I'M INTO CREATIVITY
Julio- Agosto 2014

Ramón Fano (Moda): La moda española está de plena actualidad en los grandes medios de comunicación. Pero siempre por cosas malas. Últimamente por supuestos casos de corrupción de menores o por razones de insolvencia de algunas conocidas marcas. Lo negativo siempre es más noticia que lo positivo. Aunque en un mundo ensombrecido por las pésimas cifras económicas, la noticia real debería ser lo insólito, lo bueno, lo positivo. ¿Os imagináis que se abrieran los telediarios con la noticia de que un joven diseñador ha conseguido su primer punto de venta? ¿O con la de una firma española que fuera a presentar su colección en China? ¿O que un pequeño taller de Teruel ha conseguido un contrato para confeccionar prendas de lana para una importante marca internacional del sector lujo? En un contexto patrio donde el gasto medio en moda se ha reducido en un 22% desde 2007, de 560 a 437 euros. La buena noticia sería que para los próximos 4 años está previsto un crecimiento del 26,4%, llegando a los 500 euros. Nosotros nos quedamos con ese dato. Nos parece un notición. Rubén Manrique (Arte): Si te pones a googlear y escribes Richard Kern, prácticamente el 99% de las imágenes que aparecerán son jovencitas ligeras de ropa. Lo que mucha gente no sabe es que Kern vivió en primera persona los vibrantes 80 en Nueva York, fue pionero en la edición de fanzines (cuando hacerlos era rompedor) retrató a muchas personalidades, hizo cine y videoclips (Marilyn Manson, Indochine, Is Tropical…). Bueno, pues hemos tenido la fortuna de acceder a él para realizar el Guest Creative de este número. Kern nos cuenta muchas cosas, como que se introdujo en el mundillo del arte porque en su ciudad natal no había absolutamente nada… y también para poder entrar gratis a las discotecas. Llegado el momento, se mudó a Nueva York, eran los 80, y allí se codeó con la crème de la crème del underground: Warhol, Baskiat, Sonic Youth, Haring… Con el paso de los años su actividad y proyectos fueron cambiando. Nos confiesa que le hemos pillado en un momento de su vida "raro", pues aunque tiene varios proyectos en marcha, no tiene muy claro hacía donde tirar. Lo cierto es que su obra no deja indiferente. A la pregunta, ¿por qué hacías esas cosas?, nos responde: "It was fun". La diversión como lema de vida. ¡Genial! Javier Abio (Housing): Por fin llega el número doble de verano, un pequeño respiro para preparar las novedades que presentaremos en septiembre. Si todavía no tienes planes para estas vacaciones te recomendamos que te pases por la Bienal de Venecia de Arquitectura. Este año su comisario es Rem Koolhass y lanza este mensaje: “Arquitectura, no arquitectos”. La era de los arquitectos estrella ha acabado y lo intenta demostrar en esta nueva edición de la Bienal. Te hacemos un pequeño resumen de lo expuesto allí en el artículo Fundamentals. Concept Kitchens es otro de los artículos que encontrarás en este número. ¿Cómo será la cocina del futuro? ¿En qué ideas trabajan lo diseñadores para crear cocinas mas funcionales y cómodas? ¿Cómo sería tu cocina ideal? Además, en esta edición regalamos por fin la esperada tipografía Mundane, diseñada por el estudio Yonoh. Mundane ha sido una tipografía que hemos ido probando en los últimos números de Neo2 y te aseguramos que funciona muy bien, un recurso que esperamos que sea útil para tus próximos trabajos de diseño gráfico.  Tere Vaquerizo (Música & Cine): Con la música bien pegada a tus orejas. Así es como deberías pasar el verano… Disfrutándola. Repito: disfrutándola. Es decir, prestando atención a lo que escuchas, parando un poco este ritmo frenético que nos acompaña el resto del año y centrándote solo en la música que salga de tus auriculares. Slow Music se podría llamar esto, como todos esos movimientos “slow” que abogan porque nos tomemos la vida con más calma. Ese es uno de mis propósitos veraniegos, darle al play y disfrutar sin hacer absolutamente nada más… Aunque también te puedo recomendar que tengas a mano este número doble de verano donde entrevistamos a Jillionaire de Major Lazer, al grupo londinense Jungle o a Teri Gender Bender de Le Butcherettes. Y si estás buscando una buena peli, no te pierdas lo nuevo de Jean-Pierre Jeunet, “El Extraordinario Viaje de T.S. Spivet”, que se estrenará el 4 de julio… Hagas lo que hagas disfruta, pero eso sí, en modo slow… ¡Nos vemos en septiembre!
Flechazo: “En mi adolescencia, durante los años 80, tuve una amistad única e intermitente con una persona muy libre a la que admiraba mucho. Él despertó mi curiosidad por todas las disciplinas artísticas y a partir de ahí encontré mi camino hacia la moda”. Glocal: “La producción 100% española ha sido un valor desde nuestros inicios. Al mismo tiempo, presentar nuestras colecciones en París y tener clientes en la otra punta del planeta nos ha hecho entender que el retailer que apuesta por Marlota es un profesional inteligente y concienzudo: compra estética, calidad y filosofía como parte de un todo. Y valora que nuestra producción sea local”. Equilibrio: “Hacer algo que te emociona te permite vivir con más energía, trabajar con más ilusión y crecer aprendiendo. Pero también son necesarios la dedicación y el método”. Ética: “Nuestro manifiesto se basa en pagar un precio justo por el trabajo realizado en talleres familiares de tradición textil para ganar también un margen justo. Esto permite defender el tejido social  y zonas muy maltratadas con las deslocalizaciones de los últimos tiempos. Esta coyuntura lleva a muchos artesanos y profesionales a la desaparición, y nuestro apoyo a ellos es firme y real. No creemos en fabricar en países donde la mano de obra no representa ni el 1% del precio final para luego vender con márgenes del 300%. Desde este punto de partida, respetamos y valoramos  el know-how y elegimos las mejores calidades; de hecho, a menudo nuestros tejidos coinciden con los de Lanvin, Chloé, Marni, Fendi o Missoni. De todo esto resultan piezas de alta calidad con un precio justo en su proceso y sin inflar el beneficio”. Isolation: “Nuestra colección O/I 2014-15 recoge el minimalismo y la excentricidad de los 90: oversize, superposición, mucho total look y, como es habitual en nosotras, mezclas inusuales de color. Solemos inspirarnos en el día a día, lo que está ocurriendo social y culturalmente en el mundo se traslada inevitablemente a la moda como una forma de expresión”. Referentes: “De Léos Carax a Wes Anderson, de Rilke a Houellebecq, de Joy Division a Klaus Nomi, de los prerrafaelitas a Bourgeois, de Simone de Beauvoir a todas las mujeres singulares”. Art Projects: “Lanzamos esta plataforma con el fin de compartir descubrimientos interdisciplinares fuera de los circuitos habituales. Flechazos artísticos. Esto también es la parte emocional de mi trabajo. Seleccionamos a los artistas de manera intuitiva. La clave es que el proyecto nos apasione, sea especial y tenga personalidad”. Proyectos: “Descubrir nuevos horizontes, colaboraciones, avanzar aún más en el 2.0. A finales del 2013 lanzamos nuestra e-shop, así que ¿por qué no abrir ahora una flagship store?”.    

www.marlota.es
adneo Texto: CARMEN COCINA
Maquillaje: Claudine Blythman.
Peluquería: Show Fujimoto.
Estilismo: Stella Gosteva.
Modelo: Max @ Profile.
Maquillaje: Claudine Blythman.
Peluquería: Show Fujimoto.
Estilismo: Stella Gosteva.
Modelo: Max @ Profile.
Maquillaje: Claudine Blythman.
Peluquería: Show Fujimoto.
Estilismo: Stella Gosteva.
Modelo: Max @ Profile.
Londres: “Estoy estudiando en la Central Saint Martins. He parado un año pero espero acabar el próximo marzo. Desde la distancia, he podido analizar quién soy cuando estoy fuera de casa: qué es único en mí y de qué sentirme orgullosa”. Lujo: “Todos los ucranianos tenemos ese extraño gusto por el lujo en nuestro yo más profundo. Está en nuestra cultura el deseo de aparentar un estilo de vida lujoso. Me di cuenta analizando los chistes que la gente hacía sobre nuestro estilo. Yo lo encuentro cool porque los demás no lo tienen, es una seña de identidad. He exagerado esta idea de lujo y la he puesto en una sudadera destinada al consumo de masas. Era una contradicción que me parecía interesante”. Syndicate of Kiev: “La marca no me da pautas a la hora de diseñar, me guío por mi intuición. Puede ser arriesgado, pero me gusta pensar que la combinación de lo conceptual y lo comercial es interesante y accesible al mismo tiempo. Ya estoy trabajando en mi tercera colección con ellos”. Target: “Hago mis prendas para alguien a quien le gusta soñar y analizar, a veces con un poco de sarcasmo. Ahora estoy familiarizada con una producción más comercial pero espero ascender de nivel en un futuro próximo produciendo una temporada completa”. Odessa: “Mi casa está en el sur, donde la gente es apasionada y tiene la idea de que más es mejor. El verano pasado vi allí una exposición del director de cine de culto Paradzhanov y fue muy inspirador para mí, por eso nombré así la colección: Odessa Series”. Kiev: “Siempre he viajado entre Odessa, donde vive mi familia, y Kiev, donde es más fácil trabajar por ser la capital, pero no puedo imaginarme a mí misma viviendo en una ciudad durante mucho tiempo”. Ucrania: “Me gustaría destacar que en Ucrania no tenemos problemas nacionalistas peligrosos entre quienes hablan ucraniano y quienes hablan ruso, como inventan los medios rusos. Somos un país pacífico que queremos una nación moderna, no volver a la URSS. Tenemos un proyecto solidario para apoyar a las víctimas de las protestas donde puedes comprar una de mis camisetas www.protestesheart.com. Estaré feliz si puedo ayudar a alguien”. Comunicación: “Mi objetivo es establecer comunicación con el espectador y la moda es una de las muchas maneras de comunicarme, la más interesante para mí por el momento. No creo que sea una buena diseñadora, más bien una soñadora”.

www.mashareva.com
sndct.com

adneo Texto: LUISA BERNAL · Fotos + Dirección Creativa: MADAME PERIPETIE
Maquillaje: Claudine Blythman.
Peluquería: Show Fujimoto.
Estilismo: Stella Gosteva.
Modelo: Max @ Profile.
Pregúntele al de al lado. 2012.
Cortesía Raqs Media Collective &
Frith Street Gallery, Londres.
Revoltage, 2010. Cortesía Raqs Media Collective
& Project 88, Mumbai.

Pregúntele al de al lado. 2012.
Cortesía Raqs Media Collective &
Frith Street Gallery, Londres.

CA2M Raqs Media Collective Marks 2012
Aquí, en otro lugar (Rueda de escape) 2009-2014.
Cortesía Raqs Media Collective
& Frith Street Gallery, Londres.

A principios de la década de los noventa en Delhi, Jeebesh Bagchi, Narula Mónica y Sengupta Shuddhabrata se unieron con la intención de profundizar en una serie de intereses muy concretos hacia el cine documental y sus formas de diálogo político. Raqs Media Collective es fruto de estas iniciativas y puede ser entendido como una exploración de las capacidades de intervención colectiva en la vida cotidiana que el arte es capaz de ofrecer. Los films, el comisariado, los programas educativos, la edición de libros, el diseño de programas de código abierto o las performances se presentan como herramientas de invención capaces de pensar un entorno específico de un modo diferente. El espacio urbano es para el colectivo no solo un escenario de relaciones contemporáneas, sino una trama migratoria de las sinergias de nuestro tiempo. Para Raqs solo a través de la imaginación y la especulación es posible generar nuevas vías de pensamiento e intervención. Por ello sus obras y señalamientos escapan de la denuncia y se despliegan en entornos donde las lógicas aún no han concluido. Bajo el título “Es posible porque es posible” llegan al CA2M de Móstoles, para presentar un proyecto expositivo de observación política, cuyo punto de inflexión interroga los posibles modos de actuación tanto a nivel individual como social. El modo en que la sociedad es regulada por patrones temporales es entendido por Raqs como una de las lógicas centrales de nuestro presente, de allí que ocupe un lugar destacado en la exposición. La fricción alojada en el cuerpo de cada trabajador, repartida entre tiempo de trabajo y ocio, está presente en los relojes que distribuyen el día en horas de afecto y deseo (Now, Elsewhere - Escapement) y en otras de las piezas aquí reunidas. Apelando a establecer un tipo de participación que se desmarca de cierta tradición estética, Raqs se sumerge a su vez en la recreación histórica, es el caso de “However Incongruous” donde traen a escena al primer rinoceronte que llegó a Europa desde Goa (India) y que arribó a Lisboa en 1514. Pero como con cada una de sus intervenciones escapan de la linealidad narrativa, a cambio ofrecen una situación donde el sentido será producido por cada uno de nosotros.

Hasta el 19 de octubre, www.ca2m.org
adneo Texto: MARIANO MAYER
Shahryar Nashat. Hustle in Hand, 2014. Captura de vídeo.
Alberto Baraya. Expedition Berlín,
Herbarium of Artificial Plants, 2013.
Foto: Anders Sune Berg.

Mario García Torres. Sounds Like Isolation to Me.
Vista de la instalación. Foto: Anders Sune Berg.

Desde su primera edición en 1998 la Bienal de Berlín ha establecido una relación analítica con la ciudad de Berlín. Y no es simplemente una cuestión de estrategias discursivas, sino una situación particular en términos históricos y culturales que desde hace tiempo vive la ciudad. Promover este tipo de análisis dentro de una escala manejable, tanto para visitantes como para organizadores, hace de la Bienal un entorno bien particular. La octava edición de la Bienal de Berlín, al igual que las ediciones anteriores, se para sobre su propio legado para ofrecer ciertas alternativas y reinvenciones. En este caso, la edición comisariada por Juan. A. Gaitán junto a un equipo multidisciplinar entre los que figuran artistas como Danh Vo y Olaf Nicolai, coloca a las obras y las experiencias estéticas que estas emiten en primer plano y revisa el entramado institucional de la ciudad, para investigar los modos de conexión entre propuestas expositivas y escenarios de articulación. Así, sus cuatro sedes son a su vez soportes y espacios de experimentación entre pasado, presente y futuro. Estas sedes son Kunst-Werke, el espacio más visible de la Bienal; el Museen Dahlem, un espacio habitado por distintos  museos etnográficos; la villa privada Haus am Waldsee y el espacio ideado por Andreas Angelidakis llamado Crash Pad, alojado en la propia Kunst-Werke. La elección de espacios dedicados en exclusiva al arte y la cultura, y no adaptados de manera temporal, contiene una declaración de principios sobre el rumbo que ha tomado la ciudad en los últimos años y a la vez un comentario muy directo sobre los modos en los que se contextualizan y retroalimentan obras y espacios. El listado de artistas es acotado y su escala espacial en muchos casos responde a las relaciones que establecen. Artistas como Christodoulos Panayiotou, Rosa Barba, Mariana Castillo Deball, Tacita Dean, Mario Garcia Torres o Anri Sala expanden y concentran sus presentaciones. El caso de Tarek Atoui de alguna manera puede resumir el interés en ciertos legados de esta edición. Atoui ha realizado una selección de los instrumentos musicales que exhibe el Ethnologisches Museum y ha invitado a diversos artistas a ejecutarlos.
 
Hasta el 03 agosto, www.berlinbiennale.de
adneo Texto: MARIANO MAYER
El porvenir. 2011. Vídeo 8 min.
2014 J.C. medina (zapatos de Tetuán)
El mapa de Estambul II. 2010. C-Print.
El porvenir. 2011. Vídeo 8 min.
Medina (Tetuan). 2014. C-Print.
Vista de la exposición.
Como ya es habitual en el trabajo de Jordi Colomer la arquitectura está de nuevo muy presente en esta exposición. El vídeo que da título a la muestra, titulado “L’avenir” (el porvenir), nos introduce en un paisaje de hombres y mujeres de todas las edades, hablando distintas lenguas, que transportan los módulos de un edificio. Después de un banquete festivo empiezan a levantar una construcción monumental que no es otra cosa que un falansterio. Un proyecto del socialista utópico Charles Fourier. Sus falansterios eran unidades autónomas y autosuficientes de no más de 2000 personas, que vivirían juntas en un gran edificio que contaría con todos los servicios públicos necesarios. Cada uno de estos individuos tendría libertad para elegir su trabajo, y para cambiarlo cuando quisiera. La idea era conseguir una vida lo más cómoda posible donde cada uno pudiera desarrollar sus pasiones. Después de ver esta versión utópica de Colomer, nos encontramos, en otra de las salas de la galería con la serie de 24 carteles titulada “Crier Sur Les Toits”, que viene a significar algo así como “gritar en los tejados”, o “gritar a los cuatro vientos”, y con la que el artista nos invita a subir a las azoteas de los edificios urbanos para gritar a pleno pulmón lo que nos plazca. Colomer llama la atención así sobre estos espacios que denomina “huérfanos” y que cada vez están más alejados del uso social que tenían en sus orígenes. También en las alturas se desarrollan otros dos interesantes videos que pueden verse en la exposición, realizados recientemente por Jordi Colomer en Tetuán (Marruecos). En el primero, titulado “Medina-Parkour”, se hace referencia a esta práctica urbana, pero siguiendo esta vez el movimiento de los gatos y los niños, que son los habitantes habituales de las azoteas de la ciudad marroquí. En el segundo video, “Medina (Zapatos de Tetuán), una montaña de zapatos aparece y desaparece entablando diálogo con el perfil de la ciudad.  

Hasta finales de julio. Galería Juana de Aizpuru. Barquillo, 44. Madrid. www.juanadeaizpuru.es
adneo Texto: SOFÍA DOS SANTOS
Chair Wear, diseño de Studio Bernotat.
Foto: Marleen Sleeuwits.

Claude lamps, diseño de Annika Frye.
ISSEY MIYAKE,
Photo by Hiroshi Iwasaki
Vivimos en una sociedad cada vez más desestructurada debido a la crisis económica tan larga que estamos sufriendo y que además ha hecho que nos volvamos demasiado protectores, dice Li Edelkoort. La comisaria experta en tendencias se refiere efectivamente al mundo del diseño industrial, que no arriesga casi nada en los últimos tiempos. Lo vemos edición tras edición del Salone del Mobile de Milán, el que ha sido el mega evento del año en todos los sentidos hasta hace relativamente poco tiempo y que, aunque sigue siéndolo en cuanto a dimensiones, está empezando a volverse también mega aburrido por su acusada falta de renovación y frescura. Esto unido a la creciente virtualización de la sociedad, ha ido desplazando a los diseñadores hacia la esfera de la producción artesana, buscando una mayor humanización de los procesos de elaboración pero sin caer en la mera repetición de habilidades, un valor artesano que mal gestionado juega en su contra. Se trata de una nueva aproximación a la artesanía que mezcla lo mejor del diseño industrial y lo mejor del mundo artesano renovando los procesos de elaboración de ambas disciplinas con grandes dosis de creatividad y pocos medios, por eso algunos de ellos son muy de andar por casa como pone de relieve la exposición “Gathering: from domestic craft to contemporary process” comisariada por Li Edelkoort y que a partir del mes de julio se podrá ver en el Design Museum Holon. Así, técnicas como el plisado, el drapeado o el acolchado, materiales como el fieltro o las cinchas, y prácticas como hacer punto o el horneado caracterizan los procesos de diseño recopilados en esta muestra aportando un exuberante volumen y acabado a las piezas firmadas entre otros por Tord Boontje, Erwan & Ronan Bouroullec, Kiki van Eijk, Arik Levy, Bertjan Pot, Raw Edges, Inga Sempé, Fredrikson Stallard, Patricia Urquiola, Tokujin Yoshioka e Issey Miyake.

Del 3 de julio al 25 de octubre en Design Museum Holon, Israel.
www.dmh.org.il

adneo Texto: TACHY MORA
Escritorio Scarpa de la colección Gridlock
Mdf vessels. Colección privada © Justin Boberly
Philippe Malouin en su estudio de Londres. 
Lámpara Gridlock 193 para Roll & Hill.
Skinny Lights and Hooks de la colección
Standard Range. © Oliver Holms.

The Hardy Stool para Kvadrat.
Typecast chair © Eva Feldkamp.
Londres: "Me mudé a Londres hace 7 años. Tras terminar mis estudios en la Design Academy de Eindhoven, tenía que realizar un periodo de prácticas para poder recibir el título. Tuve la suerte de que mi trabajo de final de carrera fuese seleccionado para representar a mi escuela en el Salone de Milán, allí conocí a Tom Dixon  quien me ofreció un puesto para trabajar en su estudio. Él fue la razón por la que me mudé a Londres". Avanzar: "Trabajaba para Tom Dixon a tiempo parcial mientras seguía desarrollando mis propios proyectos, hasta que llegó un momento en el que empecé a estar demasiado ocupado con mis propios encargos y tuve que dejar la firma y montar la mía propia". Volver: "Soy originalmente de Canadá pero realmente no creo que vuelva, más allá de cuando me jubile o para visitar a la familia. Me mudé a Europa gracias a una beca del gobierno y aquí he encontrado una cultura muy amplia del diseño que perdería si volviera. Además allí no tendría la libertad para desarrollar los proyectos que ahora hago". Estructura: "Ahora mismo somos un equipo muy pequeño, sólo contactamos con gente externa para proyectos determinados y así es como nos gusta trabajar para controlar al detalle todos los proyectos, tanto desde mi propia firma como desde Post-Office, el spin-off donde desarrollo los proyectos más enfocados a espacios y diseño de interiores". Formatos: "Nos gusta trabajar en cualquier formato y con clientes de todo tipo lo que me permite no encasillarme. Esto sólo es posible en un contexto europeo y en una ciudad como Londres". Disfrutar: "Quizás donde más disfruto es en el diseño de mobiliario o de piezas específicas, donde puedo controlar mucho más todo el proceso, los parámetros que afectan al producto y los presupuestos". Encargos: "Siempre he sido muy tímido para ir tocando puertas ofreciendo mi trabajo y he tenido la suerte de que nuestros proyectos le han gustado a determinadas personas que nos han hecho encargos directamente, esto ha facilitado mucho las cosas. Además suelen darnos completa libertad creativa lo cual mola mucho, pero a veces nos gustaría también tener algún cliente que nos ponga barreras y tener nuevos desafíos". Epifanía: "Cada proyecto está marcado por un aspecto diferente, por algo que nos interesa en un momento específico, pero quizás si tuviera que nombrar algo en particular que conecta todo nuestro trabajo, eso sería el proceso creativo en sí mismo. Nuestros diseños son como son por el propio proceso creativo, no diseñamos una pieza y luego vemos cómo hacerla posible, sino que es más una investigación en sí misma con materiales y técnicas que dan como resultado un producto". Kvadrat: "Un ejemplo clarificador de nuestra forma de trabajar es la seria de taburetes diseñados para Kvadrat. Nos dieron completa libertad para diseñar lo que nos apeteciera y comenzamos a experimentar con las telas, pegándolas, laminándolas, cortándolas, enrollándolas y voilà, así apareció la solución. El Hardie Stool no necesita de estructura, enrollando las telas a mucha presión y encolándolas conseguimos una estructura igual de resistente que el acero. No hubo diseño previo, el proceso fue la solución en sí mismo". Gridlock: "En un viaje a Tailandia descubrí las estructuras utilizadas para las vallas publicitarias, unas estructuras repetitivas increíblemente altas y extremadamente sencillas de andamios adosados a los edificios junto a la autopista. Decidí experimentar con esas estructuras a una escala mucho más pequeña y ligera, y generamos trece tipos de piezas que permiten conectar las varillas y generar casi cualquier estructura reticulada. Ha sido un proceso largo de investigación hasta llegar al diseño final".
Industrialización: "Me interesa generar productos que tienen la apariencia y calidad de haber sido producidos industrialmente pero que sólo son posibles con la acción humana. Esto sucede por ejemplo con el sistema Gridlock o la alfombra Yachiyo que pese a su aspecto, en realidad deben ser ensamblados completamente a mano".


www.philippemalouin.com

adneo Texto: GONZALO HERRERO DELICADO  Foto retrato: JOSÉ RICO PÉREZ
Disco: “‘Cry is for the flies’ se grabó hace dos años, en tan solo dos semanas.  Con este disco hemos querido demostrar todos los colores y facetas que tiene Le Butcherettes. A nivel personal, he descargado todas mis fuerzas en él; ha sido una forma de homenajear a mi madre que, como actriz, es capaz de mostrar múltiples caras. Cada canción de este disco es un personaje diferente con un tono de voz distinto”. Flashback: “Cuando miro atrás y me remonto a aquel primer EP ‘Kiss and Kill’ (2008) lo veo con orgullo. Inicié la maquinaria de Le Butcherettes yo sola, ahorrando para lanzar las copias, haciendo el diseño del disco, buscando al ingeniero de sonido… Fue algo totalmente independiente porque nadie nos ayudó en Guadalajara por aquella época, pero me trae buenos recuerdos”. Evolución: “En el primer disco, ‘Sin Sin Sin’ (2011), menos era más; le dimos forma tan solo con una guitarra y una batería. Este segundo álbum supone un paso más en sonido, con el uso de sintes, órganos y otros elementos; nos hemos atrevido a experimentar más. El  resultado demuestra nuestro lado más oscuro y a la vez más detallista”. Track 5: “Contar con Henry Rollins ha sido increíble, sus aportaciones causan intriga y emoción. Siempre ha defendido nuestra banda y nos ha tratado muy bien en su programa de radio; así que introducir un speech suyo en el corte 5 del disco, en lugar de una canción, ha sido una forma de darle las gracias. Enseguida captó el concepto de nuestro álbum e hizo un discurso basado en el sentimiento de culpa, donde narra cómo, casi siempre, tú eres tu peor enemigo”. Feminismo: “Ha muerto. Esta palabra ha sido tan utilizada que ya ha perdido significado. Para decir que se es ‘algo’,  o que perteneces a un colectivo, lo primero que hay que hacer es tener consciencia de los demás. Ahora parece que para ser algo tienes que atacar lo contrario. En el rock, afortunadamente, cada vez hay más bandas integradas y lideradas por mujeres, pero sigue siendo una escena principalmente de hombres”. Rock carnicero: “Esta forma de definir nuestra música corresponde a una etapa de mi vida en México. Yo era muy rebelde e iba a contracorriente, tenía mucha ira dentro por la pérdida de mi padre. Aparecíamos en el escenario con sangre, cabezas de cerdo, escobas y otros elementos provocadores… Siempre hemos defendido los derechos de los animales, aunque muchos nos hayan tachado de hipócritas por utilizar esto en nuestros conciertos. Realmente lo hacíamos como una forma de arte, era una reivindicación provocadora de esos derechos naturales. Ahora siento que esa época y actitud ya pasaron, ya no estamos en ese punto”.        

