé. Él había comprado unos terrenos, quería construir y me dijo que tendría que diseñar el proyecto muy rápido. Me preguntó si sería capaz y yo le dije que por supuesto, me respondió que si yo podía diseñarlo, él podría construirlo. Veinte minutos más tarde quedé con él, fuimos a visitar el terreno y decidimos construir las ‘V Houses’, más tarde llegarían las ‘Mountain Dwellings’”.

Segunda vez: “Al principio el promotor quería construir sólo la mitad del terreno y sólo diseñamos el proyecto de las ‘V Houses’. Luego nos dijo que las V Houses le gustaban mucho, que eran muy especiales y que quería construir la otra mitad del terreno, nos pusimos manos a la obra y diseñamos las Mountain Dwellings. De repente nos vimos envueltos en un proyecto inmenso de 25.000 metros cuadrados cuando aún no habíamos construido nada”.

V Houses: “La conclusión de aquella experiencia es que la innovación y la nueva arquitectura pueden funcionar, y vivir en mi proyecto me corroboró esa intuición. Si tienes un montón de ventanales por los que te entra mucha luz y que cuando te levantas por la mañana te permiten ver el paisaje y el cielo, eso es realmente alucinante. Sentir que el cielo lleno de nubes y que la naturaleza se convierten en parte de tu día a día, como sucede en las viviendas VM fue toda una revelación, una prueba de que la innovación en arquitectura es necesaria y funciona”.


RevelaciÓn: “La conclusión de aquella experiencia es que la innovación y la nueva arquitectura pueden funcionar, y vivir en mi proyecto me corroboró esa intuición. Si tienes un montón de ventanales por los que te entra mucha luz y que cuando te levantas por la mañana te permiten ver el paisaje y el cielo, eso es realmente alucinante. Sentir que el cielo lleno de nubes y que la naturaleza se convierten en parte de tu día a día, como sucede en las viviendas VM fue toda una revelación, una prueba de que la innovación en arquitectura es necesaria y funciona”.

Expectativas: “Cuando estoy en Copenhague siento que estoy en casa, pero cuando estoy en Nueva York también. Vivir en Nueva York te da muchas oportunidades, me encanta tener la oportunidad de ser parte de ella. Pero esta vida dividida en dos ciudades, aunque te permite mantener las amistades, no te permite formar una familia o tener hijos. Es algo que empiezo a pensar cada vez más, pronto empezaré a reconsiderar mi estilo de vida... pero por ahora esto me gusta y me permite aumentar las oportunidades de trabajo y de crecimiento”.

Asia: “Allí existen muchas oportunidades, pero lo cierto es que los proyectos y las construcciones se hacen muy rápido y en muchas ocasiones esta velocidad no es sinónimo de calidad, y los edificios no son todo lo buenos que podrían ser. Tenemos varios proyectos en marcha ahora mismo en Asia. En Pekín tenemos una pequeña sede de BIG, que se creó para desarrollar los proyectos que estamos haciendo allí. Estamos diseñando un gran rascacielos que se acabará en los próximos dos años y en Seúl estamos desarrollando otro gran proyecto residencial en el distrito de Yongsan”.
Distintos detalles de mobiliario urbano para el proyecto Superkilen.
Fotos detalles: Torben Eskerod y Maria da Schio
Distintos detalles de mobiliario urbano para el proyecto Superkilen.
Fotos detalles: Torben Eskerod y Maria da Schio
Distintos detalles de mobiliario urbano para el proyecto Superkilen.
Fotos detalles: Torben Eskerod y Maria da Schio
Superkilen. Una colorista propuesta urbana para la integración social.
Foto: Iwan Baan
La montaña artificial de viviendas diseñada por BIG.
Foto: Jakob Boserup
La sirenita: “La identidad es un concepto que me interesa mucho, me encanta la idea de reinventar la tradición en lugar de recuperar el pasado. La sirenita de Copenhague es el símbolo del espíritu natural y tradicional de Dinamarca,  es una seña de autenticidad, es casi como en España las corridas de toros. Me gusta jugar con los símbolos nacionales inyectándoles nueva vida. Cuando ganamos en 2008 el concurso para realizar el pabellón de Dinamarca de la Expo Internacional de Shanghai, hablé con amigos sobre la idea de mover la estatua de la sirenita hasta China y a todo el mundo le pareció una idea genial, pero coincidían en que conseguir el permiso sería imposible. Traté de convencer a todo el mundo en el ayuntamiento para que pensasen que era una idea fantástica. A través de artículos en prensa, apariciones en programas de televisión y otras estrategias mediáticas, conseguimos convencer al parlamento de que era una buena idea trasladar la sirenita, y así lo hicimos. Nos llevamos de viaje a la sirenita con nosotros y la instalamos en el centro del pabellón”.

Autenticidad: “El tema de la Expo de Shanghai era la ‘Ciudad sostenible’. Cuando diseñábamos el pabellón de Dinamarca de alguna manera tratamos de crear experiencias reales como estrategia de sostenibilidad. Trasladamos parte del carácter de Dinamarca al pabellón, moverse en bicicleta o la relación con el agua limpia y pura en Dinamarca. Instalamos bicicletas para recorrer el pabellón y llevamos un tanque de agua desde Copenhague hasta Shanghai para crear un lago en el centro del pabellón. En China puedes encontrar copias de todo que eliminan cualquier oportunidad de autenticidad, nos apasionaba la idea de crear una experiencia genuina e increíble y experimentar lo auténtico de Dinamarca. Para ello llevar la estatua original de la sirenita de Copenhague era fundamental y no crear una copia, teníamos que conseguir la real, y exhibirla durante los seis meses que durara la exposición, sería una experiencia auténtica como la de vivir el agua limpia o montar en bicicleta por el pabellón”.

ComunicaciÓn: “La arquitectura y la comunicación viven inevitablemente ligadas y una sigue a la otra. Hoy en día la arquitectura gira en torno a un mundo de colaboraciones, tienes que ser capaz de negociar con constructores, con clientes, con tu equipo, con los vecinos... Si no eres capaz de transmitir tus ideas a los demás, nunca podrás llevarlas a cabo. Si no eres capaz de entender las necesidades y preocupaciones de la gente, tampoco serás capaz de resolverlas a través de un proyecto”.


Rumores: “Todo el mundo piensa que mi familia está relacionada con la comunicación, pero no es así. Mi padre es ingeniero electrónico especializado en fibra óptica, y mi madre es dentista, no tenemos mucha relación con el mundo de la comunicación...”.

Casualidades: “Conocí al equipo de arquitectura Topotek en una sesión crítica con mis estudiantes en la Universidad de Harvard, allí empezamos a colaborar y decidimos emprender este proyecto juntos. Más adelante decidieron incorporar al equipo a los artistas Superflex, y fue de ellos de donde surgió el nombre para nuestro proyecto, Superkilen”
Interior de las zonas comunes de las V Houses en Copenhague. Foto: Johan Fowelin
Interior de las zonas comunes de las V Houses en Copenhague. Foto: Johan Fowelin
Interior de las zonas comunes de las V Houses en Copenhague. Foto: Johan Fowelin
Colaboraciones: “Superkilen es el ejemplo más representativo de las colaboraciones en BIG. En ocasiones las colaboraciones se convierten en un calvario de terribles negociaciones, pero este caso fue completamente diferente. Nuestras reuniones eran realmente intensas y conectadas. Desde el primer momento nos pusimos manos a la obra con el proyecto y todos aportábamos algo al equipo. Superkilen es un gran proyecto urbano de casi un kilómetro de longitud. Cuando fuimos a visitar el área de intervención nos dimos cuenta de que tampoco era un lugar que pareciese desolado. Se encuentra en un barrio de Copenhague de clase media-baja con una mezcla étnica de los más variada y singular. Además el presupuesto del proyecto era realmente bajo por lo que tuvimos que optimizar el proyecto y dividirlo en tres tramos: rojo, negro y verde”.

