Febrero 2014
I'M INTO CREATIVITY
Vamos a recuperar el país, que nos lo quitan de las manos oiga. Mientras tanto, un adelanto de las entrevistas musicales que encontrarás en el mes de febrero: Warpaint,Champs, Planningtorock y St. Vincent. Todos ellos con buenos discos para empezar el año con buen pie. Porque pase lo que pase, con música siempre será mejor. Javier Abio (Housing): 20 años y 130 números ¡Casi nada! Lo más gracioso es que todo empezó como un hobby de fines de semana. De esos 20 años unos 5 los utilizamos para aprender cómo hacer una revista y ver cómo funcionaba el mundo editorial. Grandes dosis de paciencia y constancia han sido necesarias para llegar hasta aquí. Ahora toca, más que nunca, reinventar lo que te ofrece una revista y llegar a nuevos lectores. Llevamos ya tres años editando Neo2 digital para iPad, en castellano y en inglés, distribuyendo en las ciudades más remotas del mundo, algo que era impensable solo con la edición de papel. Este año toca entrar en el mundo de las tablets Android, reinventar la inversión publicitaria, crecer internacionalmente, actualizar el diseño e incorporar nuevas secciones y contenidos. Vamos a necesitar trabajar más que nunca, pero, sobre todo, vamos a necesitar sentir la energía de los seguidores de Neo2, gente creativa, que son los que hacen que las cosas sean cada día más útiles, más eficientes, más bonitas y más justas. Rubén Manrique (Arte): ¡20 años ya!, sí, y han pasado volando... A continuación unas cuantas cifras para hacernos una idea de lo que ha supuesto para nosotros: 130 números, 3.340.000 kilos de papel, 7.500 litros de tinta, 1.200 colaboradores, 42.250 fotos impresas, 20.900 textos, 3.100 entrevistas... Visto así es una pasada, pero de lo que verdaderamente estamos orgullosos es de lo intangible, de ser y haber sido durante todos estos años una lanzadera de creativos que se han dado a conocer en nuestras páginas, y de los cientos de ideas que han encontrado en Neo2 una plataforma para darse a conocer, o de todos los productos novedosos que hemos ayudado a difundir. Espero que estas cifras sigan creciendo y dentro de otros 20 años podamos seguir haciendo cuentas. ¡A por ellos!
Ramón Fano (Moda): "Yo he leído que mi signo del zodiaco, Aries, será uno de los más afortunados del 2014, junto a Leo y Sagitario. Por ejemplo, me dicen que existe la posibilidad de recibir una agradable sorpresa financiera en mayo. Y no solo yo, sino todos los Aries del mundo. Qué bonito. Parece que será un año económicamente próspero, sobre todo a partir de julio. Mira qué bien. Aunque nada es regalado, todo hay que currárselo mucho, sobre todo el primer semestre. La recompensa llegará en el segundo. De verdad, qué paciencia hay que tener". Tere Vaquerizo (Música & Cine): ¡Qué bien Ramón! Me das una alegría, que yo también soy Aries. En mayo, cuando nos llegue ese dineral que predice nuestro horóscopo, tendremos que pensar algo para celebrarlo. Aunque, espera, ya estamos de celebración ¿no? Este será un año festivo para Neo2 porque celebramos nuestro 20 aniversario… Así que, atentos, porque esto no ha hecho más que empezar y habrá sorpresas a lo largo de todo el año.Y para 2014, una recomendación-petición, y es que a ver si somos un poquito más solidarios y movemos el culo todos juntos.

Si fuéramos una persona, seríamos jóven
Si fuéramos un vino, seríamos gran reserva
Si fuéramos un vestido, seríamos vintage
Si fuéramos un coche, seríamos antigüedad
Si fuéramos una lavadora, seríamos chatarra
Si fuéramos un creador, seríamos emergente
Si fuéramos una silla, seríamos icono
Si fuéramos una revista, seríamos neo2

*La verdad es que cumplir 20 años no tiene mucho mérito.
Lo realmente difícil es seguir siendo neo, 
y eso es precisamente lo que queremos
celebrar durante todo 2014.

La Maison: En 1934, L'Architecture d'Aujourd'hui, revista francesa de arquitectura, puso en marcha un concurso peculiar con el objetivo de idear casas de vacaciones que fueran asequibles para la clase media. La arquitecta y diseñadora francesa Charlotte Perriand fue una de las participantes. Su propuesta quedó en segundo puesto y nunca llegó a hacerse realidad. A pesar de la falta de planos detallados, 80 años después, Louis Vuitton en colaboración con el equipo de arquitectos Charlotte Perriand, ha levantado el proyecto para exponer "la maison au bord de l'eau" en Art Basel Miami 2013. Charlotte Perriand: Su nacimiento prácticamente dio la bienvenida al siglo 20, y su muerte, en 1999, le dio la despedida. Arquitecto, diseñadora, fotógrafo, urbanista... Colaboradora de Pierre Jeanneret y Le Corbusier, comprometida con la arquitectura social del periodo de entre guerras, Charlotte Perriand, junto a René Herbst y Pierre Chareau, fue uno de los miembros fundadores de la UAM (Unión de Artistas Modernos). También impulsó el concepto de la "pre-fabricación" en construcción. Su trabajo no solo ha servido de inspiración a varias generaciones creativas, también ha influido en un icono de la moda: Louis Vuitton: En 2013, la marca francesa de lujo rinde homenaje a la obra e ideales de Charlotte Perriand haciendo realidad "La Maison Au Bord de L'eau", un icono de la modernidad, hoy convertido en clásico. Este tributo se integra dentro del proyecto "Icônes" de Louis Vuitton, donde, al igual que la colección homónima, se incorporan los conceptos claves del mundo contemporáneo: atemporal, elegancia, funcional, artesanal, nomadismo... Palabras que en la colección verano 2014 se transforman en piezas para un guardarropa femenino inspirado en la vida de esta visionaria del siglo 20 que fue Charlotte Perriand.

www.louisvuitton.com


adneo Texto: MONGÓMERI
 The Golden Dome. Tokio. 2011.
Izquierda: Palacio del Cerezo en Flor. Valle del Jerte. Extremadura. 2008.

Derecha: TRP. Venice. 2002
Diagonal 80. San Agustín de Guadalix. Madrid.
The Big Mech & CO. 2008-2009.
AMID.Cero9, exponen desde finales de enero, en la AA Gallery de Londres, la galería de la Architectural Association School of Architecture, la escuela independiente de arquitectura más antigua de Inglaterra, que además presume de haber tenido como alumnos a Zaha Hadid y Rem Koolhaas entre otros y a espectaculares docentes como Peter Smithson, Bernard Tschumi o los propios Efrén y Cristina. La muestra es una colección de veintiséis  proyectos resultado de quince años de trabajo. Third Natures, debe en parte su título a la influencia de las teorías renacentistas de Jacopo Bonfadio,  que definió el concepto de una tercera naturaleza, una naturaleza mejorada por el arte, artificial, pero tan sorprendente como bella. Efrén y Cristina fundaron el estudio Cero9 en 1997 combinando el oficio de arquitecto, con la investigación y la docencia. En 2004 disuelven Cero9, y crean AMID.Cero9, un nuevo estudio abierto a colaboraciones externas y nuevos modos de hacer y pensar la arquitectura. Desde AMID.Cero9 replantean y redefinen el sistema referencial formal de la arquitectura. Como se puede ver en esta exposición que recoge su trabajo, AMID.Cero9 construye  una arquitectura holística que tiene en cuenta conexiones culturales, clima, materiales, rituales públicos y su relación con el entorno construido, como ellos mismos dicen, una nueva Arquitectura Pop. Sus trabajos invitan a pensar acerca de las categorías de construcción, urbanismo, paisaje, estructura y arquitectura, a entender como naturaleza la artificialidad de las ciudades y edificios que habitamos. A comprender todo esto como una tercera naturaleza. La exposición va acompañada por un libro que edita la AA Gallery de Londres, Third Natures: A Micropedia. Un viaje intelectual hacía una nueva arquitectura, que funcione como un cuerpo, dónde la intensidad de los estímulos, la alteración de los estados –tanto de seres vivos como de la materia- y los diversos niveles de percepción son tenidos en cuenta a la vez, en diferentes escalas. Parece cosa del sentido común pero es de aplaudir, arquitectos como ellos que subrayan ser parte de la sociedad actual, y del sistema. Es por ello que huyen del título experimental, no se trata de arquitectura experimental que trate de destruir los moldes, afirman, se trata por el contrario de un modo distinto de trabajar, que cuenta con el aire como principal material de trabajo,  el aire que no es otra cosa más que el espacio, o como ellos también describen en algunos de sus textos, el ambiente. Entre los proyectos que se exponen está el  Palacio del Cerezo en Flor para el Valle del Jerte, Primer premio del Concurso público de arquitectura para la definición del Palacio del Cerezo en el Valle del Jerte, en el término El Cabrero, convocado por la Consejería de Cultura. Una pieza monumental de indefinida volumetría inspirada en la propia naturaleza del entorno. El volumen cuenta con una serie de perforaciones deformadas hacia el interior que se orientan hacía las poblaciones del Valle. Un espacio público que funciona como espacio escénico para turistas, agricultores y cerezos. Una construcción que es además un ambiente y que en sí misma interactua tanto con el paisaje, como con el ritual, y consigue reafirmar la identidad del lugar.

"Third Natures". Cristina Díaz Moreno & Efrén Ga Grinda (amid.cero9). 18 Enero - 15 Febrero 2014, AA Gallery Londres. www.aaschool.ac.uk/exhibitions
adneo Texto: AURORA DOMÍNGUEZ
El uso de la bici en las ciudades de países occidentales aumenta exponencialmente cada día. Esto hace que equipos de diseñadores dediquen tiempo y recursos a mejorar la experiencia de la movilidad urbana. La empresa Superpedestrian (Massachusetts) acaba de lanzar al mercado una rueda inteligente. La rueda, que se llama Copenhagen Wheel, convierte cualquier bici en una hibrida eléctrica. En su interior un motor y una batería que captura la energía de las frenadas o bajadas y que aporta una ayuda en los momentos de mayor esfuerzo. Digamos que es un sistema de marchas automático e inteligente. Dispone de un dispositivo inalámbrico que se comunica con una app en el smartphone del usuario para observar las estadísticas y controlar manualmente los momentos de activación. Las primeras 1000 ruedas ya se han vendido a 799 dólares, así que si te interesa tendrás que ponerte en lista de espera.  

www.superpedestrian.com

Texto: Javier Abio
Crisis: “Tras la publicación de ‘W’ entré en una especie de crisis. Con ese disco intenté conseguir cosas que no funcionaron, al menos para mí. Líricamente me iba más por las ramas porque creía que siendo directa o controvertida iba a ahuyentar a la gente… Entonces escribí ‘Patriarchy over & out’ y encontré una manera de hacer letras directas que no dejaran de ser abiertas. El truco estaba en escribir sobre la materia en cuestión de manera objetiva. Por suerte ese tema me salvó y me descubrió el camino a seguir para el resto de canciones de ‘All love’s legal’. Política: “Como decía, siempre había tratado temas políticos, pero siempre de forma más tangencial, porque creía que de otro modo estaría alienando a la gente e incluso a mí misma. Sin embargo ha resultado ser al revés y estos temas me han acercado más a mis fans y han fomentado discusiones muy interesantes. Estoy aprendiendo mucho gracias a este disco”. Música útil: “Muchas veces digo que mi objetivo es crear música que resulte útil, y es que la música es un lenguaje inteligente, mágico y sin límites, y además pertenece a todo el mundo. Yo uso la música para soñar, pensar, fantasear, bailar y reinventar actitudes. Necesitaba estas canciones para reflexionar, aprender y desaprender algunas cuestiones, y creo que quizá puedan servirle a otra gente para lo mismo. O quizá sólo bailarán y se lo pasarán bien con ellas, que también está muy bien”. Desgenerizar: “Que todo en nuestra sociedad esté tan definido por géneros es un factor que contribuye a la discriminación de género. Como canto en ‘Misogyny drop dead’, hay que ‘desgenerizar todo intelecto’ para conseguir una sociedad más igualitaria. Por eso me he cambiado el nombre legalmente de Janine a Jam, porque quería tener un nombre que no estuviera atado a un género”. Baile: “Quiero hacer más música de baile y hacer este álbum mucho más bailable fue una decisión totalmente consciente. Hace un año empecé a pinchar y eso me hizo darme cuenta de lo útil que es la música de baile para hacer que la gente disfrute y cómo te permite ser más radical y juguetón líricamente ya que combina a la perfección ligereza y profundidad”. Gira: “Ahora mismo estoy trabajando en cómo será el show. Quiero que sea abierto y directo, pero también caótico y divertido. Tengo muchísimas ideas divertidas de vídeos y efectos de audio. ¡Lo que es seguro es que será un espectáculo para bailar”.

“All Love’s Legal” está editado por Human Level Recordings
planningtorockofficial.com

ADNEO Texto: VIRGINIA ARROYO
adneo Texto: DAVID SAAVEDRA
David Byrne: “Trabajar con él fue un sueño hecho realidad. David nunca mira hacia atrás. Deja mucho espacio para que las cosas funcionen, en cada proyecto pone mucha energía y optimismo y eso realmente tiene mucho que ver conmigo”. Teatralidad escénica: “Mis últimos conciertos como St. Vincent habían sido más salvajes y furiosos, pero el espectáculo con David era muy diferente. Creo que necesitábamos equilibrarnos el uno con el otro dentro del mundo que estábamos creando. No estaba construyendo un personaje, pero sí tuve que utilizar recursos diferentes para adaptarme a una coreografía y unos movimientos muy específicos”. Exuberancia: “Empecé a componer el nuevo álbum 36 horas después de apearnos de la carretera en la primera manga de la gira. Me inspiró mucho ver bailar a la gente en los conciertos. Intenté traer ese tipo de exuberancia a todo lo que hiciese después”. Título homónimo: “A medida que vas creciendo te vas convirtiendo más en ti misma, y sintiéndote más cómoda contigo. Autotitulé el álbum porque eso también está sucediendo en mi vida musical”. Annie Clark vs. St. Vincent: “Mis manos y mi cuerpo son la génesis de lo que yo hago en las artes. Siento que cuando estoy en el escenario, componiendo o creando música, soy mejor que mi propia persona, y quiero crear un espacio para eso sin provocar confusiones, rellenarlo con el nombre de St. Vincent”. Misterio: “El misterio debería ser rescatado estos días como respuesta a lo mucho que parece que la cultura actual intenta que nos hagamos más transparentes. O incluso como recurso de protección. Lo más interesante para mí en el arte, la vida y la música tiene que ver con los espacios que no están más visibles”. Testigo digital: “Mi nueva gira se titula al igual que uno de los temas del álbum, ‘Digital Witness’. Si alguien viene a un concierto mío y toma un par de fotos me parece normal, lo que no entiendo es que se gasten el dinero en una entrada y luego se pasen todo el show viéndolo a través de la pantalla de un móvil. Son experiencias en las que tienes que estar presente, porque eso lo estamos haciendo para ti, para reclamar tu atención”.

“St. Vincent” está editado por Republic Records y distribuido por Music As Usual.
ilovestvincent.com

Tras intervenir por separado en varias bandas (The Shutes la más conocida) los hermanos Michael y David Champion han decidido confluir caminos en Champs. Un proyecto que empezó a  despertar el interés en 2012 con temas como “St. Peters” y “Savannah”. Dos canciones que proporcionan una idea fidedigna del folk melancólico y el pop eufórico por donde les gusta moverse. Hablamos con David Champion. Down Like Gold: “Nuestro primer LP ha sido elaborado en un espacio de tiempo muy corto, con lo cual creo que eso le da cohesión al conjunto. Fue muy fácil de hacer y no hubo ningún momento en que nos sintiéramos forzados a avanzar en una determinada dirección. Hay canciones bastante aceleradas con sintetizador y batería, y otras más despojadas de elementos, con solo la presencia de guitarra y voz.” Influencias: “Hemos crecido escuchando a The Beatles, R.E.M., Donovan, Dylan, Neil Young…También adoramos a The Sleepy Jackson y Devendra Banhart.” Singles: “Diría que son un buen reflejo del sonido del álbum en cuanto a que revelan la diferencia de tempo y tono que se podrá encontrar. Algunos temas son bastante movidos y otros bastante suaves.” “St. Peters”: “Es una canción sobre no querer luchar en una guerra. Es una canción acerca del dolor, la frialdad y el anhelo de un ser querido.” “Savannah”: “Savannah, como muchas otras canciones del disco, es un tema alrededor del amor. Tenemos una amiga llamada Savannah pero no tiene nada que ver con ella. Es uno de los temas más moviditos del álbum, y es probablemente mi favorita para tocar en directo. Transmite un sentimiento bastante eufórico, y contiene bastantes cambios de tempo y tono”. Ser músico: “Realmente nunca nos planteamos ser músicos por el tema del dinero, no es nuestra prioridad para nada. Ambos tenemos trabajos de media jornada desde casa que nos permiten compaginarlo con la música y tirar adelante. Seguimos intentando tener todo el 2014 ocupado, pero lo verdaderamente primordial es el encontrarse en una posición que te permita seguir haciendo aquello que amas.” Directo: “Para nuestros conciertos contratamos a tres componentes: Tom, Jon y Anthony. Son amigos que conocemos desde hace años, afortunadamente, también son músicos increíbles”. Futuro: “Tenemos canciones más que de sobra para encarar un segundo álbum, por lo tanto solo queremos alcanzar una posición que nos permita continuar haciendo música y tocarla en directo.”  

“Down Like Gold” está editado por [Pias] Iberia & Latin America.
www.champschampschamps.com

adneo Texto: MARC MUÑOZ
¿Quiénes somos? ¿De dónde venimos? ¿A dónde vamos? Alrededor de estas grandes cuestiones existenciales gira el nuevo y conceptual álbum de Fanfarlo, titulado, de forma poco optimista, “Let’s Go Extinct”. Aunque no hay que dejarse guiar por el agorero título, ya que ellos aseguran que este nuevo disco será más alegre y luminoso que nunca. Simon Balthazar, al frente de la banda, cuenta que se han inspirado, entre otras cosas, en la teoría de la Panspermia, en las visiones de un Londres apocalíptico, en la neurociencia y, por supuesto, en el amor. Este mes de febrero pasarán por nuestro país para presentar el nuevo disco. Las fechas confirmadas son: día 17, Madrid, Sala But + día 18, Sevilla, Maladar + día 19, Valencia, The Rambleta + día 20, Barcelona, Bikini.   

“Let’s Go Extinct” está editado por New World Records y distribuido por Music As Usual.
www.fanfarlo.com

Texto: Terevisión Ruiz

La cafeína ha vuelto especialmente risueñas a Jenny Lee Lindberg y Stella Mozgawa, bajista y batería respectivamente en la banda que, en mitad de una gira en la que están comenzando a probar su nuevo repertorio, han decidido dividirse para hablar con la prensa. Mientras ellas se encuentran en las oficinas de su distribuidora en Madrid, las dos vocalistas y guitarras, Emily Kokal y Theresa Wayman, hacen lo propio en Milán. Transición: (Stella) “Somos más conscientes de lo que significa ser una banda y hacer un álbum bajo diferentes circunstancias, y también hemos evolucionado en la forma de tratarnos las unas a las otras”. (Jenny) “Somos más abiertas, no tan obcecadas en tocar los típicos instrumentos que interpretamos habitualmente, y hemos intentado servir a cada canción todo lo que pudiéramos y en función de lo que ésta necesitaba”. Producción estelar: (Stella) “Flood produjo el álbum con nosotras y Nigel Godrich mezcló dos temas”. (Jenny) “Fue algo diferente a lo que solíamos hacer, pero en realidad no tanto como yo pensé que iba a ser. Fue todo muy natural y orgánico, muy cómodo, un proceso muy armonioso y más fácil de lo que pensaba”. Chris Cunningham: (Stella) “Nos ha hecho fotos y un documental sobre la grabación del álbum, aunque es una cosa mucho más abstracta, no lo típico de  ‘hemos grabado este disco y aquí salimos en el estudio, ahora Emily va a hablar sobre la canción que ha compuesto’, etc. Obviamente, él tiene una mentalidad muy artística y creativa, y va a ser algo realmente único, completamente fuera de la norma”. La nueva California: (Stella) “L.A. está empezando a no tener un estilo común con el que se pueda identificar. Siempre hay algo nuevo entrando en la ciudad, los sonidos y las inspiraciones cambian, la gente trae sus propias influencias. De hecho, en realidad parece una ciudad cada vez más europea, con mucha mezcla cultural. No es como lo que asociabas a L.A. en los 60 o finales de los 80. La paleta de colores es más confusa y excitante. Quizá se está convirtiendo en lo que era Nueva York hace diez años”. Feminidad: (Jenny) “Creo que nuestras canciones son muy emocionales, y supongo que es la forma en que las mujeres tendemos a experimentarlas. A lo mejor lo mostramos de forma más intensa que los hombres, pero tampoco creo que haya muchas diferencias”.  