“Cry is for the flies” está editado por Nadie Sound
lebutcherettes.net


adneo Texto: SARA MORALES
Naima
Céline McLorin (izq.) y Stacey Kent (dcha.)
Decía Federico García Lorca que las únicas cosas que Estados Unidos había dado al mundo eran “los rascacielos, el jazz y los cocktails”. Seguramente se salve alguna más, pero desde luego, en estas tres estamos totalmente de acuerdo con el poeta granadino. Nuestro país también ha dado, y da, grandes cosas al mundo, y entre ellas podemos presumir de tener buenos eventos de jazz.  Uno de ellos es este veterano festival que tiene lugar en Valencia y que va ya por su 18ª edición. El Seagram’s Gin Jazz Festival se celebrará del 28 de junio al 15 de julio y tendrá como sede de nuevo el Palau de la Música de la ciudad levantina. Como novedad, en esta edición, aumenta el número de conciertos, pero manteniendo, claro está el nivel de pasadas ediciones. El festival se inaugura con el concierto gratuito, en los Jardines del Palau, de Chuchito Valdés Quartet. El pianista cubano, hijo de Chucho, y nieto de Bebo Valdés, presentará su último trabajo, “La senda de los elefantes”.  Otro concierto destacado será el de Judith Jáuregui & Pepe Rivero, que nos demostrarán cómo es posible fusionar jazz y música clásica interpretando diferentes obras de Chopin con dos pianos enfrentados en el escenario. También pasarán por el festival varios artistas que han recibido o han estado nominados en los Grammy, como Céline McLorin Salvant, nominada el año pasado a mejor disco de jazz vocal con “Woman Child”;  Stacey Kent, nominada también a un Grammy por “Breakfast on the morning train”; Children of the Light Trio, que recibieron dos Grammy cuando formaban parte del cuarteto que incluía a Wayne Shorter; o Freddy Cole, que con su cuarteto homenajeará a su hermano Nat King Cole y que también fue nominado por su disco “Freddy Cole sings MR.B”. Y como ya es habitual, no podía faltar la representación valenciana, esta vez con los directos del grupo Naima y de la Orquestra “A base de sopro” de Sedajazz & Thais Morell. Además, como cada año, habrá jam sessions después de cada concierto en el Hall de los Naranjos. Gin y jazz, ¿qué más se puede pedir?

festivaljazzvalencia.com
adneo Texto: SOFÍA DOS SANTOS
Tras captar los primeros signos de atención con los singles “Platoon” y “Busy Earnin’”, así como sendos vídeos convertidos en virales, la banda inglesa pretende ampliar su radio de acción mediante la elaboración de un soul rabiosamente moderno, que picotea de la música disco, el electrofunk, el R&B y gran variedad de estilos, y en el que prima el ritmo bailable. El sello XL Recordings les facilita la misión editando este mes su opera prima, un “Jungle” que han producido por sí mismos entre su estudio casero en Shepherds Bush y el estudio del sello en Ladbroke Grove. Hablamos por teléfono con Josh (“J”), la mitad del dúo. Orígenes: “Tim y yo nos conocemos desde hace quince años, somos amigos desde la infancia. En lugar de pasar el tiempo jugando al fútbol, la consola o yendo al cine, para nosotros la música siempre fue nuestro pasatiempo favorito. El año pasado fue cuando empezamos a producir nuestro propio material: creando algunos beats, escribiendo canciones y buscando la melodía adecuada. Luego empezamos a escribir más canciones, y sacar más música, hasta dar con una banda para interpretarla.” Sonido: “Nuestro motor musical funciona a base de 'inputs' visuales. No nos gusta la idea de basar nuestro sonido en la copia de otros. Estamos más influenciados por los videojuegos, las películas o los lugares físicos que por discos o artistas concretos. Siempre intentamos combinar todos estos elementos en nuestra cabeza para dar con un sentimiento específico, y a partir de allí buscar la canción que se ajuste a éste, inspirada por éste.” Busy Earnin’: “Fue una de las canciones más duras para nosotros. Nos llevó mucho tiempo terminarla aunque la idea llegó bastante rápida. Al final tuvimos hasta 18 versiones distintas, pero elegimos la que más se adaptaba a esa idea inicial.” Vídeos: “ Para nosotros el componente visual es muy importante, como he mencionado nos montamos nuestra propia película en la cabeza antes de sacar una canción, y siempre hay un sentimiento que lo engloba. Creo que hasta la fecha los vídeos de nuestras canciones son una expresión de nuestro sonido y las emociones que nos mueven. En el vídeo de Platoon, por ejemplo, buscábamos utilizar el cuerpo de un niño mientras baila en modo ‘copycat’, y fue bastante mágico el resultado. Pero no creo que nuestros vídeos sean demasiado originales.” Directos: “Nos encanta la idea de una ‘big band’, por eso somos siete en el escenario durante los conciertos. También encontramos interesante la tensión entre lo electrónico y el sonido orgánico. Es algo que creo que exploramos en el disco, y también nos gusta hacerlo encima del escenario.”      

Jungle está editado por XL Recordings y distribuido por Everlasting.

junglejunglejungle.com

adneo Texto: MARC MUÑOZ · Foto: OLIVER HADLEE PEARCH
Jillionaire
Jillionaire
Jillionaire
Jillionaire
Las gafas de Jillionaire: Unas Marc
by Marc Jacobs Monochrome
www.marcjacobs.com

Origen: “Haber crecido en Trinidad me ha enriquecido mucho culturalmente porque hay mucha música, mucha mezcla, tenemos el carnaval allí. He crecido en una diversidad cultural muy grande que te da mucha apertura mental”. Inicios: “Me gusta la música desde que era niño. Empecé a pinchar en el instituto, sólo como hobbie, y luego en el 2009 se convirtió ya en un trabajo a tiempo completo. Lo que me motivó o los que me motivaron a adentrarme en la música fueron ídolos como Carlos Santana, Michael Jackson, Prince, Boy George…”.  Major Lazer: “Comencé con Major Lazer en el año 2008 cuando colaboré con ellos en su segundo disco, Column, y nos hicimos amigos. Y de ahí hasta ahora.” Sello: “Durante los últimos cuatro años he viajado mucho y he conocido a muchísima gente joven con mucho talento, por eso, para poder darles una oportunidad he creado mi sello Feel Up Records, para poder ayudarles, usar mis contactos y que así puedan tener una carrera, para llegar al gran público.” Estilo: “Mi estilo musical es muy diverso, me gusta mezclar reggae, soul de Jamaica… intento mezclar muchos elementos como música callejera o música de club, creo que todos pueden coexistir.” Consejo: “Si algún joven que quiera dedicarse a la música me pidiera consejo le diría, primero, que no lo hiciera (risas) y le diría también, que, sobre todo, se mantuviera firme y constante y que no se rindiera, que trabajara duro porque es complicado y te llevas muchas decepciones, así que sólo puedes seguir adelante siendo entusiasta y estando motivado por lo que haces.” Influencias: “Mis mayores influencias en música son Diplo, Switch… toda la escena electrónica de UK en el año 2008 y 2009. Aunque tengo tantas… también toda esa gente joven que tiene 18 o 19 años, y le ponen muchas ganas.” Marc by Marc Jacobs: “Comencé la colaboración con Marc by Marc Jacobs porque mi agente me lo comentó y me pareció una estupenda idea porque me gusta mucho la firma y pensé, ¿por qué no?, hagámoslo, y aquí estamos. La experiencia está siendo increíble porque me encanta Barcelona, el equipo es fantástico, el ambiente es estupendo y las gafas me encantan”. Moda: “La moda me influye un poco, no mucho, no me considero fashionista, pero creo que sí, intento estar a la moda.” Futuro: “Espero seguir haciendo música, seguir grabando, seguir tocando, yendo de gira... Ese es mi mayor deseo.”        

“FRESH” su EP junto a Sangin y Salvatore Ganacci está editado y distribuido por Universal.
soundcloud.com/jillionaire


adneo Texto: NADIA LEAL
Si tecleas su nombre en Google te aparecerán varias noticias relacionadas con actrices indias. Por ahí vas mal, solo cuando veas el nombre de Gilles Peterson al lado de Anushka sabrás que has dado en el clavo. Este dúo de Brighton, la ciudad donde el underground cada vez se convierte más rápido en mainstream, acaba de publicar su disco debut, “Broken Circuit”, en Brownswood Recordings, el sello de Gilles Peterson. El dúo lo forman el productor Max Wheeler y la cantante/compositora Victoria Port. Lo suyo es música de baile, pero con un rollo más melódico, y con muchas influencias de R&B, Nu-Disco o Soul. Ya les comparan con AlunaGeorge, o con otros proyectos más veteranos como aquel Breakbeat Era que formaron a finales de los noventa Roni Size, Dj Die y la vocalista Leonie Laws. En septiembre podremos verles en directo en nuestro país, será el día 11 en Mallorca Rocks y el 19 en Ibiza Rocks. 

www.anushkaofficial.com
Texto: Terevisión Ruiz
El chef, con dos estrellas Michelin en su haber, ha desvelado por fin la carta del nuevo restaurante Estado Puro recién inaugurado en el Hard Rock Hotel Ibiza, un hotel de cinco estrellas ubicado en Playa d’en Bossa. El gastrobar Estado Puro nació en Madrid hace ya seis años con una idea muy clara: renovar de forma creativa el tradicional bar de tapas. Una exitosa idea que llega ahora también a Ibiza, en un espacio con capacidad para 300 personas dividido en zona para tapeo informal y otra para comer a la carta, previa reserva. En Estado Puro encontrarás clásicos de toda la vida, como unas buenas croquetas, pero también delicatessen como ostras cocinadas en escabeche o alcachofa con huevo de codorniz y huevas de trucha. Y si lo que buscas es algo verdaderamente exclusivo, Paco Roncero también está al frente de Sublimotion, el que dicen que es el restaurante más caro del mundo, ubicado también en Hard Rock Hotel Ibiza. 

www.pacoroncero.com
www.hrhibiza.com

Vivencias: “Mi experiencia en la universidad ha sido muy intensa. Es la época de experimentar, de equivocarse un millón de veces y de aplicarse en aprender. Tener una base teórica es fundamental para conocer el porqué de las cosas. Es una buena forma de marcar la diferencia. Además he tenido, y tengo, grandes maestros, personas a las que admiro también por su calidad humana y que considero clave en el proceso de aprendizaje. Hay que disfrutar estos años que pasan volando”. Mundo laboral: “Desde la Universidad, mi salto al mundo profesional se produjo de la mejor forma posible. Todo el esfuerzo se vio recompensado con la oportunidad de seguir creciendo en un lugar como Saffron Brand Consultants, rodeado de fantásticos profesionales que me permitieron implicarme en proyectos fascinantes de branding para clientes de todo el mundo”. Branding: “Me gusta el branding porque involucra a todos los agentes del diseño, está en la calle y tiene repercusión. Ayudar a las marcas a definirse a sí mismas es muy interesante, se trata de mantener un discurso y no traicionarlo”. Ilustración: “La ilustración de Wally Olins que podéis ver aquí está dando la vuelta al mundo después de su fallecimiento. Se está convirtiendo en un icono, me siento orgulloso de haberla hecho yo.” Futuro: “En la situación actual me desagrada que haya tantos jóvenes formados que no pueden encontrar trabajo. Tener a tanta gente capacitada sin producir es una tremenda irresponsabilidad. Sin embargo, afronto mi futuro con mucho entusiasmo. Me apasionan muchas cosas y quiero dedicarme a todas ellas en algún momento, pero hay que ir paso a paso, aprendo de todo lo que me rodea y cada día me siento mejor preparado para enfrentarme a lo que venga. Quiero seguir formándome, creciendo como profesional y como persona, y algún día me gustaría emprender mi propio negocio”.   

www.universidadeuropea.es
adneo Texto: SOFÍA DOS SANTOS
“La música une a las personas más que cualquier otro fenómeno en el mundo. La música nos hace sentirnos iguales, vivir las mismas emociones y todos participamos en ella”. Esto lo dice Pepe Rosselló, el fundador de Space Ibiza, un club considerado el mejor del mundo, que nació en 1989 en Playa d’en Bossa, convirtiendo este enclave en la meca de la música electrónica. El próximo 13 de julio celebrarán sus 25 años de vida y lo van a hacer con una buena representación de los artistas que han pasado por su cabina durante todos estos años. El line-up todavía es secreto pero estamos seguros de que estarán los mejores. Y habrá además muchas sorpresas, así que no lo dudes y save the date: el 13 de julio tienes fiesta de cumpleaños. 

www.spaceibiza.com
Texto: Sofía Dos Santos

Así es como te sentirás en cualquiera de las 493 habitaciones del nuevo Hard Rock Hotel Ibiza. Un hotel donde la música está muy, muy presente, de hecho, en las Suites más Premium encontrarás memorabilia de artistas como David Bowie o Bob Marley. Y si quieres vivir una experiencia única aquí tienes opciones de sobra. Podrás, por ejemplo, disfrutar del sol a tu anchas desde la Deluxe Swim-Up, con acceso privado a una piscina tipo río; relajarte en la Studio Suite Gold con su impresionante bañera tipo spa integrada en una cabina acristalada con el Mediterráneo de fondo; o sentirte como una estrella en la Rock Star Suite, de 165 metros cuadrados, ubicada en la última planta, con unas vistas increíbles de la Playa d’en Bossa. Ve reservando, que el verano promete.

www.hrhibiza.com
Texto: Sofía Dos Santos


SDP 3.0 Ibiza 2014: El primer hotel Hard Rock de Europa acogió el mayor evento anual de esta firma de peluquería de culto, donde se descubrieron las nuevas tendencias de la temporada bajo las mismas premisas que llevan funcionándole desde 1973: reinventar el estilo, explorar todas las posibilidades y crear patrones revolucionarios. Armados de móviles y tabletas los estilistas registraron que el futuro se llamará Totemic, la nueva colección que Sebastian pondrá en marcha este mes de julio, y con la que pretende regresar a los orígenes del trabajo manual con el cabello. “Hemos tomado técnicas tradicionales de alrededor de todo el mundo, como la fabricación artesanal de máscaras, joyería o atuendos tribales, y las hemos deconstruido y reinventado para aplicarlas al cabello”, explica Michael Polsinelli, Director Artístico Global de Sebastian. What’s Next: La final de What’s Next Challence (WNC) dejó al jurado con la boca abierta. Así lo confirmaron Reto Camichel, del equipo artístico internacional de Sebastian desde Sudáfrica, Cristina Rodrigues, del equipo artístico de Portugal, el estilista de moda José Herrera, que ya ha trabajado para diferentes eventos de Sebastian, el representante  de los peluqueros de Italia Giorgio Parivechio, y el ganador de WNC 2013, Juan Castañeda. Diez representantes de los propietarios y nueve de los empleados se la jugaron siendo fieles al objetivo de Sebastian de introducir una nueva dimensión en la moda y el estilo. Los ganadores fueron, en la categoría de propietarios, Gloria Aledo, del Salón Gloria Aledo (Murcia) y en la de empleados Maisie Katherine de Facto B.A. (Lisboa), que como premio pasarán a formar parte del Cult Team de Sebastian durante el año FY 1415 (Julio 14 a Junio 15). Show Sebastian: El color negro como dress code sirvió para llenar de sofisticación el Show Sebastian 40 aniversario. Un evento que no habría sido posible sin la voz de Alexandra Querido, Education Manager de Sebastian Portugal, y de Jose Angel García Bernad, Education Manager de Sebastian, y las manos maestras del equipo de Educación en España, formado por Jordi Esteve, Raquel Abril, Sandra Burguete, Inma Blasco, Juan Carlos Bahón y Lourdes Marroquí, el Cult Team de Sebastian España. El acto, marcado por una espectacular puesta en escena, sirvió como homenaje a los productos icónicos de la marca durante las últimas cuatro décadas. La primera de tantas ideas transgresoras, recordó García Bernad, tuvo lugar en la capital del estilo, Los Ángeles, de la mano de la co-fundadora de Sebastian, Geri Cusenza, que inventó la “crimping iron”, la plancha de rizar el cabello. Pero también destacó del desfile el papel que ha jugado Drynamic, un producto que aporta volumen instantáneamente, en cuanto entra en contacto con el cabello, haciendo que se expanda.

www.sebastianprofessional.com/es-ES/home
adneo Texto: RICARDO F. COLMENERO
Elena Anaya, caracterizada al más puro estilo Bowie, se convierte en la protagonista del spot oficial de la Mostra Fire!! que este año celebrará su 19ª edición bajo el lema “We Can Be Heroes”. Y es que efectivamente Bowie ha sido el referente, ético y estético, de esta nueva edición del festival de cine LGBT, al que también se le dedica una retrospectiva en el mismo. Esta vez Fire!! presenta 41 títulos, entre largometrajes, documentales y cortos, 14 de ellos estrenos en nuestro país. Además de las proyecciones que tendrán lugar en el Instituto Francés, su sede habitual, habrá actividades paralelas como conciertos, cine al aire libre y hasta una fiesta en la Sala Apolo. Y recuerda, Fire!! no es un festival para gays, es un festival para los amantes del buen cine.

Del 2 al 13 de julio. Instituto Francés. www.mostrafire.com
Texto: Sofía Dos Santos
Foto: Manolo Pavón

¿Te haces las uñas?, ¿o te haces la barba? Lo mismo quieres hacerte las dos cosas, sea como sea, esta es tu oportunidad de ir como un pincel a coste cero, porque desde el pasado mes de mayo la Perrier Van Barber Shop & Nails tiene como único objetivo arreglar tus barbas y embellecer tus uñas. La furgoneta ha estado rodando por las calles de Madrid y ahora ha llegado a Barcelona, donde la encontrarás hasta el próximo 14 de julio. En la furgoneta madrileña viajaron Teresa Cobo de Nailistas y el barbero de Paco Cabello. Ellos fueron los encargados de darle una alegría a todo aquel que se acercó a la Perrier Van, situada siempre en puntos estratégicos de la ciudad, es decir, cerca de los mejores eventos culturales y musicales. En Barcelona son las estilistas de Nails on the Block y el barbero de Krispy Cuts Barber Shop los que pondrán sus habilidades a tu servicio. Por esta original furgoneta han pasado también embajadores de la marca como Alaska, Brianda Fitz-James Stuart y Santi Balmes, de Love of Lesbian. Aunque Perrier no necesita presentación, es posible que no sepas que la marca celebró el año pasado su 150 aniversario, y que además es el agua con gas más vendida en el mundo. Y a lo mejor tampoco sabes que el agua Perrier nace en Vergéze (Francia) y debe su nombre a Louis Perrier, el médico que fue propietario del manantial de donde se obtiene el agua. Más tarde pasó a manos de un aristócrata inglés que ya empezó a comercializarla en su envase de cristal verde inconfundible. En 1914 ya producían la friolera de 10 millones de botellas, y en los años 50 se vendían unos 131 millones de botellas al año. En 1992 Perrier entró a formar parte del grupo Nestlé. Y ahí siguen, posicionados como una de las mejores aguas con gas del mundo. Todos estos datos te harán quedar como un señor, o señora, cuando te acerques a ponerte guapo a la Perrier Van. Búscala los jueves y sábados cerca de los mejores eventos de Barcelona.

societeperrier.com/spain
www.facebook.com/perrierespana
www.twitter.com/perrierspain
adneo Texto: SOFÍA DOS SANTOS
¿Aún no has probado J&B URBAN HONEY? J&B reinventa la forma de tomar whisky y te presenta la manera perfecta de degustarlo con un nuevo combinado de sabor suave y refrescante. J&B URBAN HONEY se sirve en un distintivo y reconocible tarro de miel, potenciando así una innovadora experiencia de sabor, conquistando incluso a aquellos que no están habituados a beber whisky. Una nueva bebida espirituosa que infusiona J&B Scotch Whisky con miel de colmenas urbanas y que ofrece una equilibrada y suave mezcla de sabor y carácter con un perfil distintivamente fresco. J&B quiere apoyar con este lanzamiento la introducción y futura regulación de la apicultura urbana en España. La reinvención positiva es parte de la nueva filosofía de J&B: de la apicultura rural tradicional al movimiento de la apicultura urbana, para hacer de la ciudad un lugar mejor, invitando a los ciudadanos con espíritu emprendedor a comprometerse con esta tendencia internacional.      

Texto: Sofía Dos Santos
www.jbscotch.com
Peluquerías: Desde siempre hombres y mujeres se han sentido fascinados por su cabello. Pero fue el pasado siglo el que dio el empujón definitivo a la peluquería profesional. Fue en el siglo 20 cuando surgieron los salones de belleza dedicados exclusivamente al cabello, cuando los productos específicos dejaron de ser artesanales y aparecieron las grandes firmas. Con el reto de revitalizar el sector y proyectar un nuevo espacio que dé solución a los problemas actuales de estos centros, los estudiantes del último curso del Título Superior en Diseño de Interiores se han volcado en el diseño de diferentes proyectos bajo el título “la peluquería del mañana by Redken”. La firma: Redken es una marca de cuidado capilar que se hizo famosa por la investigación científica para sus productos y por las innovaciones que estos aportaban. Convirtiéndose en referentes del mercado. Hoy en día siguen apostando por la innovación y por la creatividad. Impulsan proyectos con sus peluqueros y fomentan las colaboraciones con otras áreas, como en este caso el interiorismo con el IED Madrid. La escuela: Estos últimos están siempre encantados de las contribuciones que hacen las marcas a la formación de sus alumnos y las fomentan. Involucran en los cursos a todo tipo de marcas de primer nivel como: Inditex, El Corte Inglés y Davidelfín. Son una de las escuelas mas prestigiosas de España y forman alumnos de todas las áreas del diseño. Tienen Título Superior en Diseño de Moda, Interiores, Producto y Gráfico. Proyectos: Los estudiantes de interiorismo estuvieron a la altura de las expectativas con sus proyectos para Redken. Se presentaron 8 propuestas a cada cual mas creativa y original. Al final, a uno de los alumnos se le otorgó un premio sorpresa de Redken por valor de 1500 euros que no solo premiaba su creatividad sino también su habilidad para crear un proyecto viable. El premiado fue Jacques D’Andrea con ‘66’, su peluquería integrada en un parking. Esta original idea surgió de la necesidad de economizar los tiempos y así incluir la peluquería en nuestro recorrido habitual, no hace falta desplazarse a la peluquería si la peluquería se encuentra cerca de nuestra plaza de garaje. También Simone Gallucci, que recibió una mención de honor, propone integrar la peluquería de manera mas cercana. Su propuesta es una barbería móvil sobre una bici que aparece y desaparece por la ciudad. Su proyecto ‘Hey!’ nos propone cambiar nuestro concepto de peluquería y que sea una decisión en el momento.

www.redken.com
iedmadrid.com
adneo Texto: JAIME BERNAL DE ESCORIAZA
Hace un año que un icono de la peluquería de Barcelona cambió de nombre. Salva G pasó a llamarse Laura Betato, nombre de la peluquera, y empresaria, de 33 años que estuvo al frente de este salón de peluquería durante varios años y que terminó comprando. Un nuevo proyecto que presentó en la pasada edición STS Beauty Barcelona con el apoyo de P&G y sus marcas prestige: Wella, Sassoon Profesional, Sebastian y Nioxin. Ocasión que aprovechó para presentar su aportación a un clásico de los 60 de Vidal Sassoon, el corte bob, rebautizado por Laura como Lady Bob. Un peinado que conserva la geometría del original pero con la aportación contemporánea del color. 

www.laurabetato.com
Texto: LILU DIAZ DE QUIJANO · Foto: FACU AGUIRRE

Peluquería: José Toro, Paco Latorre, Macca Romandine, Sandra Gómez / Estilista: Patrycja Juraszczyk / Maquillaje: Ira / Asistente: Álex Alva / Top Látex: MadRubb / Tocado: Manuel Albarrán

Reif Larsen: “Leí The Selected Works of T.S. Spivet, por recomendación de un colaborador,  y me encantó ese personaje tan extraordinario, su conmovedora historia, la riqueza de detalles, la atmósfera, los trenes, Montana, los espacios naturales… Cuando conocí a Reif, me dijo que al ver 'Amélie' se sintió como si alguien hubiera estado hurgando en su cabeza. Entre nosotros hubo una complicidad inmediata, a pesar de la diferencia de edad y experiencias vitales. Tenemos los mismos gustos, las mismas obsesiones, las mismas pasiones y afinidades. ¡Él soy yo hace treinta años! Quise adaptar su libro inmediatamente. Era un material que formaba parte de mi propio mundo, pero que al mismo tiempo era muy lejano por el idioma, el paisaje americano y el 3D”. 3D: “Es algo consustancial al proyecto. En su libro, Reif acompaña el texto con dibujitos en los márgenes: mapas, bocetos, retratos, notas… Eso tenía que figurar en la película, y la mejor manera era que los dibujos flotaran a través de la sala, que saltaran de la pantalla. El 3D está al servicio de la historia y la poesía, y también es una forma de revivir mi pasado. Cuando era pequeño tenía un estereoscopio y me fascinaban sus imágenes en 3D. Fue así, con 8 años, como empecé con esto del cine: escribía diálogos, cortaba los rollos y ordenaba los planos para hacer películas que luego pasaba a mis amigos con un proyector pequeño. Aún recuerdo su olor cuando se calentaba”. Emoción: “Me fascinaron el carácter obsesivo del niño y el sentimiento de culpa que subyace. Cuando leí la frase de T.S. que lo explica todo en su discurso final, se me puso la carne de gallina. Me dije: ‘Aunque sólo fuera por esta frase, tengo que hacer esta película’. En ella abordo la emoción frontalmente, algo que no suelo hacer: soy muy vergonzoso y generalmente prefiero contener y sólo apuntar mis emociones”. Anacoreta: “La imaginación y la timidez son dos de los rasgos que comparto con Spivet. Cuando alcanza su objetivo de ganar ese premio tan prestigioso gracias a sus fabulaciones, se convierte en el centro de atención y lo único que quiere es irse a su rancho. Igual que yo: nunca me siento cómodo en el colegio, no digamos en el Ejército, ni en el cine francés, ni en Hollywood. Sólo estoy a gusto trabajando con gente que comparte mi pasión por el trabajo bien hecho”.       