Urbanismo social: “En Superkilen tomamos la inmigración como un hecho positivo en la sociedad, fomentamos la diversidad cultural y jugamos con ello, creando una nueva capa de urbanismo social proactivo. Crear ciudad va más allá de crear detalles constructivos, se trata de crear interacción social, conectando de una forma flexible y adaptable en el tiempo las diferentes culturas, lenguajes y formas de entender el espacio público”.

Facebook o Twitter: “Me gusta utilizar las redes sociales. Facebook y Twitter son herramientas muy diferentes, aunque Twitter es mucho más eficaz a la hora de comunicar en masa, Facebook es mejor para mantener el contacto con amigos. Solía usar Facebook pero sobrepasé el número límite de amigos que permite la red y tuve que empezar otra cuenta nueva. Ahora mi cuenta antigua la uso para mis contactos profesionales y la nueva para mis amigos y familiares”.


Premios: “Quedé totalmente sorprendido cuando recibí la noticia sobre la selección de nuestro proyecto Superkilen en Copenhague como finalista a los Premios Mies Van der Rohe. Resulta que este es un proyecto mucho más centrado en la reactivación social que en la propia arquitectura, por eso que me extrañó la nominación”.

BiografÍas: “Yes is more’ fue un trabajo que realizamos como primera biografía de BIG. Ahora estamos preparando un nuevo libro que saldrá a la luz en septiembre de 2014 y que se llamará ‘BIGamy’, un juego de palabras entre BIG y bigamia. Al igual que hicimos con ‘Yes is more’, ‘BIGamy’ también va a recopilar nuestro trabajo desde diferentes puntos de vista, desde el día a día de BIG al análisis de la innovación en nuestro trabajo, así como la interculturalidad del estudio y de los proyectos, algo esencial en nuestro proceso creativo”

DiversiÓn: “Obviamente me encanta la arquitectura, pero aparte de esto me gusta la ficción, las historias. Me gustan el cine, los libros, las series de televisión y últimamente estoy enganchado a la serie ‘Juego de tronos’, creo que George R. R. Martin es un auténtico genio”

Venecia: “Sobre la próxima Biennale de Venecia con el lema ‘Fundamentals’, no he escuchado demasiado sobre el planteamiento de Rem Koolhaas como comisario para la próxima edición. Pero confío en que será muy renovador hablar en Venecia sobre arquitectura en lugar de sobre arquitectos. He estado en muchísimas bienales de Venecia y la más inspiradora fue la de 2004, donde Kurt W. Forster se dedicó a viajar por todo el globo recopilando los proyectos más relevantes de los estudios más interesantes del mundo. Lo importante de aquella edición fue que normalmente estás tan saturado de ver en tu día a día arquitectura que encontrar allí simplemente una buena selección de arquitectura te hacía realmente apreciarla, fue muy inspirador. Destacar el increíble trabajo de los arquitectos en su día a día en lugar de arquitectos trabajando para un show es muy importante”.

AutocrÍtica: “Si echas la vista atrás en el trabajo de tu oficina y recopilas la cantidad de tiempo dedicado a trabajar en los proyectos, además de los recursos y la energía consumidos; ves una increíble riqueza de ideas, innovación y esfuerzos que es una pena no poner en valor. Si trabajas desarrollando una pieza artística para un show como este donde casi no hay proyectos, dejando de lado todo el trabajo de tu estudio, te das cuenta de que no estás trabajando con el mundo real. Debemos dejar de intentar ser artistas para intentar ser arquitectos”. 

www.big.dk

Exterior de las V Houses en Copenhague. Foto: Johan Fowelin
V Houses en Copenhague. Foto: Johan Fowelin
Silla Scoop, diseñada para Globe Zero 4 en 2013.
Los integrantes de KiBiSi, de izquierda a derecha:
Jens Martin Skibsted, Bjarke Ingels y Lars Larsen.
Auriculares Capital, diseñados para Aiaiai en 2012.
“Nuestro Guest Creative además de trabajar como arquitecto tiene un estudio paralelo de diseño en Copenhague. Se llama KiBiSi y fue fundado por Lars Larsen, Jens Martin Skibsted y el propio Ingels para poder desarrollar conjuntamente proyectos híbridos, ya que cada uno procede de un campo diferente. En particular, su interés residía en mezclar sus tres escenarios de conocimiento con el objetivo de innovar en el área del diseño de producto. Lars Larsen viene del diseño industrial y Jens Martin Skibsted es un filósofo especializado en diseño. Este último nos explica que decidieron juntarse “porque ya trabajábamos en parejas anteriormente. Lars con Bjarke y conmigo, y yo a su vez con Bjarke. Cuando unimos fuerzas nos dimos cuenta de que usábamos más o menos la misma metodología, centrándonos en ideas evolutivas e innovadoras”, cuenta a Neo2. Así, diseños de bicicletas para Biomega, por ejemplo, han hecho unos cuantos, pues Jens fue en su día uno de los co-fundadores de esta empresa. Destaca la fantástica serie de bicis urbanas que Puma empezó a comercializar hace un par de años, que fueron diseñadas por KiBiSi y las hace Biomega. También han desarrollado un montón de auriculares de sonido para Aiaiai, una firma danesa de alta gama especializada sólo en estos productos. “Hacemos toda la parte de conceptualización juntos”, explica Jens. “Nos reunimos en una casa de verano y llevamos a cabo una especie de taller exhaustivo. A veces, chequeamos las cosas juntos también en la oficina, pero principalmente hacemos luego el desarrollo online y por e mail”. En el Salón del Mueble de Milán el pasado abril acaban de presentar la silla Scoop, diseñada para la empresa danesa Globe Zero 4. Se trata de una silla confidente para oficinas, pero sin embargo tiene un corte muy hogareño. Este era justo el punto que KiBiSi quería darle, dado que las oficinas están tendiendo cada vez más a domesticarse. Desde luego han dado en el clavo. Pero casi lo más interesante, más allá de su contextualización, es su estética, que rebosa referencias escandinavas llevadas a un grado más evolucionado y contemporáneo.