“Warpaint” está editado por Rough Trade y distribuido por Everlasting.
warpaintwarpaint.com

ADNEO Texto: DAVID  SAAVEDRA

Cambridge: A pesar de no haber estudiado allí, y estar a más de 1.000 kilómetros de distancia, la Universidad de Cambridge forma parte de mi cultura, tanto o más que la Complutense. La historia, el cine, la literatura y las personalidades que pasaron por ella son responsables del mito. Fundada en el año 1202, es una de las más antiguas del mundo. Actualmente está posicionada como una de las 5 mejores universidades del mundo. No solo es una cantera de intelectuales y científicos británicos, también lo es de estilo. Sin duda, sus alumnos se han visto impregnados por la belleza arquitectónica de sus colleges y el paisaje que dibuja el río Cam. Algo así es único, y en estos tiempos una de las formas de proteger todo aquello que es especial es a través del registro. En efecto, Cambridge, su nombre y escudo de armas, son marca registrada. Y solo se asocia a otras marcas y productos que compartan sus mismos principios y objetivos. Si la misión de la Universidad de Cambridge es contribuir a la sociedad a través de la educación, el aprendizaje y la investigación, las marcas asociadas deben reflejar ese espíritu con productos relevantes y respetuosos con ese ideal. Ahora, tras su elección, Pepe Jeans London traducirá al mundo de la moda el estilo, ético y estético, de la Universidad de Cambridge. Pepe Jeans London: Junto a Cambridge, Portobello Road Market es otro icono de la cultura contemporánea inglesa. En uno de los stands de su famoso mercado nació para el mundo Pepe Jeans London. Fue en 1973, y como todas las leyendas, al principio estaba reservada para una élite visionaria. Rápidamente se convierte en objeto de culto, sobre todo sus jeans. Hoy, tras 40 años, la marca se distribuye en más de 60 países. Formada en la cultura callejera británica, testigo del nacimiento del punk, la new age, el brit-pop, el trip-hop... Pepe Jeans London conserva esa conciencia de clase solidaria, con la que viaja a todas partes, ya sea a sus puntos de distribución como a los centros de producción, donde promueve la moda sostenible, la contratación justa y colabora en proyectos positivos en India, Senegal, Haití, Kenya y Camboya. Al final, como si fuera el guión de una película, parece que la Universidad de Cambridge y Pepe Jeans London tienen mucho más en común de lo que en un principio podríamos haber pensado. Colecciones: Estilo universitario inspirado en los deportes tradicionales de Cambridge: rugby, remo y cricket. Una interpretación muy british, masculina y contemporánea, identificada por el escudo universitario. University of Cambridge by Pepe Jeans London servirá para educar tu armario y proporcionar recursos para la universidad. La primera promoción, menswear spring summer 2014, ya está en la calle.  

www.pepejeans.com
www.cam.ac.uk

adneo Texto: MONGÓMERI
Con más de 80 años de experiencia, FDModa es el primer campus de diseño europeo de LaSalle International y un referente internacional en el ámbito del diseño de moda con programas educativos únicos que responden a las necesidades empresariales en el actual contexto socioeconómico. Con una formación basada en el design thinking y la creatividad como herramientas de innovación, el objetivo de FDModa es impulsar a los estudiantes a liderar proyectos dentro de empresas o emprender los suyos propios. Este año presenta nuevos programas de Postgrado en Ilustración Creativa en Moda, Marketing Digital y Redes Sociales en Moda. Y también uno en lengua inglesa: Coolhunting and Trend Forecasting for Fashion Industry. 

www.fdmoda.com

Inicios: “En 2009 me gradué en la escuela de moda ESMOD, en Berlín. Mi colección final fue un éxito y recibí muchos encargos, así que me decidí a lanzar mi propio negocio. En 2011 se presentó la primera colección Franziska Michael. Diseño dos colecciones por año. Para mí, la moda y la creación siempre han sido una parte importante de mi vida. Descubrí que quería ser diseñadora de moda muy pronto y puedo decir que soy una afortunada por tener una gran familia y amigos que siempre han creído en mí y me han apoyado para lograr mi sueño“. Proceso: “El primer paso es siempre la investigación y encontrar la inspiración. Es todo un gran proceso, no voy paso por paso. Hay imágenes, telas, colores... Luego diseño los estampados que son siempre una gran parte de mis colecciones. El resto va saliendo cuando los diseños principales están definidos“. Inspiración: “Soy una persona muy visual. A menudo me inspiro en la naturaleza, la fotografía, la música, el arte y también en la vida cotidiana. Estas son mis principales fuentes de inspiración y las cosas que absorbo. Mis colecciones satisfacen el deseo de hacer una síntesis entre la cultura, el arte y la innovación a través de la moda. De verdad, creo que a la mayoría de las mujeres creativas les gusta vestirse de forma individual. Quiero que ellas sean capaces de expresarse a través de mis diseños incorporando un estilo de vida moderno que encaja en su día a día“. Identidad: “Me gustan los contrastes y los opuestos que uso en mis colecciones con el objetivo de lograr el equilibrio perfecto. El look que identifica la firma son los estampados psicodélicos que forman una gran parte de mis diseños. El resto es, a menudo, monocromático. En general, uso fibras naturales que mezclo con productos sintéticos de alta tecnología para obtener un look más fuerte“. Premios: “Estoy muy contenta por haber tenido la oportunidad de estar en tantas capitales de la moda importantes: Nueva York, París y Berlín. Para mí es un honor poder presentar mi trabajo allí. Además, he recibido dos premios: el Walk of Fashion Award en 2009 y el Premium al Joven Diseñador por mi última colección.Todo esto significa mucho para mi carrera“. Clientes: “¡La moda es sobre todo diversión! No quiero que un 'tipo' específico de cliente lleve mis diseños. Cada uno puede usar mi ropa y adaptarla a su estilo individual. Por eso me concentro en diseñar piezas unisex y en los contrastes“. Proyectos: “En 2014 estaré en la Mercedes-Benz Fashion Week Berlín y en Premium. Tengo muchas ganas de hacerlo ¡Será una gran sorpresa!“.

www.franziskamichael.com

adneo Texto: COVADONGA GARCÍA
adneo Texto: MANU ROMERO
Hubo un tiempo en el que el Sida era visto como una plaga y no como una enfermedad. Un castigo para gays, putas y yonkis marginados por una sociedad que no sentía la necesidad de tener que salvaguardar su salud, dado que ellos se lo habían buscado. Fue Rock Hudson, en 1985, quien despertó la conciencia mundial al declarar que no solo era homosexual, sino que estaba enfermo de Sida. Actualmente, 35,3 millones de personas están infectadas por el virus de la inmunodeficiencia humana (VIH), de los cuales el 80% se localiza en África. El pasado 1 de diciembre celebramos el Día Mundial del Sida sabiendo que 4.000 personas mueren cada día, pero conociendo también un esperanzador dato, que desde Barcelona están cada vez más cerca de dar con una vacuna terapéutica que evitaría el rebrote de la enfermedad al retirar la medicación antirretroviral. Interesados por estos avances y decididos un año más a poner su granito de arena contra la lucha contra el Sida, Eastpak celebró esta vez en Amberes, su ya mundial (y tradicional) Artist Studio 2013, en el que diseñadores de todo el mundo y comprometidos con la causa han customizado la mochila Padded Pak’r para su posterior venta online. 56 artistas de 14 países distintos con los que nos citamos en la ciudad belga para conocer sus propuestas, en edición limitada, y que han contado con el fotógrafo Juan Gatti, el diseñador Moisés Nieto, el dibujante Javier Mariscal  y la bloguera Gala González, como propuestas patrias. Una auténtica expresión de creatividad y de compromiso con todos aquellos enfermos que siguen sufriendo los diferentes estadios de la enfermedad y para los que se destinará todo lo recaudado en la venta online. Un proyecto que en su tercer año consecutivo no pierde fuelle y que gracias a la organización sin ánimo de lucro ‘Designers Against AIDS’ (DAA) vuelve a apostar por la solidaridad y la tolerancia como lujo al alcance de todos. Un evento presentado por la top model Habbelore Knuts, con la presencia de Ninette Murk, fundadora de DAA y que junto a las mochilas customizadas por Jean-Paul Lespagnard, David Gouny, Sylvain Aubert, Philip Grube, No Curves, Athos Burez, Pansik y el resto de diseñadores, hicieron de Amberes una ciudad comprometida, y de sus artistas seleccionados, auténticos mensajeros de esperanza.

artiststudio.eastpak.com



En cada momento histórico hay tipologías de hombre que están más o menos de moda. Hoy, el que se lleva es un tipo muy masculino y seguro de sí mismo. Valientes a los que no les importa decir claramente lo que piensan, y si hace falta se lo tatúan. Precisamente, en el mundo de los tatuajes también existen tendencias. En 2014, hombres y tatuajes coinciden en recuperar códigos varoniles asociados a la aventura, el viaje, el mar, lo exótico y misterioso... incluso reivindican el tabaco de pipa. En la búsqueda de ese pirata del siglo 21 nos topamos con el modelo Sam Thompson. En su piel vemos todos esos iconos retro del arte del tatuaje: antiguos galeones a toda vela, sables, timones, pipas echando humo, bellas indígenas y flora exuberante. Corriente gráfica que incluso tiene su propia fragancia: Only The Brave Tattoo de Diesel. Su envase, un puño cerrado, el mismo que podría sujetar el timón del barco con firmeza en la tormenta, o la humeante pipa durante el reposo. En el dorso del puño también está tatuado con una tipografía clásica que evoca la época de los bucaneros y lleva la firma de Mr. Cartoon. Por una vez, todo está dentro de una misma armonía sensual, fresca y misteriosa.

www.diesel.com


Grooming: LETICIA ORÚE para Graftobian.es
+ Sebastian Professional
Asistentes Fotógrafo: LETICIA JIMÉNEZ
+ VÍCTOR AERTSEN + JAVIER LÓPEZ-BUENO

Modelo: SAM THOMPSON @ FM London


ADNEO Texto: MONGÓMERI · Foto: JOSÉ MORRAJA
Una buena modelo siempre tiene cara de pocos amigos mientras trabaja. Cosas de la moda. Mirad por ejemplo como posa la maravillosa Manuela Frey en el backstage PV 2014 de BCBG. Aunque en ocasiones también es puro cansancio. Para compensarlo, a la próxima semana de la moda iré con el bolso lleno de Liftactiv Advanced Filler de Vichy. Más de una me lo agradecerá. Este fluido concentrado alisador elimina todos los signos de cansancio que envejecen y entristecen el rostro. Lo que hace que este producto sea único es que los 2 activos rejuvenecedores más potentes, el retinol puro & LR2412, por primera vez actúan juntos y con resultados sorprendentes, haciendo desaparecer las arrugas verticales profundas. Genial para todas las mujeres que quieran un cutis de new face. 35,98 euros.  

www.vichy.es

Texto: LILU DIAZ DE QUIJANO
Foto: ESTROP/ FRANCESC TENT


Del meñique al pulgar - Mano 1/ Blanc (1)
+ Francesa Need a Vacation (2) / Mint Candy Apple (3)
+ Francesa Go Over Board (4) / No More Film (5) / Lapiz of Luxury (6)
+ Francesa The More The Merrier (7) (Edición Limitada Verano 2013) / Lilasim (8)
+ Francesa Funny Face (9) - Mano 2/ Need a Vacation (2)
+ Francesa Blanc (10) / Go Over Board (4)
+ Francesa Mint Candy Apple (11) / Peach Daiquiri (12) / The More The Merrier (7)(Edición Limitada Verano 2013)
+ Francesa Lápiz of Luxury (6) / Funny Face (13)
+ Francesa Lilascim (8)
Del meñique al pulgar - Mano 1/ After Sex (14)
/ Aruba Blue (15) / Beach Bum Blu (16) / Jam n Jelly (17) /
Brazilliant (18) Mano 2/ Over de Edge (19) / Trophy Wife (20) /
Jamaica Me Crazy (21) / Sexy Divide (22) / Midnight Cami (23)
adneo Fotos: LARA ARGUEDAS MARTÍN · Texto: LILU DIAZ DE QUIJANO
Neo2 cumple 20 años y nosotras nos pintamos las uñas. Yo, mi mano derecha y mi mano izquierda. A 4 manos, que es como vamos normalmente en la redacción de Neo2. Aunque ya puestos podíamos haber cumplido 100 y haber utilizado todos los colores de la gama essie: tienen hasta 90 fantásticos tonos distintos de esmaltes. Aunque yo creo que hubiéramos necesitado un desplegable para mostrarlos todos. essie es la marca con los colores más fantásticos y los nombres más divertidos. 

Manicura: HELENA LIÉBANAS ZAFRA
Modelo: PATRICIA CARRERAS

Funda Peli
ProGear Vault
Precio: 93,54 euros

Mochila Peli
ProGear S115 Sport Elite
Precio: 443,94 euros
Funda Peli ProGear
HardBack i1065
Precio: 83,94 euros
Este año Neo2 cumple 20 años y lo queremos celebrar en todos los números del año con regalos para nuevos suscriptores, y renovaciones. En esta ocasión contamos con la colaboración de Peli Products, especialistas en diseño y fabricación de maletas y equipamiento técnico para profesionales que necesiten máxima protección para sus equipos. Por ejemplo, fotógrafos. Pero también cualquiera que quiera proteger sus gadgets más valiosos. Para ellos tenemos 3 regalos: (1) Mochila Peli ProGear S115 Sport Elite: máxima seguridad para tu equipo fotográfico, lo más parecido a una caja fuerte con todo tipo de compartimentos; (2) Funda Peli ProGear HardBack i1065: como una armadura para tu iPad, totalmente acolchada y con un cómodo sistema de sujeción; (3) Funda Peli ProGear Vault: protección especial para el iPhone 5 con cubierta de vidrio óptico con tecnología anti-arañazos y membrana protectora para altavoz y micrófono.

www.peliprogear.com


- Mochila Peli ProGear S115 Sport Elite + Suscripción 2 años (20 números): 190 euros.
- Funda Peli ProGear HardBack i1065 + Suscripción 2 años (20 números): 70 euros.
- Funda Peli ProGear Vault + Suscripción 2 años (20 números): 70 euros.
Suscríbete en: subscribe@neo2.es

Horizon: "Es una serie de retratos de belleza masculina en un entorno íntimo, la cama, desprovista de toda alusión a la intimidad. Un proyecto que surgió porque algunos amigos comenzaron a pedirme que les retratara en la cama. Estuve un tiempo pensando la manera de fotografiar a estos chicos con un estilo que yo pudiera identificar como mío. Todo cuajó cuando encontré el encuadre apropiado y pude empezar a hacer las fotos". Casting: "Conseguirlo no es complicado gracias a la colaboración de amigos, modelos y agentes. Busco variedad, aunque lo primordial es que el modelo me inspire. Soy sensible ante la belleza de estos chicos y gracias a la fotografía puedo compartir con otras personas el impacto que me causan". Cámara: "Disparo con mi teléfono con una Canon 5D Mark II. No solo es mi cámara preferida, también ha marcado a toda una generación de fotógrafos. Yo les llamo 5Doers". Impresiones: "Suelo realizarlas en papel mate sin enmarcar, 30 x 45 centímetros. Luego se fija a una plancha de aluminio de 1 milímetro para conseguir rigidez. Para la exposición en Mad is Mad exploraré un acabado distinto, con formatos mayores y empleando menos materiales. Que el soporte desaparezca en favor de las imágenes". Digital: "El contenido online perdura y es fácil de compartir y encontrar. Sin embargo, el libro, las revistas o un espacio artístico consigue mayor impacto en nuestras retinas. Creo que lo físico, aunque temporal o efímero, deja huellas más profundas. Lo digital, por su abundancia y fácil acceso, se digiere y se olvida con más rapidez". París: "Este será mi séptimo año viviendo en París. Aquí colaboro con marcas francesas de prêt à porter que desean renovar su imagen y dirección artística. Es el caso de Newman o Paul & Joe. También trabajo a menudo con la casa de moda Jean Paul Gaultier, y con diseñadores emergentes como Martinez Lierah". Madrid: "Es difícil que compita con otras capitales estando en época de poda presupuestaria. Pero como dice mi amigo Neko, Madrid va a ser el nuevo Berlín". Arquitectura: "La carrera me ha aportado un ojo para la composición y el encuadre, una obsesión por el método y el concepto. Además de disciplina y capacidad de esfuerzo a la hora de trabajar".

rainertorrado.com

Horizon: del 8 de febrero al 1 de marzo en la galería Mad is Mad (calle Pelayo, 48. Madrid); y del 21 al 23 de febrero en jäälphoto 2014 (feria independiente de fotografía en el hotel Chic&Basic Mayerling (Conde de Romanones, 6. Madrid)
Modelo: Jacob Kulesza de Nathalie Models.

adneo Texto: MONGÓMERI
En su tercera exposición en la Galería Helga de Alvear, Angela Bulloch redefine la figura clásica del pentágono y lo hace apelando a la distorsión a través de una serie de esculturas de luz, cuya intensidad ofrece una serie de variaciones, casi imperceptibles para el ojo de los visitantes. Estos patrones de luz, por momentos invisibles, contrastan con los elementos dedicados a crear un espacio tridimensional, a partir de imágenes bidimensionales de pentágonos que cuelgan de las paredes. Desde la década de los noventa Angela Bulloch ha venido elaborando puentes entre tecnología, memoria y percepción. Sin embargo, la complejidad tecnológica y matemática a la que responden sus piezas no coincide con la extrema sencillez bajo la que son presentadas. Un modo, entre otros, de señalar los vínculos entre forma y conocimiento. 

Hasta el 15 de marzo, www.helgadealvear.com
Imagen/ Irregular Pentagon Totem, 2013.

Texto: MARIANO MAYER

“Abendland: tierras crepusculares” es la exposición que el Instituto Iberoamericano de Finlandia presentará en Madrid coincidiendo con la presencia del país nórdico en Arco. La muestra se inaugurará el 30 de enero en el Centro Conde Duque y en ella podremos ver las animaciones digitales creadas por el colectivo artístico finlandés IC-98, formado por Patrick  Söderlund y Visa Suonpää. Su obra, compuesta de dibujos, filmes de animación, libros e instalaciones, gira en torno a diversos temas recurrentes, como la presencia de la historia en la vida diaria, las conexiones fantásticas entre diferentes cosas o incluso la investigación sobre posibles eventos que todavía no han llegado a suceder. En esta muestra presentarán varias obras en vídeo, entre las que se incluye “Desde el otro lado”, una animación digital realizada a partir de elaborados dibujos de inspiración neoclásica con los que reflexionan sobre el paso del tiempo, la arquitectura y su paisaje, a través de un edificio histórico situado en Turku, su ciudad de residencia. El edificio, situado a la orilla del río Aura, fue construido en 1836 por el arquitecto P.J. Gylich como parte del parque Porthan. Un edificio emblemático para la ciudad que se caracteriza por su columnata dórica neoclásica inspirada en el ágora griega. IC-98 utiliza aquí una cámara fija para que apreciemos como la imagen cambia constantemente debido a factores como la luz, el día, la noche, las estaciones… pero también se aproximan a la historia del lugar desde su funcionalidad, contando una historia que incluye el emplazamiento en el edificio de bazares, mercados, restaurantes... para posteriormente ser abandonado por más de veinte años. Así, en esta obra además el dúo finlandés quiere llamar la atención sobre una problemática que es común en la mayoría de las ciudades occidentales, esto es, la pérdida del espacio público que se está produciendo en manos de la especulación producida por el capital privado. Suena familiar, ¿no? Una solemne música de órgano nos acompaña durante la proyección, donde también el río es uno de los protagonistas, como metáfora de lo mutable. Si quieres adentrarte en el universo IC-98 recuerda que la muestra se inaugura el 30 de enero, día además en el que estarán presentes ambos artistas.