“El Extraordinario Viaje de T. S. Spivet” se estrena el 4 de julio


adneo Texto: CARMEN COCINA
Fotos: LARA ARGUEDAS MARTÍN
¿Dónde estabas tú en 1994? Aquel fue el año en el que murió Kurt Cobain, nació el movimiento zapatista, un ruso fue lanzado al espacio dentro del transbordador estadounidense Discovery, la serie Friends se emitió por primera vez en la cadena NBC, fue elegido presidente Nelson Mandela… Y mientras el mundo seguía dando noticias para la posteridad, en Madrid un pequeño estudio creativo llamado Ipsum Planet creaba un fanzine llamado Neomanía que con el tiempo, mucho esfuerzo, y muchas ganas, se convirtió en la revista Neo2. Y nada menos que veinte años después continuamos con esta aventura editorial. Para celebrarlo, el pasado 24 de junio, en la Sala Shôko de Madrid, la liamos parda. Allí estaban todos los que han compartido estos años con nosotros: clientes, colaboradores, amigos, suscriptores, lectores, artistas, actores, músicos, fans… Najwa Nimri, Polock, Kostrok, Meneo, y César Segarra, de Hipsters from Spain, fueron algunos de los responsables de que la fiesta fuera un éxito. También nuestro colaborador principal, J&B Urban Honey, consiguió que la noche se animara cosa mala. Y no podemos olvidar tampoco a Veuve Clicquot, Perrier, Mushroom Pillow, Artica, Radio 3, Deezer, Bonguu Catering, y, por supuesto, la Sala Shôko. Gracias a todos por convertir nuestra fiesta en un evento memorable. Y gracias a ti, tanto si pudiste asistir como si no, por acompañarnos todos estos años. Seguiremos dando guerra. Con un par. Palabrita de Neo2.
SISLEY Colección Primavera Verano 2014
www.sisley.com

DIESEL Colección Primavera Verano 2014
+ Pantalón Krayver Linea DNA Mutation
www.diesel.com

La gastronomía siempre ha sido parte intrínseca de nuestra civilización. Una relación del ser humano con el alimento y el entorno en el que vive que no siempre ha adquirido tratamiento de arte culinario, de la misma manera que un cocinero no siempre se ha identificado con un hombre de ciencia, como parece ocurrir ahora en muchos casos.  En las últimas décadas hemos asistido a una auténtica revolución culinaria donde la física y la química han transformado nuestra herencia gastronómica, convirtiéndola en ciencia, a la vez que han surgido nuevos profesionales, como el Food Chemist, la persona responsable de desarrollar y mejorar los alimentos y bebidas, analizar sus tratamientos, descubrir los efectos de la elaboración en su sabor o textura, estudiar sus componentes e incluso crear nuevos ingredientes que sustituyan a otros, menos idóneos en nuestro sistema alimenticio. Una profesión de la que muy poco se sabe  y que en este número doble desgranamos molécula a molécula, ‘deshuesando’ las incógnitas de esta nueva fórmula de hacer de lo gastro un universo científico sin parangón. ¡Buen provecho!
POR: RUBÉN MANRIQUE, JAVIER ABIO,
RAMÓN FANO, TERE VAQUERIZO
Y JOSÉ BELLO Texto: MANU ROMERO

G-STAR Colección Raw Utility Work Wear:
uniformes de cocina supervisados por
Sergio Herman, chef y restaurador
de la élite Michelin
www.g-star.com

KOOKAI Colección Primavera Verano 2014
www.kookai.es

Fennesz Bécs
(Editions Mego)

Iitala mesita Kerros auxiliar cocina
y candelabro Nappula.
www.iittala.com

Zhang Huan Spring Poppy Fields No.9,
(detalle) 2012

Diego Santomé Vidrieras #1, #2, #3 y #4, 2011.
Expone estos días en el CGAC de
Santiago de Compostela.

Diego Santomé Detalle, club de Dinamo, 2011.
Expone estos días en el CGAC de
Santiago de Compostela.

La Cornue Modelo 1908 en color rojo
www.lacornue.com

Silla T14  diseñada por
Patrick Norguet para Tolix.
www.tolix.fr

CHRISTOPHE LEMAIRE  Colección Primavera Verano 2014
www.christophelemaire.com

NATIVE YOUTH Colección Primavera Verano 2014
www.native-youth.com

VANS Colección OTW Otoño Invierno 2014-15
Modelo Tlwiiaty
www.vans.es

GUCCI Gafas Sol Modelo 1069
www.gucci.com

White Hinterland Baby
(Dead Oceans)


CIRCLE OF LIGHT Luminaria
integrada en el techo,
diseño de Flos Architectural.
www.flos.es

CARLA Espejo y aparador diseñado
por Florian Schmid, para Zeitraum
www.zeitraum-moebel.de

FRED PERRY Colección Amy Winehouse
Otoño Invierno 2014-15
www.fredperry.com

Beach Slang Who Would Ever
Want Anything So Broken?
(Dead Broke Records)

Desde que al español Ferran Adrià se le encumbrará como ‘king of the world’ en materias culinarias, hemos venido observando que un cambio se iba horneando. Gastronomía molecular, cocina experimental, esferificaciones y espumas, deshidratados o liofilizaciones no solo han incorporado a nuestro vocabulario nuevas palabras con las que practicar, sino que han abierto el abanico de la ciencia y el conocimiento sobre la cocina, no tan de moda como ahora. Para el Food Chemist, lo más importante es desarrollar e implementar los alimentos y bebidas que consumimos, un trabajo para el que se sirve de todos aquellos procedimientos, métodos y análisis habidos y por haber, sobre alimentos naturales y sintéticos manteniendo siempre los límites de la seguridad alimentaria. ¿Por qué una piña enlatada pierde todos sus efectos?, ¿de qué manera se hace atractivo el cereal para su consumo?, ¿cómo se consigue que una crema concentrada adquiera su textura?, ¿de qué manera nos deshacemos de las plagas sin contaminar el medio en el que se propagan?, ¿existen máquinas que puedan sustituir la labor del chef en la cocina? Pues bien, estas y muchas preguntas se cuecen al baño María en el particular laboratorio foodie del profesional que nos ocupa. Un individuo que tiene muy presente que esta ciencia ya se remonta al siglo 18, en el que químicos como Harvey W. Wiley o Carl Wilhelm Scheele ya experimentaban con productos como el pan, la leche o el vino, y que se involucra de lleno en nuevos inventos como la impresora 3D de comida Foodini, creada por la empresa catalana Natural Machines, que en vez de tinta se carga de ingredientes para crear alimentos a través de la impresión en capas. Una profesión, por tanto, que puede parecer variopinta, dada la amalgama de actividades que engrosa, pero cuyo trabajo no solo promueve la seguridad de los alimentos, su interacción con el ser humano o la fabricación de nuevas ‘especies gastronómicas’ que llevar a nuestra mesa, sino que sirve de profesión-herramienta fundamental para dietistas o médicos especializados en dar a conocer los requisitos de una nutrición 100% sana. Una labor que a diferencia de lo que solemos hacer el resto de los mortales, hace que al sentarse ante su comida no se la coman sin más, sino que descifren sus compuestos químicos y su interactuación con el organismo procesador.
NIXON Reloj Modelo Corporal SS www.nixon.com
SWATCH Reloj Línea Summer Classics
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DIESEL Reloj Modelo DZ7302
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¿Herramienta, técnica, tecnología o ciencia? Cuestiones que planteaba el maestro gastrónomo y chef entre chefs Ferran Adrià y cuya incógnita resolvía de la siguiente manera: “el cuchillo es la herramienta; el corte del jamón, la técnica; el conocimiento de la técnica, la tecnología; y el estar un año para saber la temperatura ideal a la que cortar jamón, la ciencia”. Una enseñanza que nos descubre cómo la labor de nuestro profesional se basa totalmente en una ciencia a la que dedicarse en cuerpo y alma, por vocación y espíritu investigador. Una profesión que no solo estudia los elementos naturales de los que se dispone, sino que desarrolla nuevos productos químicos para potenciar la producción de cultivos mientras los protege de cualquier intromisión. Un individuo que dado su especial detallismo en cifras y compuestos consigue elaborar nuevos sabores, nuevas texturas al paladar. Una profesión que sujeta a ciencias como la química y la biología, lo hacen perfecto para determinar el tipo de preservación y la distribución de los alimentos, mientras no pierde comba de las nuevas propiedades físicas y químicas de los nutrientes, así como la aplicación de principios científicos a la práctica de la cocina. El Food Chemist no solo debe estar al loro de lo que se sofríe entre fogones sino tener la licenciatura en Química, Biología o Física y un posterior título de posgrado,  si lo que se quiere es alcanzar un cargo de investigación pura y dura. Será un trabajo en el que se tengan que compartir conocimientos con los científicos agrícolas y con los fabricantes de alimentos, por lo que el dinamismo, la capacidad de trabajar en grupo, la concisión en sus análisis y la mentalidad abierta para encontrar nuevos caminos por los que explorar, deben estar a la orden del menú del día. Una profesión que desempolva y restaura a la cocina no como el simple arte de cocinar, sino como una de las ciencias que un grupo de visionarios, Arzak a la cabeza de todos los Food Chemists, decidieron presentar, clasificar y estudiar, revolucionando el mundo de la investigación del siglo 21, con o sin estrellas Michelin de por medio.


Por: TACHY MORA
Detalle de la Bio-digester kitchen island
de la concept kitchen Microbial
desarrollada por Philips.

Larder, mesa-refrigerador de la concept
kitchen Microbial desarrollada por Philips.

Las cocinas y los baños son los dos espacios más encorsetados de una casa. Aunque el diseño de su equipamiento ha evolucionado un poco en los últimos años, seguimos considerándolos prácticamente como áreas estancas que innovan poco y que tienen dificultades a la hora de fusionarse con otras zonas. La cocina es algo más proclive, pero prácticamente sólo se integra con el salón. Y lo hace relativamente, pues su diseño además no varía mucho por ello. Tiende a mantener sus elementos tradicionales, como el frontal de armarios o los huecos para los electrodomésticos, por muy modernos que sean. Así que en realidad a veces esta fusión no es tal. Es casi como haber tirado un tabique ya que tanto la cocina como el salón mantienen su identidad, no comparten un diseño continuo como si se tratara de un solo espacio. Esto es debido principalmente a las instalaciones de agua y electricidad más la campana, el elemento crucial a la hora de plantearse fusionar la cocina con otro espacio. A no ser que sea una obra nueva o una reforma integral que permita mover completamente de sitio todas estas instalaciones, las cocinas tienden a llevarse al perímetro y en consecuencia terminan acomodándose al clásico frontal de armarios, que además es la opción más económica. Como máximo se le añade una isla, que en general funciona como una extensión de la encimera si no puede albergar instalaciones de agua o luz. Sin embargo las concept kitchens, es decir las propuestas de exploración que tratan de abordar nuevos modos de entender la cocina, tienden mucho a explorar qué hacer con estas islas, sobre todo porque son el elemento menos radical. Algunas aproximaciones son muy simplonas, con añadir un dispositivo para hierbas frescas ya se le cuelga la etiqueta de concept kitchen. Pero otras son muy potentes y casi convierten la cocina en un laboratorio e incluso la hacen desaparecer.  LA ISLA está evolucionando de ser una pieza con identidad de cocina tradicional y continuista, e incluso a juego con los frontales, a convertirse en un elemento con personalidad propia. La firma israelí de superficies de cuarzo Caesarstone acaba de realizar un proyecto de exploración al respecto junto con el estudio londinense Raw Edges del que han surgido una serie de islas a modo de llamativos monolitos. Tratan de integrar todos los elementos necesarios en una cocina pero de una manera totalmente novedosa y aparentemente descuidada, a medio camino entre improvisado, equipado con retales o con deshechos encontrados. Huyen así de la perfección de las cocinas actuales, donde todo va a juego en minimalista y racional armonía. Las diversas propuestas de Raw Edges para este programa de concept kitchens de Caesarstone, bautizado como Islands, se han materializado en una serie de islas elaboradas enteramente en cuarzo que presentan aberturas en la zona de encimera en las que se pueden encajar diferentes elementos, desde cubetas que funcionan como fregaderos hasta armarios, cajoneras, repisas y escurreplatos. También incluye ranuras para tablas de cortar o cavidades para maceteros o recipientes. Estas concept kitchens buscan que la cocina expanda su identidad y gane en protagonismo, convirtiéndose incluso en el diseño principal de un espacio a través de su estética llamativa y contundente pero a la vez casual y espontánea.
ChopChop, concept kitchen diseño de Dirk Biotto.
Detalle ChopChop, concept kitchen diseño de Dirk Biotto.
Detalles de los accesorios de ChopChop, concept kitchen diseño de Dirk Biotto.
Otra isla que busca justamente lo contrario es la diseñada por el estudio holandés i29. Se llama de hecho Invisible Kitchen y mide tres metros de largo por 90 cm de ancho. Su longitud es increíble pero más lo es su tablero, que solo tiene 2 cm de espesor. Incluye tanto la cubeta de fregadero como los fuegos, sin embargo está diseñada para que visualmente no se perciban ni su volumen ni su instalación por debajo. Cuando no está en funcionamiento pasa perfectamente por una mesa. Con esto i29 han conseguido que la cocina pueda estar en cualquier parte, desde un área de paso hasta donde se encuentra realmente ubicada en este piso que han reformado en París, en una antigua zona de despacho o comedor. La zona de almacenaje y los electrodomésticos se encuentran escondidos o panelados detrás, en armarios cuyas puertas siguen la estética de las molduras del antiguo piso. Detrás de una ellas hay hasta un pequeño despacho, ya que esta cocina permite hacer un uso polivalente del espacio.  FLEXIBILIDAD es el otro recurso más explorado en las concept kitchens. Los diseños que se adentran por esta vía proponen principalmente un esqueleto modificable, dejando así abierta la configuración de la cocina en función de las necesidades del usuario o del espacio. Sus módulos pueden adaptarse a diferentes usos por sí mismos o a través de un conjunto de accesorios.
Detalle de una de las tablas de
cortar del modelo Salinas, diseño
de Patricia Urquiola para Boffi.

Composición Salinas, diseño de Patricia Urquiola para Boffi.
Composición Salinas, diseño de Patricia Urquiola para Boffi.
Composición Salinas, diseño de Patricia Urquiola para Boffi.
Concept kitchen de Naber, diseño de Kilian Schindler.
Concept kitchen de Naber, diseño de Kilian Schindler.
El modelo de Naber diseñado por Kilian Schindler es el más completo, ya que prácticamente con dos módulos de diferente ancho pero con altura personalizable se puede configurar toda una cocina. Incluye accesorios de todo tipo: estantes, ruedas para convertirlos en carrito, laterales con barras para colgar los utensilios o paneles antisalpicaduras. El ChopChop de Dirk Biotto es similar, sólo que está especialmente pensado para personas mayores o con discapacidades, aunque puede ser usado por cualquiera. Es un diseño inclusivo en realidad. Su altura es regulable y su superficie de trabajo integra ciertos utensilios o elementos que facilitan el proceso de cocinar, como un grifo con manguera para las personas con dificultades para mover ollas con agua muy pesadas o un rallador fijado a la encimera y con cajón que facilita esta tarea. Boffi ha lanzando este año con Patricia Urquiola una cocina de este tipo lista para su comercialización. Se llama Salinas y también cuenta con una estructura a modo de esqueleto modular que se puede configurar según las necesidades específicas del espacio. Puede instalarse como isla o llevarse al perímetro, pero lo importante es que permite infinitas configuraciones, no sólo en cuanto a módulos sino también en cuanto a acabados. Además se le pueden acoplar dos enormes tablas de cortar, una que queda medio volada y que puede funcionar como media barra y otra que es una barra en sí misma. EXPERIMENTAL Una de las más curiosas se llama Microbial y ha sido desarrollada por Philips. Sus dos elementos más potentes son la Bio-digester kitchen island, que convierte todos los desechos de la cocina y el baño en metano para ser usado en toda la casa. El otro es el Larder, una mesa-refrigerador que funciona con vapor manteniendo los alimentos frescos en contacto con el aire, que para los vegetales en concreto es mejor que dentro del frigorífico. Además funciona como mesa para comer. Aunque tiene un fuerte carácter experimental al mismo tiempo es una idea perfectamente factible.
Invisible Kitchen,
diseño del estudio holandés i29.

Invisible Kitchen, vista desde el salón,
diseño del estudio holandés i29.
Cocina completa de las concept kitchens Islands diseñadas por Raw Edges para Caesarstone.
 Islands, una de las islas diseñadas por Raw Edges para Caesarstone.
CUANDO SALIMOS PARA IPAD
PROMETIMOS NO OLVIDARNOS DE VOSOTROS.
LA PROMESA SE HA HECHO REALIDAD.
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“Arquitectura, no arquitectos” con esta afirmación
definía Rem Koolhaas su principal objetivo como comisario general de la Bienal de arquitectura de Venecia de este año. La era de los edificios de firma y los arquitectos estrella está acabada y Koolhaas lo ha demostrado a través de esta edición donde ha redefinido todas las bases de la arquitectura e incluso la propia estructura del evento. Después de varias bienales dedicadas a la celebración de la contemporaneidad, Fundamentals mira sobre la historia, trata de reconstruir cómo la arquitectura ha llegado a su situación actual,
y especula sobre su futuro.
Por: Gonzalo Herrero Delicado  Foto zoom: Miguel de Guzmán
Referencia del proyecto Sales Oddity
de Andrés Jaque
© Office for Political Innovation.

Israel propone definir su límites efímeros
urbanos con una máquina de diseño 3D
que imprime y borra cíclicamente sobre arena
© Nico Saieh.

Propuesta de Bélgica, mínima expresión
de interiores domésticos.

Fundamentals consta de tres exposiciones entrelazadas, cada una diferente a cualquier modelo o estructura de anteriores bienales; una revisión tripartita de los principios básicos de la arquitectura actual. En primer lugar Elements of Architecture, ubicada en el pabellón central de los Giardini, muestra un catálogo técnico a modo de vademécum de los elementos que conforman la formalización física de la arquitectura: la puerta, el pasillo, la fachada, la chimenea o el baño entre otros. Elements of Architecture es el resultado de la investigación desarrollada durante los dos últimos años por Koolhaas en la Universidad de Harvard junto a varios expertos, centros de investigación y empresas privadas.

La segunda parte de la muestra se titula Monditalia, una exposición de 41 proyectos de investigación localizados en distintos puntos de la geografía italiana, que muestran la complejidad política, económica y social implícita en la arquitectura para la generación de ciudades y territorios. Monditalia se ubica en el Arsenal donde también comparte espacio con algunos pabellones nacionales, además de los ubicados en los Giardini y en otros puntos de la isla. Por su parte los pabellones nacionales han respondido al enunciado Absorbing Modernity 1914-2014, una revisión histórica de los momentos clave de un siglo de modernización. En conjunto, las propuestas nacionales han revelado cómo las culturas materiales y entornos políticos específicos han transformado una modernidad genérica en una específica de cada país.

Los países participantes muestran, cada uno desde su propia perspectiva, una fragmentación radical de modernidades en un siglo en el que el proceso de homogeneización de la globalización parecía ser una narrativa única.Elements of Architecture exhibe con su fabuloso diseño expositivo firmado por AMO, think-tank de Rem Koolhaas, una cuidada selección de componentes básicos en la arquitectura con un recorrido histórico y pedagógico completamente abordable para cualquier tipo de visitante. Una percepción simplista que por desgracia deja de lado otras visiones o capas de información de carácter social, por ejemplo, implícitas en todos estos elementos, quedándose en la mayoría de los casos en un acercamiento y descripción meramente técnica y que por otro lado ha sido pasada por alto en anteriores bienales. En contraposición encontramos Monditalia, quizás la sección más arriesgada de la bienal y por ende la más relevante. Este segmento de la propuesta de Koolhaas viene cargada con una importante presencia española, encabezada por Andrés Jaque y su Oficina de Innovación Política que ha sido galardonado con el León de Plata al Mejor Proyecto de Investigación por Sales Oddity. Milano 2 and the Politics of Direct-to-home TV Urbanism. El proyecto presenta desde una perspectiva crítica un aspecto fundamental de las sociedades modernas transparentando el poder de los medios de comunicación para ocupar otros espacios sociales, tanto de manera física como política, y enmarcando una nueva configuración para la definición de la arquitectura contemporánea. La investigación parte del análisis a través de diversos medios de comunicación del desarrollo urbanístico Milano 2 en Milán, y su relación con intereses políticos, económicos y sociales definidos por estrategas como Berlusconi, avalado por corporaciones del sector de la comunicación como Mediaset. La presencia española continúa de la mano de Beatríz Colomina, arquitecta, historiadora y docente en la Universidad de Princeton, que ha sido premiada con una mención honorífica en la misma categoría que Jaque por el proyecto de investigación Radical Pedagogies: Action-Reaction-Interaction. Este proyecto dirigido por Colomina también cuenta con la participación del joven y prometedor arquitecto español Ignacio G. Galán. Radical Pedagogies es el resultado de una amplia investigación desarrollada desde Princeton para analizar una serie de experimentos docentes desarrollados en la segunda mitad del siglo 20 y que han jugado un papel crucial en la definición del discurso y la práctica de la arquitectura contemporánea.
Acceso al Pabellón Central que acoge la exposición Elements
of Architecture © Miguel de Guzmán. www.imagensubliminal.com

OfficeUS es el proyecto para Estados Unidos comisariado por
la catalana Eva Franch junto a Ana Miljacki y Ashley Schafer ©David Sundberg

Cinecittà Occupata es la propuesta de Ignacio G. Galán
para Monditalia © Miguel de Guzmán. imagensubliminal.com

Ignacio G. Galán también ha formado parte de manera independiente en la selección de Monditalia con el proyecto Cinecittà Occupata. El proyecto toma su nombre de la ocupación en 2012 de los famosos estudios de cine italianos por los trabajadores en protesta contra sus estrategias de negocios más recientes. La instalación presenta a los estudios como un espacio de ocupaciones tanto ficticias como reales, haciendo hincapié en las fricciones entre estos dos tipos de situaciones. Otro de los proyectos destacados en Monditalia es Italian Limes dirigido por Folder, el colectivo formado por Marco Ferrari, exdirector artístico de la revista Domus, y Elisa Pasqual. El proyecto premiado con otra Mención Honorífica, parte de una expedición a la frontera alpina entre Italia y Suiza, en continua transición por el derretimiento de los glaciares debido al calentamiento global, y cartografiado a tiempo real en un modelo 3D proyectado sobre una maqueta y sobre un mapa físico que mediante un brazo mecánico dibuja la situación específica de la frontera. Monditalia destaca sobre el resto de la muestra por su carácter innovador e investigativo como laboratorio de ideas que genera preguntas en lugar de imponer afirmaciones, algo que debería ser característico de cualquier bienal, fallando sin embargo en la integración de los proyectos, con una inserción incoherente de acciones procedentes de otras bienales como la de danza, teatro o cine, que poco o nada tienen que ver con lo planteado por Koolhaas para esta bienal, y que simplemente dispersan la atención sobre lo importante en esta cita, la arquitectura en sí misma.Por último los pabellones nacionales han respondido por primera vez en la historia de la bienal al unísono a un mismo enunciado establecido por el comisario general. Absorbing the Modernity 1914-1964 ha sido el lema propuesto a las participaciones nacionales suponiendo uno de los mayores logros de Koolhaas para esta bienal. En este apartado de la muestra la calidad ha superado toda expectativa, destacando propuestas como Fair Enough de Rusia, comisariada por Strelka Institute y donde ironizan con los clichés estilísticos rusos del último siglo en un formato de feria de muestras.