www.kibisi.com

Lámpara Bulb Fiction, diseñada para Lightyears en 2012.
Restaurante Geist
Restaurante Geist
Restaurante Geist
Restaurante Geist
Restaurante Geist
Restaurante Geist
Restaurante Geist
Restaurante Geist
The Fish Bar (Fiskebar) Foto: Mira Arkin / Spiseliv
Restaurante Noma
The Fish Bar (Fiskebar) Foto: Mira Arkin / Spiseliv
Copenhague y Nueva York son las dos ciudades que Bjarke tiene como base de operaciones, pero su trabajo le obliga a viajar a menudo, por lo que confiesa que suele tener el frigorífico vacío, tanto en su casa europea, como en la norteamericana, y prefiere comer fuera, ya que al tener tan poco tiempo no cocina demasiado. Sobre sus restaurantes favoritos en Copenhague esto es lo que nos cuenta: “Ayer mismo estuve en un restaurante de un amigo llamado Geist, tienen comida típica danesa pero con un toque experimental. Me gustó mucho. Otro restaurante imprescindible en la ciudad es Noma. El último día de trabajo de mi madre, que se jubilaba, fuimos a cenar allí, dicen que es el mejor restaurante del mundo desde que El Bulli cerró. La verdad es que es un restaurante alucinante que se ha convertido en un fenómeno total, su jefe de cocina René Redzepi ronda los treinta años y ha reinventado completamente la cocina nórdica. Como siempre sucede cuando hay un gran innovador en algún sitio, de repente empieza a subir el nivel del resto de restaurantes alrededor y ahora mismo tenemos una increíble calidad de restaurantes en Copenhague. Aunque probablemente el restaurante al que más vaya es The Fish Bar (Fiskebar), también lo lleva un amigo mío, está en el Meatpacking district de Copenhague”. Este restaurante que nos comenta Bjarke está especializado en pescados y marisco, y está considerado por algunos medios como el Wall Street Journal, como uno de los diez mejores restaurantes europeos especializados en pescado. En cuanto a sus bebidas favoritas, Bjarke afirma que suele beber vino, sobre todo vino blanco: “Mi amigo, el dueño de The Fish Bar que os comentaba antes, hace un vino blanco que cultiva en una isla al sur de Dinamarca. En este área el agua que la rodea es tan poco profunda que hace que la temperatura sea unos pocos grados superior a la del resto de Dinamarca. Esto crea unas condiciones muy particulares que generan un vino blanco bastante bueno, muy nórdico. Es uno de mis favoritos. Muy recomendable”.
Kraftwerk
The Knife
“Crecí escuchando música electrónica. Tengo un primo diez años mayor que yo, al que siempre he admirado, que me regaló un disco de Kraftwerk cuando yo solo tenía seis años, y desde entonces no he parado de escuchar este tipo de música. Además, hay grandes grupos escandinavos de música electrónica”. Precisamente Kraftwerk será uno de los platos fuertes de la próxima edición de Sónar, que además celebra su 20 cumpleaños. El grupo alemán, formado en 1970, presentará en Barcelona su nuevo espectáculo 3D Extravaganza. Todo un lujo poder ver el show audiovisual de un grupo imprescindible del siglo 20 y… 21. Su directo podremos verlo el próximo viernes 14 de junio en Sónar Noche. Quién sabe, lo mismo nos encontramos por allí a Bjarke. Para seguir indagando un poco más en sus gustos musicales le pedimos que nos diga cual es ahora mismo su grupo o artista favorito, y la respuesta es The Knife, un grupo al que nombra varias veces. En nuestro número de abril ya publicamos una entrevista con los hermanos Dreijer, componentes de The Knife, con motivo de la esperada publicación de su nuevo disco, “Shaking the Habitual” (Rabid Records / Music As Usual).  Un álbum doble, mucho más experimental que “Silent Shout”, fruto, como Karin misma nos contaba, de largas sesiones de improvisación. Un álbum donde se atisba la influencia de la ópera “Tomorrow In a Year”, que compusieron hace tres años. A The Knife podremos verles en directo este mismo mes, en el Primavera Sound barcelonés. De momento, la única fecha en nuestro país. Cuando le preguntamos cuál es el último concierto al que ha ido, Bjarke nos dice que no tiene mucho tiempo para la música en directo, aunque vio algunos conciertos (no especifica cuales) en el pasado festival de Sundance. A pesar de ser conocido como festival de cine independiente, Sundance tiene también espacio para la música. Por ejemplo, en la edición de este año, que tuvo lugar el pasado mes de enero, tocaron, entre otros, Flying Lotus, Paul Kelly, Andrew Bird o Sea Wolf.
Jeppe Hein. Long Modified Bench Murau, 2012.
Cortesía Johann König, Berlín y 303 Gallery, Nueva York.
Foto: Lutz Herrmann.
Jeppe Hein. Mobile Mobile, 2010.
Cortesía Johann König, Berlín y 303 Gallery, Nueva York.
Foto: Anders Sune Berg.
Jeppe Hein. Changing Neon Sculpture, 2006.
Cortesía Johann König, Berlín y 303 Gallery, Nueva York.
Foto: Keizo Kioku.
Para Bjarke Ingels el arte es un lenguaje de percepción: “las grandes piezas de arte te abren los ojos a cosas que de otra manera no tomarías en cuenta, y lo mismo pasa con la arquitectura, que responde a una situación o condiciones que puedes haber ignorado previamente. Con los proyectos de arquitectura respondes o manifiestas ciertos aspectos de la vida en los que realmente no sueles pensar, pero que están ahí, son una forma de ver el mundo particular y diferente”. Atento a los movimientos de su entorno más próximo habla con entusiasmo del artista danés Jeppe Hein, con quien colaboró diseñando los bancos del pabellón de Dinamarca en la Exposición Universal de Shanghai (2010). El conjunto de obras experienciales de Jeppe Hein, cuya interacción despliega una serie de estados de convivencia tan lúdica como emocional, presta especial atención a las situaciones que la arquitectura es capaz de subvertir en un espacio dado. Sin muchos artilugios y bajo aspectos ligeros e inmediatos, pero implementando diversos recursos tecnológicos cuya apreciación en muchos casos resulta invisible, las piezas de Jeppe Hein cautivan y ubican su núcleo en la experiencia del espectador. Resultados de una paciente observación de la forma y sus usos, experimentar estas obras implica hacerlo junto al espacio circundante, a través de una serie de capas informativas. El artista suele conectar con la audiencia a través de la sorpresa sensorial, para ello hace del cuerpo tanto un conducto plástico como un receptáculo de imaginería lúdica. Pero la idea de interactividad no siempre es una simple sugerencia envolvente, en algunos casos se trata de una acción directa. Las estructuras de desplazamiento que se activan sin el consentimiento de los espectadores (Moving Peaches) son un buen ejemplo de un tipo de interactividad lanzada contra la voluntad del público. En diversas ocasiones, este carácter  performático es trasladado al ámbito público para generar otro de tipo de intimidad, invirtiendo sus normativas.  Experimentaciones físicas que juegan con la memoria y la sorpresa, donde las cosas no siempre son lo que parecen: pedalear una bicicleta no es únicamente una interacción muscular, sino el conducto de energía para que las luces de una carpa de circo se encienda; o la utilización de alguno de los bancos colocados en un bosque idílico no permite disfrutar del paisaje, ya que resulta imposible sentarse en ellos. Los respaldos extremadamente hundidos, la poca altura y sus formas redondeadas colocan a quien los utilice “fuera de lugar”. Las piezas y estructuras que Jeppe Hein instala en el interior y exterior de los ámbitos expositivos son un terreno de juego donde funcionalidades y realidades han sido modificadas.
Jeppe Hein. We are all interconnected, 2012.
Cortesía Johann König, Berlín y 303 Gallery, Nueva York.
Foto: Studio Jeppe Hein.
Jeppe Hein. 360° Presence.
Cortesía Johann König, Berlín y 303 Gallery, Nueva York.
Foto: Ludger Paffrath.
ACNE Otoño 2013
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ACNE Otoño 2013
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CLINIQUE for Men www.clinique.es
MARC JACOBS Fragancia Bang
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Una vez más certificamos que los creadores de los países inteligentes son bastante chauvinistas. No solo los franceses, los daneses también. Aunque estos suelen ser más generalistas, abarcando dentro de sus máximas preferencias marcas del conjunto de países escandinavos, no solo del propio. Este es el caso del arquitecto danés Bjarke Ingels y su selección de marcas de moda. “Suelo preferir ropa muy cómoda y genérica, sobre todo sueca”. J.Lindeberg, Filippa K y ACNE, la más recurrente entre Guest Creatives, son sus 3 marcas preferidas. Todas suecas. “Los diseñadores suecos entienden la moda desde una gran sensibilidad, tienen esa melancolía escandinava, y siempre recurren a colores neutros y oscuros”. En la elección de un espacio comercial, sin embargo se aleja un poco de Escandinavia, yéndose a Uniqlo, cadena japonesa con tiendas en medio mundo menos España. “Me gusta tanto el contenido como la forma”, la verdad es que Uniqlo, con sus básicos minimalistas de colores, perfectamente podría ser sueco. En este viaje por los gustos de Bjarke Ingels toca irse a los Estados Unidos, país de origen de sus 2 marcas favoritas de cosmética. Como fragancia elige Bang de Marc Jacobs. Una fragancia amaderada, picante y fogosa de moderno aspecto arquitectónico. Para el cuidado de la piel, Bjarke selecciona Clinique, línea de cosmética creada en 1968 por Evelyn Lauder, la primera línea de cosmética alérgicamente testada. La línea Clinique for Men se presentó al mundo en 1976. Por supuesto, en gris, al gusto de Bjarke Ingels.
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COASTAL CITIES

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...de Bimba & Lola: Tile Print
Bimba & Lola ha traslado el mundo de los azulejos, baldosas y mayólicas a su colección primavera verano 2013 titulada Tile Print. Estampados propios, imágenes caleidoscópicas, reminiscencias funky, añoranzas de los 70, pantalones capri y acampanados, colores fuertes e influencias castiglionesas en los estilismos son las principales características de esta propuesta femenina.