Abendland. Del 30 de enero al 20 de abril. Conde Duque.
Madrid. www.condeduquemadrid.es
www.madrid.fi


ADNEO Texto: SOFíA DOS SANTOS
Les Limites. 2013.
Entelequia. 2009-13.
adneo Texto: MARIANO MAYER
Conjuntos de combinaciones: "Cuando Godard, hace muchos años, fue criticado porque sus obras no tenían un planteamiento, un nudo y un desenlace, el respondió que sí que lo tenían, pero no necesariamente en ese orden. La legibilidad de una obra está en manos del espectador, de hecho, el acto de lectura debe ser algo tan creativo como la propia la obra". Narrar: "El problema de la narración es que parece estar necesariamente ligada a 'algo' que es narrado, que es preexistente a la propia narración y vehiculado por ella. En mi caso, intento huir de esto, no por nada, sino porque normalmente no tengo ese 'algo' que decir. Ahora bien, el no tener 'algo' que decir, no significa que no tenga que dar salida a la necesidad de decir 'algo'. Intento que la narración sea precisamente un campo que me permita encontrarme con ese 'algo' que no tenía previamente". Comunicar: "Mi trabajo no consiste tanto en una labor de 'invención' como de 'inmersión'. No puedo evitar la sensación de que todo está ya dicho, hecho, mostrado; que no faltan cosas, ideas, imágenes, sino que, más bien, sobran. Mi trabajo consiste en sumergirme en lo ya dado, intentando desmontar o suspender un sentido que nos ata, una representación que nos somete, una imagen que nos humilla. Se trataría de devolver al arte su capacidad para construir nuevas dimensiones de lo humano, como siempre hizo, pero ahora en una realidad totalmente virtualizada, configurada por signos y representaciones". Plural: "El problema de la noción de “primera persona” es que está sujeta a una serie de atavismos que, a pesar de la evidencia que nos presentan todos los órdenes de la cultura actual, hacen que siga identificándose con un sujeto trascendente que dirige racionalmente sus acciones. La realidad es que somos sujetos escindidos y plurales, no solo porque existe un mundo inconsciente que nos desmiente continuamente, sino porque nuestra vida consciente está sujeta a diversos órdenes de la representación. 'Yo' no es el mismo siempre, por lo tanto, pretender que una actividad como la del arte, que por definición tiende a poner la realidad 'patas arriba', sea el producto de un sujeto unificado y completo, es una ingenuidad. No debería resultar tan sospechoso el uso de la pluralidad de voces en la obra de arte, más bien lo contrario".  

Del 1 de febrero al de 29 marzo, Galería Moisés Pérez de Albéniz.
Madrid. www.galeriampa.com


 Imagen de la exposición en Ses Voltes.
Proyecto "Santa" de Carles Gispert.
 Imagen de la exposición en Ses Voltes.
Imagen de la exposición en Ses Voltes.
 Imagen de la exposición en Ses Voltes.
 Imagen de la exposición en Ses Voltes.
Sua Rua Off supone la celebración de los dos años de Sua Rua, un proyecto colaboracionista impulsado por Grip Face. Desde sus inicios, este artista ha ido invitando a distintos creadores para que generasen gráficas vinculadas a tres soportes básicos: el tejido (camisetas, bolsas…), el papel (en muchas y variadas técnicas) y el espacio urbano. El CAC de Ses Voltes acogió lo que podríamos decir que es todo un laboratorio (tipo)gráfico respecto a un material que se ha ido trabajando en sus espacios y en los talleres gráficos de la Fundació Pilar y Joan Miró de Mallorca. Llorenç Balaguer, Carles Gispert, Alona Vinç, Jordi Pallarès, y el propio Grip forman este conjunto heterogéneo de creadores que han participado en este proyecto. Cada uno de ellos ha aportado sus recursos y, más allá de ideas iniciales, Grip Face ha permitido y fomentado que todos ellos experimenten. De hecho, sus respectivos proyectos han mutado en todo un proceso de investigación respecto al formato, la forma y su exhibición final. Grip trabaja desde “su” collage tipográfico, customizando puertas de Palma (Doors without destination), abriendo estímulos a aquellos ciudadanos que están perdiendo su visión y haciendo evidente la necesaria recuperación de deterrminados inmuebles de la ciudad. De aquello que fueron y de lo que ya no son. Por otro lado, Alona Vinç elaboró unos atractivos códigos QR que repartió en tres opis del centro histórico de la ciudad. Poesía que incordia bajo formatos tecnológicos y que conviene decodificar desde la privacidad y la reflexión colectiva. Llorenç Balaguer ha funcionado como un científico, un antropólogo que ha documentado toda una investigación sobre, precisamente, cómo nos afectan las imágenes y nuestro nivel de tolerancia al respecto. Otro laboratorio personal bajo el nombre de Impronta, nutrido de distintas voces. Carles Gispert ha retomado su proyecto Santa, resucitado justo en plena época navideña para poner en evidencia, una vez más, nuestra ignorancia frente a lo que está pasando. Un consumo perverso de luces y felicitaciones de Navidad que no deberían pasar desapercibidas. Y yo, Jordi Pallarès dí corpus teórico al proyecto genérico y a cada material resultante. Todo esto se pudo ver en el CAC de Ses Voltes de Palma de Mallorca y todavía se puede rastrear en algunas calles de su centro histórico

sesvoltes.org gripface.blogspot.com.es/
suarua.tumblr.com
www.facebook.com/SR2OFF


adneo Texto: JORDI PALLARÈS

Cartel pegado
Proyecto de Llorenç Balaguer
Collage en puerta de Grip Face.

Código QR
Proyecto de Alona Vinç
Monument, 2013.
Monument, 2013.
Common places–Common spaces: "La exposición muestra tres series, todas ellas  relacionadas con la arquitectura, en tres formas plásticas diferentes: la reproducción fotográfica, la superficie pictórica de la pared y la escultura. Se podría decir que el espectador experimenta un ir y venir entre la realidad del espacio urbano y el espacio expositivo". Percepción skater: "Los skaters perciben la arquitectura como formas vagamente familiares, a escala con el cuerpo humano y con un fin lúdico   (los skateparks son reproducciones de mobiliario urbano y de piscinas californianas). La percepción de una barandilla está basada en el contexto en el que ese objeto se encuentra, va a resultar muy distinta si se encuentra en un edificio, en un parque o en una galería. Posee una cualidad intrínseca de abstracción. Más allá de esto hay una relación física con ella. El skater experimenta las formas mediante el movimiento de su cuerpo alrededor de estas. Luego está la experiencia de reproducir estos elementos. Aquí es donde dejo libertad a su propia lógica formal interna y su interpretación". Arquitectura y funcionalidad: "Estas piezas orbitan entre lo arquitectónico y su representación, entre la función y la abstracción. La arquitectura me interesa por su funcionalidad, por sus formas y cualidades, por su relación con el cuerpo y el paisaje, por una armonía entre las necesidades del hombre y la naturaleza, aunque suene algo utópico". Desnaturalizar el Pop: "Si no contradijese mis modelos, la barrera entre esas obras y las mías sería tan delgada que acabaría por ser un mero copista. A diferencia del Pop, yo no uso los patrones de producción industrial con el fin de hacer obras de arte, sino más bien imito un objeto que no pertenece a la cultura elitista del arte contemporáneo. Imprimo sobre papel de revista, algo muy susceptible de ser desechado. Utilizo el offset y luego imprimo sólo una copia. Esto convierte a las copias en algo mucho más íntimo, deviene en algo similar al aura del que habla Benjamin en 'La obra de arte en la época de su reproductibilidad técnica”. Obras manufacturadas: "La manufactura propia implica varias cosas. Plásticamente ofrece la imperfección. Los peligros, imprevistos y sorpresas producen una calidad y una poesía única en cada pieza. Mentalmente implica la percepción del tiempo, un cara a cara con la obra en cada etapa de su elaboración, lo que me permite tomar conciencia de cada componente físico y conceptual".  

Del 16 de enero al 27 de marzo. Galería The Goma. Madrid.
www.thegoma.com


adneo Texto: MARIANO MAYER
Alex Van Gelder, Meat Portrait  2012
Alex Van Gelder, Meat Portrait  2012
Alex Van Gelder, Meat Portrait  2012
Alex Van Gelder, Meat Portrait 2012
A Alex Van Gelder el arte le arranca de las entrañas. Literalmente. Su exposición “Meat Portraits”, comisariada por la galería londinense Hauser & Wirth, hace acopio de una serie de fotografías tomadas en un matadero de Benin (África), en una visión brutalmente clínica en la que la rudeza de la carne cruda atrae y repele a un tiempo desde su organicidad translúcida,  desgarrada y fibrosa. Músculos una vez vigorosos se desmadejan flácidos al tiempo que incisiones sobre la piel dejan a la vista vísceras e incluso heces. Una realidad corpórea no apta para estómagos delicados, cuyo reverso conceptual propone una solapada reflexión sobre la transición entre la vida y la muerte.

Meat Portraits, de Alex Van Gelder. Hasta el 1 de marzo en Hauser & Wirth. 23 Savile Row. Londres. hauserwirth.com
Imagen/ Meat Portrait #024, 2012.
Texto: CARMEN COCINA

Este mes nos centramos en el UI Designer (User Interface Design). Una de las profesiones más ofertadas (y demandadas) que puedes encontrar en la sección ‘Job Offers’ de nuestra página web. Un práctico y gratuito tablón de anuncios, punto de encuentro de los perfiles más potentes del sector creativo, donde poder optar a las profesiones que marcarán nuestro futuro. Un mañana que nos hace reflexionar sobre el UI Designer como todo un profesional 2.0 que se vale del diseño y las herramientas informáticas más punteras para emplearse a fondo en su aventura más techie. Un profesional que se anticipa a las necesidades del usuario, creando apps o programas mucho más atractivos desde el punto de vista de su interfaz, y cuya interacción con el cliente se convierte en toda una experiencia intuitiva y rápida. Una labor para la que bebe del diseño gráfico, web, industrial, de software, o incluso de la ergonomía y con la que consigue crear, desde una simple aplicación móvil, a un completo programa informático para un avión de línea regular. ¿Te interesa?

Por: JAVIER ABIO, RUBÉN MANRIQUE, RAMÓN FANO,  
TERE VAQUERIZO Y JOSÉ BELLO Texto: MANU ROMERO

SISLEY Total Look Primavera Verano 2014 www.sisley.com
SISLEY Total Look Primavera Verano 2014 www.sisley.com
JUANA MOLINA “Wed 21” (Crammed Discs)
SONY Smartphone XPeria Z1 Compact:
Una cámara Sony dentro de un móvil resistente
al agua www.sonymobile.com

Andy Martin Block A. De la serie California Sunshine.
NIXON Reloj Modelo
The Cannon www.nixon.com

BIOTHERM Nuevo Skin-Best Eyes,
Cuidado Integral Antifatiga Ojos, Combate Ojeras,
Líneas de Expresión y Bolsas. www.biotherm.es

Silla Koker Diseño Atelier Van Lieshout para Lensvelt. www.lensvelt.nl
Silla Koker Diseño Atelier Van Lieshout para Lensvelt. www.lensvelt.nl
Silla Koker Diseño Atelier Van Lieshout para Lensvelt. www.lensvelt.nl
Silla Koker Diseño Atelier Van Lieshout para Lensvelt. www.lensvelt.nl
RALPH LAUREN Bolso Hombre Primavera Verano 2014 www.ralphlauren.com
Tanto si eres un recién iniciado, como un entregado consumidor de apps y programas para tu móvil, ordenador o cualquier otro dispositivo del estilo, habrás podido observar cómo tu paso por Amazon, Instagram, Facebook, Flipboard o incluso Twitter mejora por momentos en apariencia, itinerancia y básico funcionamiento. Actualmente diseños como los de Windows 8, Pinterest, la red de alquiler de espacios Airbnb o incluso la app HQ 2.0, que los chicos de Assembly Co. han ideado para rediseñar tu agenda diaria, demuestran que lo atractivo, fácil y rápido son los ingredientes para una fidelización inmediata. El objetivo principal del profesional que nos ocupa este mes es el de mejorar esa interacción, haciendo de la experiencia virtual algo sustancialmente menos complejo. Una primera necesidad para la que se vale tanto de elementos físicos o hardware, como de otros más lógicos o software, sin olvidar la ley máxima enunciada por Steve Jobs: “el diseño no es únicamente apariencia o las sensaciones que pueda llegar a despertar, sino que es, ante todo, funcionalidad”. No tendríamos que obviar, por tanto, aquellas app que no nos entren a la primera, ya que quizá desde el punto de vista o nivel UI (interfaz de usuario) puede que sean la bomba. Pues bien, nuestro profesional del mes es el encargado de aunar ambos intereses y hacer del producto algo perfecto desde el ‘continente’ al ‘contenido’. Si tú, como UI Designer, quieres hacer de oro toda app o sistema que toques, cual Rey Midas de lo virtual, deberás facilitar al usuario sus tareas, que no haya nada que le distraiga, que el diseño en cuestión mantenga las opciones y herramientas necesarias para completar rápidamente la rutina a realizar, que informe de los cambios, acciones, interpretaciones o incluso errores que se deriven de la actividad de manera simple, que todo ello se contemple en un diseño tolerante y flexible y que disminuya la gran amalgama de obstáculos que puedan torpedear la actividad del que teclea, pincha o trastea sin más. En definitiva, un profesional que sepa dar con ese diseño coherente, preparado para que ante todo sea lo suficientemente intuitivo para que el Sr. Usuario no quiera, ni pretenda, dejar de utilizar sus servicios, todo el rato y sin medida.
Emilio Garcia Carrara Marble Skull Brain. 2013.
L-Original Campana extractora
diseño de Elica Design Center. www.elica.com

NOVELLER “No Dreams”
(Important Records)

BOMBAY BICYCLE CLUB
“Luna” (Vagrant Records)

Fernanda Gomes Untitled, 2008. Cortesía de la artista
y  Galería  Luisa Strina. Foto: Edouard Fraipont.

COSTUME AND COSTUME Total Look
Primavera Verano 2014 www.costumenational.com

COSTUME AND COSTUME Total Look
Primavera Verano 2014 www.costumenational.com

Bolso Diorific en Piel Python Brillante
con Insignias Colección Primavera Verano 2014
www.dior.com

UNITED NUDE Flex Derby Fossil Navy
Primavera Verano 2014 www.unitednude.com

CAMPER Colección Camper Together
Romain Kremer Primavera Verano 2014
www.camper.com

DIOR Gafas Modelo SoReal
Colección Primavera Verano 2014
www.dior.com

El interés por convertirse en UI Designer ha crecido tanto como las ganas de que Bowie vuelva a dar una gira mundial,  pero ¿tienes el perfil idóneo? Se necesitan personas despiertas, con facilidad para comunicarse, que dominen Internet como las calles de su barrio, divertidas, con imaginación y que no teman experimentar a favor de la felicidad del usuario o a trabajar en varios proyectos a la vez. Desde el punto de vista académico y después de haber cursado la especialidad de Diseño Gráfico, dentro de la titulación de Grado en Diseño impartida en las mejores universidades de nuestro país, el nuevo profesional tendrá que demostrar que se familiariza con el lenguaje HTML y CSS, que tiene nociones de Photoshop, y no únicamente a nivel dummie y que entiende de tipografía, para no perder en ningún caso ese ritmo vertical que conducirá su proyecto al éxito. Un UI Designer que se precie también tendrá que ser un experto en el uso del color, porque nuestro profesional debe saber dónde y cuándo utilizarlo. También debe entender cómo dar unidad al producto para que el usuario no caiga en la frustración, conocer las leyes básicas de la maquetación o diagramación (si esto no lo sabe ya, apaga y vámonos), dominar los principios básicos de la usabilidad, simplificar y beber de diseños web everywhere (echa un vistazo a apps como Meter.me, para crearte una rutina deportiva o Grid, encargada de organizar toda la información de tu móvil en una gráfica guía de viaje) y básicamente ser todo un experto en diseño digital, es decir, saber diferenciar una página online, de una aplicación para Internet, móvil, para el escritorio de tu ordenador o para cualquier otro dispositivo. Si aún te queda algún tipo de duda de si eres el candidato perfecto, el perfil idóneo para este oficio del futuro, lo sentimos, no serás nunca un buen UI Designer, ya que este profesional, adelantado hasta en eso, no se lo pregunta, tiene claro que lo es desde el principio. Para prueba, su gran máxima: ‘Get your thinking clean to make it simple”. Así de sencillo.
Headphones Diseño de Loisson de Guinaumont.
Proyecto final carrera ECAL www.ecal.ch

CAMPER Pelotas  Primavera Verano 2014
www.camper.com

VANS Zapatilla Tesella (Preweave)
Colección Primavera Verano 2014
www.vans.com

WASTBERG Lámpara W132,
diseñada por Nendo. www.wastberg.com

LOUIS VUITTON Total Look Colección Crucero 2014
www.louisvuitton.com

LOUIS VUITTON Total Look Colección Crucero 2014
www.louisvuitton.com
LOUIS VUITTON Total Look Colección Crucero 2014
www.louisvuitton.com

Total Look ANTONY MORATO www.morato.it
Fotografía: ERNESTO ARTILLO
Texto: MANU ROMERO

Estilismo: IIGNAZIO ARIZMENDI
Maquillaje + Pelo: RAQUEL ÁLVAREZ (NYC) para Aveda
Asistente fotografía: IRENE BENITO BONASTRE
Plató: Addict Studios www.addictstudios.com

Actor: Jan Cornet @ Agencia Kuranda www.kurandaweb.com

Tímido y relajado, así encontramos al actor Jan Cornet. A sus recientes colaboraciones en películas como ‘Por un puñado de besos’ y ‘Perdona si te llamo amor’ añade ‘Sonata para violonchelo’, de Anna Bofarull, que empieza a rodar este mes y para la que se convierte en aprendiz de músico de una profesora con fibromialgia. Reservado y muy interesado por propuestas como ‘el cine a 3 euros’, se le escapa un dato: “Hago una lasaña de ceps de fliparlo”. Toda una caja de sorpresas que ahora dedica su tiempo libre a leer la biografía
de John Cassavetes.

Top ANTONY MORATO www.morato.it
Camisa ANTONY MORATO www.morato.it
CÓMICO: “La vida me llevó a convertirme en actor, en cómico, como dicen los Bardem, cuando llegué a los 18 y no sabía qué hacer. Tras mi papel en ‘La Noche del Hermano’ junto a Pablo Rivero, mi vida empezó a tener rumbo. Fui a Madrid y me matriculé en la escuela de Juan Carlos Corazza. Así empezó todo hace 8 años”.
MADRID / BARCELONA: “El destino hizo que me mudara de Terrassa a Madrid donde comencé a crearme una ‘familia’. Nuestra profesión es incierta y necesitamos tener gente que nos entienda. En Barcelona disfruto paseando por el Borne y ahora que tenemos el carril bici, cualquier lugar es bueno para perderse. En Madrid, no hay mejor plan que estar con un pincho de tortilla, una cerveza y un libro en ‘El Rincón’ de la calle Espíritu Santo”.
ALMODÓVAR: “En todos los trabajos hay un antes y un después y puede que mi trabajo con él fuera el más exitoso de mi carrera hasta ahora, pero al fin y al cabo supone una experiencia más que completa mi perfil como actor. Pedro sabe exprimirte, pero no es verdad lo que dicen de que es duro y exigente hasta el maltrato. Conoce la manera de hacer que sus actores consigan transmitir lo que él quiere. A mí, por ejemplo, me gusta poder experimentar en mi vida diaria con el personaje, no ir simplemente a tal o cual escena”.
DIRECTORES: “Quiero pensar que los directores con los que he trabajado me aprovechan al máximo, si no ¡qué gracia! He trabajado con muchos y muy buenos y todos han sacado una parte del actor que hay en mí. Me encantaría trabajar con Coixet, Fernando León, Martínez Cuenca, Haneke, Lars Von Trier, depende de lo que tuviera que hacer, y otra vez con Almodóvar. Le deberíamos preguntar si quiere volver a trabajar conmigo”.
FAMA: “Es algo que uno no puede controlar, me parece peligrosa y opaca. Es un caramelo, pero no deja de ser engañosa. La vida del actor es una montaña rusa. Cuando tienes trabajo eres actor, pero cuando llevas 6 o 7 meses sin trabajar, ¿qué es lo que eres?”.
CULTURA: “Propuestas como el ‘cine a 3 euros’ son tremendamente interesantes. En España se debía implantar el tema de tarifas planas, bonos mensuales para ir al cine o descuentos para familias. Que con estas iniciativas se den cuenta los políticos que no es que la gente no quiera ir al cine, sino que los precios son prohibitivos. A pesar de la situación económica que tenemos, siguen existiendo muy buenos trabajos por hacer”.
COCINA: “Mi abuela me despertó lo sentidos en la cocina. Me encanta trastear, dedicarle tiempo, comprar en el mercado y cocinar con música. Me gustaría abrir un bar como ‘El Rincón’ o ‘La Bicicleta’. ¿Vendrías?”.
ESTRENOS: “Tengo unas pequeñas colaboraciones en las películas ‘Por un puñado de besos’ y ‘Perdona si te llamo amor’ y ahora empiezo a rodar ‘Sonata para violonchelo’’, una película a la que le estoy tomando mucho cariño por el tema que trata: la fibromialgia, una enfermedad para la que de momento no parece haber cura”.