Fair Enough es la apuesta de Rusia que ironiza con los clichés modernos rusos
Instalación Italian Limes del colectivo Folder © Delfino Sisto Legnani
 El pabellón de Corea del Sur, galardonado con el León de Oro a la mejor participación nacional por Crow’s Eye View: The Korean Peninsula, acoge una arriesgada exposición en la que participan casi 40 proyectos que tienen como objetivo común demostrar el potencial de una posible Corea unificada, reuniendo e interrogando la arquitectura de ambas culturas. Por otro lado Estados Unidos propone con OfficeUS, un proyecto in progress liderado por la catalana Eva Franch  y que revisa la arquitectura corporativa norteamericana del último siglo a través de un formato de oficina de investigación, que estará activa en el propio pabellón durante los seis meses que dure la bienal. Otras presencias nacionales relevantes son la de Portugal con su no-pabellón formalizado en un expendedor de periódicos que se editarán periódicamente, o Bélgica con una representación minimalista de interiores domésticos tradicionales a través de unos pocos elementos de mobiliario. Con estas tres visiones complementarias, Rem Koolhaas ha conseguido marcar un hito en la historia de la bienal y de la propia arquitectura, generando un espacio de debate internacional sobre qué es la arquitectura en este momento y cuál es su devenir. Fundamentals ha conseguido devolver el carácter experimental y crítico a la muestra, evitando generar un evento que simplemente muestre las últimas tendencias y logros de la arquitectura internacional durante el último par de años, tal y como venía sucediendo en ediciones anteriores. Esta bienal está generando halagos y críticas a partes iguales, lo cual es un síntoma de que la disciplina tras unos largos años de letargo teórico autorreferencial, vuelve a estar viva y necesitada de un debate abierto y multidisciplinar. Fundamentals es sin duda una cita ineludible para cualquier arquitecto o persona interesada en la materia, así que tienes hasta el 23 de Noviembre para escaparte a Venecia y visitarla en
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ENTREVISTA: AURÉLIEN LE GENISSEL

FOTOS:
DARIUS DOMBEK
Ya me imaginaba entrevistándole en medio de pieles aceitosas, nalgas descubiertas y cuerpos lascivos (aviso: no ha sido el caso). Y es que Richard Kern es conocido (muy a su pesar) por sus retratos en los que siempre aparecen jóvenes chicas guapas y desnudas. Las etiquetas son muy difíciles de cambiar. Y eso que la trayectoria de Kern es tan heterodoxa como apasionante. Creador de fanzines conceptuales a finales de los setenta, el artista norteamericano se convirtió luego en una figura mítica del underground neoyorquino de los 80 (ese por el que vagabundeaban, por ejemplo, Warhol, Baskiat, Sonic Youth o Haring) con sus películas radicales, mezcla de violencia, sexo, drogas y tonos depresivos. Llegaron luego las chicas sensuales y las poses explícitas, que le hicieron famoso. Pero Kern se lo toma con una naturalidad y distancia que desconcierta un poco a todos los que no estamos acostumbrados a vivir entre modelos. Siempre riendo y preocupado de lo que ha conseguido hasta la fecha, el artista tiene una respuesta tan sencilla como desconcertante para explicar porqué hacía las cosas: “It was fun”. La diversión como lema de vida. Nada que añadir.
INICIOS: “Realmente, nunca quise convertirme en un artista. No era algo a lo que aspiraba. Empecé a ir a clases de arte en la universidad porque era divertido tener un estudio. No te pedían hacer o crear nada en especial, únicamente construir cosas. Y eso era divertido. De ahí me metí en el mundillo; descubrí lo que llamaban arte. Yo vivía en Carolina del Norte a finales de los años 70 y nunca había conocido nada parecido en mi infancia. Me pareció interesante encontrarse haciendo cosas con una base intelectual  que la gente apreciaba. Me lo imaginaba como una colina elevada que tenía que conquistar. Cuando lo pienso ahora, no sé si es verdad (risas). No lo sé… estaba buscando algo y me pareció divertido…”  FOTOGRAFÍA: “He estado haciendo fotos desde que era niño. Mi padre me ayudó a crear una cámara cuando estaba en tercero. Y siempre iba con él a hacer fotos cuando iba a trabajar (para el periódico con el que colaboraba…). Era divertido entrar en ese cuarto oscuro y ver todas las cosas alrededor. Eso fue lo que me atrajo desde el principio. Porque era a finales de los cincuenta, principios de los sesenta y aun parecía como una especie de proceso mágico eso de ver a alguien revelar una foto. No sé de dónde vienes pero, de donde yo vengo, no había… nada. Nada de nada. Había un cine y… ya está (se ríe). Eso me atrajo y siempre estaba fotografiando modelos, paseando con la cámara, haciendo fotos”. UNIVERSIDAD: “En la universidad compré mi primera cámara. Me acuerdo que era la primera vez que hacían una cámara de 35mm que cabía en el bolsillo. Olympus hizo la Olympus OM1. La compré y se trataba básicamente de aprender cómo hacer fotos. Meterme en la habitación oscura y aprender a hacer esas cosas. Eso era a mitad de los setenta. El arte de la época era minimalista y conceptual…. Todo se tenía que documentar porque era la única prueba de que habías hecho algo, una performance u otra cosa…Era documentación y yo lo hacía. Aún tengo todo este material. Es divertido mirarlo ahora porque ya no existe. Todo lo que hice era parte de cosas que iban a destruirse o acabar”.
FANZINES: “Durante los años 76-80 hice fanzines, estaban muy de moda en esa época. Es divertido que ahora todas estas cosas, como los fanzines, los vinilos etc… están volviendo a estar de moda. Pero ahora son bonitos, muy cuidados… nada que ver con los de la época en los que cabía de todo… Quería que se publicaran mis cosas, mis creaciones Y empecé a hacer los fanzines. No creo que tenga fotos increíbles de la época pero aun tengo los fanzines… (risas) supongo que tengo alguna foto interesante de aquel tiempo… no lo sé…Los fanzines también tenían mucha ficción, cartoonsy una serie de formatos diferentes de mis amigos. En ese momento, lo que fotografiaba era algo así como ‘surrealismo cotidiano’… cuando ves algo raro y le haces una foto, ese tipo de cosas… Y generalmente buscaba fotos que tuvieran una especie de aire o toques depresivos… Era más la moda del ‘lado oscuro’, como el rollo de las ‘personas amenazadoras’ y esas cosas (risas)…” PELÍCULAS: “Como te he dicho, no había nada que hacer en mi ciudad natal. Solo ir al cine. Yo trabajaba ahí por lo que miraba las mismas películas una y otra vez. Estaba muy fascinado por el hecho de hacer películas. También lo estudié en la universidad de manera teórica. Y quería convertirme en alguien conocido, ver mi nombre por allí cuando era joven. Y pensé que eso ayudaría. Mi objetivo era poder entrar en las discotecas en realidad (risas). De verdad. Pero me di cuenta de que si hacía alguna película loca, la gente se fijaría más en mí que con los fanzines. Y quería hacerlo desde hacía tanto tiempo… así que compré una cámara y me puse a hacer pelis”. GOOD BYE 42ND STREET: “La primera de mis pelis fue sobre la calle 42. En esa época, aún era una especie de reagrupamiento de cines porno y cosas de esas. Pasearse por ahí era bastante chungo. Cualquiera que fuera el alcalde en esa época [principios de los 80] anunció que iba a remodelar la calle 42. Y si te paseas por ahí hoy, así es: está lleno de Hard Rock Café, museos de cera y esas mierdas. Cogí mi cámara y grabé dos rollos de película andando por las calles y filmando las fachadas de esas tiendas. Luego, en mi apartamento, grabé lo que pensaba que ocurría en el interior de esos edificios y lugares de vicio. Pero nunca había estado en uno. Había ido a cines porno pero no a los lugares de sexo. Grabé esas escenas imaginándome lo que podía pasar en esos lugares. Y eso era Good Bye 42nd Street. Acaba con un hombre suicidándose. Y eso ocurrió cinco años más tarde”.

VALORES: “La primera vez que intenté proyectarla me presente en un open screen, una especie de centro de arte en el que se suponía que lo proyectaban todo…y no me dejaron. Me dijeron que promocionaba los malos valores. Y eso me dio una razón de seguir haciéndolo, la verdad. Me enfadó mucho y seguí esa vía”. NUEVA YORK 1980: “¡También era un poco mi modo de vida en ese momento! Nueva York era un lugar lleno de sexo, drogas y visiones negras en esa época. En algún momento empecé a tomar muchas drogas fuertes. Lo que más molestaba a la gente que miraba mis obras es que nunca habían visto ese tipo de cortos o películas… bueno, algunos sí… pero la mayoría no. Y era bastante cutre, rodado de manera muy amateur, muy pobre y eso molestaba aun más al público. ¡Mucha gente pensaba que eso era real! Y obviamente era fingido. No les gustaba que ese tipo de material estuviera llamando la atención porque, para ellos, era como promover las drogas, la negatividad (se ríe)”. REVISTAS PORNO: “Estaba muy metido en las drogas. Cuando lo dejé no tenía dinero para seguir rodando y estaba intentando alejarme de mi lado más salvaje. Por eso me puse a hacer fotos y a utilizar a muchas amigas. Y algunas posaban desnudas. Y me empecé a dar cuenta de que… era divertido. Divertido porque no tenía ni un duro pero, aun así, las chicas aceptaban a posar desnudas. Luego un amigo me contactó. Era editor de la famosa revista Hustler y estaba montando una nueva revista llamada Barely Legal. Sabía que estaba fotografiando a muchas chicas, al estilo “girl next door” [vecina o chica cualquiera]. Y me preguntó si me interesaba vender 10 fotos por 2000 dólares. Y eso era mucho, mucho dinero por algo que ya estaba haciendo de todas formas. Y pensé que podía empezar a cobrar por ello. En esa época estaba fotografiando, pero también hacía algo de videoclips [Kern hizo el famoso “Death Valley ‘69” para Sonic Youth en 1986]. Y por el mejor de ellos ganaba 400 o 500 dólares. No era nada comparado a lo otro. Cuando vino mi amigo pensé: ‘guay. ¡Genial!’. Y empecé a buscar a gente para sesiones dedicadas especialmente a eso, porque me daba una gran libertad de hacer lo que quería”.
VIDEOCLIPS: “Sigo haciendo videoclips. He hecho algunos en los últimos años como ‘Lunchbox’ de Marilyn Manson, ‘Black City Parade’ (2013) de Indochine o ‘Lover’s Cave’ (2013) de Is Tropical. Algunos están mejor pagados que antes pero algunos budgets son iguales. Algunos me dicen que el presupuesto total es de 500 dólares y, con lo que quieren hacer,  no se puede conseguir. ¡Pero hay muchos videoclips en los que se gastan un montón de pasta! (risas). Ya no hago fotos para revistas, sino para libros. Las revistas murieron en el 2005 o así. Hay gente que sigue, pero yo he parado. Me he centrado más en sesiones de moda y arte. En los últimos años mi dinero ha venido por acuerdos con revistas como Vice o GQ, de ventas directas de fotos y de derechos de libros”. DIGITAL: “Cuando tienes el equipamiento, las sesiones se vuelven mucho más baratas de lo que solían ser. Ese es el factor principal. Y el resultado es muy diferente. Ha habido una curiosa transición en la que la gente ya está más acostumbrada a ver material digital que películas de fotografía real. Fui a ver una película de los 70 el otro día que se proyectaba en su estado original en el MOMA. Y era tan extraño ver una película en película proyectada como tal. Era muy raro, con una calidad diferente. Los chicos ya se han acostumbrado a lo digital. También afecta al proceso de selección de las fotos en las sesiones. Ahora todo se centra en la edición, cualquiera puede hacerlo… Aunque hay algunos fotógrafos digitales que siguen como antes; no tiran muchas fotos, solo diez intentos y ya está. Yo intento limitarme a mí mismo pero es difícil. La naturaleza de la fotografía digital te obliga a hacer más fotos porque no te puedes fiar de la imagen como te podías fiar de la película clásica, el enfoque, el color y esas cosas…”  SHOT BY KERN: “Hice una serie para Vice. Fue del 2007 al 2011 y me propusieron ir viajando y haciendo sesiones. Era perfecto para mí porque tenía modelos gratis y las localizaciones que quería mientras descubría lugares. Estuvo muy bien. Pero se ha acabado. Está en Internet, allí se quedará
para siempre”. MEDICATED (2013): “Es mi último proyecto para una exposición que tuve hace poco en Nueva York. Mostré la serie de fotos y el video que hice como fondo para que se proyectara en la galería. Me di cuenta de que algunas de las modelos con las que trabajaba hablaban de sus ‘medicamentos’. Y estoy tan alejado de las drogas ahora que no me había dado cuenta de que algunos niños tomaban medicamentos prescritos por un médico. No todos, la mitad diría yo. Pero empecé a preguntar a la gente si tomaban medicamentos, de qué clase y esas cosas… e hice un corto sobre eso. Y es el tipo de proyectos que ahora me interesa. Tengo dos  nuevas ideas que se asemejan. No sé si son tan depresivos como este (risas). Pero parecidos”.
PROYECTOS ABIERTOS: “Uno es sobre personas con cicatrices. Cuando algo pasó en sus vidas y tienen una cicatriz que cambió la manera en que se relacionan con su cuerpo. No puedes esconder una cicatriz cuando te desnudas… Y el segundo es acerca de los anhelos y los sueños. Es un proyecto con las modelos con las que trabajo. Pregunto a las jóvenes cuáles son sus planes de futuro y qué pasará con sus vidas de aquí a unos años. Y luego voy a ver  a las que solían ser modelos mías, hace veinte años, y les pregunto si sus vidas han acabado siendo como esperaban. Un intento de ir al final de la vida de algunas chicas que decidieron ser modelos. Tengo fotos pero será un video seguramente. No sé cuánto tiempo me tomarán estos dos proyectos. Medicated me ocupó 2 años porque no pongo un anuncio en la prensa y busco chicas. Les tengo que pedir a cada una de las modelos con las que trabajo si toma medicamentos. Y, respecto a las fotos, tenía que tener ciertas localizaciones específicas en las que trabajar. Si miras las fotos, lo comprendes. Todas las imágenes son de las chicas en su lavabo”. PREJUICIOS: “Creo que Barely Legal no me ayudó en mi carrera. Es difícil decir… quizás la llegada de Internet fue aun peor (risas). Porque muchas veces cuando intenté ser un fotógrafo de moda y centrarme en un trabajo más comercial, lo único que tenía que hacer alguien es googlear mi nombre y aparecía toda una serie de material porno, de chicas desnudas. Y eso molesta a bastantes clientes. Creo. Solo me lo han dicho directamente dos veces por lo que no sé si es verdad. Solo imagino. El hecho de fotografiar a mujeres desnudas seguro que influencia en cómo la gente me ve: como una especie de extraño loco pervertido. Por ejemplo, Terry [Richardson] tenía un padre que era un fotógrafo de moda famoso. Estaba ya dentro del mundo de la moda. Y eso lo cambia todo. Si ya estás dentro, no lo ven igual, piensan: “está haciendo un espectáculo”. No hablo de Terry en particular, pero sí de una sensación general. Algunos fotógrafos de moda han hecho fotos de estética bondage. Pero no funciona al revés. Si fueras un fotógrafo de un sitio porno de bondage, no puedes ponerte a hacer fotos de moda. Pensarían que estás loco, que tienes toda esa maldad dentro (risas)”. SESIONES: “Normalmente, la chica me escribe. Quedamos para vernos y si me gusta (y yo le gusto a ella) hacemos algunas fotos. A no ser que sea un encargo, suelo buscar sobre todo a gente que quiera trabajar para mí en particular porque sino no vale de verdad la pena. Hay demasiada resistencia. Las sesiones se convierten en algo colaborativo cuando las chicas quieren ser modelos de mis fotos. Luego tengo toda una lista de cosas que intento transformar en fotos, de diferentes series que tengo abiertas, e intento utilizar cada chica para varias de las series”. THE GIRL WHO FOLLOWED MARPLE (2014): “Lucy McKenzie es una chica que hizo de modelo para mí cuando tenía 18 o 19 años. La fotografié para 10 revistas porno en esa época. Estaba en el mundo de las revistas eróticas cuando la conocí pero no venía de allí. Estudiaba arte pero lo hacía para ganar dinero rápido y fácil e irse a viajar. Ha escrito la introducción de uno de mis libros. Es una super intelectual, no le importa lo que significaba ser una modelo de desnudos. No le importaba nada, digámoslo así (risas). Luego lo dejó para dedicarse a su carrera de pintora. Ella es de Escocia pero vive en Bruselas. Recientemente estaba en Nueva York para una residencia y tuvo esta idea sobre la que quería trabajar. Si estas un poco familiarizado con su trabajo, la película tiene mucho sentido… (risas) Es un resumen de todos sus temas predilectos. Y presentó este video en la exposición posterior a su residencia en la que también se podían ver sus cuadros”. FUTURO: “He acabado toda una serie de proyectos y estoy en una de esas épocas en las que intento saber qué voy a hacer. Y siempre es un periodo muy extraño; intentando saber lo que está pasando, intentando reinventarse uno mismo en este negocio…bueno como en cualquier negocio…¡Tengo que descubrir qué coño voy a hacer! (risas) Es divertido porque eso también es justamente lo que estoy haciendo. Les pregunto a estas chicas: “¿qué vais a estar haciendo en unos años?” Y no tienen ni idea. Como yo. Algo que estoy haciendo es un proyecto con la editorial Taschen que va a publicar una nueva edición de mi primer libro New York Girls con todo un material inédito que se añadirá, una nueva versión ampliada. También tengo videos y series de fotos pendientes”. DESNUDEZ: “Parte de lo que estoy intentando hacer es saber si puedo sacar a las chicas desnudas de alguno de los proyectos que tengo. Porque la gente siempre me asocia con eso y quiero ver si puedo dejar de utilizarlas. En las pelis que estoy preparando, no hay nada de desnudez. Es divertido porque, en los videoclips, la gente te suele decir que quiere un video loco, con desnudez y esas cosas, o te dice no queremos nada loco en él. Puedo hacerlo de las dos formas. Pero estoy intentando encontrar quizás una manera de compatibilizar los dos aspectos. Aunque no tengo ni idea de lo que haré. Me has pillado en un momento muy raro”.

www.richardkern.com

Sin título
Julie lleva a Mary, 2009
Marylin Manson. Cunt, 1994
Linda con toalla, 2003
Lou para American Apparel, 2011
Audrey. Sister, 1987
Kim Gordon, 2010
Como fans del trabajo de Richard Kern, en seguida nos dimos cuenta que teníamos ante nosotros a un auténtico experto en lencería femenina. Lo confirmamos nada más iniciar la conversación: “Había una tienda de lencería en el East Village de Nueva York que yo visitaba mucho. Y no sé lo que pensarían de mí las mujeres que trabajaban allí porque yo iba muy a menudo y compraba piezas de diferentes tamaños y estilos para crear dirty looks”. No podíamos dejar pasar esta oportunidad. Así que nuestra primera pregunta era obvia: Qué marcas de ropa interior de mujer son las favoritas de Richard Kern. Y nos dio 6 nombres: La Fille d’O, Eres, Cloe Intimo, The Lake & Stars, Girly, Princess Tam Tam. La verdad es que si pudiera permitírmelo le ficharía como editor lencero. La Fille d’O: “He diseñado un par de braguitas para una exposición que tengo ahora. Se llaman RK1. Y La Fille d’O ha producido una edición limitada especialmente para mí. Y me han dado un montón de ropa para ponérsela a las modelos y disparar con ella”. Nos comenta Richard sobre esta firma de lencería creada hace 10 años por la diseñadora belga Murielle Scherre. Una marca que presume de producción artesanal y tener talla para mujeres de todas la edades y volúmenes. Este año celebra su décimo aniversario con una acción conjunta con Timberland, que también cumple años, 40. Para festejarlo La Fille d’O ha aportado su toque personal a la icónica bota Timberland. www.lafilledo.com

Eres: Esta es la opinión del experto: “Una marca que diseña y fabrica lencería y ropa de baño de alto nivel. Es genial cuando necesitas ese regalo perfecto con un toque de lujo para la esposa”. Una marca de origen francés con 3 fechas clave: 1968, Irène Leroux crea la marca; 1996 se integra dentro de Chanel; 2007, Valérie Delafosse se hace cargo de la dirección artística de la firma con un impresionante currículum: Thierry Mugler, Azzedine Alaia, Princesse Tam-Tam, Dior, Cacharel, Gap y Chloe. www.eres.fr

Cloe Intimo: Firma neoyorquina de lencería creada en 2003 por la diseñadora colombiana Claudia Ochoa. Y es en Medellín, capital de la moda de Colombia, donde se realiza la producción de las colecciones con tejidos provenientes de Perú, Colombia, Francia e Italia. www.clostudio.com

The Lake & Stars: Inspirados por un eufemismo de la época victoriana referente a las habilidades de la mujer en la alcoba, el diseñador Nikki Dekker y la diseñadora Maayan Zilberman crearon en 2007 su propia marca de lencería femenina con sede en Nueva York. El concepto de la marca se mueve en el hueco de mercado que ha dejado la industria entre los diseños para ocasiones especiales y la lencería de uso cotidiano, aportando un acento arty en su imagen. www.thelakeandstars.com

Girly, NYC: Al hablar de esta marca, Richard nos da una pequeña lección de historia: “Esta marca ya no existe. A comienzos del siglo 21 ellos ya estaban produciendo panties con rollo malla, mucho antes de que volvieran a ser populares. Y cuando American Apparel comenzó a venderlos, Girly no pudo competir y cerró”.