Mongomeri
21 abril 2013

EL MUNDO DEL AZULEJO INSPIRA LA COLECCIÓN PRIMAVERA VERANO 2013...
Ninguno de los cinco componentes de Coastal Cities pasa de los 18 años y ahí están, otra de las jóvenes promesas del Reino Unido sin haber publicado todavía su primer álbum. Su Ep Think Tank ya recibió buenas críticas en 2011, y dentro de muy poco, a primeros de junio, editarán un single doble con dos nuevos temas: Nothing Ever Changes y Entropic, editado a través de Once Upon A Time Records. Dicen estar influenciados por grupos míticos de los ochenta como The Smiths o Joy Division, pero también por la música de baile. “Entropic”, canción cuyo videoclip podéis ver a continuación ha sido producida por Hugh Worskett (Delphic) y mezclada por Adrian Bushby (The Rapture, Two Door Cinema Club). Además, algunos de los componentes de Coastal Cities ya han hecho sus pinitos en el mundo de la moda desfilando para Saint Laurent en París el pasado mes de enero. Y Hedi Slimane ya se ha declarado fan del grupo. No está nada mal para empezar…

Sofia Dos Santos
19 abril 2013

COASTAL CITIES PRESENTA NUEVO VIDEOCLIP, “ENTROPIC”
Papelera Quarter diseño de Johanna Dehio
Silla Drifted  diseñada por Lars Beller Fjetland
 Colgadores Peg diseño de Jonah Takagi
Mesita auxiliar Turné fruit bowl diseño de Pauline Deltour
Bandeja Roulé diseño de Puline Deltour
Colgador Tilt diseño de SmithMatthias
Perchero Clip diseño de Nendo
 Autumn Chair. Diseño de Ichiro Iwasaki
Espejo Linking Rings diseño de Claesson Koivisto Rune
Me parece curioso ver como en los últimos años algunas empresas de mobiliario van transformando su tipo de producción. Cada año que pasa veo que las piezas que producen son más pequeñas. Algunas compañías como por ejemplo la danesa Hay, han creado hasta una línea de accesorios como objetos de papelería, bandejas, vasos, etc… Muchas editoras relacionadas con el mobiliario nacidas con la crisis, como por ejemplo la española Omelette-Ed o la francesa Petite Friture también han nacido con el sino de los objetos discretos para el hogar, espejos, mesitas de café, bandejas, jarrones, etc. Podemos encontrarnos muchos ejemplos si nos fijamos en empresas creadas en dos o tres últimos años. El caso que nos ocupa en este post es un ejemplo más, se trata de la empresa italiana Discipline creada el año pasado por Renato Preti que fue socio de Skitsch. Lo que os mostramos son algunas de las novedades presentadas en Milán el pasado mes de abril. En su segundo año de vida ha trabajado con diseñadores como: Mario Bellini, Johanna Dehio, Ding 3000, Lars Frideen, Gemma Holt, Ichiro Iwasaki, James Irvine, Claesson Koivisto Rune, Max Lamb, Nendo, Luca Nichetto, Philippe Nigro o Jonah Takagi entre otros. De nuevo otro ejemplo del refugio en lo pequeño, no hay sofás, no hay estanterías, no hay camas. ¿Esto lo provoca la crisis? ¿Lo provoca la venta por internet y los gastos de envío? ¿Lo provoca que las casas cada vez son más pequeñas? O ¿Es simplemente es por qué los objetos pequeños son más rentables?

Javier Abio
24 abril 2013

Imagen: Clip sujetavelas diseño de Nendo


JUGANDO A OTRA ESCALA
¿Crear un novedoso archivo fílmico online, libre de acceso (sin registro, suscripción o pago) y que reúna más de 200 obras de video artistas y cineastas independientes? Suena a sueño para el usuario (y a locura para el que haya tenido la idea)…Y más sabiendo cómo está el panorama del arte contemporáneo y la industria del cine en nuestro país. Pues, ni cortos ni perezosos, eso es lo que ofrecen en PLAT, una plataforma online, que se estrena hoy y que “surge tras dos años de encuentros realizados con autores, que han decidido pasar de la autoproducción a la autoexhibición en Internet para dar una visión plural del cine español y alcanzar nuevos públicos”, como explican ellos mismos. Todo un reto. ¿Concretamente, qué significa? Pues sencillamente que puedes disfrutar del divertido corto Pene” de León Siminiani (una satírica historia de amor), de la poesía conceptual de Chus Domínguez en Angel Caído” y de una buena cantidad de obras inéditas que aún no se habían podido ver en Internet, gratis y ahora.
O informarte de la biografía, filmografía completa, festivales o futuros proyectos de alguno de los artistas que participan en el proyecto (Andrés Duque, Carlos Serrano Azcona, Víctor Moreno…). Una buena idea, llevada a cabo por la Asociación Kinora, en estos tiempos de sangría cultural.


A. Le Genissel
10 abril 2013

Imagen: Fotograma de True Love – Ion de Sosa

UNA NUEVA MANERA DE VER CINE DE AUTOR EN INTERNET
Dorian, uno de los grupos españoles de música “indie” referencia y ejemplo a seguir, sigue dando guerra. Su núcleo principal lo componen Marc Gili, la pianista Isabel Hernández, conocida como Belly, y el bajista Bart Sanz. Con su cuarto disco, “La Velocidad del Vacío”, demuestran una vez más por qué su reputación y su éxito no son algo pasajero sino que crece, evoluciona y madura con cada canción. Este disco, grabado íntegramente en México, ha sido producido por Phil Vinall, productor de grupos como Placebo o Pulp. Hemos tenido la oportunidad de entrevistarles para conocer un poco más a este fascinante e icónico grupo, para poder así entender sus inspiraciones, iconografías y cosmogonía. No hace falta que digamos mucho más ya que ellos mismos nos cuentan todo lo que necesitamos saber (y aprender) sobre ellos.

Lleváis desde el año 2002 en el mundo de la música ¿cómo os sentís después de haber estado más de una década componiendo, grabando y yendo de gira? Con muchísimas ganas de seguir evolucionando como músicos y como banda. Sentimos que a Dorian le queda mucho camino por andar.

A lo largo de tantos años os lo habrán preguntado muchas veces, pero, ¿de dónde viene el nombre de Dorian? Cuando Oscar Wilde creo a Dorian Gray estaba hablando más de nuestra época que de la suya. Dorian es un personaje que encierra muchas de las patologías de nuestros tiempo. Nos pareció muy adecuado como nombre para una banda por estas razones.

¿Cómo fue la experiencia de grabar el disco en México? ¿Por qué decidísteis hacerlo allí? En los últimos años hemos pasado mucho tiempo en México y de alguna manera ese país se ha convertido en nuestra segunda casa. Sin embargo, grabar un disco ahí nos permitió alejarnos de nuestro entorno, de nuestro contexto habitual, permitiendo una mayor concentración. La experiencia mereció la pena.

Habéis contado con Phil Vinall para este nuevo álbum ¿Cómo ha sido grabar este disco con él? ¿Supuso mucha presión el contar con un productor de ese calibre? Al principio sí estábamos algo nerviosos, pero conocemos a Phil desde hace tres años y enseguida empezó a fluir todo. A él le gusta mucho Dorian y la verdad es que nos entendemos muy bien. Nos ha enseñado muchas técnicas de producción y a usar bien el material analógico.