Cazadora ANTONY MORATO www.morato.it
Total Look ANTONY MORATO www.morato.it
texto: Tachy Mora
       Lo único bueno de una crisis como la que estamos viviendo es que va a servir para racionalizar desfases, reformar y actualizar la casa pública y por supuesto la particular de cada uno. Así, el gobierno de Rajoy ha hecho sus deberes; esos que el ‘paralizado por el miedo’ gobierno anterior no hizo. Bueno, para ser justos alguna cosa hicieron. Cómo olvidar la pretensión de Zapatero de querer hacer de la innovación el motor de la economía española y cargarse al mismo tiempo la única institución estatal de apoyo al diseño que había. En similar incongruencia nos encontramos tras la reciente reforma del sector eléctrico, a la que asistimos ya sin estupor, porque después de los tejemanejes con Bankia o el retroceso en los derechos al aborto poco o nada puede sorprendernos.
       Esta reforma, que actualmente se encuentra en trámite parlamentario, va a establecer un nuevo régimen retributivo para las instalaciones de generación de energía renovable. El caso resulta especialmente peliagudo para las instalaciones fotovoltaicas de particulares destinadas al autoconsumo, tanto que hasta ha originado un cachondeo generalizado mediático por el que hemos pasado a ser el único país en el universo que ha puesto un ‘impuesto al sol’. Esta simplificación de lo que está a punto de aprobarse por el gobierno tiene su origen en la inclusión en esta nueva normativa de un ‘peaje’ que se va a cobrar a los autoconsumidores de energía fotovoltaica. Las instalaciones de energía solar para consumo propio permiten hasta la fecha un ahorro en torno a un 20 % en la factura de la electricidad. La inversión media para realizar una instalación doméstica de este tipo es en la actualidad de unos 6.000 euros y, aunque elevada, el ahorro que supone sobre el consumo de la red tradicional permite amortizarla en unos 12 años. Con la reforma que está a punto de aprobarse, se tardará hasta 35 años en recuperar la inversión (sobrepasando además la vida estimada de estas instalaciones) dado que el autoconsumo de energía solar fotovoltaica va a pasar a estar gravado con lo que se ha venido a denominar ‘peaje de respaldo’. Se trata de una carga destinada al mantenimiento nacional del sistema eléctrico que se quiere aplicar también a quienes producen su propia energía por estos medios. Poco va a tener a partir de ahora de energía alternativa.
       Y eso que por el momento es del todo imposible ser 100 % autosuficiente energéticamente hablando. La energía solar es una alternativa complementaria. Quienes hasta ahora han optado ya por invertir en poner en su casa una instalación fotovoltaica, lo hacen en combinación con la red eléctrica tradicional. La tecnología actual y los picos de consumo domésticos no permiten aún a un hogar funcionar solamente con energía fotovoltaica. Necesitan la ayuda de la red tradicional en particular durante la noche, que es cuando se está más en casa. Por tanto, una instalación de energía renovable de este tipo permite por el momento hacer un uso menor de la red tradicional, y en consecuencia ahorrar, pero no un uso en exclusiva de la fotovoltaica para ser totalmente autosuficiente.

* WP: vatios pico, que es la unidad de medida de la potencia de un panel solar. Se llama pico en referencia al máximo que puede producir, ya que esta depende de la radiación solar que no es constante (amanecer, anochecer, nubosidad, etc.) La potencia en vatios pico de un panel es la que se puede obtener cuando incide una radiación solar de 1000 W/m² y las células están a 25º C.
       A efectos prácticos, en realidad se está penalizando a quien se produce su propia energía a través de fuentes renovables. Resulta rocambolesco e inverosímil en una sociedad cada vez más mentalizada con el ahorro energético y la sostenibilidad medioambiental. La peor de las consecuencias, si esta normativa sale adelante, será que ante la falta de rentabilidad los usuarios terminarán por continuar usando el sistema eléctrico tradicional. De alguna manera es lo mismo que ocurre con el riego en ciertas zonas de España. El precio de regar por inundación es tan barato en el medio agrícola en algunas zonas, que ciertos agricultores no ponen riego por goteo porque la inversión no les compensa. Consumir menos y hacer una gestión del agua más racional sale más caro, así que por comodidad para ellos o para su bolsillo siguen regando por inundación. Ante la oferta ¿cómo lo quiere usted, más barato o más ecológico? generalmente gana la primera.
       Esto mismo pasará con la energía solar fotovoltaica. El potencial consumidor se acomodará al sistema eléctrico tradicional si ve que las instalaciones verdes dejan de ser una alternativa mínimamente interesante para el ahorro. Para disuadir además a quien quiera escaquearse y hacer un uso de la energía solar fotovoltaica “fuera del sistema”, la nueva normativa a punto de aprobarse prevé que estas instalaciones han de estar obligatoriamente registradas. Si te pillan con el carrito de los helados de las placas solares sin registrar te enfrentas a una multa totalmente desproporcionada de hasta 60 millones de euros, según denuncia UNEF.

       Este ‘peaje de respaldo’ pretende sufragar, según el gobierno, los costes generales del sistema eléctrico, algo que ya pagamos todos los consumidores en nuestra factura junto con el consumo realizado. Es decir, que quien tiene una instalación fotovoltaica ya lo está pagando, pues por el momento no es 100% autosuficiente y tiene que hacer uso también de la red eléctrica tradicional. De modo que con este ‘peaje de respaldo’ los usuarios de esta tecnología pasarían a asumir por dos veces los costes generales del sistema. Según datos de la Unión Española Fotovoltaica (UNEF), se estima que en concreto podrían pagar hasta un 9 % más que aquellos que sólo hacen uso de la red tradicional. Pagarían más por usarla menos, con el añadido de tratarse de un gravamen a una energía limpia y renovable que se genera uno mismo con una instalación hecha por su cuenta.
** Ranking de solicitudes
de patentes españolas
en energias renovables periodo 2000-2012.
       Qué ironía que siendo un país que cuenta con el sol como parte de su identidad nacional pueda estar ocurriendo semejante enredo que va a paralizar el desarrollo que venía experimentando la energía solar fotovoltaica, que en los últimos cinco años además ha conseguido abaratar sus costes un 80 %. España había avanzado mucho en este campo, la propia industria en sí había crecido cuantitativa y cualitativamente hasta el punto de que en cuanto a I+D las solicitudes de patentes europeas de origen español supusieron entre los años 2000 y 2012 un 43,6 % del total en el ámbito de las energías renovables. Tenemos la fuente de energía de nuestro lado, una industria preparada y una sociedad altamente mentalizada con las energías renovables. Las directrices europeas apuntan hacia un desarrollo cada vez mayor, en sintonía con el impulso sostenido que ha posicionado a Europa como líder mundial en el desarrollo de la energía fotovoltaica. El mundo en general apunta hacia un desarrollo mayor. Según un informe publicado a principios de 2014 por Deutsche Bank, la energía solar va a pegar un importante pelotazo en los dos próximos años en zonas emergentes de Estados Unidos, China, Japón, India, Sudáfrica, México, Australia, Chile y algunas áreas de Oriente Próximo y el Sudeste asiático.
       Este cambio en la normativa va a paralizar el desarrollo de esta industria en España dramáticamente. Ya hemos sido de hecho amonestados por la Unión Europea. El vicepresidente del Parlamento Europeo, Alejo Vidal-Quadras, envió una carta el pasado noviembre al secretario de Estado de Energía, Alberto Nadal, en la que ponía de manifiesto que algunos aspectos de la reciente reforma energética son contrarios a varias directivas europeas y aseguraba que perjudican enormemente este tipo de actividad al imponerle un peaje de respaldo desproporcionado. Efectivamente es una reforma que no beneficia en absoluto a las energías renovables, pero, sin embargo, mucho al sector eléctrico, bloqueando la entrada en escena de competencia. Hacer los deberes rápido y atufando a trampas es tan malo como no hacerlos. Que ya nos sabemos en los consejos de donde terminan muchos políticos. Al menos el profesor, es decir la UE, se da cuenta. Sin embargo, esta amonestación y otras tantas surgidas en el ámbito nacional de poco han servido de momento y esta regulación va camino de ser aprobada en el parlamento. Quizá ya lo esté cuando este artículo se publique. Así que in extremis igual ya sólo nos queda preguntar a Bruselas si no tiene por ahí también para enviarnos a unos ‘hombres de verde’ que arreglen este desaguisado, por favor.
Total Look Colección Icônes Primavera Verano 2014 LOUIS VUITTON www.louisvuitton.com
Total Look Colección Icônes Primavera Verano
2014 LOUIS VUITTON www.louisvuitton.com
Total Look Colección Icônes Primavera Verano 2014 LOUIS VUITTON www.louisvuitton.com
Total Look Colección Icônes Primavera Verano
2014 LOUIS VUITTON www.louisvuitton.com
+ Riñonera Pre-Colección Primavera
2014 LOUIS VUITTON www.louisvuitton.com

Fotógrafo: GERMÁN ALEMÁN
Estilista: JUAN MARTÍN + LEYRE SÁNCHEZ Artista Digital: GRA TRUVIER
Maquillaje + Pelos: NAOMI GAYOSO (N.Y.) para Inglot Cosméticos Barcelona
Asistente Maquillaje & Pelos: CRISTINA GARCÍA
Modelo: YARDEN @ UNO Models

    El concepto de formalidad en la moda masculina evoluciona actualmente en los vestuarios de los gimnasios. Espacios donde conviven sedas, franelas y pieles, con microfibras de poliéster, gore-tex y elastanos. Hoy, al igual que ha ocurrido a lo largo de la historia de la moda, las prendas de acción siguen conquistando al hombre que con cautela las va incorporando en su vestir cotidiano. Un proceso lento, pero sin pausa, cuyo fin es integrar los códigos de acción deportiva en el vestir formal sedentario. Un fenómeno que no es consecuencia de la funcionalidad y comodidad del sportswear, sino del deseo masculino de representar a un hombre de acción, cuánto más súper héroe, mejor. Esto no es nuevo. En el siglo 17, los atractivos mercenarios croatas lucían pañuelos de colores en el cuello, dando origen a la corbata, hoy en día elemento clave del buen vestir contemporáneo. Otro ejemplo, es el elegante zapato Oxford en la modalidad punteada brogue, cuyas raíces son los rudos campesinos irlandeses que hace siglos agujereaban el calzado para que sus pies no estuvieran constantemente mojados. Posteriormente, este original diseño fue adoptado por los guardabosques ingleses, y los aristócratas que iban a cazar con ellos terminaron copiándolo, y de ahí a su entrada en el siglo 19 al campus universitario hubo un paso. En este maratón hacia la formalidad, ¿quién dice que las mallas y las zapatillas no correrán la misma suerte que los uniformes militares, la ropa de trabajo o el vestuario outdoor?
Abrigo ETXABURU www.facebook.com/etxaburu
+ Mallas REEBOK www.reebok.com
Sudadera HERNO www.herno.it
+ Pantalón ASSAAD AWAD assaadawad.prosite.com
+ Zapatillas REEBOK www.reebok.com
Camiseta CLOSED www.closed.com
+ Pantalón ASSAAD AWAD assaadawad.prosite.com
+ Mochila BERSHKA www.bershka.com
Falda PACO VARELA www.facebook.com/pacovarela.shop
+ Mallas & Zapatillas REEBOK www.reebok.com
Sudadera BERSHKA www.bershka.com
+ Pantalón POL www.pol-dsgn.com
+ Mallas REEBOK www.reebok.com
Stefan Diez sentado en la tumbona de la colección Tropez diseñada para la firma española Gandia Blasco.
Debe ser tedioso que cada vez que hablen de ti saquen a relucir que en una etapa de tu vida -más cercana a los inicios de tu trayectoria profesional que a la actualidad- trabajaste como asistente de Richard Sapper y en el estudio de Konstantin Grcic. Pero es que Stefan Diez tuvo esta gran suerte, o desgracia, y sería un error privar al lector de esta indispensable referencia. Sobre todo porque Stefan ha sabido cómo hacer su propio camino. No está en estas páginas por Sapper o Grcic, sino por el trabajo bien hecho para firmas como Moroso, Thonet, Hay o la española Gandia Blasco. Y en especial por las colecciones de mobiliario que ha diseñado para E15, su trabajo más redondo hasta la fecha. Mientras hablamos por teléfono, alguien juega al ping pong en el estudio y se oyen de fondo voces de niños. El ambiente resulta de lo más relajado. Y su cabeza y discurso están tan bien amueblados como cabía esperar.
             ANTECEDENTES: “Crecí en Freising, una pequeña ciudad muy cercana a Munich. Es una población muy antigua, de las más antiguas que tenemos en Bavaria y está muy influenciada por Munich, es prácticamente uno de sus suburbios. Parte de su universidad está ubicada allí y también el obispo de la región. Mi padre nació en Freising y mi madre es de otro pueblo cercano más pequeño. Tras graduarme en la escuela secundaria, cuando tenía 19 años me mudé a Stuttgart para formarme como ebanista”.

             EBANISTERÍA: “En mi familia hay una larga tradición de carpinteros, tanto en la familia de mi padre como en la de mi madre. Estudié Ebanistería porque yo, o mejor dicho mi familia, tenía planeado que algún día tomara el testigo de mi padre. De hecho le ayudaba en su negocio desde que era pequeño. Si tu padre trabaja en una oficina, cuando eres un niño resulta algo muy abstracto. Pero nosotros vivíamos en el centro de la ciudad y su taller estaba debajo de nuestra casa. Para un niño, un taller es un sitio idílico, todo lleno de herramientas por explorar... Pero aparte, me resultaba fascinante ver cómo mi padre tenía una idea y después la ejecutaba con sus empleados en el taller. En la actualidad resulta incluso mucho más fascinante, dado que los procesos de producción están mucho más fraccionados y globalizados, por lo que prácticamente el trabajo se limita a hacer pedidos y a ensamblar. Mi padre, sin embargo, me llevaba con él cuando iba a entregar sus piezas o a comprar barnices, máquinas y madera, y me explicaba qué era mejor para según qué cosa. Le admiraba mucho entonces y ahora”.

             VENTAJA: “Haber tenido esta formación, creo que influencia mi manera de abordar la calidad de una pieza como diseñador, y por supuesto también como artesano. Te hace apreciar las cualidades tradicionales de un trabajo en madera y te genera curiosidad por explorar nuevas posibilidades ligadas a nuevos procesos industriales o a un nuevo material. Además, puedo diferenciar claramente los diferentes materiales utilizados en la elaboración de un diseño en madera, si se ha hecho por un profesional o con prisa. Veo rápidamente los problemas de industrialización que potencialmente puede tener un diseño. Esto ha sido sin duda una formación previa muy importante para el desarrollo de mi profesión actual”.


Su estudio-taller forma parte de su casa y se encuentra ubicado en una nave al otro lado del jardín.
             INFLUENCIAS: “En Stuttgart hay dos escuelas de Arquitectura, estuve bastante tentado... De hecho me escapaba muy de vez en cuando de la escuela de Ebanistería a la de Arquitectura para poder entender si tenía sentido estudiar Arquitectura después. Uno de mis primeros jefes me ayudó mucho a dilucidar lo que quería hacer profesionalmente en el futuro y cómo. Cuando estaba en la escuela de Ebanistería trabajaba en prácticas en el estudio-taller de diseño de interiores de Ursula Maier. En Alemania estas prácticas son parte obligatoria del programa educativo. Ella se había formado en sus inicios como ebanista pero dirigía este estudio como arquitecta. A través de ella pude entender cómo un arquitecto integra el mobiliario en sus proyectos, obteniendo así mis primeras nociones en composición y escenografía. Fue Ursula Maier la que me puso en contacto con la academia de Bellas Artes y Diseño de Stuttgart y quien me indujo a explorar qué era lo que realmente quería hacer en el futuro”.

             RICHARD SAPPER: “Ha sido la segunda gran influencia que he tenido, en concreto desde mis estudios y hasta ahora. Cuando finalmente me decidí por estudiar diseño en Sttutgart, Richard Sapper era profesor de diseño industrial allí; de hecho fue mi profesor. Su principal ocupación era por supuesto su estudio en Milán, a través del cual trabajaba en el diseño de una variedad de productos extremadamente versátil que iban desde accesorios hasta diseño industrial y mobiliario. Cuando se retiró como profesor de la escuela de Sttutgart me preguntó si quería ser su asistente en uno de los proyectos que tenía en ese momento. Esto fue cuando trabajaba como director de arte para IBM como responsable de todos los productos de la empresa. Me involucró mucho y muy intensamente en el proyecto, en el diseño y en las reuniones, como por ejemplo la reunión anual con todos los departamentos de diseño de IBM. Me resultó algo increíble ver cómo era capaz de orquestar aquel enorme equipo integrado por diseñadores de todo el mundo, en un momento en el que Internet no estaba tan desarrollada como ahora. Me siento muy afortunado de haber vivido aquella experiencia, en concreto porque entendí lo que significa el diseño en realidad, más allá del a veces irrelevante y ridículo mundo del diseño de mobiliario”.
            SHOCK: “Todo el mundo habla ahora de las gafas de Google como si fuera algo nuevo. Pero en el estudio de Richard Sapper estábamos trabajando justo en eso hace quince años. Era un proyecto muy interesante y tecnológicamente muy futurista, se parecía mucho al proyecto actual de Google. Pero Sapper e IBM lo rechazaron porque les parecía que quedaban fatal y que se tenía incluso un aspecto estúpido con eso puesto”.

            INDIA: “Cuando terminé mi formación como ebanista y antes de empezar a estudiar diseño industrial, pasé aproximadamente un año haciendo la prestación social sustitutoria del servicio militar y otro en India. Esto surgió porque uno de mis mejores amigos en la escuela de ebanistería era de allí. Su padre tenía un taller en Pune, como el del mío, y me invitó a ir para ayudarles a re-organizar el negocio. Fue muy interesante como experiencia personal y también yo creo que su cultura y tradiciones me influenciaron mucho en el plano profesional, por ejemplo en el uso del color y de ciertos materiales. Todavía voy muy a menudo a India, incluso con mis hijos y mi mujer Saskia. Estoy muy en contacto con mi amigo y su familia, hemos hecho proyectos juntos y todo”.