Princesse Tam Tam: “Una gran marca francesa, muy buena y asequible, con tiendas en las principales ciudades europeas. El año pasado una modelo me confesó que había robado las braguitas Tam Tam que le había puesto para una sesión de fotos. Y me gustaban tanto que tuve que volver a la tienda para reemplazarlas”. Una interesante historia sobre esta marca creada a comienzos de los 80 en París por 2 hermanas de origen indio, las hermanas Hiridjee. Poco después, Mourad Amarsy se une a la firma para ocuparse de la gestión. En 2006, Princesse Tam Tam entra en el grupo Fast Retailing, junto a marcas como Comptoir des Cotonniers, Uniqlo, J Brand, Theory, Plst y Helmut Lang. Desgraciadamente, Loumia Hiridjee y Mourad Amarsy, casados, murieron en el múltiple ataque terrorista que asoló Bombay en noviembre de 2008. www.princessetamtam.com
Eres Colección Verano 2014
Eres Colección Verano 2014
La Fille D'O Colección Verano 2014
La Fille D'O Colección Verano 2014
The Lake & Stars Colección Verano 2014
Foto: Tom Hines

The Lake & Stars Colección Verano 2014
Foto: Tom Hines

Customización bota Timberland
La Fille D'O Colección Verano 2014
Tras años haciendo los cuestionarios de estilo a los Guest Creative, una de las cosas curiosas que he observado es que los que aparentemente menos se preocupan por la moda, son finalmente los más meticulosos y detallistas a la hora de elegir lo que se ponen. Ese es el caso de Richard Kern, quien no se somete a las tendencias, pero tiene muy claro cuál es
su estilo. Gafas: “Llevo unas de Selima Optique NYC. Estaba buscando unas de montura negra o de color carey, del estilo de las que llevaba Michael Caine en la película de 1965 “The Ipcress File”. En ese momento, lo más parecido que pude encontrar estaba en el catálogo de Selima. Las que llevaba Caine era el modelo más básico que podías conseguir en el servicio médico de la seguridad social de Inglaterra. Un modelo para rentas bajas. Caine pensó que estas gafas le darían al personaje un punto de clase trabajadora”. Curiosamente, cuando entrevistamos a Konstantin Grcic, Guest Creative del número 111 de Neo2, nos reveló una historia parecida sobre sus gafas, también del National Health Service, en su caso fue John Lennon quien las puso de moda. Las de Selima Optique, una marca franco-americana creada en los 90 por Selima Salaun, no creo que sean precisamente para rentas bajas. Jeans: “Antes solía llevar APC Jeans, básicamente porque no tenían ninguna marca o señal sobre ellos, y además tenían un teñido oscuro. Entonces me di cuenta que era estúpido pagar 150 dólares por unos vaqueros, y comencé a usar Levi’s 511, que podía conseguir solo por 42. Últimamente he estado usando J Brand jeans, principalmente porque no parecen jeans, son como los que podría usar el cartero”. Parece que Richard tiene cierta inclinación por Fast Retailing, grupo al que también pertenece Princesse Tam Tam, una de sus marcas preferidas de lencería como vimos en la anterior doble página. Relojes: “Llevo un Rolex Datejust de acero inoxidable del 66 que compré hace años. Recientemente, he comenzado a fijarme en los relojes hechos en los países de la antigua Unión Soviética siempre que estoy por ahí. Mis hallazgos más relevante son un reloj Prim Sport (marca creada en la República Checa a mediados del siglo 20) y otro Poljot (marca rusa que significa ‘el vuelo’, un homenaje al primer vuelo espacial, en 1961, de un ser humano, Yuri Gagarin)”. Camisas & Camisetas: “Para polos y camisetas me quedo con la marca J.Crew, me gusta porque no llevan logos ni estampados encima, además están bien hechos y no son nada caros”. Marca norteamericana de básicos que se presenta al mercado mediante la venta por catálogo a mediados de los años 80. En 1991 abre su primera tienda en Nueva York, y actualmente se vende en todo el mundo vía online. “En cuanto a camisas… solo compro una o dos al año. Me gustan las de las marcas Steve Alan y APC”. Esta última ya es un clásico entre los Guest Creative, sobre todo si son hombres y franceses. Una marca francesa de básicos minimalistas  creada por Jean Touitou en 1987 bajo el nombre Atelier de Production et de Création, y de ahí A.P.C. Su gran mérito es tener una gran distribución y a la vez ser de culto. Hasta hace pocos años era difícil encontrarla fuera de París, pero hoy parece que está en plena expansión internacional con tiendas físicas en Nueva York, Londres, Tokio, Hong Kong, Berlín, Amberes, Osaka… y también distribución online. La otra marca preferida de camisas de Richard es Steven Alan, marca que nace en 1994. Primero como una tienda neoyorquina especializada en pequeñas firmas independientes, luego como showroom para esas mismas marcas, y finalmente Steven Alan crea su propia firma homónima en 1999. Un concepto de marca definido por un  diseño casual, contemporáneo pero sin pretensiones, y una confección cualitativa. Abrigos & Americanas: Al igual que con el tema camisas, la marca preferida de Richard es la francesa A.P.C. “Para mí son los que hacen las americanas y abrigos más estilosos. Y como prenda principal para el invierno tengo una chupa de ski de la marca Burton que es anónima y cálida”, marca, esta, asociada a la cultura del snowboarding desde su creación en 1977 por Jake Burton. Zapatillas: “Normalmente llevo siempre algún modelo de Nike Free. Las llevo todo el tiempo, en el gimnasio y por la calle”. Una familia, la Nike Free, que después de 10 años se ha convertido en un icono de la marca y de la gente. Un clásico que constantemente se renueva. Por ejemplo, a Richard le gustaría esta nueva versión de las Nike Free 5.0, ahora rebautizadas como Nike Free OG. Una réplica de las originales de 2004, pero con interesantes actualizaciones estéticas que también se aprecian al tacto. Ropa Interior: “Acabo de empezar a usar calzoncillos. Mi mujer me ha comprado unos cuantos de Calvin Klein”. Cámara de Fotos: “Ahora utilizo una Nikon D800. Antes tenía una Canon 5D Mark 2, pero la cambié porque la nueva genera archivos mucho más grandes, y a mí me gusta imprimir a gran escala. A veces me gustaría haber comprado una Canon 5D Mark 3, porque esta cámara de fotos también es muy muy buena”.
J Brand Jeans
Nikon D800
Calvin Klein Underwear
 A.P.C.
 A.P.C.
 Levi's
Poljot
Michael Caine en "The Ipcress File"
Burton
Rolex
Nike Free 06
Velas
Chocolate
TEXTO: MARIANO MAYER
Richard Kern concentra todos sus intereses artísticos en la joven artista polaca con base en Nueva York MARTYNKA WAWRZYNIAK,que además es actualmente su pareja sentimental. La artista se dio a conocer a través de un proyecto de cierta envergadura llamado Smell Me (2012), que como su propio nombre indica, materializa su ofrecimiento a través de una serie de sustancias extraídas de su propio cuerpo. A lo largo de un año, junto a un equipo liderado por Donna McGregor y sus alumnos de Química, Martynka Wawrzyniak estudió el funcionamiento de su cuerpo, con la intención de extraer algunos de sus elementos sudorosos. A través de estas sesiones lograron extraer diversas esencias concentradas en sus lágrimas, en su sudor y en su cabello, para construir una suerte de autorretrato olfativo. Este tipo de comunicación visceral donde la visualidad es anulada, genera en los espectadores un tipo de intimidad muy particular. De allí que una vez obtenidas las sustancias se pasó a una segunda fase que consistía en poder ofrecer una inmersión total de estos aromas en el espacio de la galería. Para alcanzarlo, la artista trabajó con el perfumista Yann Vasnier en la fabricación de los perfumes basados en sus esencias corporales y en el diseño de una cámara donde los visitantes experimentaran sus experiencias olfativas de manera individual. No es el primer intento de hablar en primera persona a través de la incorporación de sustancias, pero sí la primera vez en que estas sustancias son extraídas de su propio organismo. En proyectos anteriores Martynka Wawrzyniak utilizó chocolate, ketchup o ropa para habitar determinadas zonas donde la identidad adquiría forma de fluido y de ausencia. Entre el juego y la búsqueda de un lenguaje expresivo se ubican este tipo de proyectos, cuyo componente sensual y narcisista que envuelve cada imagen, objeto o espacio, se adecua a la época selfie desde un punto de vista particular. “Eau de M” es una de las últimas fases de Smell Me, se trata de una nota de su esencia de sudor entregado en forma de muestra de perfume en una de las páginas publicitarias del número de mayo de la edición americana de Harper’s Bazaar. Junto al director de arte, Martynka Wawrzyniak creó una herramienta de marketing idéntica a las empleadas para las fragancias tradicionales. Los lectores de la revista que rasparan el anuncio no sabían que en realidad no estaban solo experimentando un aroma, sino participando de una propuesta artística.

www.martynka.com
Pelo
No sé por qué, pero pensaba que Richard Kern sería una de esas personas aferradas a los formatos analógicos, y nada más lejos de la realidad, porque enseguida nos deja muy claro que no tiene nada de nostálgico y sí mucho de práctico: “Siempre compro música en formato digital. También compro eBooks. Está genial no tener alrededor montones de libros, cedés y discos… No soy de esos a los que les gusta mostrar su colección de libros en estanterías. Ocupan demasiado espacio”. Nos cuenta que el último disco que ha comprado, en digital, por supuesto, es de un grupo de punk rock llamado X titulado “Los Angeles”. El disco se publicó por primera vez en 1980 y fue reeditado en 2001 con cinco temas extra. Le preguntamos ahora a Richard si suele ir a conciertos y confiesa que no muy a menudo, el último grupo que ha visto en directo ha sido Thievery Corporation: “Actuaban en un evento sofisticado al que fui. Y son muy buenos en directo. Hubo algunos temas en los que el guitarrista se sentó como Ravi Shankar y se puso a tocar riffs melódicos con un sitar sobre el estruendo funk de la banda. Fue fantástico”. En cuanto a música española nos dice que le gustan mucho los videos de Shakira, y también una canción de Pitbull de los noventa titulada “Calle Ocho”, además de la canción de Frankie Cutlass “Puerto Rico”, de 1994. Ninguno de estos artistas es español, pero agradecemos la respuesta igualmente. Cuando le preguntamos si hay algún grupo que le haya sorprendido últimamente nos habla de la banda francesa Indochine: “Hice el videoclip de su canción ‘Black City Parade’, y me gustan bastante sus dos últimos discos”. Este grupo se formó en 1981 y sigue todavía en activo aunque sus componentes han ido cambiando a lo largo de los años, siendo Nicola Sirkis, su vocalista, el único miembro original de la banda hoy día. 

Sorprende de Richard Kern que, habiéndose relacionado siempre con músicos, no mencione ningún nombre cuando le preguntamos cuál es ahora mismo su grupo o artista favorito. Y es que parece que en estos momentos la música no le interesa demasiado, así lo reconoce cuando le damos a elegir entre unos cuantos artistas que publican disco por estas fechas: “Me quedo con Paul Weller, aunque la verdad es que no escucho mucha música ahora mismo”. Aún así seguramente le guste el último disco del artista inglés, “More Modern Classics”, que realmente no es un nuevo álbum de estudio, sino un disco recopilatorio de sus últimos 15 años de carrera en solitario. En él figuran grandes éxitos como “From the Floorboards Up” o “That Dangerous Age”. Un disco que supone la continuación de “Modern Classics”, el recopilatorio que editó en 1998 y que incluía los éxitos de los primeros años de su carrera. Volvemos, ya para terminar, con una recomendación musical de Richard Kern: “Thurston Moore tiene un nuevo proyecto llamado Chelsea Light Moving que suena como lo mejor de Sonic Youth de los ochenta y noventa”. Efectivamente, el grupo de Thurston recupera ese sonido marca de la casa con su nuevo grupo cuya formación se completa con Samara Lubelski, John Moloney y Keith Wood. El año pasado publicaron su primer disco, de título homónimo, vía Matador Records. Gracias Richard. Una gran recomendación.
Paul Weller.
Portada More Modern Classics

X, Los Angeles
Thievery Corporation
Indochine
Chelsea Light Moving.
Foto: Marcus Junius Laws

Richard Kern nos recomienda el trabajo de CHRIS RUCKER, un diseñador-artista que tiene su estudio llamado Ruckercorp en Bushwich, Brooklyn. Las piezas de mobiliario que mostramos en estas páginas están realizadas en OSB, un tipo de madera contrachapada utilizada en obras. La idea de Richard, con este trabajo, es dar una nueva dimensión y uso a un material utilizado en trabajos efímeros. Richard nos dice también que es un fan del trabajo de Jean Prouvé. Consiguió bastantes piezas de mobiliario originales del diseñador francés con un intercambio que hizo con su antigua galería de París.De los jóvenes diseñadores propuestos por Neo2, Kern se queda con los japoneses YOY por el sentido del humor que transmiten con su trabajo. Yoy, con estudio en Tokio, está compuesto por Naoki Ono (diseñador de espacios) y Yuki Yamamoto (diseñador industrial). El trabajo seleccionado para estas páginas se llama Protrude y es una bandeja que desafía el principio de gravedad. Es un ejemplo representativo de los trabajos que hacen, objetos que producen una ilusión óptica, con comportamientos fuera de reglas.  Nuestro Guest Creative confiesa que su marca de iluminación favorita es FLOS por su simplicidad. Hemos seleccionado uno de los últimos proyectos generados por esta marca italiana, se trata de la lámpara Ok presentada en 2013. Ok es un diseño de Konstantin Grcic y es en realidad la evolución de un proyecto icónico del mundo del diseño.  La idea original de esta luminaria viene de Pio Manzù, a quien se le ocurrió la idea de una lámpara que se pudiera deslizar del suelo al techo y  a la vez girar 360 grados. El proyecto no llegó a acabarse por la repentina muerte de Pio en 1969 y la idea la retomó el genio del diseño Achille Castiglioni, que concluyó el proyecto transformándolo en la famosa lámpara Parantesi lanzada por Flos en 1971. Después de 40 años, el mundo de la iluminación ha cambiado  muchísimo. El director de Flos, Piero Gandini, le enseñó a Konstantin ejemplos de paneles LED y a partir de ahí diseñó la lámpara Ok. Una luminaria que recoge una parte de la historia del diseño de la iluminación y que es un producto totalmente nuevo tecnológicamente y con una estética tan personal como la lámpara original.

www.ruckercorp.com
www.yoy-idea.jp
www.flos.com

Bandeja Protrude del estudio Yoy
Silla y Mesa diseñada por Chris Rucker
Silla y Mesa diseñada por Chris Rucker
Silla y Mesa diseñada por Chris Rucker
Lámpara OK diseñada por
Konstantin Grcic para Flos

Lámpara OK diseñada por
Konstantin Grcic para Flos

TEXTO: JAVIER ABIO

Fotos: JUAN ACHIAGA  / Estilismo: IGNAZIO ARIZMENDI
Texto: MONGÓMERI / Maquillaje & Pelos: MARTA ALCOCER @ Ana Prado
Asistente Estilista: BEATRIZ ÚBEDA / Plató: THE MOOD PROJECT www.themoodproject.com
+ ADDICT STUDIOS www.addictstudios.com
“Hoy merece pasar a la primera línea una generación más joven, con nuevas energías, decidida a emprender con determinación las transformaciones y reformas que la coyuntura actual está demandado”. Esas fueron las palabras de Juan Carlos I en su discurso de abdicación. Y aunque, desde hace 20 años, Neo2 siempre ha sido la voz de las nuevas generaciones creativas, queremos aprovechar la tendencia abdicativa y renovable para reforzar nuestra predisposición hacia la novedad. Con este espíritu, hemos realizado un editorial de moda con un casting representativo de lo que sería la “Generación Príncipe” del mundo de la moda y la imagen. Y nadie mejor que Prince Pelayo para abrirlo. También tenemos a Brianda Fitz-James Stuart, Andrea Pimentel, María Forqué, Vicente Ferrer, Guillermo Turell, Marc Lüloh, Sita Abellán, Ignazio Arizmendi, las hermanas Cuesta: Diseñadores, estilistas, editores, ilustradores, modelos… Una nueva generación de creativos que lleva años trabajando y formándose. Todos tienen en común algo muy necesario: una buena dosis de energía positiva. Así que demos la bienvenida a la “Generación principe” .
Pelayo Diaz

Edad: 27 años / Vocación: Me encanta hacer fotos y escribir. Recuerdo tan bien mi primera cámara, una Polaroid que me regaló mi tía Esther por mi comunión. Fue un auténtico descubrimiento, como mi primer diario. Mi madre, Elena, también me contagió la pasión por la fotografía y los diarios, los suyos en forma de álbum. Por eso disfruto tanto con Katelovesme.net, además de un trabajo, es un placer / Sueños Cumplidos: Estudiar moda en Saint Martins. Además, lo hice en el edificio original de Charing Cross Road en Londres, donde estudiaron grandes como Alexander McQueen y John Galliano. Pertenezco a la última generación que se graduó ahí, y me siento muy orgulloso / Ocupaciones: Mi blog, Katelovesme.net y todo lo que gira a su alrededor: eventos, sesiones de fotos, colaboraciones y estrategias online para marcas / Hobbies: Me encanta viajar. Cuando estoy de vacaciones es cuando me vienen más ideas y más ganas de hacer cosas. Así que estoy siempre tomando notas y dibujando, otro de mis hobbies / Clave: Cualquiera podría hacer lo que yo hago. Y eso es lo especial de un blogger, que somos comunes, como todos los demás. Justo ahí es cuando es más difícil destacar. Nunca he pensado que tenga ninguna cualidad extraordinaria, pero sí es verdad que siempre he tenido ilusión, perseverancia y la alegría necesaria para llegar a donde estoy / Aportaciones: Creo que formo parte de los inicios de un movimiento que, en su momento, nadie apoyaba, ni siquiera entendía. Esos fueron los momentos más difíciles, pero también los más divertidos. Ahora todo el mundo sabe qué es un blogger, aunque no todo el mundo comprenda todavía qué es lo que hacemos concretamente. Mucha gente piensa que ser blogger es retratar lo que llevas puesto y explicarlo como si tus seguidores fueran lerdos, y tú un materialista sin cerebro. Pero no. No es eso. O al menos no para mí. Explicar al mundo, e imponer, una nueva forma de comunicación, de ver las cosas, a mi manera, de forma espontánea, sin tener que agradar a nadie era mi principal objetivo. Y es eso, en forma de viaje, lo que creo que es interesante / Proyectos: Uno de los más especiales es la colección  de bolsos No One O/I 2014 que hice para Davidelfin, y que ya están a la venta en davidelfinaccess.com. Es especialmente importante para mí porque es la primera firma que me dio un lugar para mostrar mi trabajo como diseñador. Una firma que siempre he seguido y admirado.

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Andrea Pimentel


Edad:
29 años / Vocación: Diseñadora de lencería / Sueño Cumplido: Mi vocación. Cada día pienso que es un sueño disfrutar de lo que estoy haciendo / Objetivo: Desarrollar mi vocación para poder vivir de ello / Ocupación: Botica Lingerie, aparte de darme el título oficial de diseñadora de lencería, también me ha ayudado a desarrollarme en el área contable, comunicación, inversión y todos esos trámites burocráticos que antes obviaba, y ahora hago con una sonrisa en la cara / Hobbies: La botánica, ornitología, el Eros, música… son algunos de mis hobbies, por no ponerme a listar todo lo que me llena de curiosidad. La realidad es que todas las cosas que me atraen suelen ser las que alimentan mi trabajo, este es la entraña de mi personalidad y mis pasiones / Clave: Fantasía sin límites e infinita pasión / Proyectos: Botica Lingerie es lo más importante ahora mismo, he trabajado varios años para poder dar a luz mi pasión por el vestir ligeramente a la mujer y disfrutar de la fantasía del Eros en todas sus visiones y sensaciones.

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María Forqué

Edad:
23 años / Vocación: Artista en todas sus variantes y evolucionar como ser / Sueños Cumplidos: Haber hecho una película y ser lo que soy en este momento / Objetivo: Actuar en películas y sería increíble si fueran de fantasía, ciencia ficción / Ocupaciones: Actriz, artista, y viajar para conocer y evolucionar / Hobbies: Actuar, ver películas, pintar, jugar con mis muñecos y viajar / Clave: Que soy diferente a los demás desde que nací / Aportaciones: Lo que sí se es que personal y profesionalmente intento transmitir buena energía y fantasía / Proyectos: Algunos relacionados con mi faceta de actriz y otros con viajar a Japón y Estados Unidos.

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Helena & Lucía Cuesta


Edad: 24 años / Vocación: El diseño
/ Sueño Cumplido: Tener nuestra propia marca de joyas, Them Bones Jewelry, y también diseñar para otras firmas / Objetivos: Vivir de nuestra marca / Ocupación: Diseñadoras de joyas / Hobbies: Viajar, salir, leer, el cine, la música… (Lucía). Mi perra, mi bici, el campo, el cine, viajar, conocer… (Helena) / Clave: Ser gemelas (Helena). De una forma u otra, el hecho de tener una hermana gemela te hace destacar más (Lucía) / Aportación: Me parecería una osadía decir que aporto algo, pero considero que formo parte de una generación de jóvenes donde los únicos límites que existen son los que nos ponemos nosotros mismos (Lucia). Creo que aun soy demasiado joven para contestar a esa pregunta (Helena) / Proyectos: Nuestra marca de joyas: Them Bones Jewelry.

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Ignazio Arizmendi


Vocación: Director de arte y editor de moda / Sueños Cumplidos: Colaborar con publicaciones como Neo2, con marcas como Loewe, que Juan Gatti me fotografiase para la revista Candy, y, en general, dedicarme a lo que más me gusta / Objetivos: Continuar dedicándome a mi vocación y seguir creciendo / Ocupaciones: Editor de moda, estilista, director de arte, consultor de marcas y redactor de moda / Hobbies: El arte y viajar / Clave: Mi personalidad y creatividad / Aportaciones: Inspiración / Proyectos: Si me sigues en Instagram y Tumblr puedes estar al día de todas mis novedades.

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Guillermo Turell Yarur


Edad: 24 años / Vocación: La ilustración / Sueño Cumplido: Dedicarme a la ilustración. Y también posar en 2 ocasiones para Candy disfrazado de mi ídolo de todos los tiempos: Barbra Streisand. La primera con fotos de Juan Gatti, y la segunda con Bryan Adams / Objetivo: Publicar mis ilustraciones en revistas de moda, y dedicarme más a la parte audiovisual / Hobbies: En mi caso, lo profesional y personal se funden completamente. Desde que tengo uso de razón me he pasado las horas dibujando, y poder dedicarme a ello es un gran privilegio. Cantar y la moda son otras de mis aficiones / Claves: La única forma de destacar es siendo completamente fiel a mí mismo. Seguir mis instintos y ser totalmente yo / Aportación: Mi particular visión del mundo. Es fascinante poder compartir lo que llevas dentro con el mundo. Me gusta fundir características femeninas con masculinas. Lo andrógino siempre me ha fascinado. Me encanta jugar con la sexualidad. Es algo que me sale solo / Proyectos: Formar parte del grupo de jóvenes artistas Atelier des Jeunes, ha sido una experiencia súper enriquecedora participar junto a grandes artistas de mi generación. También estoy preparando en Madrid mi primera exposición en solitario. Y tengo en mente exponer en Londres, donde estudié en Central Saint Martin’s.

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Brianda
Fitz-James Stuart


Edad:
30 años / Vocación: Desde pequeña me ha gustado pintar, tenía muy claro que quería trabajar con las manos y la imaginación / Sueño Cumplido: Crear Planet Palmer, trabajar en lo que me gusta, y tener un gato… de hecho tengo 2 / Objetivo: Que Planet Palmer se convierta en una marca internacional, viajar a Japón, vivir en el campo… y participar en una recreación de Cuarto Milenio me haría muy feliz / Ocupaciones: La principal es Planet Palmer, también trabajo como diseñadora freelance, soy redactora en el blog de Societé Perrier y, además, pincho en eventos y fiestas / Hobbies: Viajar, cine, música… Mis hobbies y ocio me sirven como fuente de inspiración a la hora de trabajar / Claves: Me gusta mi trabajo y supongo que eso se transmite de alguna forma en mis dibujos / Aportaciones: Siento las corrientes y energías que se mueven a mi alrededor, espero que de la interpretación de mi tiempo y circunstancias pueda resultar algo interesante / Proyectos: Estamos con la nueva colección de Planet Palmer y estudiando la manera de comercializar la marca internacionalmente. Pero siempre tengo en mente nuevas ideas.

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Vicente Ferrer


Edad:
30 años / Vocación: Escribir / Sueños Cumplidos: Aprender idiomas, viajar y conocer a gente fascinante / Objetivos: Hacer que Hipsters from Spain y la revista i-D Spain, los proyectos en los que estoy involucrado actualmente, crezcan sanos y fuertes. Otro sueño es tener un espacio al que llamar “hogar, dulce hogar” / Ocupaciones: Escribir, dar clases, coordinar a otros profesionales relacionados con el mundo de la edición y la moda, y ser el Community Manager y PR de mi vida / Hobbies: Mis amigos. También leer, vestirme y jugar / Clave: Soy polivalente y disfruto con los cambios / Aportaciones: Creo que pocos recordarán mi legado, pero una vez tuve una web con unos amigos en la que la gente se reía mucho con, y de, nosotros: www.youdneverwearthat.tumblr.com
/ Proyectos: Soy el fundador de Hipstersfromspain.com y el coordinador editorial de i-D Spain.


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Marc: Camiseta Tirantes G-STAR www.g-star.com
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Marc Lüloh

Edad:
19 años / Vocación: Tener una familia y ser el mejor padre que pueda ser, aportar lo máximo a mis hijos. Yo nunca he conocido a mi padre, y mi madre hizo los 2 papeles de manera extraordinaria. Gracias a ella he tenido una infancia maravillosa. Siempre le estaré agradecido eternamente / Sueño Cumplido: Jugar un campeonato nacional de baloncesto cuando tenía 14 años. Ser independiente con solo 17 años. Y en un lugar en el que nunca había estado y no conocía a nadie: Las Palmas de Gran Canaria. Fue arriesgado, pero salió perfecto / Objetivo: Conocer y vivir las culturas del planeta, y hacerlo con las personas que quiero y admiro / Ocupación: Ahora mismo ser modelo, quiero vivir esta experiencia al máximo y para ello quiero dedicarle el 100%. Creo que trenes como este solo pasan una vez en la vida / Hobbies: La música y el deporte. Ejercitar mi cuerpo y llevar una dieta sana hace que me sienta mejor. Así también ejercito 3 virtudes que son importantes para mí: constancia, esfuerzo y disciplina / Clave: He tenido la suerte de conocer a personas increíbles que me han transmitido muchos buenos valores y virtudes / Aportaciones: Lo mismo que me han aportado a mí: educación, respeto y saber escuchar para aprender / Proyectos: No perder el contacto con las personas que me importan y aprender de las nuevas experiencias.

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Sita Abellán

Edad:
21 años / Ocupación: Estudiante de Publicidad y RR.PP, modelo y dj / Sueños Cumplidos: Estar haciendo lo que más me gusta / Objetivo: Viajar por todo el mundo, aprender más idiomas y seguir encontrando a personas de verdad / Hobbies: Se funden con el trabajo. Cuando tenía 15 años comencé a dispararme fotos en casa y, a raíz de Facebook y otras redes sociales, empezó a salirme trabajo de modelo. Ahora Instagram también me está abriendo bastantes puertas / Clave: No veo que tenga nada especial, simplemente soy puramente yo. Y quizás eso es lo que haga que sea especial / Aportaciones: Una visión menos comercial y fuera de la masa / Proyectos: Terminar la carrera.

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El país escandinavo, musicalmente hablando, no tiene nada que envidiar a otros países de latitudes similares. La noruega Sandra Kolstad, en la imagen, es un buen ejemplo de ello. Recientemente hemos podido verla en directo en nuestro país confirmando lo que ya sabíamos, que es una artista con un gran talento. Acaba de presentar “Rooms”, el single de su nuevo álbum “Zero Gravity State of Mind”, que verá la luz este próximo otoño, y anunciamos ya que es un disco que promete. Además, casualmente, o no, uno de nuestros festivales más veteranos, La Mar de Músicas, también ha tenido en cuenta el potencial noruego, dedicando al país nórdico una sección especial dentro de su edición número 20. Durante todo este mes de julio Cartagena se refrescará con lo mejor del cine, el arte, la literatura y la música noruega, con las actuaciones de Bugge Wesseltoft, Nils Peter Molvaer, Erlend Øye o Lindstrøm, entre otros. 
 