¿En qué creéis que ha cambiado vuestro sonido desde vuestro primer disco hasta ahora? La escencia es muy parecida, pero la banda ha evolucionado claramente hacia un sonido más robusto y mejor armado. Sin embargo, veo en canciones de “La velocidad del vacío” como “Soda Stereo” o “El sueño eterno” el espíritu de canciones de nuestro primer disco, como “Te echamos de menos” o “Infinito”.

¿Cuál es vuestra canción más significativa e importante de este álbum? Creo que “Los amigos que perdí”, “El temblor”, “Tristeza” y “Soda Stereo” formarán parte de nuestro repertorio durante mucho tiempo.

¿Por qué os habéis decantado por estilos nuevos como el folk y la música clásica? Hemos añadido pinceladas de folk y de clásica pero no nos hemos decantado por esos estilos.
Creo que este disco amplía claramente la paleta de sonidos deDorian y abre a la banda a un futuro musical interesante.

Para el diseño de la portada y el “artwork” habéis contado con Dani Hillier ¿por qué lo escogisteis? Le conocimos en el este de Londres hará dos años. No vivíamos muy lejos de donde él trabaja. Es un artista que mezcla surrealismo con arte victoriano, y sus ilustraciones se adaptaban muy bien al espíritu del disco.

¿Qué tiene en común este nuevo giro musical con la oscuridad de su arte? Muchísimo. Lo veo sobre todo en canciones como “Tristeza” u “Horas bajas”, que tienen un aire un tanto gótico.

¿Tenéis pensado algo especial para los videoclips de este disco? El primero lo hemos rodado en México, en una zona desértica impresionante del estado de San Luís Potosí. Corresponde a “El temblor”.

¿Tenéis algo preparado para esta gira que vais a comenzar en Francia? ¿cómo serán vuestros directos? En Francia los conciertos son más cortos, por lo que vamos con un set más de festival. En nuestros conciertos en sala ampliamos repertorio y explicamos muchas más cosas.

¿Cuál es vuestra ciudad más especial para tocar? Nos encantan Barcelona, Madrid, México D.F, Alicante, Coruña, Bilbao, Santiago de Chile, París…Y muchas más. Cada lugar tiene su punto. Nos gusta mucho girar.

¿Cómo lleváis ser una de las más reconocidas y reputadas bandas “indies” españolas? ¿Sois conscientes de que “A cualquier otra parte” ha sido y sigue siendo un himno generacional? Como banda todavía tenemos mucho que aprender pero ahí estamos, tratando de mejorar año tras año. Y “Cualquier otra parte” es una canción que está sobreviviendo con facilidad al paso del tiempo, cosa de la que estamos muy orgullosos.

A la hora de componer, tocar o pensar nuevos proyectos, ¿cómo os organizáis? Suelo componer con la guitarra buena parte de las canciones, pero hay otras que pueden surgir de una línea de sinte o de una composición al piano hecha por Belly “Los amigos que perdí”, “Las palabras”, o de un ritmo de batería de Ramón, como es el caso de “Tristeza”.


Próximas fechas de Dorian en directo:
Viernes 19 Valladolid – (Bitácora) 
Jueves 25 Madrid – (Joy Eslava) 
Viernes 26 Zaragoza – (Oasis) 
Sábado 27 Barcelona – (Apolo)

Nadia Leal
18 abril 2013

“LA VELOCIDAD DEL VACÍO”: UNA NUEVA DOSIS DE HIMNOS GENERACIONALES
Carrito Carrello (2013). Diseño de CiszakDalmas para La Clinica Design
Vista de las sala 2 en el Instituto Cervantes de Milán
Candelabro Podium (2013) Dsieño de Jorge de la Cruz y Diana Vernaza. Producido por La Chance.
 Vista de las sala 2 en el Instituto Cervantes de Milán
Lámpara Reveire (2012) Diseño de Sergio Guijarro. IED Madrid Masters of Design and Innovation
Vista de las sala 2 en el Instituto Cervantes de Milán
Colección Pájaros (2012) Diseño de Carlos Bueno Rivero . IED Madrid Masters of Design and Innovation
Vista de las sala 2 en el Instituto Cervantes de Milán el día de la inauguración.
Cuencos Reversed Volumes (2013) diseño de mischer’traxler para PCM design
Vista de las sala 2 en el Instituto Cervantes de Milán.
Silla Butakita un diseño de Antonio Serrano Bulnes para Mad Lab.
Vista de las sala 2 en el Instituto Cervantes de Milá
...de producto y concretamente sobre diseño relacionado con el hábitat? Desde Neo2 creemos que sí, en los últimos años se está configurando una escena creativa en este sentido. Pequeñas editoras, escuelas cada vez mejores, diseñadores que se auto producen, diseñadores que salen al mercado internacional…  son componentes que configuran esta nueva escena sobre diseño de producto. Por este motivo se ha creado MADtastic, una exposición que recoge lo mejor de la capital. MADtastic, en su primera edición, es solo una pequeña muestra del potencial de los creadores que tienen alguna relación directa con esta ciudad. La puesta de largo ha sido en Milán que es la plaza más dura y exigente del mercado internacional. El resultado ha sido muy bien acogido, una exposición modesta en recursos pero exigente en contenido. Este último, un punto clave creemos, en la semana del diseño en Milán. Del comisariado y selección de productos nos hemos encargado Tachy Mora y Javier Abio. Del look e imagen corporativa se ha encargado Ipsum Planet.
El diseño expositivo lo ha creado el equipo de Antonio Serrano Bulnes, y ha pergeñado (una palabra muy de Antonio) un sistema de mesas de diferentes alturas que se encadenan a modo de trenecillo. Un sistema muy funcional que hace que cada pieza consiga la altura adecuada para su presentación. Un sistema modular expositivo que es capaz de adaptarse a diferentes espacios. Pedro Feduchi el nuevo director de Dimad ha sido el que nos ha empujado a todos a trabajar por amor al arte y a sacar el proyecto adelante. Dimad nos ha cedido toda su experiencia en mover exposiciones internacionalmente.
Otra pieza fundamental en esta aventura ha sido el Instituto Cervantes de Milán que nos ha ofrecido su espacio no solo para la semana del diseño sino durante un mes y medio. En esta exposición no podía faltar el embajador del diseño de Madrid: Jaime Hayón que no solo ha estado presente con una de sus nuevas piezas sino con el fantástico trabajo que ha hecho para el Instituto Europeo de Madrid (IED) dirigiendo el Master of Design and Innovation. Por este motivo IED ha sido la otra pieza fundamental para la creación de MADtastic. MADtastic recoge tanto trabajos de este máster, en su mayoría prototipos, como otros productos que ya se distribuyen y venden en el mercado. Hemos buscado piezas que tengan un lenguaje común: sencillez, calidez y contemporaneidad. MADtastic se podrá ver hasta el 31 de Mayo en el Instituto Cervantes de Milán. ¿Próximo destino? Estamos en ello.

Javier Abio
25 abril 2013

Imagen: Vista de las sala 1 en el Instituto Cervantes de Milán

¿HAY ALGO INTERESANTE EN MADRID QUE MOSTRAR SOBRE DISEÑO...
Cuando le entrevistamos para el número de noviembre de 2012, Selim de Somavilla ya nos adelantó que uno de sus objetivos era consolidar su firma como una marca de moda masculina, aunque “sin olvidar a la mujer”. Y eso es justo lo que ha hecho este joven diseñador español en su colección primavera verano 2013 titulada Knockout. Una amplia variedad de looks masculinos que toman una primera inspiración del mundo del boxeo, y que una vez armados todos los conjuntos es inevitable no pensar en los gladiadores romanos, o en las estatuas de porte fascista del Stadio dei Marmi en el Foro Itálico. Desde luego, en la colección hay algo de la decadencia del imperio romano o la dolce vita. Para la línea femenina, Selim de Somavilla parece haber encontrado en la mujer amazona el equivalente al gladiador, ambos también con un punto meretriz, porque el placer no está reñido con la guerra.
Fotos: Alejandro Brito / Maquillaje: Maritxell Seva / Peluquería: David Pruneda / Modelo: Oleg P @ Trend Models

Mongomeri
10 abril 2013

KNOCKOUT: LA COLECCIÓN PRIMAVERA VERANO 2013 DE SELIM DE SOMAVILLA
Imposible un lugar más ideal para disfrutar los nuevos cócteles Gin Mare con sal marina mediterránea, la más pura y codiciada del mundo, la de la costa sudeste de Mallorca, concretamente la de la playa natural Es Trenc. El cóctel estrella recibe el nombre de “jardín”, y ha sido diseñado por la chef Macarena de Castro y lleva los elementos propios de su cocina: pera, hinojo, apio y una pizca de Flor de Sal Es Trenc. Aparte, saboreamos los cócteles de otros maestros cocteleros a orillas del mar, bajo las montañas de sal y en las fincas de cultivo de los cristales de sal. Lástima que los días solo tengan 24 horas.