            HONESTIDAD: “Esto de ser honesto con tu trabajo es una de esas frases que se ha puesto de moda y se está abusando demasiado de ella, no sólo en el mundo del diseño industrial sino en todos: en el de la moda, los músicos, artistas… todo el mundo aboga por la honestidad, tanto que parece ya un slogan. Es una frase que suena muy bien pero que no tiene contenido, o que más bien se usa como recurso cerca de otras frases de similar connotación. Para mí, el trabajo del diseñador industrial está muy conectado con la cultura pues se materializa en una expresión física de nuestro tiempo, de nuestra generación. En este contexto, yo abogo por usar mejor la palabra concluyente, o decisivo. En mi opinión, y me refiero a no sólo como diseñadores, debemos mirar siempre al futuro de manera utópica, buscando cómo mejorarlo, y ser muy cuidadosos cuando miramos al pasado porque tendemos a terminar dando vueltas en círculo. Entiendo que convencer a la gente de ir hacia ideas nuevas es una lucha, pues hacer las cosas de una manera nueva resulta agotador y no es una garantía de éxito y superación. Pero aún así no entiendo el revival vintage que estamos viviendo. Me pongo muy crítico cuando veo a nuestra generación hacer cosas que en realidad son repeticiones del pasado, en lugar de estar buscando cuáles son las expresiones propias de nuestro tiempo. Hay demasiada reproducción…”
Butaca Eugene, diseño de 2010 para E15.
Lámpara Rope Trick, diseño de 2013
para la colección Wrong for Hay.
             CLIENTES: “Los buenos clientes pueden llegar a ser una fuente de inspiración fantástica, ayudan a resolver problemas e incluso hasta ofrecen alternativas cuando estamos atascados. Como diseñador, has de escuchar los argumentos que tiene tu cliente, sin tratar de llegar a acuerdos que te hagan renunciar a ciertas cualidades o aspectos fundamentales del diseño; esto me parece que es algo muy peligroso. Pero ser flexible es parte del trabajo, sobre todo cuando el fin es conseguir el mejor de los equilibrios entre las ventajas y las desventajas de un diseño. Así que con esto quiero decir que durante el proceso hay que ser muy paciente; es probablemente el mayor desafío, tanto para el diseñador como para el cliente y el presupuesto”. 

             FAMILIA: “El estudio está en el centro de Munich, cerca del río y del Museo Alemán, uno de los mejores lugares de la ciudad. Es parte de mi casa, solo que está al otro lado del jardín. Mi mujer Saskia, que es diseñadora de joyas, tiene su showroom justo enfrente y utiliza también nuestro espacio como estudio. De hecho incluso colaboramos en algunos proyectos juntos. Hemos hecho unos bolsos y yo le he diseñado su tienda y el packaging de sus piezas. Tenemos tres hijos de 4, 6 y 8 años. Por las mañanas están en el colegio pero llegan al estudio sobre las cuatro y media de la tarde. Normalmente nos saludan y se ponen a hacer los deberes arriba o a jugar fuera, pero a veces están también por aquí dando vueltas, por supuesto generalmente en el taller”.

             KONSTANTIN GRCIC: “Trabajé durante tres años con él cuando estaba estudiando diseño industrial en Stuttgart. Al graduarme fundé mi propio estudio. Él me apoyó un montón y yo lo aprecio mucho, nunca lo olvidaré. La presencia de alguien como Sapper y como Grcic en mi trayectoria inicial me ha llevado a ser extremadamente crítico con mi propio trabajo, e incluso también con el de ellos. Supongo que este es el precio que tienes que pagar cuando has tenido la gran suerte de dar tus primeros pasos con personas tan admiradas como ellos”.

             ESTUDIO: “Me puse por mi cuenta hace ahora ya diez años. En estos momentos somos cinco diseñadores, yo incluido, más un gestor del estudio y una persona en prácticas. Intento ser muy estricto con la organización del tiempo y del estudio en general. La organización de un estudio es ya de por sí un gran proyecto en sí mismo. Después de desayunar salgo generalmente a correr en días alternos y llego a la oficina sobre las nueve. Dedico un rato a contestar los e mails, otro a repartir el trabajo… pero la mayor parte del tiempo la empleamos en discutir los proyectos y ver los detalles de cada diseño con el equipo. Hacemos un par de pausas para tomar café y generalmente a la hora de comer salimos a un restaurante todos juntos. Terminamos sobre las siete y estamos muy alineados con la oficina de Saskia”.
            TIEMPO LIBRE: “Entre el estudio, mi familia y los amigos no tengo mucho tiempo para mí. El único momento que no comparto con alguien es básicamente cuando salgo a correr. Últimamente me paso los fines de semana construyendo una casa en un árbol para mi hija (las dos mayores son niñas) o los dedico a pasar tiempo con los niños en el taller. En verano me encanta ir con la familia a bañarnos en un río que tenemos cerca; en invierno, me gusta pasar los sábados delante de la chimenea del estudio. También disfruto mucho cocinando los fines de semana. El domingo es para los periódicos y un poco de trabajo en el estudio”.

            FUTURO: “Ahora mismo trabajo para algunas firmas con las que disfruto mucho, como E15 y Hay. Son empresas con las ideas súper claras, un perfil muy fuerte y con las que tengo muy buena comunicación. Trato de evitar aquellas empresas que no saben muy bien hacia dónde quieren ir o que no tienen entusiasmo. En el futuro, me gustaría hacer proyectos más relacionados con la arquitectura o con el diseño industrial que con el diseño de mobiliario. Creo que los diseñadores tenemos mucho que aportar, más allá de los productos para el ámbito del hábitat”.

            CAMBIOS: “En el mundo del diseño, en estos momentos estamos viviendo una gran transformación en cuanto a distribución y métodos de producción. En lo que se refiere a la producción, estamos trabajando cada vez más con máquinas que ya no emplean herramientas. Me refiero a las máquinas que trabajan por control numérico o que cortan por láser y por supuesto a las impresoras 3D. Estas máquinas producen cada vez con mayor calidad y reducen bastante los precios, así que están haciendo que la producción masiva de determinadas cosas esté en proceso de desaparecer. Dado que estas máquinas no necesitan herramientas, los diseñadores tampoco necesitan editores. Pueden auto-producirse. La cadena de ventas actual termina por inflar mucho los precios debido a la cantidad de intermediarios que hay. Los nuevos modelos de venta evitan la tienda física y utilizan Internet como canal de venta, apoyándose en servicios de mensajería relativamente accesibles y en la compra a través de tarjeta. Esto permite incluso a las firmas más pequeñas poder ofrecer sus productos internacionalmente a un precio aceptable y bien ajustado. La auto-producción es una de las tendencias más relevantes hoy en día. Por otro lado, veo que hay muchos productos que solamente tienen una vida virtual. Se dan a conocer a través de la red, hacen que sus diseñadores se hagan muy conocidos, en especial entre la comunidad de estudiantes, pero no existen. Son solo fotos o posts en Internet. Con esto los diseñadores no obtienen royalties, porque son productos que no se venden. Así que no hacen dinero con ello. Es el lado oscuro de este nuevo escenario”.
            RETO: “Los diseñadores nos encontramos en un punto un poco absurdo en el que según el sistema de distribución y ventas actual, así como los cambios que estamos experimentando en ingeniería y desarrollo de producto, está menos claro que nunca cuál será la contribución que tendrá el diseño de cara al futuro. Estoy muy seguro de que la forma de las cosas no será ya indicador de lo que es buen o mal diseño. Esto significa que tendremos que redibujar tanto el escenario como el perfil de la profesión en sí misma. Esto podría ser crucial para las nuevas generaciones que, a mis ojos, tienen una idea anticuada ya de lo que es el diseño”.

            CONECTAR: “Un fenómeno que me parece muy interesante es que el público general y muchas empresas no entienden muy bien las cualidades que aporta un diseñador a un producto, hasta tal punto que tienden a identificarlo con algo sobre-diseñado o manierista. A menudo lo reducen puramente a aspectos esculturales o a cualidades excéntricas, como en el mundo de la moda. En lo que se refiere al mobiliario y los accesorios, sería de gran ayuda una conexión más sólida y decisiva con la arquitectura contemporánea. La arquitectura, más que ninguna otra disciplina, ofrece un marco para los objetos de una época específica. Es un contenedor, a veces tan interesante como una película”.

            SOBREDISEÑADO: “No encuentro sentido a la proliferación de ciertos diseños calificados como súper vanguardistas, pero que nunca se materializan; son material de blogs y fondo fotográfico para las redes sociales. Yo creo que esto confunde a la gente sobre lo que es el diseño como profesión y arruina además el trabajo de quién lo hace”.

            PRECIOS: “Creo que con el precio de los productos, los diseñadores y productores podemos influir un montón en que nuestro trabajo sea más accesible, incluso cuando se usan materiales que de por sí ya son caros. De hecho, este es para mí otro de los retos actuales de la profesión: hacer buenos productos que sean accesibles no sólo para las clases privilegiadas”.

            VELOCIDAD MODA: “Pienso que el diseño industrial se ha metido un poco en una dinámica parecida al del mundo de la moda, viéndose forzada a presentar x piezas nuevas cada año. Los medios de comunicación están influyendo en ello, por supuesto. Pero no es su culpa. El reto estaría en usar este incremento en la eficiencia para incrementar a su vez la calidad, no la cantidad. Porque también podemos optar por trabajar durante más tiempo en menos productos que sean mejores que antes”.

 www.stefan-diez.com
Richard Artschwager, Exclamation Point (Orange), 2010.
© Richard Artschwager / VG Bild-Kunst, Bonn 2014.
Cortesía del artista, Gagosian Gallery y Sprüth Magers
Berlín Londres.
texto: MARIANO MAYER
            El artista americano Richard Artschwager (Washington, 1923 - Albany, 2013) que durante años se dedicó a descubrir las relaciones que los objetos de uso cotidiano eran capaces de portar, es para nuestro Guest Editor una fuente de inspiración. El tipo de modalidad artística llevada a cabo, permite  pensar en Richard Artschwager no tanto en un gran constructor como en un hacedor de válvulas de escape, capaces de dejar a un lado los convencionalismos que regían a la pintura y a la escultura. Los objetos con los que convivimos no solo proporcionaban para el artista un lenguaje de relaciones, sino que sus aspectos formales nos permiten conocer todo lo que podemos saber de ellos. La presencia objetual en su obra es tal que se le ha intentado ubicar en la filas del pop o del minimalismo, pero su trabajo  escapa de toda categoría de época, especialmente porque sus objetos participan por partes iguales del mundo concreto, la fantasía y el sentido del humor. En su primera exposición individual en la galería Leo Castelli (New York, 1965) señaló que quería hacer “objetos inútiles” que acentuaran nuestra atención a fin de poder replicar algo de ello en el universo de objetos  que nos podíamos topar al salir de la galería. Introducirse en esta lógica, donde un cubo es a la vez una mesa, una silla, una escultura y una imagen, permite empezar a detectar todo tipo de encuentros y relaciones visuales, allí donde depositemos la mirada. El vocabulario doméstico de Richard Artschwager no sólo se interesó en los objetos, sino en replicar los materiales con los que están construidos. La mayoría de sus muebles-escultura han sido realizados en formica y madera y muchos de ellos han sido revestidos de goma. Son piezas escultóricas que se pelean con los convencionalismos materiales y funcionales del arte. Un buen ejemplo de ello es “Piano”, una obra realizada con materiales funcionales y que a pesar de su apariencia no puede ser ejecutado. Jennifer Gross, la comisaria de su reciente gran retrospectiva en el Hammer Museum de Los Angeles, señala: “Richard había llegado a la conclusión de que el arte estaba tanto en la mirada como en la fabricación, de que el arte estaba en nuestra perspectiva de las cosas y no sólo en la artesanía. Si bien era un fanático realizador de objetos, estaba convencido de que sus esfuerzos a futuro se volcarían hacia las cosas para ser miradas”.
Richard Artschwager, Pianofart, 2008. © Richard Artschwager
/ VG Bild-Kunst, Bonn 2014. Cortesía del artista, Gagosian Gallery y Sprüth Magers Berlín Londres.
Tobias Rehberger. Vista de la instalación en el Palacio de Exposiciones de la Bienal de Venecia, 2009. Foto: Wolfgang Guenzel.
Tobias Rehberger. Cutting, preparing, without missing anything, and being happy about what comes next, 2009. Galerie Bärbel Grässlin.
Tobias Rehberger. Vista de la instalación en el Palacio de Exposiciones de la Bienal de Venecia, 2009. Foto: Wolfgang Guenzel.
Tobias Rehberger. Instalación en el Palacio de Cristal, Madrid. 2005
            Tobias Rehberger no solo es otro de los nombres que aparecen entre las listas personales de arte contemporáneo de Stefan Diez sino uno de los artistas con los que ha colaborado. “Black Box Lounge” es el café que Tobias Rehberger diseñó junto al estudio de Stefan para el recientemente inaugurado LEEUM Museum (Seúl). Un espacio entre psicodélico y geométrico, donde las líneas de color continúan en los muros, los suelos y las diversas piezas de mobiliario, aportando una serie de juegos ópticos, cuyo efecto hipnótico cautiva. No es la primera vez que Tobias Rehberger utiliza una zona utilitaria como un escenario donde desplegar nuevas formas de comprender y habitar el espacio. Como los juegos ilusionistas desarrollados para la 53ª edición de la Bienal de Venecia, que invadían suelos, techos, mesas y sillas y que convertían a un café en una obra de arte tan lúdica como compleja. Pero estos escenarios de modificación sobre los que el artista despliega toda una serie de estructuras escultóricas de distintas dimensiones, relacionadas con la autobiografía o con el propio acto creativo, en los últimos tiempos se han convertido en formas y estructuras artísticas  y han abandonado la idea de soporte. Obras y proyectos de estas características permiten habitar un lugar cuya lógica no podemos determinar. La pregunta sobre qué es un objeto y cuál es su función atraviesa cada una de sus piezas, por ello nada es lo que parece. Estas declaraciones de principios sobre la naturaleza de aquello que nos rodea adquieren diversas modalidades. Un probador para una zapatería adquiere función de lámpara y cuelga del techo, o una escultura circular de metacrilato negro con un iPod incorporado cargado con canciones de los Rolling Stones, es un homenaje a Martin Kippenberger. A su vez el artista ensaya distintos niveles de colaboración, uno de los más celebrados es una serie de retratos de artistas que realizó en 1995. Para llevarlos a cabo,  Tobias Rehberger le pidió a un grupo de sus amigos artistas que llevaran a la galería un ramo con sus flores preferidas. Una vez allí estas eran colocadas cada una en un florero diferente, diseñado por el propio artista, para componer cada uno de los retratos. En otra ocasión le encargó a una fábrica de Tailandia la construcción de coches (un Porsche 911, un MacLaren, un Mercedes o un Alpine Renault) diseñados a partir del esquema de un dibujo del artista, realizado de memoria.
Dark Dark Dark. Foto: Tod Seelie.
Chasing Mars
The Drums
texto: TEREVISIÓN RUIZ
            Los hábitos de consumo musicales de Stefan Diez son una buena muestra de la evolución de la música en cuanto a formatos de reproducción se refiere: “Al principio solía comprar vinilos, después cedés, más tarde empecé a utilizar iTunes y ahora escucho música vía Spotify o Daytrotter”. Como a casi todos nuestros Guest Creatives le gusta escuchar música mientras trabaja, asegura que todos en el estudio lo hacen, pero siempre utilizando auriculares, para no molestar y para que cada uno se concentre en lo suyo. Tiene un iPhone con el que también escucha música, sobre todo le gusta hacerlo cuando viaja en tren, pero nunca cuando camina por la calle o sale a correr. Cuando vamos afinando más y empezamos a preguntarle cuáles son los últimos discos que ha comprado, nos damos cuenta de que Stefan está bastante puesto en lo que a música contemporánea se refiere: “Los últimos discos que he comprado han sido de Boogers, The Kills y Citizens”. Y añade toda esta lista de nombres a los grupos y artistas que está escuchando últimamente: “The Maccabees, Langhorn Slim, Jay Z, Jamie T, Notorious Big, Kanye West, Alt-J, AA Bondy, Boards of Canada, Fischerspooner, The Kooks, Bahamas, Allah-Las, John Talabot, New Order, Chromatics, The Vaccines, Wild Beasts, The Killers, Kasabian, White Lies, Colder, The Faint, Gravenhurst, Ratatat… y muchos más”. Cuando le preguntamos si conoce música española nos habla de Paco de Lucía, Manu Chao y Mano Negra, aunque dice que no es un tipo de música que escuche habitualmente.
Wild Beasts
Citizens
Black Keys.
Foto: Danny Clinch.
Blood Orange.
Foto: Shawn Brackbill.
“Toqué el clarinete durante unos seis años. Hace ya bastante tiempo de eso, pero a mis hijos les fascina cuando lo toco de vez en cuando… soy como su héroe, es un gran público”. También nos cuenta que le gusta mucho disfrutar de la música en directo: “Me encanta ir a conciertos. Lo hago siempre que tengo la oportunidad de compaginarlos con el trabajo, la familia y demás. Recientemente tuve que viajar a Chicago y fui a un concierto de un grupo del que no había oído hablar, Chasing Mars. Tocaban junto a otras jóvenes bandas de la zona y me gustaron bastante. Llegué allí un poco por casualidad, escapando de la horrible música mainstream del centro de la ciudad”. Para terminar, le pedimos a Stefan alguna recomendación musical, y nos contesta con algunos de los grupos que aparecen en su última playlist: “Bahamas, Black Keys, Blood Orange, Dark Dark Dark, The Drums y Esser”.
Está claro que no sabe que John Talabot, uno de los artistas que ha nombrado anteriormente, es español, pero no se lo vamos a tener en cuenta porque es un error bastante común. Stefan nos sorprende también con sus habilidades musicales:
Stephan Schneider.
Colección Primavera Verano 2014.
Stephan Schneider.
Colección Primavera Verano 2014.
texto: CARMEN COCINA  fotos: JOACHIM MUELLER-RUCHHOLTZ modelos: Tommorow is Another Day + Silent Models Paris + Viva Models Paris
Quien maneja la conciencia de moda en el armario y la maleta de Stefan es su mujer, la diseñadora de joyas Saskia Diez, responsable también de Silver Parfume, la fragancia que acompaña a nuestro Guest Creative. Una influencia muy positiva a juzgar por lo que hay en su ropero: Stephan Schneider, Dries van Noten, Kitsune, Common Project, YMC, Adam Kimmel, Piere Hardy, Surface to Air, Comme des Garçons, Haltbar, y alguna pieza de Ayzit Bostan. Pero de entre todos, es Stephan Schneider su diseñador preferido. "Soy un gran fan suyo. Hace moda usable, distinta y precisa". Aprovechando su prescripción, entrevistamos al diseñador belga, cuya nueva colección, Floating Inflations, alude al carácter burbujeante
y desechable de la moda.

            PROVIDENCIA: “No soy de esos diseñadores que a los cuatro años jugaban a vestir a sus muñecas. Mi flechazo con la moda fue a los 16 años, cuando ingresé en un internado de Londres y descubrí revistas como i-D o The Face, que combinaban la cultura joven, el clubbing y la moda. Con ellas aprendí que muchos movimientos artísticos confluyen en la moda. Me hice gótico y luego mod, Vespa incluida. Eran los tiempos de la eclosión de la moda belga, y una de mis primeras compras fue una sudadera de Walter Van Beirendock. Al terminar el instituto tenía clarísimo que lo mío era la moda. Hice el examen de ingreso en Central Saint Martins y en Antwerp, y me decidí por la segunda porque había un vínculo más estrecho entre profesores y alumnos”.
Stephan Schneider.
Colección Primavera Verano 2014.
Stephan Schneider.
Colección Primavera Verano 2014.
Silver.
Perfume de Saskia Diez
           PARADOJA: “Creo que la moda debe ser exclusiva, ya que de ahí emana su singularidad, pero también que debe ser asequible para las masas, y que la moda es moda porque la gente la lleva. Soy a un tiempo testigo y objeto de esta contradicción. De hecho, en mi colección del pasado otoño me inspiré en las tiendas Ikea, uno de los buque insignia de la globalización: su olor, sus espacios… Utilicé los candelabros como símbolo de la fugacidad del presente: la vela apagada indica que el tiempo ha pasado”.

           FLOATING INFLATIONS: “Mi colección para este verano es una metáfora del carácter pasajero del valor de las cosas, especialmente en moda. Cada temporada, los medios magnifican, 'inflan' la moda como si fuera un globo, pero a los 3 meses los precios bajan un 50% y luego esas prendas desaparecen. También cuestiono si una prenda fabricada en Bélgica o de diseñador tiene mayor valor que una hecha en China o de Zara. Mi conclusión es que el origen no importa, sino la creatividad y la emoción: que la prenda sonría y tenga cara”.