Por: Terevisión Ruiz

www.sandrakolstad.com
www.lamardemúsicas.com


¿Puede un juguete transformarse en una joya? ¿Una joya es una pieza de arte? Transformar objetos ya existentes, cambiar su función y darles un nuevo valor es lo que hace el artista estadounidense Kevin Hughes, quien realiza piezas de joyería a modo de pequeñas esculturas. Kevin encuentra la belleza en la forma de cualquier objeto, y bajo sus manos éste puede convertirse en algo que nunca imaginó: una joya. Una buena muestra de su trabajo puede verse estos días en “A Fickle Sonance”, la exposición del artista en la galería Klimt02 de Barcelona. Una galería donde se puede ser joya, juguete y arte al mismo tiempo. Los límites ya no existen. 
 
Por: Rubén Manrique y Sofía Dos Santos

Speed Bag. Broche. Objeto Encontrado. Pátina negra sobre latón. 2014

www.kevinhughesdesigns.com
www.klimt02.net/gallery


Diseñar un mueble como si fuera una
escultura es un mal bastante común que
suele desencadenar malísimos resultados.
El caso que nos ocupa es una excepción,
se trata de uno de los últimos trabajos de
la diseñadora Lovisa Hansson, una chaise
longue con el nombre de “I want see my
mountains”. Un diván que tiene la fuerza
de los utensilios primitivos y también la
calidez del mobiliario escandinavo. Una
combinación equilibrada de planos
estructurales con las formas curvas del
tapizado. Una pieza inspirada, según
Lovisa, en los Alpes suizos y la obra
de Joseph Beuys.


Por Javier Abio
Foto: Jens Nordström

www.lovisahansson.com

Diseñar un mueble como si fuera una
escultura es un mal bastante común que
suele desencadenar malísimos resultados.
El caso que nos ocupa es una excepción,
se trata de uno de los últimos trabajos de
la diseñadora Lovisa Hansson, una chaise
longue con el nombre de “I want see my
mountains”. Un diván que tiene la fuerza
de los utensilios primitivos y también la
calidez del mobiliario escandinavo. Una
combinación equilibrada de planos
estructurales con las formas curvas del
tapizado. Una pieza inspirada, según
Lovisa, en los Alpes suizos y la obra
de Joseph Beuys.


Por Javier Abio
Foto: Jens Nordström

www.lovisahansson.com
Ahora que estamos metidos en pleno
furor futbolístico con el Mundial Brasil 2014,
la moda, que va a su bola, se inspira en el otro
fútbol, el norteamericano, también conocido
como Gridiron. Vemos sus influjos en la colección
FW 2014 de Jeremy Scott, con una interpretación
bastante literal del tema. También lo percibimos
en la de la joven firmaalemana Marina
Hoermanseder con una visión un poco más neurótica.
Y por último, en Luella Bartley y Katie Hillier,
diseñadoras de Marc by Marc Jacobs. ¿Visteis
lashombreras que llevaban en el desfile de NY?


Por Mongómeri.

Jeremy Scott FW 2014.
Foto: Estrop / Francesc Ten
Ahora que estamos metidos en pleno
furor futbolístico con el Mundial Brasil 2014,
la moda, que va a su bola, se inspira en el otro
fútbol, el norteamericano, también conocido
como Gridiron. Vemos sus influjos en la colección
FW 2014 de Jeremy Scott, con una interpretación
bastante literal del tema. También lo percibimos
en la de la joven firmaalemana Marina
Hoermanseder con una visión un poco más neurótica.
Y por último, en Luella Bartley y Katie Hillier,
diseñadoras de Marc by Marc Jacobs. ¿Visteis
lashombreras que llevaban en el desfile de NY?


Por Mongómeri.
Marina Hoermanseder FW 2014.
Foto: Estrop / Francesc Ten
Ahora que estamos metidos en pleno
furor futbolístico con el Mundial Brasil 2014,
la moda, que va a su bola, se inspira en el otro
fútbol, el norteamericano, también conocido
como Gridiron. Vemos sus influjos en la colección
FW 2014 de Jeremy Scott, con una interpretación
bastante literal del tema. También lo percibimos
en la de la joven firmaalemana Marina
Hoermanseder con una visión un poco más neurótica.
Y por último, en Luella Bartley y Katie Hillier,
diseñadoras de Marc by Marc Jacobs. ¿Visteis
lashombreras que llevaban en el desfile de NY?



Por Mongómeri.

Jeremy Scott FW 2014.
Foto: Estrop / Francesc Ten
Es una de las sillas cantilever o en voladizo
más raras que he visto en mi vida. No estoy
muy seguro si me gusta o no estéticamente,
pero tengo que reconocer que tiene personalidad.
No la he probado, pero por la imagen parece que
puede funcionar. Si hubiera que diseñar un trono
real actual me lo imagino algo así. El autor de
esta silla llamada Archiduchaise es el belga
Xavier Lust,  tan acostumbrado a la monarquía
como los diseñadores españoles. Existe una
edición de 18 piezas en aluminio pulido, una
cantidad suficiente para proveer a todas
las monarquías europeas.


Por Javier Abio
www.xavierlust.com

Es una de las sillas cantilever o en voladizo
más raras que he visto en mi vida. No estoy
muy seguro si me gusta o no estéticamente,
pero tengo que reconocer que tiene personalidad.
No la he probado, pero por la imagen parece que
puede funcionar. Si hubiera que diseñar un trono
real actual me lo imagino algo así. El autor de
esta silla llamada Archiduchaise es el belga
Xavier Lust,  tan acostumbrado a la monarquía
como los diseñadores españoles. Existe una
edición de 18 piezas en aluminio pulido, una
cantidad suficiente para proveer a todas
las monarquías europeas.


Por Javier Abio
www.xavierlust.com
Es una de las sillas cantilever o en voladizo
más raras que he visto en mi vida. No estoy
muy seguro si me gusta o no estéticamente,
pero tengo que reconocer que tiene personalidad.
No la he probado, pero por la imagen parece que
puede funcionar. Si hubiera que diseñar un trono
real actual me lo imagino algo así. El autor de
esta silla llamada Archiduchaise es el belga
Xavier Lust,  tan acostumbrado a la monarquía
como los diseñadores españoles. Existe una
edición de 18 piezas en aluminio pulido, una
cantidad suficiente para proveer a todas
las monarquías europeas.


Por Javier Abio
www.xavierlust.com
Es inherente al ser humano la inclinación
hacia el antropomorfismo. Es decir, atribuir
a los animales rasgos y cualidades de las
personas. Pero qué ocurre cuando es al revés,
cuando es el humano quien adquiere características
de los animales. Podríamos hablar de zoantropismo:
manía por la que nos creemos animales. Una
patología que vemos constantemente en la moda,
ya sea en forma de print animal, o de experimentos
como el de Thom Browne y sus sombreros y caretas
con siluetas de elefantes y conejos. Más elegante
fue la propuesta para el próximo invierno del
diseñador británico Drew Henry: una especie
de segunda piel animal para la mujer.


Por: Mongomeri
Drew Henry Colección FW 2014-15.
Foto: Estrop / Francesc Ten

Es inherente al ser humano la inclinación
hacia el antropomorfismo. Es decir, atribuir
a los animales rasgos y cualidades de las
personas. Pero qué ocurre cuando es al revés,
cuando es el humano quien adquiere características
de los animales. Podríamos hablar de zoantropismo:
manía por la que nos creemos animales. Una
patología que vemos constantemente en la moda,
ya sea en forma de print animal, o de experimentos
como el de Thom Browne y sus sombreros y caretas
con siluetas de elefantes y conejos. Más elegante
fue la propuesta para el próximo invierno del
diseñador británico Drew Henry: una especie
de segunda piel animal para la mujer.


Por: Mongomeri
Drew Henry Colección FW 2014-15.
Foto: Estrop / Francesc Ten

Es inherente al ser humano la inclinación
hacia el antropomorfismo. Es decir, atribuir
a los animales rasgos y cualidades de las
personas. Pero qué ocurre cuando es al revés,
cuando es el humano quien adquiere características
de los animales. Podríamos hablar de zoantropismo:
manía por la que nos creemos animales. Una
patología que vemos constantemente en la moda,
ya sea en forma de print animal, o de experimentos
como el de Thom Browne y sus sombreros y caretas
con siluetas de elefantes y conejos. Más elegante
fue la propuesta para el próximo invierno del
diseñador británico Drew Henry: una especie
de segunda piel animal para la mujer.


Por: Mongomeri

Thom Browne Colección FW 2014-15.
Foto: Estrop / Francesc Ten

Es inherente al ser humano la inclinación
hacia el antropomorfismo. Es decir, atribuir
a los animales rasgos y cualidades de las
personas. Pero qué ocurre cuando es al revés,
cuando es el humano quien adquiere características
de los animales. Podríamos hablar de zoantropismo:
manía por la que nos creemos animales. Una
patología que vemos constantemente en la moda,
ya sea en forma de print animal, o de experimentos
como el de Thom Browne y sus sombreros y caretas
con siluetas de elefantes y conejos. Más elegante
fue la propuesta para el próximo invierno del
diseñador británico Drew Henry: una especie
de segunda piel animal para la mujer.


Por: Mongomeri

Thom Browne Colección FW 2014-15.
Foto: Estrop / Francesc Ten
Son complejas, eso ya lo sabemos, pero, ¿sabías que las matemáticas podían ser bellas? Eso es lo que han querido demostrarnos desde la Fondation Cartier pour l’art contemporain con la pasada exposición “Mathematics, a beautiful elsewhere”, donde las matemáticas y el arte contemporáneo entablaban un diálogo común. El artista Hiroshi Sugimoto, a quien pertenece la obra de la imagen, afirma que los científicos y los artistas comparten una forma muy abstracta de pensamiento. A los demás solo nos queda una tarea: tratar de descifrarlo.

Por: Rubén Manrique y Sofía Dos Santos

Hiroshi Sugimoto, Conceptual Form 011, 2008.
www.fondation.cartier.com

Por una cosa u otra, los años 20 siguen en
nuestras cabezas. Sobre todo en las de las
mujeres que retoman los peinados masculinos
originarios de esos años locos que terminaron
en depresión. Una década en la que nace el
estilo Boyish como expresión de los inicios
de la liberación femenina, tendencia que en
peluquería se bautiza con el nombre genérico
de Bob, que literalmente significa pelo corto.
Uno de sus derivados más radicales es el corte
Eton, pegadito al cráneo y popularizado por
Joséphine Baker. Hoy lo vemos en los desfiles
de Alexander Wang o Jonathan Saunders.


Por Mongómeri.
Foto: Francesc / Ten

Desfile Colección Alexander Wang FW 2014-15.

Por una cosa u otra, los años 20 siguen en
nuestras cabezas. Sobre todo en las de las
mujeres que retoman los peinados masculinos
originarios de esos años locos que terminaron
en depresión. Una década en la que nace el
estilo Boyish como expresión de los inicios
de la liberación femenina, tendencia que en
peluquería se bautiza con el nombre genérico
de Bob, que literalmente significa pelo corto.
Uno de sus derivados más radicales es el corte
Eton, pegadito al cráneo y popularizado por
Joséphine Baker. Hoy lo vemos en los desfiles
de Alexander Wang o Jonathan Saunders.


Por Mongómeri.
Foto: Francesc / Ten

Desfile Colección Jonathan Saunders FW 2014-15.
Por una cosa u otra, los años 20 siguen en
nuestras cabezas. Sobre todo en las de las
mujeres que retoman los peinados masculinos
originarios de esos años locos que terminaron
en depresión. Una década en la que nace el
estilo Boyish como expresión de los inicios
de la liberación femenina, tendencia que en
peluquería se bautiza con el nombre genérico
de Bob, que literalmente significa pelo corto.
Uno de sus derivados más radicales es el corte
Eton, pegadito al cráneo y popularizado por
Joséphine Baker. Hoy lo vemos en los desfiles
de Alexander Wang o Jonathan Saunders.


Por Mongómeri.
Foto: Francesc / Ten

Desfile Colección Alexander Wang FW 2014-15.

AHORA TAMBIÉN
“PODEMOS” DISEÑAR
SANSENS
BY LANTOMO
ASÍ FUE
SÓNAR 2014
WOLFGANG LAIB
EN BLUEPROJECT

THE HORRORS,
“LUMINOUS”

LVMH YOUNG FASHION  
BY TRAJANO!
STREET MARKET
CASTIZO
NEO2 PARTY 
20 ANIVERSARIO

NUEVA PROMOCIÓN
DE AMBERES 2014
30 AÑOS
DE MECENAZGO

GRUFF RHYS,
“AMERICAN INTERIOR”
SHOWROOM
EN LA MASÍA

...GRADUATES SHOW 2014

El pasado fin de semana asistimos al esperado show de graduación de la nueva promoción de diseñadores recién salidos del departamento de moda de la Royal Academy Of Fine Arts de Amberes, alma máter de “Los seis de Amberes”. Este evento crea altos niveles de expectación, congregando a más de 6000 espectadores año tras año, entre los cuales se encuentran editores de moda de las publicaciones más importantes del mundo, diseñadores, agencias, cazatalentos y un jurado de expertos en moda que valoran su creatividad, el cual cuenta con nombres de la talla de Marie Schuller de SHOWstudio, Isabella Burley de Dazed & Confused, Martien Mellema directora de Vogue Nederland, Manuela Brini de LVMH y Susanna Lau de Style Bubble entre otros, quienes fueron los encargados de premiar a los mejores estudiantes del Master, dirigido por Walter Van Beirendonck y coordinado por Dirk Van Saene, ambos miembros de los “Antwerp Six” (junto a Ann Demeulemeester, Dries Van Noten, Dirk Bikkembergs y Marina Yee), creadores que establecieron las bases para una nueva era del diseño con una visión de la moda nueva y radical al graduarse en la década de los 80 (y Martin Margiela el primero de todos en los 70), que se caracteriza por el minimalismo y los métodos de producción no masivos. Cuya semilla continuó floreciendo en generaciones posteriores, convirtiéndose en la madre de los diseñadores más importantes de la moda de hoy, cuya extensa lista incluye a Raf Simons, Kris Van Assche (ambos directores creativos de Christian Dior y Dior Homme respectivamente), Bernhard Willhelm, Haider Ackermann, Veronique Branquinho, Bruno Pieters, Peter Pilotto entre muchos otros y conviertiendo la pequeña localidad de Amberes en meca de la moda a nivel mundial, donde acuden estudiantes de diferentes países para cursar sus estudios. La clave del éxito de esta escuela (fundada en 1663 y habiendo pasado alumnos como Vincent Van Gogh por sus aulas), reside en la concepción de la moda como arte aplicada, poniéndola al mismo nivel de otras artes tradicionales como la pintura y la escultura, hecho que no es muy habitual en otras escuelas de moda, concediéndole esta visión única. En el espectáculo de 4 horas de duración, que se repite tres tardes seguidas, se presentan los diseños de los alumnos de primero, segundo y tercer curso, haciendo especial énfasis en los alumnos de cuarto curso, quienes cerraron el show con sus colecciones de graduación. <antwerpacademy.be>

Los diez estudiantes de diseño establecen un nuevo orden con sus creativos y versátiles diseños, ocho de los cuales optaron por colecciones de mujer y dos de hombre, aunque la tendencia a romper las barreras de género de los diseños en favor de un enfoque más transgresor es una tendencia general a lo largo de todas las colecciones. La temática futurista también supone una constante para la mayoría de los creadores. Además algunos de ellos encuentran su inspiración en el pasado, en la historia y en la memoria.

Hyein Seo BAD EDUCATION

Tal vez no haya ganado ningún premio pero los diseños de su anterior colección ya han sido lucidos por Rihanna en sus conciertos y en la última edición de Paris Fashion Week, ganadora del CFDA Style Icon Award 2014. La diseñadora japonesa juega a deconstruir códigos de vestimenta universales, en esta ocasión el uniforme de colegio, presentándonos una colección que fusiona la energía propia del streetwear con esta indumentaria. Es como si una niña al salir de clase fuera directa al armario de su madre para disfrazarse con sus joyas. El espíritu rebelde en los parches que rezan lemas como “School Kills”.

Flora Seierl SIDERAL ETHEREAL INMATEREAL

La diseñadora austriaca nos presentó una colección trabajada en cuero en su totalidad, utilizando el negro y azul como únicos recursos cromáticos ya que desde el planeta tierra percibimos el espacio exterior de color azul durante el día y negro durante la noche. La teletransportación y secuenciación de datos se materializan en cortes horizontales, creando tiras de piel que representan la rotura espacio-temporal, traduciéndose en siluetas humanoides escaneadas, que se distorsionan y pixelan al caminar con paso firme hacia un futuro lejano.

Yens Cuyvers BAAS

El único estudiante de la promoción de origen belga nos presentó una propuesta que está influenciada por el pasado y el futuro a partes iguales, resultando en un dandy de neopreno fluorescente, demostrando maestría a la hora de mezclar materiales. Clásicos trajes de chaqueta de terciopelo en profundos morados y granates se mezclan con monos psicodélicos de estampado tóxico. El acabado final la convierte en una colección contemporánea y ponible a partes iguales.

Raffaela Graspointner HOLI BLUSH BUBBLE CRUSH

La recién graduada de origen austriaco bebe directamente de la fuente de la casa de arquitectura modernista Eames de Los Ángeles. Nos presentó una visión muy contemporánea del concepto inicial, con ecos deportivos de los 90 mezclado con estampados muy gráficos, siendo las formas limpias y circulares protagonistas absolutas. Pendientes que nos evocan a los móbiles de Joan Miró, piezas de punto hechas a mano por su abuela, piel cortada a láser y bordados de lentejuelas confeccionados en la India, un pastiche de culturas y técnicas que funciona a la perfección. Academy Award

Virginia Burlina LUNATICA

La creadora de origen italiano escogió el universo de la artista de Art Brut Marguerite Sir como la base de su colección. Sir fue abandonada en el altar por su prometido, hecho que le hizo enloquecer y pasó el resto de sus días en un centro psiquiátrico, donde confeccionó vestidos de novia a partir de sábanas de lino. La colección de Burlina es melancólica y errática, evoca miedo y disgusto; todo ello se ve reflejado en motivos florales, lágrimas, sangre y poemas de Ada Marini bordados en prendas blancas, rojas y negras, expresando en todo momento la fragilidad de la psique humana.

Madeleine Coisne CENTERS

la recién graduada de origen francés nos presentó una propuesta inspirada en la obra pictórica de Klimt, Mondrian y Gauguin, con un sentido de la historia admirable para alguien que acaba de salir de la escuela, ya que es capaz de traducir estos tres universos en uno único: el suyo. Todo ello tomando forma de colección de estilo monumental, que juega con formas japonesas y de fondo suenan ecos bizantinos. Graanmarkt13 Award, MoMu Award y Weekend Knack Award

Eran Shanny WILD HEARTS

Los Corazones Salvajes del diseñador irsaelí demuestran que claramente tiene experiencia en el campo de las artes escénicas, ya que Shanny es bailarín por naturaleza. Es perceptible en todo momento que sabe como construir personajes a partir de prendas, además de demostrar la comprensión espacial que posee como bailarín profesional con el movimiento de las prendas.

Kristina Kharlashkina SENSUAL SEDUCTION

La propuesta de la diseñadora rusa destila opulencia y poder en forma de prendas con cortes limpios de estilo minimalista, redescubriendo el mundo perdido de los Zares de Rusia, creando estampados florales caleidoscópicos inspirados en vidrieras medievales. Otra colección más que destacó por su particular visión en torno a las nociones estereotipadas acerca de la feminidad. Las pelucas de pelo de animal nuestras favoritas.

Emmanuel Beguinot THE SAND CHILD

Beguinot destaca una vez más por crear una propuesta que rompe las barreras de género, para lo cual toma su inspiración de una novela acerca de una chica que fue criada como un chico para disfrutar de más privilegios en la sociedad en la que nació, creando así una oda a la androginia, la sexualidad perdida y la esquizofrenia de género. La utilización de los colores amarillo, negro y rojo ayudan a conferir agresividad al conjunto. Emmanuel consigue reconstruir un nuevo cuerpo para crear una silueta alternativa.

Clara Jungman Malmquist BY NUMBERS

La recién graduada sueca crea una propuesta basada en la superposición de capas, ayudándose de recursos como los recortes, técnicas de bordado invertido y capas de tul creando una llamativa propuesta visual de marcada influencia Op-art con un toque casero, creando coloridos paisajes de tela y experimentando con utensilios de cocina rellenos de silicona para la creación de joyas, confiriéndole un marcado estilo tribal futurista. BVBA32 Award (otorgado por Anne Chapelle de Ann Demeulemeester y Haider Ackermann)

Ignazio Arizmendi
23 junio 2014

ROYAL ACADEMY OF FINE ARTS ANTWERP FASHION DEPARTMENT...
Hyein Seo
Flora Seierl
Yens Cuyvers
Raffaela Graspointner
Virginia Burlina
Madeleine Coisne
Eran Shanny
Kristina Kharlashkina
Emmanuel Beguinot
Clara Jungman
“In Bed” (2005). Ron Mueck
“In Bed” (2005). Ron Mueck
Bucky from Chemistry to Design (1995).
Marc Newson

Cai Guo Qiang
Everything That Rises Must Converge (1999).
Sarah Sze

LA FUNDACIÓN CARTIER CELEBRA CON UNA EXPO EN PARÍS SU 30 CUMPLEAÑOS
Hace poco me dijeron que el arte es lo que cada uno quiere que sea arte. Una frase que de primeras puede parecer un tanto vacía pero que a posteriori posee una carga más profunda y atractiva. Hace 3 décadas que la Fundación Cartier se ha encargado de dejarnos sin aliento, de dejarnos con ese cierto desconcierto primerizo de tener que discernir si aquello que estamos presenciando es arte o simple esbozo de algo que quiere ser arte. Proyectos que superan lo surrealista y que se afanan en descubrirnos que se cuece en las cocinas del producto más contemporáneo con Matthew Barney, Ron Mueck, William Kentridge, Agnès Varda o Nan Goldin a la cabeza. Una aventura que comenzaba en 1984 en un viejo, pero con mucho encanto, château cerca de Versalles y que gracias al proyecto de impulso del mecenazgo privado, por parte de marcas de lujo, reorganizaba el mundo deluxe con un halo totalmente vanguardista. Una labor, la del mecenazgo, no siempre bien vista pero que hoy llega a nuestros días de la mano de Cartier y de una expo que, hasta el 21 de septiembre, recogerá una muestra pluridisciplinar y en formato pop up, de todos los artistas que durante estos años se han dado citado en la fundación francesa. Una muestra que, además, contará con una programación de actividades que seguirán hasta el 2015 y cuyo objetivo será celebrar estos años de “mecenazgo libre y generoso”. La más fresca imagen en clave vanguardista, de una de las casas de moda que pueblan nuestras millas de oro. ¡FÉLICITATIONS!

Manu Romero
27 junio 2014

A veces hay que salir de casa para encontrar las raíces. Puede sonar contradictorio, pero en ocasiones, un viaje a una tierra desconocida puede enseñarnos más sobre nosotros mismos que horas de terapia. Este viaje ha llevado a Gruff Rhys a ‘America Interior’ (Turnstile / Music As Usual), su nuevo trabajo, quinto disco de su carrera en solitario. Porque es posible que un galés encuentre un mensaje familiar en la América profunda. Rhys es un artista inquieto, muy activo durante la época de Super Furry Animals y en los primeros años en solitario, que en los últimos tiempos se ha dedicado a actividades paralelas. En ‘America Interior’, trata de conjugar su estilo con el sonido de la Ámerica blanca, por el lado más hillbilly en “100 Unread Messages”, folkie en “Liberty”, decididamente western en “Iolo”, incluso nativo americana en “Allweddellau Allweddol”. La variedad pero dentro de un orden. El viaje se extiende hasta el presente, donde la propia “American Interior” se desliza hacia el AOR de grupo-con-nombre-de-ciudad o incluso el tono R&B de “Lost Tribes. Rhys no ha querido que su trabajo pase desapercibido en este mundo consumista en el que vivimos. Y ha captado la ironía. Junto al agonizante cedé, el disco, ‘American Interior’ es también una aplicación móvil, un libro y un “documental” en el que estamos deseando comprobar si sigue compartiendo escena con John Evans, el muñeco de peluche del que se ha hecho inseparable. Gruff Rhys apuesta porque este viaje al pasado le lleve al futuro. Es un pensamiento razonable, aunque no muy práctico. Rhys busca la interpretación que un continente aislado de la fuente hizo de la herencia cultural recibida. Compararla con la que ha evolucionado en el lugar en el que se creó. Y generar algo nuevo a partir de ahí. Entonces se entiende que necesite algo más que un disco para explicarlo con detenimiento.