Texto & Fotos: Mar Pulido

Mar Pulido
23 abril 2013

UN DÍA EN LA PLAYA ES TRENC DE MALLORCA CON GIN MARE
Fieles a la nueva tendencia de inaugurar hoteles, con todas las prestaciones y calidades de sus ‘colegas’ 5 estrellas, la cadena Acta Hotels llega a Madrid. El antiguo San Antonio de la Florida cambia su nombre e imagen para recibir al Madfor Madrid. Localizado en una de las zonas más movidas de la ciudad, Príncipe Pío, y a escasos metros de la Casa de Campo, la decoradora Marta Esteve Cavaller se deja llevar por la combinación de armonía, luminosidad y bullicio, en este destino perfecto para viajeros de paso, peregrinos de corta estancia o turistas de largas temporadas. Un auténtico hogar, concebido como descanso del guerrero en días que parecen no acabar nunca, de gusto europeo y cuyas 3 estrellas se tornan en 4, gracias a sus detalles y cuidada atención al público. Algo muy de agradecer. Vuelen, corran y no olviden decir que van de nuestra parte.

Pº de la Florida, 13. Madrid. T. 902222103

Manu Romero
22 abril 2013

MADRID SE AÑADE A LA LISTA DE HOTELES ACTA T RAS BARCELONA Y VALENCIA
De un tiempo a esta parte, parece que la técnica del fotoreportaje esté siendo la más practicada por los profesionales más interesados en sonsacar el realismo de una escena cualquiera. Momentos que Larry Fink capta con una particular utilización del flash, y que, a través de un centenar de instantáneas, nos lega como perfecta documentación gráfica. Desde celebs como Meryl Streep cuchicheando junto a Natalie Portman en el Baile del Gobernador, a anónimos festejando los más curiosos eventos o una larga lista de genios del saxo, boxeadores, clowns, pescadores o beautiful people, sin más. Y es que cualquier persona con gancho interesa a este maestro de la instantánea en blanco y negro, curtido en publicaciones como Rolling Stone, The New Yorker o Detour y que hasta el 15 de septiembre, cubrirá con su obra las paredes del Museo de Arte Contemporáneo Gas Natural Fenosa (MAC), en A Coruña. Casi un centenar de fotografías, necesarias para los fieles seguidores de Fink y aquellos amantes de las capturas en el momento indicado.

Body&Soul by Larry Fink
Hasta el 15 de septiembre
Museo de Arte Contemporáneo Gas Natural Fenosa (MAC)
Avda. de Arteixo, 171. A Coruña

Manu Romero
15 abril 2013

ANÓNIMOS VERSUS CELEBRITIES EN LA ÚLTIMA EXPO DEL FOTÓGRAFO AMERICANO
Exquisitas prendas de aspecto desenfadado, combinadas con ese mismo talante por Chitose Abe. Conjuntos donde conviven texturas y referentes culturales que hasta la fecha han tenido escasa relación, sobre todo en moda masculina. Una nueva y refrescante propuesta para el próximo otoño de la marca japonesa Sacai. Me encanta.

Mongomeri
23 abril 2013

SACAI: COLECCIÓN DE HOMBRE OTOÑO INVIERNO 2013-14
El salón del automóvil de Shangai acaba de proclamar al Volkswagen XL1 el coche más eficiente del mundo. Un título que ha ganado merecidamente por ser el coche que menos consume del mundo: 0,9 litros a los 100 kilómetros. Un récord hecho realidad gracias a su sistema híbrido enchufable, con autonomía de 50 kilómetros en modo eléctrico, con cero emisiones. Aparte de todo eso, este aerodinámico biplaza de solo 795 kilos, y un centro de gravedad bajísimo, tiene la estética de un auténtico coche del futuro.

Mongomeri
22 abril 2013

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Cuando Jean Paul Sartre dijo aquello de “elegimos todo lo que somos, y somos lo que elegimos”, el pobre no podía imaginar lo que iba a suponer eso en la era de las redes sociales. Más que en ningún otro  momento de la historia, somos lo que nos gusta (icono de pulgar para arriba incluido) y lo que despreciamos. Nuestra identidad y la de lo que nos rodea se basa en ese sistema binario y absolutista: sí o no. O todo o nada. Dentro de esta despiadada manera de presentarnos al mundo, la cultura (o el entretenimiento, según se mire) es el elemento que utilizamos para identificarnos, o más bien para ofrecer la imagen de nosotros que queremos dar a los que nos miran. En ese contexto la música, el diferenciador social más evidente de los últimos 50 años, es clave. Prueba a darte un paseo por tus redes favoritas: “El disco de Justin Timberlake es la hostia”… “Haim son/van a ser lo más”… “Earl Sweatshirt es el mejor rapero actual”. Estas pasiones desaforadas son pasajeras la mayor parte de las veces pero, en un momento determinado, parece que no haya nada mejor en el mundo. Incluso se podría decir que cuanto más lo decimos mejor nos sentimos. “Esto es lo más y me gusta a mí”. ¿No te sientes un poco más orgulloso de ti mismo? Claro, también existe el reverso, el lado negativo: “Tanto tiempo esperando a My Bloody Valentine para esto”… “Lo de los Strokes no tiene nombre”… “Pues el disco de Bowie no mola nada”. Es cierto que es casi inevitable y que todos lo hacemos. Es fácil y hasta divertido soltar juicios de valor rápidos, primeras impresiones que dictan sentencia. También es verdad que las redes no son medios proclives a la reflexión, pero este “bien/mal” se contagia irremediablemente a nuestras conversaciones e, incluso, a nuestros medios. ¿Podemos explicar por qué algo nos gusta o no nos gusta? ¿Es posible verbalizar opiniones subjetivas y desarrollarlas? No solo podemos, sino que deberíamos, aunque nos cueste por la falta de costumbre. Puede que incluso descubramos que no nos apasiona tanto eso a lo que hemos declarado amor absoluto y que aquello que pensábamos que era deplorable no está tan mal después de todo. Nos sentiremos un poco menos orgullosos, menos a la última, pero a la larga podremos disfrutar más y mejor de lo que realmente sabemos que nos gusta, porque entonces ya sabremos por qué.
MÚSICA
Texto: GUILLERMO ARENAS. Redactor jefe de www.numerocero.es, web sobre música, cine, series, literatura, cómic y tendencias.