           EVOLUCIÓN: “Todas mis colecciones incluyen elementos mejorados de la anterior. Me gusta dar a mis piezas una segunda vida, y creo que es una pena que no se le ofrezca esto al consumidor. Llevo años trabajando con los mismos tejidos y proveedores. Mi deseo es mantener un aura que me identifique, creando un presente perpetuo y contemporáneo temporada tras temporada”.

           FILIAS: “Mis diseñadores favoritos son los mismos a los que compro: lo último, un jersey de Marni. Diesel es otro de ellos, pero me fastidia que la individualidad sea absorbida por las grandes corporaciones. Mi independencia es lo más importante para mí”.

           HITOS: “Las primeras exposiciones de Jeff Koons y Matthew Barney: fascinantes. Yamamoto en mi adolescencia. Me empapo de algo durante un tiempo para después pasar a otra cosa. Este año, la Bienal de Venecia ha sido muy inspiradora”.

           PROYECTOS: “Ninguno. Odio los planes. Lo importante en cada momento es la colección: idear, diseñar, producir, vender y vuelta a empezar. Las colaboraciones y actividades paralelas son algo muy manido y disipan la atención. Llevo 18 años en esto y cada colección es para mí un nuevo logro”.

www.stephanschneider.be
Stephan Schneider.
Colección Primavera Verano 2014.
Stephan Schneider.
Colección Primavera Verano 2014.
Stephan Schneider.
Colección Primavera Verano 2014.
Tipo del mes: BORN / Tipografía diseñada por CARLOS DE TORO
  www.carlosdetoro.com  hello@carlosdetoro.com
Puedes descargártela gratis desde nuestra web:
www.neo2.es/magazine
Una vez allí entra en tipografía de regalo e introduce el código de descarga.
CÓDIGO DE DESCARGA: 0117_14JAN_0030

Fotógrafo: SEBASTIAN SABAL-BRUCE / Estilista: ANA DE GREGORIO

Maquillaje & Pelos: JOSÉ SEQUI / Asistente Fotógrafo: FACUNDO AGUIRRE
Modelos: SOFIA FISHER @ View Management + EMIL ANDERSSON @ View Management
Gracias: BARCELONA STUDIOS


Jersey H&M www.hm.com
Jersey DIOR Homme www.dior.com
Chaquetón G-STAR www.g-star.com
+ Jersey & Guantes CARHARTT WIP www.carhartt-wip.com
+ Pantalón SISLEY www.sisley.com
Abrigo GERARD DAREL www.gerarddarel.com
+ Pantalón DIESEL www.diesel.com
+ Zapatos DR MARTENS www.drmartens.com

Gafas SAFILO www.safilo.com
+ Jersey CALVIN KLEIN www.calvinklein.com
+ Pantalón H&M www.hm.com
Abrigo H&M www.hm.com
+ Camiseta DIESEL www.diesel.com
+ Pantalón ADIDAS Originals by Jeremy
Scott www.adidas.com
+ Zapatos CALVIN KLEIN www.calvinklein.com
Camiseta H&M www.hm.com
+ Cazadora SANDRO www.sandro-paris.com
Abrigo & Zapatos HERMÈS www.hermes.com
+ Leggins H&M x David Beckham www.hm.com
Abrigo & Zapatos BURBERRY Prorsum www.burberry.com
+ Pantalón DIOR Homme www.dior.com
Camiseta DIESEL www.diesel.com
+ Falda & HERMÈS www.hermes.com
+ Cinturón LOEWE www.loewe.com
Abrigo SANDRO www.sandro-paris.com
+ Jeans G-STAR www.g-star.com
+ Zapas CONVERSE www.converse.es
Abrigo LOUIS VUITTON www.louisvuitton.com
+ Jeans DIESEL www.diesel.com
Sombrero vintage
+ Camiseta H&M www.hm.com
+ Camisa LEVI’S www.levi.com
+ Pantalón DIOR Homme www.dior.com
+ Zapatos BURBERRY Prorsum www.burberry.com
Abrigo HERMÈS www.hermes.com
+ Camiseta H&M www.hm.com
+ Chaqueta SPORTMAX www.sportmax.com
+ Falda MAX MARA www.maxmara.com
Todo LOUIS VUITTON www.louisvuitton.com
+ Zapatos DR.MARTENS www.drmartens.com
Gafas SAFILO www.safilo.com
+ Camiseta H&M www.hm.com
+ Chaqueta ELEVEN PARIS www.elevenparis.com
Todo HERMÈS www.hermes.com
Top LOEWE www.loewe.com
+ Falda DIOR www.dior.com
Gafas SAFILO www.safilo.com
+ Vestido BURBERRY Prorsum www.burberry.com
+ Zapatillas NIKE www.nike.com
Pantalón PEPE JEANS LONDON www.pepejeans.com
El sueño de todo
editor hecho realidad
//www.onditer.com
Es fácil,
versátil,
potente y
económico.
Pensado para la
realización de
revistas u otro tipo
de publicaciones
periódicas.
Onditer es el
sistema más novedoso
del mercado para
la creación de
publicaciones digitales
en tablets.


PELOS: MATT BENNS PARA
SANS [CEUTICALS] NZ sansceuticals.com
MAQUILLAJE: CHARLOTTE HOUSTON-LOWE
PARA SMASHBOX NZ smashboxcosmetics.co.nz
ASISTENTE FOTÓGRAFÍA: KERYN SWEENEY
ESTUDIO: KERYN SWEENEY
MODELOS:
KRYSTIAN HEATH + NICK REID
+ ANDREY SUKHOMLINOV + ROCHELLE
LIANA + MONICA CRONIN + LYDIA GRACE
+ HANNAH CHAPMAN @RED11NZ
FOTÓGRAFÍA: MAREEA VEGAS mareeavegas.com
ESTILISMO: DYLAN RICHARDS & SEBASTIAN MCGIRR HUNT
Modelo: Hannah Chapman
Abrigo TOM PRESS
Modelo: Monica Cronin
Camiseta y pantalón STOLEN GIRLFRIENDS CLUB www.stolengirlfriendsclub.com
Modelo: Nick Reid
Modelo: Andrey Sukhomlinov
Camiseta ZAMBESI www.zambesi.co.nz

Modelo: Andrey Sukhomlinov
Camiseta sin mangas STRANGE LOVE www.strangelove.co.nz
Modelo: Lydia Grace
Camisa y falda ZAMBESI www.zambesi.co.nz
Modelo: Rochelle Liana
Sujetador LONELY HEARTS www.lonelyheartslabel.com
Modelo: Andrey Sukhomlinov
Camisa ZAMBESI www.zambesi.co.nz
+ suéter THISTLE BROWN www.thistle-brown.com
Modelo: Monica Cronin
Chaquetón y pantalón KAYLA JURLINA
Modelo: Krystian Heath
Camisa ZAMBESI www.zambesi.co.nz
+ chaqueta STOLEN GIRLFRIENDS CLUB www.stolengirlfriendsclub.com
La nueva aplicación móvil de Neo2 te ofrece acceso a las constantes
novedades creativas y laborales del blog. Noticias sobre moda, arte, música, decoración, arquitectura, gastronomía, tecnología y, lo más importante, acceso
a la nueva sección “job offers”, con ofertas de trabajos creativos.
Una aplicación para ti, que te mueves, y para smartphones Android e iPhone.
Descárgatela gratis en Apple Store o Play Store, y muévete.
Es lo más nuevo en peluquería. Un estilo inspirado en las costas de fuerte oleaje, donde las olas te tumban sin cesar en la orilla. Y cuando por fin te levantas, sonriente y desorientada, ni te enteras de que has perdido alguna de las partes del bikini. Finalmente, cuando crees que has superado el número de la playa, llegas a casa, te miras al espejo, y ves que tienes la cabeza llena de algas. No te preocupes. Ahora es tendencia. Lo vimos en el desfile Primavera Verano 2014 de Marchesa.

Por Mongómeri. Foto: Estrop / Frances Ten

Tom Dixon. Mathematician. www.tomdixon.net
Tom Dixon. Mathematician. www.tomdixon.net
Carpetas Plissé. www.hay.dk
Complementos para oficina de Hay.  www.hay.dk
Parece que algunas empresas de mobiliario han descubierto en objetos de pequeña escala una nueva vía de trabajo y de ingresos. Es el caso de Tom Dixon que el año pasado lanzó Eclectic, una línea de complementos, a la que pertenece este kit de escritorio Mathematician. Otro ejemplo es la empresa danesa Hay que fue una de las pioneras en investigar esta tipología de productos. Carpetas, cuadernos, cajas de cerillas, reglas, llaveros, bolígrafos, todo vale si el precio es atractivo y el diseño aporta algo especial.

Por Javier Abio
www.tomdixon.net   www.hay.dk
Más allá de los grandes países productores de música, véase Reino Unido y Estados Unidos, también hay vida. Australia y Nueva Zelanda llevan ya tiempo dándonos grandes alegrías. Si nos centramos en este último país, tierra de Hobbits, encontramos grandes ejemplos, como Connan Mockasin, Unknown Mortal Orchestra, Lorde o The Phoenix Foundation. La variedad musical neozelandesa es tan amplia y rica como su maravillosa y salvaje naturaleza. Para muestra, Orchestra of Spheres, este divertido grupo de la imagen, que acaba de publicar su segundo álbum: “Vibration Animal Sex Brain Music” (Music Fire). Dicen de su música que es como “a surreal road-trip through a hyper primal, fuzzed-out, synth laden, garden of Eden”. Nosotros, para resumir, lo llamamos “Kiwi Sound”. A Bilbo Bolsón le encantaría.

Por Sofía Dos Santos
www.orchestraofspheres.com

Desde que en 2005 el estudio suizo Big-Game inundara los blogs con sus cabezas de caza creadas con madera plywood, han pasado muchos años, pero el mundo de los trofeos de caza sigue y sigue creciendo. El último que ha aparecido en el mercado es este Ooga-Booga creado por el diseñador holandés Bertjan Pot y producido por la editora francesa Moustache. Un trofeo de un animal imaginario, un cruce entre un rinoceronte y un toro convertido en un perchero.

Por Javier Abio
www.moustache.fr

Marlon de Azambuja, Brutalismo, 2013. 
Imagen cortesía de Galería Nuble.

Lámpara Ball Clamp. Diseño
de Dieter Volkers. www.dietervolkers.nl

Un objeto tan aparentemente sencillo como un gato de carpintero puede convertirse en parte de una instalación artística o en una pieza de mobiliario contemporáneo. Recientemente hemos visto gatos de carpintero sujetando lámparas o convertidos en patas de mesas. Darle un uso diferente a los objetos cotidianos es una tendencia en alza.  En la obra de la imagen, el artista brasileño Marlon de Azambuja, actualmente exponiendo en la Galería Max Estrella de Madrid, ha utilizado también el gato de carpintero como herramienta para llamar  nuestra atención sobre el impacto cultural y estético de la arquitectura y el urbanismo en las grandes ciudades.


Por: Sofía Dos Santos y Rubén Manrique
Marlon de Azambuja, Brutalismo, 2013.  Imagen cortesía de Galería Nuble.
Kit Neale Colección Otoño Invierno 2014-15. www.kitneale.com
Kit Neale Colección Otoño Invierno 2014-15. www.kitneale.com
Siempre se ha pensado que estos pequeños y alegres seres de la mitología nórdica habitaban solo en bosques. Sin embargo, ciudades como Londres comienzan a ser testigos de su presencia. Aunque han modernizado algunos aspectos de su indumentaria, seguro que les identificas con facilidad por sus reminiscencias alpinas en su calzado, los gorros con los que siempre cubren sus cabezas o los coloridos estampados de sus ropajes. Por cierto, estos siempre con temática animal y mucha botánica, quizás como recuerdo de sus queridos bosques. Kit Neale es una de sus firmas preferidas a la hora de vestir, tiene todos los elementos mencionados además de trabajar con materiales premium.

Por Mongómeri. Kit Neale Colección Otoño Invierno 2014-15 www.kitneale.com
Los caminos del arte contemporáneo son inescrutables. Y una vez más un objeto de uso cotidiano llama la atención de artistas muy diferentes, convirtiéndose en parte importante de su obra. En este caso hablamos de las persianas. Las hemos visto en las creaciones de artistas como Elizabeth Dee, pero, sobre todo, nos ha llamado la atención el uso que hace de ellas la artista surcoreana Haegue Yang, a quien pertenece la obra de la imagen. Para Documenta 13, por ejemplo, creó, con persianas corrientes, una imponente estructura de 45 metros de longitud. La artista investiga así las relaciones entre interior-exterior y entre apertura-cerramiento.

Por: Sofía Dos Santos y Rubén Manrique
“Voice and Wind” (Series of Vulnerable Arrangements). Cortesía Galerie Barbara Wien (Berlín) y Kukje Gallery (Seúl).

En inglés se les conoce como Sleeves Garters (ligas para las mangas) y nacieron a mediados del siglo 19 para que los hombres pudieran regular el largo de las mangas de sus camisas, ya que en aquella época tenían una única longitud, que era por lo general XL. A medida que las mangas fueron adaptándose al mercado, los manguitos desaparecieron. Tan solo persisten como un recuerdo casi folclórico de ciertos uniformes profesionales: contables, jugadores de poker o músicos de jazz. Aunque la funcionalidad del manguito ya no exista, merece la pena recuperarlo por estética. En la propuesta Otoño Invierno 2014-15 de Z Zegna vemos varios casos de aplicación, y no precisamente sobre camisa.

Por Mongómeri / Foto: Estrop / Francesc Ten
Z Zegna Otoño Invierno 2014-15 www.zegna.com
Las 15 primeras suscripciones que recibamos tienen regalo seguro: una de las 3 fragancias que más pegan en el corazón. Todas Diesel. En función de sus intereses, cada suscripción podrá elegir la fragancia que más le convenga. Loverdose funciona como seductor elixir sobre pieles femeninas, y también sobre quien las regala. Only The Brave Original y Tattoo son 2 fragancias masculinas que retratan a esos carismáticos tíos que lo tienen todo muy claro. También pueden ser un buen regalo para el que no lo tenga. Tenemos 5 unidades de cada fragancia. Así que no le des muchas vueltas. Este mes la suscripción huele muy bien.

Subscripción

10 números al año (papel & iPad)
+ Loverdose: 40 euros
10 números al año (papel & iPad)
+ Only The Brave Original: 40 euros
10 números al año (papel & iPad)
+ Only The Brave Tattoo: 40 euros

Quien quiera una suscripción y su fragancia que escriba a: subscribe@neo2.es

ROJO SHOW
VIAJA ESTOCOLMO
LOS FANTASMAS 
DE ELLY STRIK
SINCHRONIC

EL OCHENTA  


I’M AQUARIUS,
METRONOMY
HOTEL
DEUTSCHER KAISER
XAVI MAÑOSA
IS A POTTER
ENTREVISTAMOS
A DORIAN WOOD

EDUARDO RIVERA:
BUSINESS TAILORING
LAS MÁSCARAS
DE BERTJAN
NUEVAS FRAGANCIAS
OLIVER & CO
ARQUITECTURA, ARTE
Y CINTAS ADHESIVAS
LA CREACIÓN DE UNA FIRMA DE MODA MASCULINA Y, A LA VEZ, UNA EMPRESA...
…RENTABLE TAMBIÉN ES
POSIBLE EN ESPAÑA (Y CON
PRODUCCIÓN MADE IN SPAIN)

En medio de una encrucijada familiar, entre el pragmatismo paterno y las fantasías maternas, Eduardo Rivera finalmente supo cuadrar todo, incluso sus propios deseos. Formado primero en Económicas y Dirección de Empresas, y después en Moda por la Central St. Martin’s, entra en el negocio familiar, un taller textil en San Agustín de Guadalix (Madrid). Allí crea su primera marca, junto a su madre, Ene de Rivera, nombre bajo el que se etiquetan sus colecciones de mujer, logrando lo más difícil, tener puntos de venta: hasta 300 en toda Europa. Supongo que esto le da suficiente confianza como para crear en 2008 su propia línea de moda masculina: Eduardo Rivera. Bajo esta firma ha sabido plasmar el eclecticismo tan ansiado por un tío que necesita encajar en múltiples contextos, ya sean laborales o lúdicos, sin levantar nunca la más mínima sospecha. Ya sabéis, ese difícil juego del vestir formal e informal, sin tener nunca que disfrazarse. Y la cosa parece que le ha funcionado. Actualmente cuenta con 2 tiendas propias en Madrid. Y si no te pillan a mano, también las comercializa a través de internet. Allí, en la tienda física u online, el cliente (me encanta esta palabra) además de encontrar las colecciones de Eduardo Rivera, también tiene acceso a piezas de otros creadores que complementan el universo de la marca. En ese sentido, Eduardo funciona también como prescriptor, o director creativo. Otra de los rasgos de la firma es que no está sometida a los calendarios típicos y estacionales de la moda. Eduardo Rivera produce en sus propios talleres, en la Comunidad de Madrid, y en otros que también están en España, totalmente Made in Spain. Esto le permite adaptar las producción a las circunstancias, ya sean climáticas, económicas o tendencias impredecibles que encajen en el mundo Rivera, y en el tuyo. Si entras en la web, también verás las colecciones femeninas de Elisa Rivera.

Tiendas Eduardo Rivera:
www.eduardorivera.es/tiendas + Calle Clavel
(junto a Gran Vía, Madrid) + Plaza del Ángel (entre
Plaza de Santa Ana y Jacinto Benavente, Madrid)

Mongomeri
10 diciembre 2013

UN INTRINCADO LINEAL QUE DESPIERTA EL MISTERIO MÁS OCULTO
A TRAVÉS DE UNOS ROSTROS
INFINITOS QUE NOS RECUERDAN
AL PROPIO MATISSE

Anoche tuve un sueño. Uno muy extraño. Estaba en bosque oscuro y en él sonaban tambores africanos junto a ecos metálicos. Una melodía atrayente que despertaba a las coloridas cuerdas que se encontraban bajo mis pies; unas cuerdas sinuosas que se agrupaban formando rostros distorsionados al son de la canción. Rostros que me miraban, rostros que resplandecían. Rostros que me daban miedo y rostros que me atraían. Observar el trabajo de Bertjan Pot, bien puede llevarte a soñar este tipo de cosas y es que su particular baile de máscaras invita al espectador a perderse entre la combinación perfecta de culturas mágicas, étnicas y contemporáneas. Algo que no es de extrañar teniendo en cuenta que para este diseñador la experimentación es la base de todos sus trabajos: investigaciones lúdicas a través de materiales que se encuentran a medio camino entre el diseño industrial y la moda.
De ahí que a principio del 2010, lo que comenzó siendo el desarrollo de una gran alfombra, diera un giro de 180 grados debido a la naturaleza del material y a la técnica de cosido con la que estaba trabajando. Su proyecto plano se tornó curvo, y de la curva brotó el éxito: inesperadas obras de arte que retratan determinados rasgos faciales y que exudan un carácter narrativo. Deliciosas, sorprendentes y totalmente bizarras, cada máscara es única en su especie “Las posibilidades no tienen fin, me voy a encontrar caras nuevas cada día” asegura Bertjan. Tanto es así que “Masks” continúa hoy creciendo en el continuo ongoing de colores brillantes y contrastes intensos, que nos ofrece la oportunidad de transformarnos en otra persona, aunque sea por un ratito. Bertjan, que se graduó en 1998 en la Design Academy Eindhoven y ganó en MINI Young Designers Awards bajo la categoría de mejor Diseñador autónomo, en la Dutch Design Week, conforma hoy junto a Vladi Rapaport y Marjolein el estudio Bertjan Pot donde juntos crean una hermosa casualidad creativa y miscelánea de producto, mobiliario e instalaciones.