Hugo Ganan
26 junio 2014

LIVING IN AMERICA
Este proyecto parte de las conversaciones mantenidas durante el invierno entre el arquitecto y propietario de La Scala Showroom Edegar d’Avila y el artista visual Javier Peñafiel.
La relación entre mobiliario y obras de arte ha sido siempre un caso de decoración, nunca fácil, que ha necesitado de la intervención de los más variados especialistas para su convivencia en un mismo espacio. A lo largo del tiempo, han decorado e instalado no sólo interioristas, sino arquitectos, artistas, sociólogos y antropólogos, en una cadena numerosa que ha invitado a la hibridación de las disciplinas
Es por eso que, al hilo de la conversación, vieron necesario dotar a la exposición de un protocolo abierto y provocador. ¿Qué podían aportar ellos de nuevo? Decidieron establecer distancias y vacíos en cada habitación de la masía, amontonando en grupos de sentido o cronológicos los muebles de Oscar Niemeyer, Carlo Ratti, Edgar Bartolucci & John Wadhem, Osvaldo Borsani, Silvio Cavatorta, Arne Jacobsen, Luigi Colani o Stilnovo y en conversación las obras de los artistas Louise Sudell, Domènec, Erick Beltrán, Javier Peñafiel, Alberto Peral y Lluís Hortalà. Es decir, sin decoración alguna, ofrecer el vacío y la distancia como un palco para los visitantes y esperando que la escenografía se convirtiera en un lugar donde observar y sacar conclusiones.


Del 5 de julio al 30 de agosto
La Scala Showroom
Sant Martí Vell (Gerona)

Imagen: Alberto Peral. Escultura (Protocolo Abierto)
PROTOCOLO ABIERTO EN LA SCALA SHOWROOM
Domènec. Conversation piece
(Protocolo Abierto)

La Scala Showroom 2012
La Scala Showroom 2012
Louise Sudell. Liceo (Protocolo Abierto)
La Scala Showroom 2012
La Scala Showroom 2012
Domènec. Arquitectura española, 1939-1975
(Protocolo Abierto)

La Scala Showroom 2012
Hace justo siete años, Faris Badwan decidió en cierto momento de su concierto madrileño en la sala Moby Dick, dejar el escenario y deambular literalmente sobre las cabezas de los espectadores. Su delirante trayecto acabó frente a una de las bolas de espejo del local que golpeó en plan saque flotante de volley. El artefacto salió disparado e impactó en un espectador, concretamente en su nariz. Resultado: varios heridos, el SAMUR que hace acto de presencia y el dueño de la sala que desconecta al grupo y zanja el concierto por miedo a que aquella fuera la última actuación en tan mítica sala. Pero ya está dicho. De eso han pasado siete años y cuatro discos, el último de ellos, ‘Luminous’(XL Recordings / Everlasting), presentado hace unos días. Era fácil de prever que con semejante título y el precedente de ‘Skying’, la cosa no iba a ser como en los dos anteriores. En ‘Luminous’ está todavía más presente la actitud de Badwan de abandonar el escenario, pero esta vez por el foro. Si su espigada presencia física y vocal era determinante en los dos primeros trabajos, en este último se acentúa más su cambio hacia una integración mayor en el sonido de la banda, parapetado entre toneladas de revert. Esto, junto al claro cambio musical, tiene a los fans de la banda un poco confusos. Eliges un héroe, un ídolo, solo para que el tipo se eche para atrás a las primeras de cambio. Sin embargo, tras escuchar el disco las veces necesarias, descubres que es un cambio esencial para el grupo. ‘Luminous’ no es un álbum para juzgar a la primera. Requiere paciencia y atención, lo que sin duda es una apuesta arriesgada en este tiempo de consumo cultural de usar y tirar. Ya desde los desconcertantes tres minutazos de entrada al disco en “Chasing Shadows” te das cuenta de que la cosa no va a ser tan simple. La oscuridad ha dejado paso a la densidad, la aceleración a la tensión, más rotundos, menos etéreos. La distancia hasta ‘Strange House’ puede parecer abismal, pero bien pensado es casi una evolución lógica, que del rollo siniestro se acabe en el kraut. “I See You” es una buena muestra de su intención de cavar el agujero todavía más profundo. “So Now You Know” o “Jealous Sun” encajan en su repertorio precedente y pasajes como “First Day Of Spring”, junto al ataque pop lánguido de “Falling Star”, justifican el nombre del disco. Pero luego “In and Out of Sight” te deja así como el cuerpo raro ante algo complicado de identificar… “Disco mal rollo”, “funk terminal”, “electro dark”… a saber.

‘Luminous’ no era el disco que estábamos esperando y eso es asumir mucho riesgo. Porque lo bueno de anticipar es la cantidad de tiempo que te ahorras en estos tiempos de prisa y agobio. Si de pronto te sirven algo distinto a lo que esperabas, tienes dos opciones: despreciarlo a los 20 minutos o dedicarle más tiempo´. En ese caso puedes llegar a la conclusión de que estabas equivocado, de que tus prejuicios te estaban impidiendo disfrutar de un buen disco. Aunque al principio te sintieras como si una bola de espejos te hubiera roto la nariz.

The Horrors actuarán el próximo 6 de junio en el Contempopranea de Badajoz y el 26 de julio en el Heineken Jazzaldia de San Sebastián

Hugo Ganan
3 junio 2014

Foto: Nic Shonfeld

VE HACIA LA LUZ
Hace unos meses ya os anunciamos la creación de este premio LVMH destinado a jóvenes firmas de moda. También os dijimos lo que había que hacer para inscribirse. Así que no es tiempo de tirarse de los pelos. Los 300.000 euros del primer premio han sido para Thomas Tait, diseñador canadiense afincado en Londres. Además, y debido al altísimo nivel de los participante, y aunque no estaba previsto, el jurado no pudo resistirse a otorgar 2 premios más de 100.000 euros. Uno para Hood by Air, marca creada en 2007 por Shayne Oliver con el objetivo de reinventar los uniformes típicos de la cultura americana. Los otros 100.000 euros fueron a parar a Miuniku, firma creada por las hermanas de origen indio Nikita y Tina Sutradhar, una marca creada en Londres pero que actualmente tiene su base en Mumbai. Los 3 premios tienen el añadido de recibir durante un año la ayuda de un equipo del grupo LVMH para desarrollar la marca.
Además, hay un doble premio para 3 graduados y sus respectivas escuelas de moda, 10.000 euros para el alumno, y 10.000 euros para la escuela. Además de un contrato de trabajo durante un año en alguna de las firmas del grupo LVMH. Los ganadores son: Peter Do, del Fashion Institute of Technology de Nueva York, con un contrato en Céline; Teruhiro Hasegawa, de Central Saint Martins College of Art and Design de Londres, que irá a trabajar a Givenchy; Flavien Juan Nunez, de La Cambre, Bruxelles y el Institut Français de la Mode en París, con un puesto en Christian Dior. Un total de 560.000 euros y unas fantásticas posibilidades para desarrollar sus carreras.
Bueno, el año que viene podrás optar a una nueva oportunidad. Los aspirantes deberán inscribirse en la web que el grupo LVMH ha creado especialmente para ello. Los principales requisitos para ser admitido son: tener menos de 40 años, y haber presentado y vendido al menos 2 colecciones, hombre o mujer. El plazo termina el 2 de febrero de 2015. www.lvmhprize.com

Mongomeri
2 junio 2014

Imagen: izquierda: Shayne Oliver de Hood by Air. Derecha: Hood by Air Colección

Izquierda: Thomas Tait.
Derecha: Thomas Tait Colección

Izquierda: Nikita y Tina Sutradhar de Miuniku.
Derecha: Miuniku Colección

LOS PREMIOS LVMH PARA AYUDAR A ASENTAR LAS FIRMAS DE JÓVENES DISEÑADORES
...EMULANDO EL ESTILO LONDINENSE Y NEOYORQUINO PONEN A PIE DE CALLE VARIOS PUESTOS DE TAKE AWAY.

Todos hemos ido a media docena de ‘mercados’ convertidos en experiencias gourmet por Madrid. Todos son coloridos y de diseño, ademas de bastante caros, cosa que, normalmente, va unida al concepto ‘gourmet’ El Mercado de San Ildefonso sin embargo promete una experiencia diferente. Con precios populares y productos locales, es una nueva propuesta de parte de Grupo Nivel 29. Un mercado de estética callejera, con adoquines en el suelo y sin paredes, convirtiéndose en una prolongación de la calle Fuencarral. Además no tendrá puestos de verduras y hortalizas ni charcuterías cool, todos los puestos serán de comida preparada para la consumición in situ, en sus barras y terrazas, o para llevar.
Se agradece su intención de huir de las franquicias que monopolizan Madrid. No solo eso, sino que apuestan por ideas de nuevos emprendedores que conviven en un mismo espacio con marcas de prestigio. Aquí podremos encontrar chacinas on the go, hamburguesas experimentales, ensaladas de fruta, cucuruchos de gambas, vinos diferentes y hasta huevos 2.0. Esto último, un concepto de servir huevos preparados al momento con lo mas fresco de la temporada. Suena súper apetecible ¿verdad?
Además cuentan con un ‘espacio sorpresa’ en la última planta donde invitarán a cocineros y cocteleros internacionales para hacer demostraciones de showcooking en directo y coctelería de vanguardia. Sin duda un nuevo espacio entre Malasaña, Chueca y Triball que se convertirá pronto en un punto de encuentro para vecinos turistas y asiduos.


Jaime Bernal de Escoriaza
17 junio 2014
EL MERCADO DE SAN ILDEFONSO SE REINVENTA COMO STREET MARKET...
Nos duele la cabeza. Nos duelen los pies. Tenemos resaca… pero tenemos una sonrisa tonta que no hay quien nos la quite de encima. Ayer, 24 de junio, celebramos nuestra fiesta 20 aniversario en la Sala Shôko de Madrid y superó con creces nuestras expectativas. Colas para entrar, un montón de amigos, grandes actuaciones, muchos bailes, muchos reencuentros… Solo podemos daros las gracias a todos los que vinisteis a compartir este momento tan especial con nosotros. Gracias a los artistas que hicieron que la noche fuera tan especial: Najwa Nimri, Polock, Kostrok, Meneo, y César Segarra, de Hipsters from Spain. Gracias a nuestro colaborador principal, J&B Urban Honey, y también a Veuve Clicquot, Perrier, Mushroom Pillow, Artica, Radio 3, Deezer, Bonguu Catering, y, por supuesto, la Sala Shôko. Gracias a todos por convertir nuestra fiesta en un evento memorable. Os dejamos con estas fotos de Lara Arguedas, que ya se sabe que una foto de fiesta, en esta caso, muchas fotos de nuestra fiesta, valen más que mil palabras.

25 de junio
SOLO PODEMOS DECIR… ¡GRACIAS!
La última vez que estuve en Londres tuve la suerte de compartir oficina…
…en el genial Club Chancery Lane – un espacio de “coworking” donde multitud de freelancers y pequeños empresarios rentan mini-oficinas   que cuenta con salas para reuniones comunes y todo tipo de servicios y facilidades.   El lugar tenía tal energía y estaba tan bien diseñado que me interesé por saber quiénes eran los arquitectos que habían hecho posible aquel híbrido entre sala de biblioteca de la universidad, oficina de la City de Londres y bareto de Malasaña.
En aquella ocasión no pude hablar con ellos pero me pasaron su último libro “Codesigning spaces” y me lo leí de cabo a rabo. Su libro explica en detalle el método que ellos utilizan para diseñar sus projectos y ofrece una clara filosofía de trabajo y sobre todo de diseño que está muy en boga con los acontecimientos que actualmente ocupan la prensa diaria de nuestro país.   Su método funciona, lo he experimentado yo y muchos de sus numerosos clientes y desde mi experiencia son los primeros a los que he visto practicando a pies juntillas lo que predican cuando se habla de “incluir al usuario final en el proceso de diseño”.Recientemente su director creativo, Oliver Marlos ha visitado Madrid como ponente del ciclo de conferencias del WorkTech y me ha respondido inteligentemente a un montón de preguntas que le tenía reservadas desde el dia que me leí su libro.   Mi única pena es que le haya tenido la ocasión de presentarle al famoso Pablo Iglesias pues seguro que hubieran hecho buenas migas frente a un par de cervecitas.
La práctica del método Codesign evita que tanto el cliente como el diseñador reflejen únicamente sus propios intereses a la hora de diseñar ¿crees que esa es la norma actual en el diseño de espacios?
Sería ideal si ese fuera el caso, y creo que es sin duda es la intención de la mayoría, pero muy a menudo hay parámetros o circunstancias que desafían estas intenciones; cambios de presupuesto, de programas, de prioridades estratégicas, de directiva, etc. También depende en gran medida del proyecto del que estemos hablando pues en algunos casos es precisamente el cliente o el interés por reflejar un diseño muy particular, lo que más necesidad tienen de ser estudiado. La mayoría de los proyectos cíviles son los que nos permiten principalmente a través del diseño mejorar la vida de las personas, y son en estos proyectos donde la metodolgía Codesign es más eficiente para evitar que el cliente o el diseñador asuman individualmente el interés de aquellos a quienes sirven. Nosotros les ayudamos a explorar directamente esas necesidades.
Entiendo que vuestro enfoque principal como estudio de diseño es el de “implicar a los usuarios en todo el proceso de diseño”. Después de haber trabajado con muchos arquitectos durante años he oído muchas veces esa misma frase. ¿Qué hace vuestro enfoque diferente o más relevante que el de cualquier otro estudio de arquitectura o diseño que también utilizan esa mismo concepto?
En Studio Tilt desafiamos una serie de supuestos fundamentales a través de nuestro proceso de codiseño. Estos supuestos son históricos en parte, económicos, o simplemente forman parte del conocimiento adquirido en la práctica profesional durante años. Es como una tautología que hemos adquirido a través de la experiencia. Una tabla de verdad de la arquitectura y el diseño, si se quiere, que permite que sucedan ciertas cosas y otras no.
Lo más importante y lo que mejor nos identifica es cómo funcionamos. Se nos ha dicho desde siempre que solo las mentes creativas pueden diseñar, que otros simplement no están capacitados. Para nosotros este enfoque es demasiado exclusivo y simplista pues la expresión de la creatividad depende de muchas cosas. Nuestro reto, en lugar de teorizar que todo el mundo puede diseñar, es el de sugerir que sólo se necesita entender y acceder al conocimiento tácito y de comportamiento que todos tenemos de nuestro entorno y poner esto a trabajar en nuestro favor con el fin de cambiar la perspectiva actual y alterar los modelos asociativos normales . De esta manera siempre acabamos descubriendo algo nuevo. Para nosotros esto es algo que todo el mundo pueden hacer y que forman los cimientos necesarios para que las partes implicadas puedan expresarse libremente. Eso es diseño como en Studio Tilt lo entendemos.
Como dijo Victor Papanek, todo el mundo es un diseñador, ya que todas las decisiones, o impulsos de organización son diseños en estado latente. Así es como con nuestro método ofrecemos al usuario las herramientas y condiciones dentro de las cuales ellos mismos lideran el proceso de diseño. Nuestro papel como profesionales se centra en enmarcar las condiciones y restricciones que presente cada proyecto para facilitar el proceso, sintetizar y sinergizar los resultados y asegurarnos que los resultados son válidos, viables y eficaces.
En vuestro libro “Codesigning Space” afirmais que el espacio está en constante evolución y diálogo y que no es sólo un mero contenedor de personas o cosas. ¿qué os hace llegar a esta declaración? ¿cómo crees que los espacios actuales están fallando a sus usuarios ?
Esta es una gran pregunta que me sugiere que realmente entiendes lo que hacemos en nuestro estudio. Una vez más hay antecedentes de por qué hemos llegado a esta declaración.
El más significativo proviene de nuestra fijación actual como cultura por las cosas materiales en lugar de por las experiencias. No me refiero al enfoque consumista de la sociedad actual, sino más bien a la idea de que si bien sabemos que todo está en proceso de cambio, nos enfocamos sólo en aquello que se puede arreglar o modificar físicamente. En mi opinión esta es una reacción natural, ya que la idea de estar en constante cambio es demasiado desalentadora y provoca inestabilidad. Sin embargo también es útil por supuesto, ya que nos permite categorizar, planificar, edificar y pensar en cómo será el futuro basándonos en cómo entendemos el mundo hoy. El problema está en que a menudo lo llevamos demasiado lejos, nos dejamos llevar, y aseguramos que podemos predecir y conocer el futuro a ciencia cierta y esto nos lleva a tomar decisiones poco acertadas. Un ejemplo claro es el del famoso arquitecto Le Corbusier quien, con la mejor intención, pensó que podía diseñar cómo vivirían millones de personas en el futuro y se aventuró con predicciones audazes que finalmente no ocurrieron exactamente como el había pronosticado. Algunos éxitos sí tuvo, pero desde luego muchos fracasos también.
Mira las ciudades, por ejemplo, las que hoy presentan un diseño más eficiente son aquellas que se han desarrollado bajo condiciones complejas, barajando todo tipo de parámetros y bajo múltiples influencias. Algo tan complejo como una ciudad no pueden ser nunca obra y dominio de una sola mente. Y esto es lo que hay que aceptar. Nuestro papel es el de convertirnos en parte activa de estos procesos complejos y trabajar bien y con eficacia dentro de ellos. Cuando finalmente entiendes esta situación eres capaz de pensar en el espacio como proceso, como una conversación, como una obra de teatro donde todo tiene una dinámica, un papel y un momento.
Vosotros sostenéis que el cuidado de los usuarios es fundamental para lograr edificios seguros, sostenibles, saludables y significativos. ¿Cómo pueden las empresas mejorar la calidad de vida de sus empleados y usuarios de oficinas?
Mediante la creación y construcción de una comunidad de trabajo que establezca y fomente la identidad y pertenencia a dichas empresas.
Conozco una compañía muy exitosa de videojuegos que cuenta con unas oficinas sorprendentes con salas de billar y videojuegos para el uso exclusivo de los empleados. Recientemente esta misma empresa ha tenido que prohibir el acceso durante las horas de trabajo a todas este equipo de ocio debido al uso excesivo por parte del personal. ¿cómo se concilian las necesidades de personal y la administración en vuestros diseños?
Siempre se reduce a las relaciones dentro de las jerarquías del personal. Si uno diseña los espacios dentro de una organización sin tener parámetros estratégicos y objetivos claros de información, o con un enfoque poco claro y sin el compromiso del resto del personal se puede fácilmente acabar con este tipo de situaciones irónicas. Al final siempre se trata de personas.
He visto demasiadas oficinas de planta abierta donde todo el mundo lleva puestos los cascos para amortiguar el ruido de fondo, o donde la gente anda desesperada buscando un lugar tranquilo donde hacer una reunión o concentrarse ¿qué piensas acerca de las oficinas de planta abierta? ¿cómo aborda vuestro método Codesign la necesidad de privacidad?
Cada modelo exitoso tiene su ciclo, ya se trate de una oficina individual, cubículo o del diseño de planta abierto han tenido siempre un período de adopción, de proliferación y en última instancia, de reflexión y reacción. Esto ha pasado un poco con el modelo de oficinas de planta abierta. Un espacio en el que uno no puede tener intimidad o donde no hay espacios tranquilos es totalmente absurdo. Desgraciadamente es algo a lo que estamos ya acostumbrados pues lo vemos todo el tiempo en las oficinas actuales y lo vemos como algo normal. Este modelo se puso de moda por algún motívo entre los diseñadores y se ha aplicado indiscriminadamente sin tener en cuenta las necesidades de los usuarios.
En este contexto con Codesign simplemente aplicamos el sentido común y trabajamos en comunidad con los usuarios. De este modo llegamos a entender exactamente las necesidades de la organización, del personal y de las actividades diarias que se ejercen en cada espacio. Sobre esta base pragmática diseñamos entornos de trabajo superpuestos y ambientes que dan servicio de manera personalizada lo más eficazmente posible.
Hablas de lo importante que es el diseño a escala humana y emocional (más que constructiva) y del papel fundamental que juegan los sentidos a la hora de experimentar espacios. ¿Cuál es la escala emocional? ¿Cómo pueden los arquitectos asegurarse de que están incorporando este enfoque en su trabajo?
Una pregunta interesante y difícil de responder rápidamente. Se que hago un poquito de trampa, pero te referiría al gran libro Atmósferas de Peter Zumthor. Creo que Zumthor responde a esta pregunta mejor de lo que yo jamás podría.
En Estudio Tilt implementáis vuestro método a través de una serie de talleres de trabajo entre usuarios y diseñadores. ¿se convierte el tiempo que toma llevar a cabo estos talleres en un problema para vuestros clientes? ¿hay algún límite de tamaño y número de empleados a la hora de desarrollar vuestro método satisfactoriamente?
Aunque por supuesto la mejor manera de aplicar el metodo Codesign es juntando a todas las partes implicadas en un mismo espacio, somos conscientes de que esto no es siempre posible. Por ello hemos desarrollado diferentes actividades y procesos que pueden ser aplicados de forma remota, virtualemente, o a través de la propia organización. De esta manera no hay límites, se puede estructurar y diseñar un proceso para cualquier número de personas independientemente de su localización.
En términos de tiempo, sí la verdad es que el tiempo siempre es una limitación. Nuestro proceso está diseñado para encajar siempre en un programa acordado por antelación. Nuestro estudio se moviliza y se adapta para satisfacer mejor las exigencias de cada proyecto pero si aun así no podemos hacerlo funcionar, entonces el método no es realmente apto para ese caso particular, por así decirlo.
El arquitecto Ralph Erskine dice que la arquitectura no se centra en la escultura sino en las personas. “Un buen arquitecto debe amar a la gente o lo que hará no tendrá sentido”. Los dos socios fundadores de Estudio Tilt no sois arquitectos de profesión, ¿dirías que esta condición ha resultado una ventaja para el desarrollo de vuestro método?
Para mí, sí. Mi experiencia personal es amplia y variada, con conocimientos muy específicos en ciertos campos y quizá más generalista en otros. Sin embargo mi pasión siempre ha estado centrada en torno a la comunicación: ayudando a la creación de experiencias y fomentando la participación. Ya sea a través de la realización de películas, fotografías, instalaciones, exposiciones, objetos o espacios variados y variopintos.
Como director creativo del estudio mi papel es el de movilizar y dirigir lo que se requiere en cada caso determindado para realizar el proyecto. Cuando creamos espacios los arquitectos por supuesto que son una parte crucial de esa mezcla, pero creamos equipos multidisciplinares con el fin de optimizar resultados en el menor tiempo posible. Dentro del Estudio Tilt hemos alimentado esta mezcla de talentos de forma creemos que muy eficiente. El equipo de Tilt lo formamos de manera permanente arquitectos, diseñadores gráficos, diseñadores de servicios, diseñadores de muebles, psicólogos y tecnólogos.
Personalmente eres un gran seguidor del gran urbanista Jan Gehl. En tu opinión ¿qué ciudades presentan en la actualidad una escala humana y emocional aceptable? ¿cuáles consideras están haciendo bien sus deberes para deshacer el daño hecho en el pasado?
He tenido el gusto de atender charlas donde hablaba Jan Gehl y me quedé totalemnte impresionado con sus historias. Su experiencia personal parece demostrar la naturaleza cíclica de las cosas. Gehn ha estado diciendo lo mismo durante 50 años y de vez en cuando la gente !presta atención! Estoy super impresionado por este tipo de convicción.
Las viejas ciudades europeas suelen tener una muy buena escala humana y emocional, pero en su mayoría no específicamente gracias al diseño: Londres, Copenhague, Paris, los sospechosos habituales. Acabo de regresar de Belgrado y allí por ejemplo se pueden ver claramente los precedentes. A menudo, las ciudades medievales son los que mantienen esta escala humana pues su construcción se ha producido a lo largo de la historia y a partir de la necesidad dando lugar a un crecimiento irregular con multitud de formas irregulares y orgánicas. Pero si pensamos por ejemplo en un lugar como Nairobi, simplemente a mitad de camino entre la costa y Kampala, te das cuenta de la manera arbitraria y, a veces, absurda de cómo se establecen las ciudades.
Por lo general la escala es más acertada en las ciudades que se han desarrollado durante milenios. Pero hay excepciones: Melbourne, por ejemplo, es una gran ciudad ahora, a pesar de que no había nada allí hace sólo 200 años. Sin embargo, cuando se piensa en los cambios recientes de planificación en Melbourne, los cuales han permitido la proliferación de pequeñas calles laterales que albergar bares y restaurantes, se puede ver por qué la escala humana es importante para su planificación y sus ventajas. Pasear por Melbourne se siente casi como una ciudad medieval donde uno se pierde y encuentra lugares inesperados e increibles.
¿Crees que vuestro enfoque podría aplicarse a las ciudades? ¿Se convierte la escala en un problema cuando se trabaja en colaboración, compromiso y consenso?
Yo diría que sí, pues ya hemos experimentado a escala de ciudad pero no lo sufiente. Para mí este es el próximo reto de trabajo. Queremos evolucionar un enfoque para las ciudades como el que Jan Gehl demuestra e incorporar el diseño a través de nuestrra metodología de Codesign.
En su opinión, ¿cuáles son los mayores desafíos a los que se enfrentan las ciudades en el siglo 21? ¿cuáles son algunos ejemplos de acciones inteligentes que le gustaría ver más y más a menudo?
El mayor desafío simplemente es el hacer que las ciudades sean habitables. Cuando visitas lugares como San Paulo o Bombai y te das cuenta de la suerte que tenemos en Europa, donde contamos con más de 200 años de legislación que aporta acceso a la vivienda generalizado, agua potable, educación, sanidad, transporte y servicios. Nuestros desigualdades de riqueza están creciendo en Europa y deben abordarse, pero los verdaderos desafíos están en estos lugares, el llamado tercer mundo. Estas ciudades son donde la mayoría de personas estarán viviendo en los próximos siglos y donde su capacidad para mantener y reforzar una sociedades justa y efectiva será crucial.
Para terminar, ¿por qué crees que la colaboración es la clave para un mejor diseño? ¿es el proceso democrático siempre la mejor respuesta? ¿Qué responderías a quienes defienden el derecho de los profesionales a tomar decisiones unilateralmente a la hora de diseñar? A fin de cuenta ellos son los profesionales y se han formado para ello ¿no?
A ver, para Estudio TILT, la colaboración no es un proceso democrático en el sentido de “una persona, un voto” sino que se busca un diseño consensuado. Tampoco hay una sugerencia de que los diseñadores profesionales no son una parte integral del proceso, lo son y mucho. Pero nos concentramos en que se oigan y consideren todas las voces, necesidades y puntos de vista.
Un error común a la hora de practicar el codiseño es la idea de que la experiencia de diseño es de alguna manera usurpado por la inteligencia colectiva. Este no es el caso, el diseñador profesional, ya se trate de arquitecto, diseñador de servicio, diseñador de comunicación, diseñador industrial, lo que sea que sea, tiene que evolucionar su posición dentro de los paradigmas de diseño con el fin de enfocar su creatividad y energías para diseñar y crear cosas que sean relevantes, sostenibles, eficaces y de larga duración. Y la manera de hacerlo es concentrarse en aquellos que utilizan y hacer realidad su trabajo.