ARTE
Texto: DAVID GÓMEZ MAESTRE. Fotógrafo e ilustrador. Ha mostrado sus trabajos en diversas ciudades como Madrid, Barcelona, Londres o Nueva York. Actualmente vive y trabaja en Los Ángeles.
Desde que me fui de casa a los 18 años he pasado el tiempo retratando a mis amigos, a mi familia y a toda persona que estaba a mi alrededor, pues para mí el retrato es la mejor forma de expresar la personalidad de cada una de ellas. Es curioso, pero ya desde pequeño sentía esta fascinación por la fotografía, me encantaba ver cómo mi padre nos hacía fotos de familia en todos los viajes y todavía más cuando las revelaba, ver esa estampa plasmada, ese momento único de felicidad que ahora recuerdo cada vez que vuelvo a mirarlas. También recuerdo mis años de universidad en Valencia, todos y cada uno de mis amigos pasaban por casa para que les hiciese fotos en una simple pared blanca y de cómo luego les dibujaba máscaras tribales llenas de color, haciendo de mi pandilla toda una tribu recién llegada de África. Después de todo este tiempo y de pensar en mi obsesión por fotografiar e ilustrar llegué a la conclusión de que lo hago por la necesidad de no olvidar y documentar precisos momentos de mi vida, por sentirles siempre cerca. El otro día estaba cenando con mis amigos, Malva cocinaba arroz al curry cuando de repente sonó la canción de “Never Forget” de Take That. Hace mucho tiempo que no la escuchaba y justo en ese instante me di cuenta de cuánto me identificaba con su letra, pues este texto me ha pillado en un momento muy especial en mi vida, un cambio de 360 grados que jamás olvidaré, ya que la semana que viene me voy a vivir a Los Ángeles. Justamente aquella canción me hizo pensar y reflexionar en los cambios que he tenido en mi vida, mis años en Valencia, mi Erasmus en Bélgica, mi vida en Barcelona, los veranos en Alicante, mi primer concierto en Camelot… en mi gente y en lo agradecido que estaba al tener todo el archivo de fotos y dibujos del que os hablo. Por muy lejos que me vaya, por muchos años que pasen, volveré a mirar aquellas fotos y recordaré todos y cada uno de aquellos retratos llevándolos conmigo, acompañándome en mi nueva aventura por California y recordándome en todo momento que siempre estarán ahí.
La profesión de diseñador sigue siendo, a nivel europeo, una especie de empleo marginal. Son varios los países de Europa en los que la profesión no es reconocida, sea desde el punto de vista legal o desde el del colegiado. Sin embargo, la enseñanza del diseño en escuelas especializadas, politécnicos o universidades se extiende por toda Europa. Estas instituciones, aparte de que forman a miles de diseñadores todos los años también facturan con la enseñanza de dicha disciplina, que no tiene reconocimiento profesional. Pero la verdad es que los diseñadores de estos distintos países no hacen mucho para hacer valer su colectivo profesional. Las asociaciones son muchas y hasta en los organismos europeos el diseño es motivo de asociaciones y de apoyos comunitarios. Parece un enorme disparate, pero de hecho existe una enorme brecha en el mercado laboral dentro del espacio europeo que necesita ser revisada, no solamente por el respeto al trabajo de los diseñadores, sino, sobre todo, por las designaciones legales de los derechos y deberes de toda la clase profesional desprotegida por las leyes. El no reconocimiento de los diseñadores a nivel europeo atrae una serie de consecuencias siniestras para la economía en todos sus ámbitos. En el capítulo de la defensa de la propiedad intelectual se permite una total explotación de los profesionales del diseño y como fatal consecuencia se da una total vulnerabilidad a la protección de ideas y patentes. En el campo de la cultura es en la no defensa de las distintas identidades del diseño donde el espíritu de la humanidad se empobrece. Europa sigue teniendo a China como principal problema en lo relacionado a las copias y a la total falta de respeto a la propiedad intelectual. Pero los políticos europeos han pactado con los políticos chinos formas muy poco claras en cuanto a la organización mundial del comercio. Las empresas europeas van a China en busca de materia prima y mano de obra barata para hacer frente a la crisis. Las empresas chinas invaden con sus productos las miles de tiendas esparcidas por las principales capitales europeas. En medio de toda esta confusión de intereses y gracias a la falta de audacia política, los diseñadores son arrastrados por una especie de torrente del cual solo salen perjudicados. Ya es tiempo de que los diseñadores europeos salgan del armario y tomen una posición firme por el reconocimiento y la valoración de su profesión.
DISEÑO
Texto: TIAGO KRUSSE. Director de Design Magazine, revista digital portuguesa sobre diseño, arquitectura y otras formas de expresión artística. Periodista profesional desde hace 20 años, especializado en diseño y arquitectura.
CONSUMO
Texto: CRISTINA GARCÍA-ORCOYEN . Directora Gerente de la Fundación Entorno. Premio a la mejor Trayectoria Profesional en Defensa del Medio Ambiente por el Congreso Nacional de Medio Ambiente
Hay que ser más frugal. Elegir mejor y centrarse en aspectos de la vida que no supongan necesariamente el consumo de recursos. Muchos estudios coinciden en que, alcanzado un determinado nivel de vida, consumir más no nos hace más felices. Empieza a abrirse paso una tendencia hacia estilos de vida sostenibles, saludables, respetuosos con el medio ambiente y socialmente responsables, que sí hacen más feliz al ciudadano. El informe “Crear un estilo de vida sostenible: una oportunidad para las marcas” que presentamos el pasado 19 de marzo, junto a Havas Media y el resto de las  empresas del Foro Estilo Sostenible –Leroy Merlín, Campofrío, DKV Seguros Médicos, Mango, Unilever, PepsiCo, Ecoembes y Deloitte–  desvela que el ciudadano de hoy es un consumidor más exigente y reflexivo, menos fiel a las marcas. Sigue interesado en el precio, pero comienza a dar valor de decisión de compra a la transparencia de las empresas y a su buen gobierno, en definitiva, a lo que “hay detrás” de lo que consume. HAVAS Media cataloga a los consumidores en devotos, cautivos, desconectados, críticos y escépticos. La suma de los dos primeros supone el 30% de la sociedad, 11, 5 millones de españoles dispuestos a apoyar a las marcas que contribuyan a crear un estilo de vida comprometido con los valores sociales y ambientales. La Fundación Entorno-BCSD España cree que es en ese 70% de ciudadanos indiferentes donde está el reto y la oportunidad para las compañías, y con esa idea impulsamos, hace un año, el Foro de Estilo Sostenible y la plataforma . Nuestras empresas están ya en esta dirección. Se han puesto manos a la obra para hacer de sus “ciudadanos-consumidores” cómplices y compañeros de ruta hacia la sostenibilidad. Un ejemplo es el de Leroy Merlín, que ha conseguido el 12% de la cifra de venta democratizando el acceso a productos sostenibles con el plan “Eco Opciones”. Las marcas deben explorar las expectativas de los ciudadanos, establecer una relación de complicidad con ellos, conectar con sus aspiraciones, inspirarles y aportarles un estilo de vida más sostenible a través de sus productos y servicios. Y es que, la capacidad de las compañías para hacernos la vida más fácil, saludable y cómoda es inmensa. En este sentido la comunicación es clave. El ciudadano debe entender y valorar todos los aspectos de sostenibilidad y responsabilidad social que lleva incorporado el producto o servicio, de forma que se traduzca en una ventaja competitiva para empresas y marcas. Y esto nos lleva a dar un paso más de la mano de nuestro socio internacional, WBCSD, y trabajar en el desarrollo de una herramienta para ayudar a las empresas a elegir, sistematizar, medir y comunicar al ciudadano la información relevante de su oferta.