Texto: Brenda Germade
Fotos: @Studio Bertjan Pot

Rubén Manrique
13 enero 2014

LAS NEBULOSAS ORIÓN Y CARINA INSPIRAN LAS NUEVAS FRAGANCIAS DE OLIVER&CO
Lo mismo que hay grupos de música y diseñadores de moda independientes, también hay perfumistas independientes. En España también. Oliver Valverde es uno de ellos, uno de los pocos, hay que decir. En 2009 creó en Madrid su propia marca de fragancias de autor: Oliver & Co. Totalmente autodidacta, Oliver combina su propio instinto creativo con elementos naturales y materias sintéticas nacidas en laboratorios punteros. Hasta ahora su olfato le ha llevado a crear la serie de fragancias Illustrated y sus velas perfumadas. Sus 2 últimas fragancias no son de este mundo. Están inspiradas en 2 nebulosas: Orión y Carina. Nébula 1 es una fragancia que une sensualidad y ciencia ficción en un mismo universo cálido. Nébula 2 se adentra en mundos mágicos, eléctricos.
Ambas 108 euros. A la venta en: Le Secret du Marais (Madrid), Salón 44 (Madrid), Les Topettes (Barcelona), La Basilica Perfume (Barcelona), The Cosmeticoh (Barcelona), Linda Vuela a Río (Valencia).

Mongomeri
4 diciembre 2013

Izquierda: perfume Resina. Derecha: vela Fig Pulp.
Izquierda: fragrancia Nebula 1. Derecha: fragrancia Nebula 2.
LA PERFORMANCE LLEGA AL MUNDO DE LA ARQUITECTURA COMO CATARSIS
Dentro de la Trienal de Arquitectura de Lisboa (sep-dic. 2013), en su tercera edición, Close_Closer comisariada por Beatrice Galilee, presentó como proyecto asociado, Performingarchitecture un proyecto comisariado por Ariadna Cantis. Un evento al que fueron invitados los arquitectos Luis Úrculo, el colectivo Pkmn y Pedro Bandeira. Lisboa se convirtió en un campo de pruebas e investigación. El trabajo resultante desdibujó las fronteras entre arquitectura y arte contemporáneo. Las propuestas abarcaron temas como son la ciudad, el espacio público y la memoria. Buenas dosis de crítica social, política o corporativa. La propuesta de Luis Úrculo consistió en varias acciones donde grupos o individuos decidian cómo demoler una construcción existente con el fin de recomponer y crear otro resultado abierto a ser demolido y recompuesto por el siguiente participante. Acción que rompe los límites de lo estático y lo dinámico. Un colapso o situación límite genera una nueva realidad. ¿Quizá una referencia a las crisis actuales? La propuesta de Pedro Bandeira ” El futuro está en el principio” tiene como base un atributo a la cultura griega, la conciencia de un patrimonio democrático y participativo, que hoy parece ser pasado por alto en favor de los intereses económicos muy perversos. Una acción que consistió en el transporte de una columna dórica por un trayecto de 2 kilómetros dentro de Lisboa. ¿Tienen actualmente los ciudadanos y los políticos alguna posibilidad frente a los poderes económicos? La performance del colectivo Pkmn enfrentó lo digital frente a lo análogico. Los arquitectos cada vez trabajan más alejados de la realidad y por lo tanto de la escala real. Su proyecto Super Hatch es una manera de activar algunos escenarios urbanos mediante la aplicación de patrones de sombreado de forma analógica. Se usó la cinta adhesiva como material reversible y low cost. ¿Para que algo sea real tiene que salir fuera de lo digital?

Javier Abio
3 enero 2014

Imagen: Acción de Pkmn

Imagen del proyecto de Luis Úrculo.
Imagen del proyecto de Luis Úrculo.
Imagen de la performance de Pedro Bandeira.
Imagen de la performance de Pedro Bandeira.
Imagen de la acción de Pkmn.
Imagen de la acción de Pkmn.
NUEVO Y GALÁCTICO VIDEOCLIP DE METRONOMY
Solo faltan un par de meses para que Metronomy publiquen su cuarto álbum, “Love Letters” (Because Music / Warner), cuya fecha de edición está prevista para el próximo 11 de marzo. Para ir abriendo boca ya estrenaron este tema, “I’m Aquarius”, el pasado mes de noviembre en Pitchfork. Ahora le llega el turno al videoclip de la canción, un trabajo realizado con la colaboración de The Creators Project, un proyecto de Intel y Vice con el que apoyan a diferentes creadores artísticos. El video ha sido dirigido por el realizador francés Edouard Salier y producido por los británicos Somesuch & Co. En él, como podéis ver a continuación, Joe Mount se convierte en un aventurero astronauta que aterriza en un extraño país lleno de gatos y otras hermosas criaturas…

Sofia Dos Santos

9 enero 2014

VICTOR ENRICH NOS COMENTA LOS “ENTRESIJOS” DE SU ÚLTIMO PROYECTO
En principio este último proyecto surge del resultado de varios aspectos. En relación a los anteriores deseaba poder sacar más provecho del trabajo en 3D, que se lleva la mayor parte del tiempo. Sacar una sola imagen de un proceso que se puede alargar meses me parecía un absurdo. Algo parecido había hecho en un proyecto anterior, “Tango”, del cual saqué 4 imágenes. Pero esta vez, la cantidad tenia que aumentar considerablemente. También existía el reto al que me sometí consistente en saber hasta dónde podía llegar cuando se trata de alterar un edificio múltiples veces cuya forma anodina no invitaba precisamente a hacerlo, al tratarse de meros primas. Ante tales premisas hacía falta encontrar un objeto arquitectónico individuado en el espacio, o dicho de otra manera, que no tuviera medianeras, sino solo fachadas, aunque algunas fueran fachadas traseras. Característica que, junto a otras, reúne el edificio elegido: el Hotel Deutscher Kaiser de Munich. Cuando se trató de escoger la cantidad exacta de variaciones, decidí asociarlas a las notas del piano, por una simple razón sentimental. Ya que fue precisamente la carrera de arquitectura la que me obligó a terminar mi carrera de piano, al no poder disponer de 48 horas al día para estudiar ambas. En esta obra, en cierto modo, le devuelvo el protagonismo a un aspecto de mi vida que tuve que suprimir, como si fuera una especie de disculpa por parte de mi yo arquitectónico. Tardé 7 meses en elborar el proyecto. 5 meses y medio se los llevó el 3D de la escena, 1 mes y medio para crear y renderizar las variaciones y 5 horas para hacer el video ( que no es video al uso…sino más bien un powerpoint sonoro )

Rubén Manrique
9 enero 2014

OS RECOMIENDO UNA INTERESANTE EXPOSICIÓN: XAVI MAÑOSA IS A POTTER...
…SE PODRÁ VER EN LA GALERÍA ALEGRÍA DE MADRID HASTA ESTE 25 DE ENERO.

Os incluyo un texto, que nuestro amigo Roberto Vidal ha escrito sobre esta expo:
“En las últimas décadas la investigación artística ha mostrado un interés creciente hacia los temas y la filosofía del diseño, de la misma manera que el diseño ha comenzado a abrirse a los mecanismos y al lenguaje del arte contemporáneo. Esta permeabilidad entre disciplinas ha propiciado una corriente de artistas que se están comenzando a definir como diseñadores siendo conscientes de la voluntad de la disciplina del diseño con relación al compromiso y conocimiento de las necesidades de la sociedad. Y lo contrario, diseñadores que sienten la necesidad de experimentar con formas más radicales creativamente que desembocan en reflexiones de carácter artístico y filosófico. En la linde entre diseño y arte se enmarca el trabajo “is a Potter” de Apparatu. Un proyecto de investigación que invita a reflexionar sobre los mecanismos de producción del diseño contemporáneo que se focalizan en el deleite de las tecnologías postindustriales. También, profundiza en el proceso de trabajo de un taller ceramista y su relación con el diseño industrial, la que existe entre tradición y contemporaneidad, high tech y low tech, en el respeto del material de trabajo y, por supuesto, en la función del diseño. Formalmente, “is a Potter” exalta la belleza del error, la importancia del gesto, lo hecho a mano. Una serie de elementos que otorgan de gran veracidad y personalidad a cada una las piezas de este proyecto, cuyo valor radica en el propio proceso de trabajo. Esta visión del diseño de Apparatu enlaza con la reivindicación, que desde este ámbito se está haciendo de un tiempo a esta parte, de prácticas que fomenten una relación desprejuiciada entre la artesanía y el diseño, el arte y la técnica. En definitiva, un regreso a unos principios básicos donde cobre mayor protagonismo una filosofía del diseño que potencie el lado más humanista de esta disciplina. Cada una de las 300 piezas de “is a Potter” es única en su expresión, tiene alma propia.”

Xavi Mañosa is a Potter
Galería Alegría
C/ Doctor Fourquet 35, Madrid
La expo consta de dos partes: la primera hasta
el 5 de enero y la segunda del 9 de enero hasta el 25

Javier Abio
23 diciembre 2013

EL ESTADOUNIDENSE DORIAN WOOD, HACIENDO ALARDE DE SU EXCENTRICIDAD…
…PASEARÁ SU CARISMA INTERPRETATIVO POR ESPAÑA,
DEL 20 AL 26 DE ENERO.

La gira de Dorian Wood, en la que aprovechará para presentarnos su tercer y último disco en el mercado -Rattle Rattle (Atonal Industries, 2013)-, es producto de una nueva coproducción entre Houston Party y Born! Music. Unos encuentros que presumen de inolvidables, a manos de este caballero, músico de profesión, que consigue teletransportar al espectador a un viaje de retorno a sus pensamientos más primarios. Le hemos visto dirigiendo orquestas, participando en óperas modernas, lanzando discos: Bolka (2007) y Brutus (2010)… Y es que, todo lo que a Dorian Wood se le pasa por la mente consigue convertirlo en arte. Su magia es la fusión de sonidos imposibles. El resultado: una carga emocional excesiva y exuberante, como él mismo. Tu último disco, Rattle Rattle, es una oda apocalíptica… ¿estamos asistiendo al fin del mundo? Creo que el mundo se acaba, al menos, una vez al año. Algo terrible sucede, que barre la sociedad en un frenesí de miedo, y luego podemos felicitarnos por la posterior superación de obstáculos. La vida nunca es aburrida. Para él has vuelto a contar con un equipo de 60 personas, con un coro de 45 miembros elegidos por ti “The Dificult Women”… ¿qué cualidades debe reunir un músico para acabar en una de tus obras? En Rattle Rattle han participado músicos de diferentes niveles de habilidad. Esto no significa que fuera un hecho libre para todos, sino una reunión planificada de las almas que no tienen que decir lo que no necesita ser dicho. ¿Cómo tienes pensado llevar todo esto a los directos, programados estos días por España? ¡Ven a los shows y lo sabrás!
El video del tema “La Cara Infinita”, dirigido por ti, es crudo. ¿Qué quieres transmitirnos? El video fue una de las experiencias más creativas de mi vida. Todo el mundo vivió un momento muy divertido. Era una habitación llena de amor, así como la unión de nuestro desprecio hacia la opresión contra las mujeres y las personas LGBT. La música es tu prioridad pero también le concedes gran importancia a la estética. ¿Consideras que todo sonido tiene su propia imagen? Por supuesto. Cierro los ojos y todo tiene un color, una forma e incluso una voz. Esto también se aplica a los objetos inanimados y los sonidos repetitivos de los aparatos electrónicos. Eres un mago de la unión de estilos. Te hemos visto fusionar folk, soul, música coral búlgara y música experimental… ¿se te resiste algún estilo? No se trata de intentar tomar un estilo sólo para probarlo. Cuando un estilo me golpea en la cabeza, me siento durante varios minutos y lo enrollo alrededor de mi lengua. ¿Qué opina un músico de profesión como tú, de la calidad y situación de la música hoy en día? Todo el mundo es libre de hacer cualquier tipo de música que le gusta y tener a alguien en el mundo que lo escuche. Creo que es un muy buen síntoma. Háblame por favor de la grabación de tu segundo álbum en 2010, Brutus, en una iglesia de Londres, solo con tu voz y un piano… Me sentía muy solo, de gira por Europa y echaba de menos a mi marido. Pensaba en la vuelta a casa. Se me ofreció la oportunidad de grabar este álbum con el ingeniero Sherry Ostapovich. Había unos cinco amigos míos en la audiencia. Fue una experiencia fría que se convirtió rápidamente en amor y nostalgia.
Has declarado abiertamente ser fan de Tino Casal… ¿qué es lo que más admiras de él? Su hermoso rostro.

Fechas de Dorian Wood en enero: día 16, Barcelona, Heliogàbal + día 17, Castellón, Paranimf Universitat Jaume I + día 18, Valencia, Teatro La Rambleta + día 20, Huelva, Las Cocheras del Puerto + día 21, Madrid, Teatro del Arte + día 22, Gijón, El Patio de la Favorita + día 23, Vigo, Auditorio Concello de Vigo (Festival Sinsal) + día 24, Santiago de Compostela, Teatro Principal + día 25, Huesca, Centro Cultural Matadero + día 26, Zaragoza, Centro Cívico Delicias.

Sara Morales
15 enero 2014

…EN EL MUNDO DEL HÁBITAT,
VIAJA A LA FERIA DE ESTOCOLMO
A PRESENTAR SUS PIEZAS ICONO
EN LA EXPOSICIÓN ROJO SHOW.

RED (Reunión empresas diseño) presentó por primera vez Rojo Show en la sala Vinçon de Barcelona, después esta exposición, viajó a Madrid a Lasede del Coam y el siguiente destino será la feria del mueble de Estocolmo el próximo mes de febrero. Rojo Show es una muestra que reune piezas relacionadas con el hábitat y que están producidas por empresas españolas con proyección internacional.
Estas son las empresas que forman parte de RED: Akaba, Andreu World, Arxe, BD Barcelona, Cármenes, Cosentino, Delica, Enea, Equipo DRT, Energía Natural, Estiluz, Expormim, Gastón y Daniela, Grupo Mobilfresno, AVP Imasoto, Inclass Mobles, Joquer, KirskaDECOR, Lladró, LZF-lamps, Made Design, Marset, Mobalco, Mobles 114, Muebles Treku, Nanimarquina, Ondarreta, DD Resol, Sancal, Santa&Cole, Sellex, Teixidors, Temas V (MyOruga), Tres Tintas, Vibia y Vondom.

Rojo Show
Stockholm Furniture Fair 4-8 Febrero 2014

Javier Abio
21 enero 2014

Imagen: Vista de la muestra Rojo Show en
Lasede del Coam, Madrid. Fotografía: José Hevia

Izquierda: Lámpara de pie Funiculí, una reedición
de una lámpara diseñada en 1979 por Lluis Porqueras
y producida hoy por Marset. Derecha: La silla Fontal
que recupera el rattan para su produción, diseñada
por Oscar Tusquets para Expormin.
Vista de la muestra Rojo Show en Lasede del Coam, Madrid. Fotografía: José Hevia.
Izquierda: Silla Lisboa diseñada por Joan Gaspar
y producida por DD-Resol. Es una silla monobloque
de polipropileno inyectado. Derecha: The Parrot Party
Collection, candelabro diseñado por Lladró Atelier
y producido por Lladró.
Izquierda: Mesa Mettsass diseñada por Ettore Sottssass
jr. y producida por BD Barcelona, una reedición de un clásico
creado hace 40 años por Sottsass. Derecha: Butaca
monobloque de polietileno Om diseñada por Martín Azúa
para un uso Outdoor o Indoor producidad por Mobles114.
Izquierda: Una revisión a la butaca clásica, se llama Talo y ha sido diseñada por Sebastian Herkner la produce Sancal.
Derecha: Colección de Paitz Jazz, en cachemir ligero, de la firma Teixidors.
Alfombra Roses diseñada por Nani Marquina con piezas de fieltro, producida por Nani Marquina.
LA ASOCIACIÓN DE EMPRESAS RED, QUE REUNE A 40 EMPRESAS PUNTERAS...
Izquierda: Your Look Will Give the Angels Strengyh, 2001-2010. 
Derecha: Hexeneinmaleins, 2012.
Universal String, (Cuerda universal) 2011.
Izquierda: Passage, 2000.
Derecha: Ophelia, 2001-2008.
REFLEXIONAMOS SOBRE LAS CRISIS DE IDENTIDAD Y GÉNERO
Evocando aspectos de Goya, El Greco, Darwin, Freud, Munch o Duchamp, la holandesa Elly Strik llega al Museo Reina Sofía en un intento de la pinacoteca por abrir espacios expositivos y de investigación para las mujeres. ‘Fantasmas, novias y otros compañeros’, la primera expo de Strik en nuestro país, responde a una clara reflexión sobre la condición humana, el género y la identidad femenina. 80 obras, dibujos sobre papel con grafito y óleo principalmente, que van desde la monumentalidad al formato más íntimo en imágenes de clara provocación visual. Una muestra concebida especialmente para las salas del Museo y que desde hoy día 22 de enero hasta el 26 de mayo, celebrará esta nueva mirada sobre la mujer en la sociedad, una oportunidad de desvelar los elementos que cifran y evidencian la naturaleza híbrida de todo individuo, invitándonos a mirar y a no pasar de largo. Imprescindible.

Manu Romero
21 enero 2014

Imagen: Hijgende Kraai (Cuervo jadeante), 1992.
Colección Van AbbeMuseum, Eindhoven.

BIMBA BOSÉ Y CHARLIE CENTA CREAN SU PROPIA MARCA: SINCHRONIC
Inspirados por el fundador de la escuela de psicología analítica, Carl Jung, la pareja formada por Bimba Bosé y Charlie Centa han puesto nombre a su propia marca de ropa: Sinchronic. Acaban de presentar su primera colección, The Arrival, una serie de partes de arriba adornadas con algunos de los tatuajes que lucen sus artífices. Camisetas: 35 euros. Sudaderas: 50 euros. Esto es solo el punto de partida. Esperan ampliar muy pronto el número de piezas y productos Sinchronic.

www.sinchronic.com

Mongomeri
22 enero 2014

UN RESTAURANTE CON D.O. DE MEETING POINT
Inspirados en los diseños de maderas macizas, decapadas, tarimas de veta marcada, mármoles sobre cerramientos de cristal y ambiente vintage de los bares del Soho neoyorquino, nace el restaurante El 80, un local de atmósfera cosmopolita, perfecto punto de encuentro de lo más dinámico de la zona y dividido en 3 espacios: una sala/bar, para tapear; un espacio privado, para eventos y una terraza con vistas a los pinares del Monte Pilar. Un lugar donde poder disfrutar de cocina de mercado elaborada al modo tradicional y donde el crujiente de avellana, las alcachofas confitadas, el bacalao con alioli de miel o el tartar de atún, suponen el súmmum de la más sabrosa cocina. Platos que siempre irán acompañados de los mejores vinos y es que hasta 15 D.O. con vinos procedentes de Alicante, Toro o El Bierzo, aparecen en su selecta y exclusiva carta. Si estás salivando ya y no quieres que te lo cuenten, ve haciendo un hueco en tu agenda y reserva un día para darte un homenaje. ¿Necesitas coordenadas? c/Norias, 80. Majadahonda (Madrid). ¡Buen provecho!

Manu Romero
20 diciembre 2013

La transformación actual del cuarto de baño está en pleno proceso y se ven los resultados en nuevos proyectos residenciales innovadores. Todavía queda mucho para que estos cambios lleguen a ser populares, pero tiempo al tiempo. Podemos ver claramente, en este sentido, algunas tendencias que se van consolidando en ferias internacionales y proyectos arquitectónicos. Aquí van algunos apuntes de cómo está evolucionando. El baño deja de ser ese cuarto escondido y se abre de múltiples formas al resto de la vivienda. Esto lo vemos en proyectos en los que, por ejemplo, la bañera se sitúa en el dormitorio, convirtiéndose a veces en un elemento escultural. Los elementos que componen el baño adquieren un componente cada vez más lúdico. Una ducha, por ejemplo, se convierte en uno de los momentos más placenteros del día y eso hay que tenerlo en cuenta. Los arquitectos e interioristas juegan, cada vez más, con situaciones divertidas ¿Quién no se ha encontrado alguna vez en un hotel con una ducha con mampara transparente que da directamente al dormitorio? También se recuperan algunas tendencias prácticamente desaparecidas, y muy prácticas, como el incorporar lavabos en el dormitorio. Es decir, que el dormitorio y el baño tienen cada vez los límites más difusos. Tengo que deciros que he visto bañeras colgadas en medio del salón o una integrada en la cocina, lo cual todavía te despeja la imaginación en la conquista de espacios que van más allá del dormitorio. Otra vía de trabajo importante es el cuarto de baño responsable, sostenible, respetuoso con el medioambiente. Aquí es importante desde fijarse en los materiales con los que están fabricadas las piezas del baño hasta por ejemplo el consumo de agua. Algunos fabricantes de grifería, por ejemplo, nos demuestran cómo ahorrar un 30% de agua, sustituyendo el  chorro de agua al que estamos acostumbrados cuando nos lavamos las manos, por el tacto que produce el agua cuando no se proyecta, si no que cae. Tacto parecido al que podemos encontrar en un manantial. Una experiencia, que explicada así, entiendo que parece tonta pero os aseguro que es una maravilla. Tampoco deberíamos olvidar los baños pensados para diferentes necesidades, discapacidades, diferentes edades o diferentes tallas… Baños agradables, flexibles e incluso transportables. Un baño bien proyectado casi seguro es una tarjeta de visita de una casa bien acabada donde la gente va a ser feliz. Estoy convencido de que el cuarto de baño es un espacio que todavía nos va a dar muchas sorpresas. El cuarto de baño y posiblemente la cocina, son espacios únicos en una vivienda y son  la gran esperanza blanca del interiorismo de este momento.
DISEÑO
Texto: ANDRÉS JUBERIAS. Relaciones públicas y jefe de prensa de Dornbracht, Alape y Hoesch. Colaborador habitual en revistas del hábitat. Ha publicado 3 volúmenes de “Diseño y Arquitectura del Baño” con la editorial Faenza.

MODA
Texto: JESÚS FERRÍN.  Licenciado en Empresariales por la Universidad de Navarra, tras experimentar en departamentos comerciales se adentra en los de comunicación. Actualmente es subdirector de Finally.

Cada década ha dejado una imagen y/o un fenómeno que se han convertido, con el paso del tiempo, en las señas de identidad inequívocas de un momento. Si tuviésemos que dibujar la silueta de los 80’s comenzaríamos por un trapecio invertido de la misma manera que elegiríamos el video clip como formato para resumir las efemérides de aquellos felices años. La década de los 90’s se vivió en clave grunge o minimal, no hubo término medio. La imagen de los 00’s es la de unos auriculares blancos -¿cómo puede ser que a nadie se le hubiese ocurrido antes pintar el cable de blanco?- sobre una silueta negra y un fondo de color. Además descubrimos que las minúsculas molaban más que las mayúsculas. Una i delante de una palabra resumía un estilo de vida y una f dentro de un cuadro azul se convirtió en el nuevo mejor amigo del hombre. Tan sólo han bastado cuatro años de la década de los 10’s para que podamos ya proclamar, sin miedo a equivocarnos, que está década será recordada por la generalización del fenómeno selfie. El número de autorretratos volcados en las redes sociales a lo largo de estos pocos años es incontable. Bien sea en la cama o en el sofá -hábitat natural del fenómeno selfie- poniendo expresión de sorpresa o “puchero”, usados como excusa para mostrar que hemos estado en algún lugar ahora que las camisetas Ihavebeenthere han caído en desuso o simple y llanamente para flirtear, la cantidad de selfies que circulan por ahí es un fenómeno que corresponde a los sociólogos analizar pero que sin duda resulta sintomático. Sí me gustaría ligarlo a una de las nociones básicas de la ciencia económica, la del coste de oportunidad, que sostiene que toda acción o inversión conlleva un coste adicional que debemos valorar y comparar y que no es otro que el retorno que obtendríamos si invirtiésemos esos mismos recursos en otra acción o inversión alternativa. La raíz de esta idea está en la naturaleza limitada de los recursos a nuestra disposición. En este caso, el recurso que empleamos es el tiempo, quizás el más limitado de cuantos tenemos a nuestra disposición porque ni siquiera sabemos con cuanto contamos. Pensemos en el tiempo invertido en tomar todos esos retratos, en el retorno que obtenemos de esta acción y en lo que podríamos hacer alternativamente durante esos instantes. Esta reflexión quizá nos haga pensar que el fenómeno selfie tiene un principio y un final. Hace algún tiempo, mientras observaba como dos tipos se peleaban en la playa de Barcelona, alguien próximo con un agudo sentido del humor exclamó “uffff eso es tan 80’s” Al igual que las peleas en la playa han pasado a la historia quizás algún día al ver un autorretrato en modo puchero exclamemos “uffff eso es tan 10’s” Sería igual de deseable.

Desde que es tendencia el quejarse y criticar, desde que todo ello me parece demasiado negativo, ligero y superfluo. No voy a caer en lo mismo por lo que no voy a quejarme de eso ni siquiera. Me gusta crear, escribir, me gusta sentir y contar cosas. Me es bastante inútil el imaginar que alguien me está leyendo o escuchando, aunque por supuesto lo hago y lo pienso, soy sincero. Y desde luego me resulta imposible el pensar que mi opinión pueda valer para algo, aunque la tenga. Es curioso escuchar cómo la mayoría de la gente en este país devalúa constantemente el producto interior bruto (si así se le puede llamar) y es que la frase de “España es una mierda” que es bastante popular, no me sirve para nada,
e incluso me da un poco de pena. Como todos, a base de caídas, aprendes, y como me he caído varias veces y he tenido la oportunidad de salir del país durante algunos años para poder verlo desde fuera, puedo decir que desde mi punto de vista España está llena de talento y eso lo saben en todo el mundo menos aquí. ¿Raro verdad? Una paradoja en loop. Si no crees en lo que te estoy diciendo puedes informarte un poco sobre lo que está pasando a nivel internacional con alguno de nuestros diyéis, o puedes escucharte un rato alguno de los clásicos que nos dejaron los noventa de aquí. Aunque claro, ya nadie mira a nadie si no es a sí mismo, pero en un ordenador, y así difícilmente nos daremos cuenta. No perderemos ni un minuto en dar oportunidades a artistas emergentes españoles, ese es el verdadero problema, la actitud, la de criticar, como ahora. Nos encanta rajar sin saber. Es casi un deporte nacional. Los haters están de moda y así se alimenta a la cultura de la mediocridad y a la de la poca inventiva. Desde que es posible ser quien quieras sin hacer nada en absoluto. Nadie habla de los buenos festivales que tenemos, nadie habla de lo positivo, jamás. Eso sí, a todo el mundo le gusta subirse al carro una vez el carro rueda, pero hay quien lo empuja, y es a él al que le doy las gracias. Por estar ahí, por luchar. Le doy las gracias aquí ¡por escrito! A los que pierden alma y dinero en la música, a los que pasan las noches en vela escribiendo y perdiendo el tiempo entre sueños inventados, a los coleccionistas y amantes de las emociones, a los que bailan las noches enteras, contentos. A ellos les doy las gracias. Solo eso.
MÚSICA
Texto: JOSEP XORTÓ. Frontman de la banda barcelonesa Stand Up Against Heart Crime, presenta ahora su proyecto en solitario con su propio nombre: Josep.

.

ARTE
Texto: EVA GONZÁLEZ-SANCHO Entre otros puestos ha sido directora y comisaria del Frac Bourgogne  y de Etablissement d’en face projects. Ha formado parte del equipo curatorial de Lofoten International Art Festival.

Leía el otro día un poema de Esther Ramón titulado Acción, de su recientemente publicado poemario Caza con Hurones, en el cual se describe una meticulosa labor, no sabemos bien cuál, únicamente que tiene que ver con “preparar” la tierra, la naturaleza y lo animal. Me llamó la atención esa acción lenta que requiere de cuidadosos gestos, y un orden natural de los pasos a seguir para llegar a algo. Se trata de un poema sobre “el hacer”, que alude al contraste de una acción realizada con herramientas y en comunidad y la idea de la completa inacción. Y si nada a priori tiene esto de relación con el proceso creativo en las artes, Acción, me hizo una vez más reflexionar sobre los procesos artísticos y la necesidad absoluta de tiempos y contextos específicos para llevarlos a cabo, aún poco presentes tanto en nuestras instituciones como en espacios alternativos. Una ausencia anterior a la crisis. Llevar un proceso “a cámara lenta”, retomando de nuevo el poema de Ramón, nunca ha resultado demasiado fácil en España. ¿Dónde poder desarrollar una investigación sin esa espada de Damocles encima para responder con un “producto artístico” a un contexto expositivo? Fuera de aquí. Ya lo sabemos, hay pocos espacios de búsqueda y experimentación en este país y pocas opciones para el proceso creativo fuera de la escuela de arte y de la sala de exposición. Y si algunos centros de arte los ofrecieron claramente en sus programas y con verdadero acierto - como fue el caso de Montehermoso-, ya se ocuparon otros de quitarlos. Éste continúa siendo sin ninguna duda uno de los eslabones ausentes de la cadena: por un lado y en el campo de la educación, la puesta en marcha de post-diplomas para artistas plásticos y pensadores; por otro lado, el exiguo abanico de residencias para creadores y becas de investigación. Inquieta particularmente la escasez de la oferta para que los que denomino “artistas lentos”, puedan desempeñar convenientemente su trabajo; aquéllos que producen “obras lentas” en su fase de investigación y a veces incluso lentas en el curso de su elaboración plástica. Pienso ahora en uno de los últimos trabajos de Dora García, el vídeo The Joycean Society. La pieza retrata a un grupo de lectores en Zurich  durante una de sus sesiones de estudio del personaje principal de Finnegans Wake de James Joyce, donde los diferentes miembros del grupo leen en voz alta y analizan las múltiples interpretaciones que ofrece el texto. Me pregunto si algún día reflexionaremos seriamente sobre la importancia de espacios de estudio y de trabajo para la creación en tiempo real.

El trabajo cada vez es más precario, esto no es ninguna novedad. En mi profesión no es distinto. Los sueldos bajan, los papeles escasean y los actores tenemos que empezar a aceptar prácticamente cualquier cosa (aunque esto no es nuevo tampoco). Siempre hay privilegiados, claro, pero para el resto la subsistencia es el objetivo. Apretar los dientes y darle vueltas a la cabeza. Cooperativas, crowdfunding, trabajar gratis (o casi), microteatros, miniteatros… todo vale para no estar sentado en un sofá viendo el tiempo pasar. Y el problema de esto es lo de siempre, la precariedad. Se siguen haciendo películas, sí, pero cada vez son menos las que se hacen con las condiciones de tiempo y dinero adecuados a lo que exige la historia. Y eso si tienes la suerte de tener a una televisión detrás. Afortunadamente la tecnología ha bajado los costes mucho, se pueden contar historias con un presupuesto bajo, pero si eso supone infravalorar el trabajo y no pagar al equipo, a los actores, o cobrar si hay beneficios a posteriori, cosa francamente difícil, el trabajo deja de ser trabajo y se convierte en otra cosa. Esto también influye en que cualquiera puede coger una cámara y creerse que puede hacer una película sin los conocimientos básicos. Yo he hecho varias películas sin cobrar, tres, creo. Además de innumerables cortometrajes, teatro en cooperativa, etc. Eran gente con ganas de contar historias. Casi siempre técnicos o artistas en formación. La última en septiembre, y parece que nunca cobraré.
La ilusión desmedida o la estupidez a veces se dan la mano, y en este caso pensar que con 25.000 euros, 11 días y sin una buena planificación, puedes hacer un trabajo cinematográfico digno, que dure hora y media y se vea en una pantalla por alguien que no sea de tu familia, es digno de psicoanálisis. No siempre se consigue una peli como “Stockholm” o “Gente en sitios”. Y en estos casos hablamos de PROFESIONALES. Por cada una de estas habrá otras veinte o treinta películas que se hayan estrellado. El trabajar gratis o por debajo de convenio, porque crees en un proyecto, o porque te convencen en un momento dado, es algo que prácticamente hemos hecho todos los actores, y creo que todos, en un momento u otro nos hemos arrepentido. Apoyar a los amigos, conocidos, a la gente con talento, SÍ. Todos trabajamos gratis en los cortos, pero denigrar un trabajo tan difícil como es hacer una película, NO.  Creo que la mejor forma de dignificar esta profesión, es darle el valor que se merece. Y un buen profesional no debería dejar de cobrar nunca por hacer su trabajo. Ni aunque su trabajo sea vocacional. ¡Ah!, y cuidado con los intrusos y con los piratas.
CINE
Texto: ARMANDO DEL RÍO. Actor con más de 20 años de carrera. Ha trabajado en cine, teatro y televisión. En 2014 estrenará la película independiente “Días de Lluvia” y la comedia familiar “Pancho”.
GASTRONOMÍA
Texto: PEDRO SUBIJANA Uno de los grandes chefs de nuestro país, al frente del restaurante Akelarre, en San Sebastián, desde 1975, que cuenta ya con tres estrellas Michelín.
Desde hace ya unos años, la cocina en sus múltiples facetas parece ser imprescindible en cualquier medio de comunicación. No es ni bueno ni malo, pero es señal de que algo interesa y de que muchas personas le dedican una parte de su vida. Desde un lado y el otro de la mesa. Que la cocina está de moda es un hecho innegable. Que de cocina habla todo el mundo, también. Que la Alta Cocina se ha distanciado mucho de la cocina doméstica es un hecho constatable, y sobre ello se dicen y se escriben muchas inexactitudes. ¿Por qué? Porque ante un salto cualitativo y novedoso se generan adhesiones y detractores. Poner a parir una técnica o una tecnología, negarse rotundamente a conocerla, y no vamos a decir a practicarla, es, en la mayor parte de los casos, una reacción ante lo desconocido. La técnica, la innovación, la investigación… nos sirven como ayuda para buscar nuevos caminos. Aunque nunca el concepto en sí mismo es un plato. O al menos casi nunca. Pero vamos a procurar hacer comprensible lo que en estas cocinas hacemos para nuestro gozo y el de nuestros comensales. Porque nosotros también disfrutamos durante esos largos partos que terminan o no en nuevos platos en nuestra carta. ¿De dónde os viene la inspiración? De trabajar, trabajar y trabajar, suelo contestar yo. Porque lo que la mayoría de la gente no sabe es que para llegar a sacar un plato a la mesa hay que pasar por muchas fases y
– como suelo decir también- si de cada 100 intentos y ensayos sale un solo plato redondo, innovador y merecedor de aplausos, es un gran triunfo. Todavía recuerdo mis primeros tiempos en Akelarre, allá por los últimos años setenta. Dedicábamos mucho tiempo a buscar nuevas técnicas y a intentar innovar en lo que en aquel entonces era una cocina en una cierta decadencia. Pero cuando empezaban a entrar los comensales al restaurante teníamos que dejar todo, aparcar lo que estaba siendo objeto de pruebas y atender a los que se habían dignado a hacernos el honor de venir a nuestro restaurante; a “nuestra casa”. Porque cada “servicio” de mañana y noche era, y sigue siendo, una salida al escenario a demostrar que la función de hoy es la función de hoy, y que debe ser la mejor. Que los comensales deben estar encantados y que como lo único que queda después de una buena comida es el recuerdo, queremos que sea muy potente y positivo. Creo que los que tenemos la suerte de trabajar en lo que nos gusta, que somos los menos, y además trabajamos en algo que sirve para procurar ratos felices a los demás, somos unos privilegiados, pero los que son el objeto de nuestro trabajo también lo son. La energía positiva se transmite.
¿Desde cuándo conoces Neo2? Desde los primeros años de universidad. Luego, cuando llegué a Madrid, empecé a valorar más analítica y conscientemente las revistas de moda y tendencias por sus contenidos y su imagen. Neo2 siempre ha estado en el top list español. ¿Cuál fue tu primera colaboración en la revista? Las fotos que le hice a Juan José Ballesta, fue divertidísimo... lo hice con todo el equipo con el que trabajo normalmente, y Juan José se prestó a hacer todas las virguerías que se nos ocurrían, hasta acabar haciendo el pino. Luego nos fuimos de cañas. ¿Cuál es tu formación? Desde muy pequeño he experimentado con todo tipo de actividades, como pintura, hípica, teatro, judo, fotografía, guitarra, tenis... Gracias a que mis padres siempre me han animado a probar todo lo que me inquietaba, ahora siento que puedo abordar cualquier tipo de proyecto. Por supuesto asumiendo mi ignorancia según el caso, pero sin miedo a hacerlo y con ganas. Aparte de eso soy licenciado en Publicidad, he aprendido fotografía por mi cuenta y asisto a clases de flamenco. ¿Qué pasos has ido dando hasta convertirte en fotógrafo? Creo que me he hecho fotógrafo a base de fingir que sabía hacer fotos. La primera vez que tuve que hacer un shoot para una revista en un estudio, había un despliegue espectacular y yo no sabía ni por donde enchufar los flashes. Observando, escuchando y resolviendo he llegado a aprender el oficio y a crear un estilo propio. Con suerte y mucho trabajo, me dedico a ello profesionalmente. ¿Y tu pasión por el collage como empezó? Quería acercarme un poco más íntimamente a mis propias fotografías. Así que cuando llegaba a casa las cortaba y al rehacerlas sentía que imprimía realmente algo mío en el resultado. Sean fotos propias o de otros creo que con el collage utilizo imágenes que me interesan, más en su forma que en su fondo, para interpretarlas con un significado propio. ¿De cuáles de tus trabajos, ya sea fotografía o collage, te sientes más orgulloso? Casi siempre del último que he hecho. También del que me ha salido de manera más instintiva. Soy tan meticuloso que cuando produzco algo de forma espontánea, me da alegría. Eres de Málaga, ¿qué sitios nos recomendarías allí? ¿y en Madrid? En Málaga recomiendo tomar un vino dulce en el Pimpi, pescaito en Pedregalejo, la playa de Maro en Nerja, el cine Alameda, el teatro Echegaray y una copa en el bar más bonito de la ciudad, Emily. En Madrid, croquetas en casa Julio, el teatro real con descuento del 90% para menores de 30, seguir la fiesta en el Candela... pero sobre todo, las casas de mis amigos. ¿Cuáles son tus próximos proyectos? Estoy preparando un par de expos colectivas en Madrid y otras yo solo en Málaga y posiblemente en Valencia. Tengo previstas algunas colaboraciones con diseñadores de aquí y de fuera. Acabo de mandar por correo mi segunda portada para Elle Collections UK y un proyecto que acabo de terminar para la agencia de modelos IMG de Nueva York. Y otras cosillas. Espero que vengan muchas más colaboraciones con vosotros y nuevos proyectos -tengan que ver o no con lo que he hecho hasta ahora- para seguir aprendiendo, trabajando y sobre todo, disfrutando.

Foto: Araceli Martín Chicano
*En este número Ernesto ha fotografiado
al actor Jan Cornet.


 


Portadas
Fotógrafo: SEBASTIAN SABAL-BRUCE
Estilista: ANA DE GREGORIO
Maquillaje & Pelos: JOSÉ SEQUI
Asistente Fotógrafo: FACUNDO AGUIRRE
Gracias: BARCELONA STUDIOS

Chico: EMIL ANDERSSON @ View Management
Cazadora Cuero ANTONY MORATO www.morato.it

Chica: SOFIA FISHER @ View Management
con Abrigo CALVIN KLEIN www.calvinklein.com


Edita: IPSUM PLANET
Dirección: RUBÉN MANRIQUE
+
RAMÓN FANO + JAVIER ABIO
Dirección de Arte: IPSUM PLANET
Redacción: IPSUM PLANET

Departamento Publicidad + Marketing:
MARGARITA SÁNCHEZ marga@neo2.es
FERNANDA PITANGA fernanda@neo2.es


Coordinación: TERE VAQUERIZO
Diseño Gráfico: PABLO CABALLERO

Asistentes Diseño Gráfico: MAJA HELLER
+ ESTHER RODRÍGUEZ

Asistente Moda: MAR PULIDO
+ IGNAZIO ARIZMENDI

Asistente Redacción: MANU ROMERO
Distribución y Subscripción: VIRGINIA MEDINA
915 229 096 subscribe@neo2.es
CONTENIDOS
Arquitectura: javier@neo2.es Arte: ruben@neo2.es
Cine: tere@neo2.es Cosmética: ramon@neo2.es
Diseño: javier@neo2.es Gastronomía: tere@neo2.es
Moda: ramon@neo2.es Música: tere@neo2.es
Tecnología: tere@neo2.es

www.neo2.es
NEO2: San Bernardo, 63  3ºA
28015 Madrid (España)
Tel: 915 229 096 Fax: 915 233 474

Banda Sonora: Febrero en Spotify. Haz Click aquí