El mes de julio de 2007 fue a la vez el mes más feliz y el más triste de mi vida. El más feliz porque por fin firmé un contrato para rodar un largometraje con Life & Pictures y el más triste porque, mal y pronto, se me murió mi padre. Rodar Hijo de Caín ha sido un viaje al tuétano de mis miedos, un reconocerme solo y huérfano, “en primera línea” como dice mi madre, consciente por primera vez en la vida de mi caducidad como ser humano y como director. Justo ahora que me anuncian que el tráiler sale en los cines y que la fecha de estreno está decidida, me llega un whatssap con el anuncio de la muerte de Bigas Luna. Los dos tenían 67 años. Siento que el círculo se cierra. En 2007 le supliqué a mi padre comatoso que volviera conmigo, que si lo hacía me dejaría de sueños arriesgados y me transformaría en un hijo más “normal”. Él, perspicaz y generoso, dio la callada por respuesta y siguió su camino, evitándome el calvario de renunciar a la profesión que amo. Hoy muere un director que es un claro referente sin que importe nuestra distancia estilística, una especie de padre profesional al que no conocía a pesar de vivir a escasos 10 kilómetros de su casa. Con la muerte de Bigas Luna siento la misma sensación de estar “en primera línea” que cuando mi padre me dejó. Dos veces huérfano. Supongo que es ley de vida, que todo ello forma parte de lo que llamamos relevo generacional, un eufemismo de “unos la palman y otros ocupan su lugar”. De la misma manera que la muerte de mi padre me hizo madurar de golpe, el fallecimiento reciente de Bigas Luna, Mariví Bilbao, Jess Franco, Jordi Dauder, Joan Dalmau, Juan Luis Galiardo, Sara Montiel y tantos otros me ha hecho sentir el vértigo de la responsabilidad de coger el testigo de un cine hecho con la cabeza y muchas veces también con los huevos (de oro). Hoy percibo el mismo sabor agridulce que en aquel verano de 2007: la alegría impetuosa y emergente de l@s director@s noveles que nos queremos comer el mundo a dentelladas mezclada con el miedo terrible a la crítica feroz y a la soledad creativa y personal. Vuelvo a suplicarles –una vez más– a mis padres que regresen conmigo. Ellos, perspicaces y generosos, dan la callada por respuesta y me dejan seguir mi camino. Ahora ya no tengo la más mínima duda de hacia dónde dirigir mis pasos.
CINE
Texto: JESÚS MONLLAÓ. Cortometrajista que estrena su ópera prima, “Hijos de Caín”, protagonizada por José Coronado, David Solans y Maria Molins. Un thriller basado en el best seller de Ignacio García-Valiño “Querido Caín”
GASTRONOMÍA
Texto: AVALERIE IRIBARREN. Venezolana, Jefa de Cocina del restaurante latinoamericano La Candelita, su especialidad es el ceviche de corvina con leche de coco. Barquillo, 30 Madrid. www.lacandelita.es
Hay una paradoja en lo que respecta al oficio que elegimos, los negocios en los que entramos y nuestra forma de ser. Sin embargo, una como mujer debe estar dispuesta en todo momento a dar la talla en cualquier situación y más allá. Yo, particularmente nunca he sido una mujer de mucha paciencia, pero en mi profesión debo tener claro todo el tiempo que cada cliente es un mundo y requieren atenciones diferentes todos y cada uno de ellos. El caso más delicado, por así decirlo, que tuve al respecto, fue una señora de mediana edad que llegó con su marido, que era un caballero de paladar experimentado y con el afán de probar cosas nuevas. Cuando entraron, yo les recibí personalmente, les di la bienvenida y los conduje a una pequeña y muy cómoda mesa para dos. “Qué van a tomar”. El caballero quiso una cerveza importada y la señora un vino blanco. Comencé a notar algo extraño cuando la señora, a lo lejos, parecía incómoda leyendo la carta y comenzaba a entrar en una discusión con el marido. Con la intención de hacer alguna sugerencia me acerqué y les pregunté si más o menos sabían que iban a querer o si les podía sugerir algo. El caballero preguntó inmediatamente por un tiradito de atún (que lo estábamos estrenando ese día en el menú) y la señora me pregunta que si tenemos paella. Yo muy amablemente le expliqué que “La Candelita” es un restaurante que tiene como base gastronomía lationamericana con una inspiración nouvelle cuisine a lo que la señora respondió “bueno, entonces tráigame una ración de calamares a la romana”. Me tomé la molestia de explicarle nuevamente que en este restaurant no servíamos comida típica española sino una fusión gastronómica, a lo que respondió que “deberías servir por lo menos una tortilla de patatas”; es este el momento, queridos amigos, del que les hablaba al principio, ves las dos opciones tan claramente, en una de ellas mandaba a la señora al bar de al lado a comer mariscos sentada en la rústica mesa salpicada de cerveza y en la otra me inventaba una manera inteligente de que la señora pudiera probar por lo menos algo de lo que teníamos en nuestra carta. Fue entonces cuando me decanté por la segunda opción y terminé sentándome en la mesa con los dos señores, pidiendo una copa de vino blanco para mí junto con una degustación de los principales platos “también para mí”, y así conversando un rato, la señora se animó y comenzó a probar lo que jamás imaginó que iba a comer, disfrutándolo muchísimo y pasando un rato maravilloso. Cabe destacar que estos señores van a comer al restaurante por lo menos una vez al mes y algunas veces ha estado solo ella con alguna amiga, en el último lugar del que esta señora imaginó podía hacerse fan…
Colaborador del mes
¿¿A qué os dedicáis? DOT Agency for Architectural Affairs somos María José Marcos y Gonzalo Herrero Delicado. Nos dedicamos al análisis, crítica y comunicación de la arquitectura y la cultura contemporánea a través de distintos formatos como artículos, exposiciones, eventos o la docencia. ¿Cuál es vuestra formación? Ambos somos arquitectos, estudiamos en la Universidad de Alicante desde donde los profesores siempre nos transmitieron una pasión por la creación desde diferentes puntos de vista, extendiendo el interés hacia otras disciplinas e hibridándonos con las nuevas parcelas operacionales de la arquitectura. 
¿Cómo os conocisteis? Nos conocimos en el frío invierno de 2008 en la costa del Adriático. Por aquel entonces ya habíamos empezado a desarrollar pequeños proyectos paralelos a la arquitectura de manera independiente, pero no fue hasta el verano de 2010 cuando decidimos aunar inquietudes. Actualmente nuestra relación es básicamente digital, casi siempre trabajamos online y nuestras sedes son nómadas, en estos tres años hemos vivido en París, Murcia, Seúl, Madrid, Londres y Barcelona. No sabemos trabajar uno frente al otro físicamente, alguna vez lo hemos intentado y nos resulta extraño. El cordón umbilical de DOT es Google docs, Skype, WhatsApp, Twitter o Facebook, redes que nos permiten estar constantemente conectados. ¿Cómo os repartís el trabajo? Yo me encargo de desarrollar todo el trabajo editorial y de estrategias de comunicación. María José se centra en los encargos de comisariado y gestión de eventos. Sin embargo estos roles son continuamente mutables e intercambiables. ¿Cómo conocisteis Neo2? Neo2 siempre ha sido una referencia en tendencias culturales, la biblia de la modernidad. Un ejemplo a seguir en el mundo de las publicaciones. ¿Cuál fue vuestra primera colaboración en la revista? Hicimos primero alguna colaboración en el blog, y en un determinado momento hubo una propuesta que le interesó a Javier Abio para incluirla en la revista. Fue un texto sobre la Red Bull Music Academy en Matadero Madrid. ¿Alguna recomendación cultural? Nos encanta Irma Boom y el perfil constantemente innovador de AMO, el think tank de Rem Koolhaas. Una de las películas que recomiendo es Moonrise Kingdom de Wes Anderson, mientras que María José hace lo propio con Stoker. En cuanto a música yo escucho mucho a Beirut y ella prefiere a los neozelandes Twinset y por las noches bailar con The lonely boy de The black keys o la banda experimental Marinedixieburger. En Madrid recomendamos el ciervo en salsa de vino de la Taberna de los Conspiradores y en París el Tarte Tatin de Le Nemours. ¿Proyectos?: Estamos trabajando en el comisariado de una exposición sobre arquitectura española en Seúl, que se exhibirá en una pantalla de LED de casi 8.000 metros cuadrados. También estamos detrás del trabajo de Xavier Veilhan, para llevarlo a uno de los edificios más icónicos de Barcelona. Además tenemos varios proyectos docentes entre manos que nos harán seguir dando vueltas por el mundo, pero aún están cerrándose.

*En este número Gonzalo y María José han entrevistado a nuestro Guest Creative, el arquitecto Bjarke Ingels. Foto: David Frutos

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