Cristina Belmonte
13 junio 2014

Imagen: Club Workspace London Bridge



LA ÚLTIMA VEZ QUE ESTUVE EN LONDRES TUVE LA SUERTE DE COMPARTIR OFICINA…
Club Workspace Chancery Lane, London
Club Workspace London Bridge
Club Workspace Chancery Lane, London
Club Workspace Chancery Lane, London
Club Workspace London Bridge
The Proud Archivist, London
ARTEVISTAS CELEBRA LA FANTASÍA Y LA DESCONTEXTUALIZACIÓN...
...DE LA ARTISTA ITALIANA

Con formación de arquitecto, autodidacta pero dando luz a su faceta como artista ilustradora, volvemos a disfrutar con el último trabajo de Antonella Montes, a.k.a. Lantomo. Gestos, sutileza, miedos, secretos  y colores planos y saturados se mezclan caprichosos en Sans Sens, su actual expo para Artevistas Gallery. Una exposición abierta hasta el 2 de agosto y a través de la cual acercarnos al trabajo de esta artista del detalle, maestra del lápiz de trazo delicado y maga de la lingüística más soterrada. Una selección de retratos de personas comunes que pertenecen a su tiempo pero que se descontextualizan en parte. Recuerdos y miedos que los sacuden pero que ellos esconden con bellas estratagemas atemporales, en un ejercicio de absoluta geometría y estética construida a partir de tinta que siente, niega y escapa. Imágenes sencillas y simples que esconden una dificultad mayor: explicar estados a base de ocultar sentimientos que al final acaban explotando frente al curioso espectador. Bonita, bonita...

Hasta el 2 de agosto de 2014

Manu Romero
27 junio 2014

A estas alturas ya habrán leído crónicas minuto a minuto de Sónar, tanto si se maldicen por no haber asistido como si están todavía sacudiéndose como pueden la resaca. Por eso he decidido, más que pegarles la chapa con una crónica al uso, repasar los que para mí fueron los 10 mejores y peores momentos de este Sónar 2014.

LO MEJOR

1. La organización. El Sónar es un festival donde uno se siente a gusto, como en casa, y eso tiene que ver no tanto con el cartel como con la disposición de los espacios y con una voluntad de que prime la comodidad por encima de las cifras. Bravo.

2.  Nils Frahm. Todo él. El alemán es más bonico que un San Luis y nos enamoró con un directo impecable en el que desgranó con maestría su último trabajo, “Spaces”. El SónarHall se llenó de magia con los dos pianos y dos teclados del bueno de Nils.

3. Otro que es bonico del to: Ryan Hemsworth (que nada tiene que ver con Thor). Su set discurrió entre R&B y electrónica soulesca donde se colaban hits tan divertidos como a priori fuera de lugar como el “It’s gonna be me” de N’Sync.
 
4. El obelisco de LEDs de Plastikman en la presentación de su show “Objekt”, tras su paso por el Guggenheim de Nueva York. Habrá quien diga que no fue digno de tanta expectación, pero, oigan, lávense la boca antes de hablar del señor Hawtin.

5. El show audiovisual que trajo al SónarComplex Daniel Lopatin. Purita abstracción con su ruido crepitante, sus pliegues imposibles y sus melodías rotas: una auténtica maravilla.

6. El ambiente que se respiraba en el Espacio Despacio, o ese club neoyorkino que regentaron James Murphy y los hermanos Dewaele de 15h a 21h cada día (ahí es nada), pinchando exclusivamente en vinilo. Un inmejorable tributo al sonido analógico y a la música de baile.

7. El fantástico concierto de Robyn y Royksopp dentro de su Do It Again Tour. Mejorable en términos de estructura (hubiera sido mejor ir intercalando temas delos  unos y la otra, que no montar el concierto en tres bloques tan diferenciados), el trío lo compensó con hits a mansalva, desde un épico “Dancing on my own” a un emocionante “What else is there”, pasando por la canción que da título al tour o ese fiestorro conjunto que es “Sayit”.

8. “Inspector Norse” cerrando el directo redondísimo de un Todd Terje más en forma que nunca.

9. Dan Snaith, tanto en su back to back con James Holden como en su directo como Caribou, donde repasó algunos de los éxitos más gordos de su carrera, entre ellos Odessa, Sun o Leave house.

10. Dj Snake. Lo sé, soy una garrula, pero qué quieren que les diga, a mí lo de este parisino me pareció fetén: un locurón absoluto con músculo, bombito y cerdez extrema, que es lo que le da calidad a un sábado de madrugada.

11. Y por supuesto, bonus track imprescindible, no podía acabar este repaso a la crème de la crème de este Sonar sin mencionar a CHIC: el mejor concierto del Sónar, qué digo del Sónar, del año. Dos horas de exitazos propios y ajenos (aunque también producidos por ellos) con los que disfrutamos como locos: “Like a virgin” de Madonna, “Let’s dance” de Bowie, “I’m coming out” de Diana Ross, guiños a Beyoncé y a Sugarhill Gang, la esperada “Get lucky”, y, por supuesto, los hits propios que han hecho de Chic una leyenda: léase “Freak out”, “Everybody dance” o “Good times”. Una auténtica fiesta de la música, una celebración de felicidad, un verdadero subidón a cada canción que iniciaban. Yo quiero vivir en un concierto de Chic eterno. Señores de la organización, ¿nos montan un Espacio Chic con Nile Rodgers tocando 18 horas seguidas el año que viene?

Sonar

LO PEOR

1. Las guitarras giratorias de página web cutre de los 90 en las proyecciones de Chic. Sólo faltaban esqueletos bailando y bananas con maracas para completar EL HORROR. (Si has nacido más tarde de 1990 no tendrás ni idea de qué estoy hablando y, créeme, mejor para ti).

2. El “renovado espectáculo” de Massive Attack, que no tenía demasiado ni de nuevo, ni de espectáculo, más bien de ideas recicladas del pasado con la proyección de unos eslóganes que no aportaban demasiado a las canciones. Todo ello no quita que escuchar temas como “Teardrop” o “Inertia creeps” en directo sea, como decía aquél, casi una experiencia religiosa.

3. La complejidad incomprendida-incomprensible de Nisennenmondai. En un festival de música avanzada propuestas como la de este trío son imprescindibles, si bien su traslación al directo excesivamente monótona, dejó un poco frío al personal.

4. Chris & Cosey aburrieron cosa mala. Los otrora tótems del sonido industrial de los 80 (bajo el paraguas de Throbbing Gristle) tiraron de bombo y poco más para un directo que no convenció ni a los fans acérrimos ni a los despistados que acabaron de rebote en el SónarDôme.

5. El aluvión de gente que hizo complicado disfrutar en condiciones de la electrónica atmosférica de Trentemøller.

6. Igual que la marabunta que se agolpaba en el SonarLab para ver esa sacrosanta unión que conforman Sascha Ring, Gernot Bronsert y Sebastian Szary bajo el alias Moderat, que por otro lado ofrecieron un directo calcadito al del reciente Primavera Sound.

7. La programación de Lykke Li en el Sonar de Noche. Si bien el cancionero de esta diva sueca tiene ritmo suficiente (aunque justito) para abrir una noche de Sónar, su último disco, en el que se centró el repertorio, es demasiado lento y melodramático para las hordas de fiesteros medio zombis que llegaban al recinto de la Fira la última noche con las energías al mínimo pero con ganas de echar el resto. Lo compensó con un tramo final (de tres o cuatro temas) más animado donde nos regaló el coreado “I follow rivers” y el provocador “Get some”.

8. Me inventaría alguna cosa para redondear la lista de cosas negativas, pero no se me ocurre.

9. Bueno, sí, que sólo dura 3 días.

10. Y que quedan 363 días para que se vuelva a repetir. Snif.

Virginia Arroyo
16 junio 2014

LO MEJOR Y LO PEOR DE SÓNAR POR VIRGINIA ARROYO. FOTOS DE JUAN ACHIAGA
EL RECONOCIDO ARTÍSTA ALEMÁN EXPONDRÁ EN LA BLUEPROJECT FOUNDATION...
...DESPUÉS DE PASAR POR EL MOMA DE NUEVA YORK

Laib presenta en esta exposición, una de las obras más contundentes y representativas de su trabajo que se podrá ver hasta el 23 de noviembre. Entre las obras más destacadas, el artista instalará personalmente el cuadro de polen, que por motivos de conservación solo se podrá ver hasta el 15 de septiembre.
Laib utiliza materiales naturales con una fuerte carga simbólica y vital, como la cera de abeja, la leche, el polen y el arroz; con los que pretende suscitar un encuentro entre arte, naturaleza y espiritualidad. Cómo indica el mismo artista “Eso es siempre lo que es
emocionante sobre el arte: ser algo que no es sin embargo, que no es aprehensible, aún no alcanzado, que tiene un extremo abierto”.
Sus obras son concebidas como un ritual, un proceso íntegro conectado a un orden cósmico, a la mística de la naturaleza que han desarrollado diferentes culturas y religiones. Siguen un proceso cíclico que trata de preservar un sentido de pureza conectada al orden natural. Ello implica la recolección de los materiales en las estaciones y lugares específicos, el montaje meticuloso para la exposición, y el mantenimiento diario de las piezas, que incluye el reciclado de los elementos que las integran. Un ritual repetitivo e introspectivo en el que cada pieza se ha renovado una y otra vez a lo largo de los años, y se amplía el círculo con nuevas creaciones.
Las obras de Laib, en contraste con su fragilidad, tienen cualidades perdurables y eternas. Aluden a la trascendencia y belleza de las cosas que son a la vez sencillas y esenciales para la vida diaria. La influencia de la filosofía y la religión oriental es evidente, pero su trabajo no puede reducirse a un claro principio definido, también se siente atraído por tradiciones místicas occidentales, así como por los aspectos utópicos del arte de la vanguardia y por rasgos formales del entorno minimalista, pero surcados por una dimensión metafísica.
Desde hace muchos años, Wolfgang Laib ha sido considerado como uno de los más respetados y admirados artistas alemanes a nivel internacional. Importantes obras de Wolfgang Laib se encuentran, por ejemplo, en la colección del MOMA de Nueva York, el Museo Hirshhorn en Washington DC, el De Pont Fundación Tilburg, el Centro Pompidou de París, el Kunsthaus Zürich, y el Kunstmuseum Bonn.

Del 28 junio al 23 de Noviembre
Blueproject Foundation | Sala Il Salotto
C/ Princesa 57. Barcelona

The Proud Archivist, London
The Proud Archivist, London
The Proud Archivist, London
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Hace poco leía en un blog que correr es tan aburrido que le tienen que ir cambiando el nombre cada tanto, footing, jogging, running… Bromas aparte, tenemos que darle las gracias a los anglosajones, pues para el diseño, el diseño industrial al menos, los anglicismos han permitido explicar lo que en nuestra lengua parecía muy difícil: No solo hacemos dibujitos. Os lo demuestro. Si este articulo lo tratáramos como un proyecto, aplicaríamos la metodología del Design Thinking, trending topic en nuestra profesión, que para los que sepan un poco de que va, se le podría llamar sentido común, pero que le tenemos que agradecer  que haya permitido mostrar de manera  clara que los proyectos se resuelven con un proceso reflexivo y con datos contrastados y no son fruto de la inspiración de una tarde. Una vez analizado el briefing, empezaríamos por el  Research,  tratando de detectar insights sobre cómo innovar y mejorar ese producto, poniendo mucha atención al target claro. Le seguiría una ideación para conseguir exprimir la creatividad a tope y conseguir el mayor número de soluciones posibles. Lo haríamos mediante una lluvia de ideas o como suele llamarse, con un Brainstorming  o un Brainwriting. Para ello es muy cómodo usar Postit. La manera de poner en orden tanta idea es el mindmapping, que nos ayudará a sacar conclusiones y escoger las líneas de diseño. Una vez adentrados en la fase de desarrollo, cuando empezamos a definir el diseño,  nos vamos a enfrentar a diferentes aspectos como el Outlooking, el Color and Trim o User interaction y User experience, si no los hemos tocado antes. Durante todo el proceso, las vías de expresión suelen ser Sketching  y rendering a la vez que se trabaja haciendo maquetas para verificar el volumen y funcionamiento, no es de extrañar que a estas alturas  ya hayamos usado más de una vez técnicas de rapid prototiping, incluso que se hagan working prototypes. El resultado final es un producto bien definido, acotado y justificado, con mayor capacidad de satisfacer al consumidor y generar beneficios para todos. Ahora que tenemos las palabras que expresan este proceso, falta que algunas empresas de este país se las aprendan bien y se comprometan más con el trabajo de los diseñadores industriales. Y si no, siempre nos quedará el Crowdfunding.

DISEÑO
Texto: ADRIÀ GUIU Co-fundador y Creative Director de www.grindustrialdesign.com. Agencia de diseño y consultoría de producto. Profesor de proyectos en Ingeniería técnica de diseño industrial en Elisava.


MODA
Texto: IVÁN SOLDO 17 años dedicado a la ilustración de moda como ilustrador y docente en el Istituto Europeo di Design en Madrid, centro donde desde hace 3 años ocupa el cargo de Coordinador de Master de Moda.

Movex es seguramente la palabra que ha monopolizado mi vocabulario desde hace 3 meses, a raíz de mi encuentro con Javier Gallego, gerente de Movex, Fundación del Centro Tecnológico de la piel de Andalucía. Como muchos, había oído hablar de Ubrique y del savoir faire de sus artesanos. Su trabajo y arte habían sido una de las claves del éxito de la única firma de nuestro país especializada en diseño de marroquinería de alta gama. No sabía mucho más, ya que este tipo de información siempre viene acompañada de cierto secretismo. Bien sabe dios, o cualquier diseñador, que no hay contacto más difícil de conseguir que el de un buen proveedor. Javier nos habló de estos artesanos cuyo saber se encuentra en peligro de extinción. Nos explicó las posibilidades que ofrece su centro en cuanto a tecnología, cortes, teñidos, impresión digital o grabado láser sobre piel. Fomentar y recuperar ese know how artesanal debería ser prioridad de la moda española. No por seguir con la tradición o por espíritu patriótico, discursos que no suelen dar buenos resultados a mi modo de ver, sino para beneficiarnos de un sistema de producción que el lujo internacional está explotando ahora mismo con gran ventaja, y que está a nuestro alcance. Se trata de aprovechar que muchas marcas de prestigio internacional están ahora mismo produciendo en esa zona para poner el foco de atención sobre todo lo que ahí ocurre. Estamos ante un gran reto, ya que parece extremadamente difícil luchar contra este fenómeno de descentralización de la producción. Pero algo se está moviendo en Ubrique. Queremos apoyarles sensibilizando a nuestros creadores y empresarios sobre la necesidad de una mayor convivencia con el artesano, injustamente percibido en ocasiones como un simple ejecutor, y por tanto desprestigiado. Si logramos beneficiarnos de esa herencia cultural y reinventarla, ayudados por las tecnologías punteras, quizá podamos ayudar a que nuevos productos nacionales vean la luz y consoliden la idea de un lujo made in Spain. Un discurso que debe proyectarse desde las instituciones dedicadas a la formación, y que también deberían asumir diseñadores, empresarios y consumidores responsables. Quizá sea el momento de concebir y proponer productos de lujo más accesibles, con márgenes distintos, y huir de precios obscenos. Quizá sea también el momento de apostar por un concepto slow fashion y hacer frente al omnipresente y tiránico concepto IT propio de una industria masiva. Quizá sea el momento de reeducarnos y redefinir nuestra noción del lujo, y recordar que diseño y belleza siempre deberían ir unidos a la excelencia de la materia prima, al perfecto acabado y, ¿por qué no?, a una buena relación calidad-precio. En definitiva, responsabilicémonos todos. No busquemos en nuestro consumo solo la proyección de nuestro ego; seamos más abiertos, comportémonos como consumidores “cultos” y no solo vanidosos.
Mentimos. Lo hacemos continuamente. Desde la mentira más absurda, banal, piadosa e insignificante, hasta la mejor, la más elaborada, la más retorcida. Nuestro cerebro está programado para distorsionar la verdad: bien sea con el fin inocuo de excusarnos ante un pequeño despiste y no quedar mal; bien para no herir a un amigo querido; o bien para ocultar que hemos realizado el timo de la década mientras caminamos tranquilos pisoteando cabezas y mirando un poco más allá. Somos unos mentirosos. Eso es así. Aunque también es cierto que el ejercicio del engaño denota siempre un nivel de inteligencia que es directamente proporcional al tamaño, elaboración y complejidad de la mentira. Y en la música hay gente muy lista. Nos mienten con elevados grados de elegancia. Está, por ejemplo, el caso del artista autoproclamado perdedor, ese barbudo llorón y lamentoso que revienta las listas de ventas colocándose en el toptén de turno porque ha salido en seis portadas de revistas especializadas; aunque después de esto, seguirá vendiéndonos que, bueno, en el fondo él es un osito loser. Se da también el caso del triunfador nato, que ahora no está tan de moda, pero que sobrevive contándonos que le ha salido una envidiable gira internacional por Rusia, Sudáfrica o China, y que en realidad se está dejando los duros en unas vacaciones con guitarra para aprender idiomas. Luego está la radio. En vena. A saco. Otra vez esa puta canción. La que a nadie gusta, la que dicen que es ya un superéxito cuando en realidad lo convertirán en ello a base de repetición infinita, la que todos odiamos pero finalmente tarareamos como borregos. Mentira. Y por otro lado nos traicionan los magacines musicales de moda. Estos son muy divertidos. De pronto intentan colarnos a una banda finlandesa que utiliza el kantele (instrumento de cuerda de la zona) con fuzz y cajas de ritmos hechas por ellos mismos, para crear así bases de electrónica delicada sobre las que camina la amable voz de un hombre rubio y con bigote desaliñado. Y resulta que los sacan a doble página como la nueva promesa del indie europeo. Y resulta que nadie jamás vuelve a oír hablar de ellos, ni en los mentideros de los más duchos en la materia. Hay falsos soldouts en cartelerías, canciones que son mentiras, hay melodías engañosas y manipuladores sónicos bienintencionados. Dicen que el 60% de las personas a las que conocemos nos cuentan 2 ó 3 mentiras en los primeros 10 minutos de conversación. Ha sido un placer saludaros.
MÚSICA
Texto: PECKER Este es el nombre artístico del músico aragonés Raúl Usieto. Acaba de publicar “Protocolo”, el single de adelanto de su sexto álbum, que verá la luz el próximo otoño.


ARTE
Texto: DIANA CUÉLLAR LEDESMA Comisaria y crítica independiente. Colaboradora habitual de Art Nexus y Third Text. Desde hace dos años reside en Madrid, donde finaliza su maestría en Historia del Arte Contemporáneo..
Tengo muchos amigos artistas. Algunos cocinan bien, pero de ninguno puedo decir que sea mejor cocinero que artista. Hace algunos años había en México un programa de televisión en el que escritores famosos eran invitados a cocinar algún platillo que apareciera en su obra o que se relacionara con esta. El programa tuvo un éxito rotundo, lo que en términos televisivos equivale a decir que el negocio fue redondo. Lo atribuyo a que el producto ofertado era un programa de televisión con escritores que cocinaban y no un restaurante con comida preparada por ellos, un programa con cocineros que escribieran, ni, mucho menos, la primera novela de algún chef famoso. Hace poco un amigo mío que es artista fue invitado para participar en un célebre programa español de chefs amateurs. Ignoramos si lo requerían como concursante o jurado y en última instancia lo mismo da, porque en el año del Greco de lo que se trata es de relacionar el programa con el arte a como dé lugar. Sobre la promiscuidad entre televisión, cocina y arte he oído de todo. Hay quien se indigna, quien está de acuerdo y quien sencillamente lo aprovecha. Los optimistas opinan que se gana audiencia para el arte, los pesimistas, que se le da a este el tratamiento de un show y los pragmáticos pasan la factura. El problema, creo, no es que dichos ámbitos interactúen, sino que tal interacción sea el show en sí. Sería bueno para todos que el cruce fuera efectivo y de fondo, propiciando debates, colaboraciones, agendas educativas y de difusión. En tal caso, y como diría mi padre, todo sería ganancia. Pero de la promiscuidad simulada sólo se obtiene lo peor: los televidentes creen que se enteran de lo que es el arte, los artistas creen que se enteran de lo que “ve la gente” y tanto el arte como la televisión, que deberían tener mucho más en común de lo que sus respectivos gremios entienden, reducen al factor audiencia sus objetivos y criterios de calidad. Los productores sólo tienen dos opciones: o pierden o ganan. En muchos casos ganarán, pues con el arte ocurre igual que con la alta cocina y la moda: a través de estos programas, la televisión permite al espectador entrar en un mundo fascinante al que de otra forma no podría acceder. Sofisticados, misteriosos y desbordados de glamour, esos son los mundos del arte, la moda y la alta cocina que se venden por televisión. En España hay sólo un chef que cobra 80 mil pavos por conferencia, varias decenas de centros de arte sin presupuesto y cientos de artistas y diseñadores sin apoyos. La que escribe, por ejemplo, no recibirá un duro por este artículo.  
Bienvenidos a un mundo donde se lee en diagonal y se mira igual. Vivimos en la era de la sobrecarga informativa. La atención que prestamos a una pieza audiovisual depende del vaivén del buffering y el empeño de nuestra vista. Si la carga del material a degustar nos hace esperar más de la cuenta, nos ponemos nerviosos y a otra cosa mariposa. Si el ADSL no se comporta como debiera, el link que hemos pinchado puede perder su oportunidad. La paciencia se mide en porcentajes de barra, programada en horizontal. Si se mueve lenta, mal vamos. Si crece con más arritmia que armonía, no hay derecho. En milésimas de segundo nos ahoga el tedio ante la posibilidad de encontrar raudos otra oferta de entretenimiento. De un lado saltamos a otro, sin rechistar, a golpe de cursor. Empezamos buscando un videotutorial funcional y acabamos en un site repleto de fotografías que nada tienen que ver. Han pasado 5 horas desde el primer click con una intención clara. O más. Nos perdemos en un mar de píxeles. La dispersión nos embriaga. Concentrarse en algo concreto cuesta demasiado, cada día más, porque nos rodea el todo y la nada. Sufrimos tiempos de fragmentación. El cine padece especialmente esta terrible enfermedad vírica. Lejos de la sala oscura y de su ritual -siempre que seamos educados-, es un acto en desuso el hecho de ver exclusivamente una película delante del televisor, el ordenador, el iPad o cualquier otra plataforma, sin otra tarea entre manos que nos distraiga, grande o pequeña. Se lleva afrontar en paralelo varias labores a la vez que reclaman un mínimo de atención, dando como resultado la volatilidad casi total de lo que devoramos. Es imposible entrar en el juego de un cineasta y prenderse de sus intenciones, gozar con su voz en definitiva, si visionamos su obra mientras tuiteamos y tenemos otras ventanas abiertas. Si la propuesta del artista se aleja de lo meramente visual, de lo convencional, y no le dedicamos nuestro tiempo y energía con cierta lógica, es probable que no lleguemos a entenderlo. Un filme con un ritmo endiablado nos puede parecer un rollo si hemos parado el reproductor varias veces a lo largo del metraje para contestar whatsapps o comentar en las redes sociales lo que estamos viendo. Manda el zappeo mental. Damos al play mientras cumplimos con las obligaciones del hogar o trabajamos con otro monitor. La creatividad de hoy debe luchar contra el caos multipantalla. Estamos en el centro de una tormenta de imágenes que jamás va a amainar. Valorar una producción a trompicones, alternando, sin darle al pause, la pestaña que le acoge con otras adyacentes, da alas al nonsense. Somos entes dispersos. Loading…
CINE
Texto: BORJA CRESPO. Escritor y director de cortometrajes, videoclips, spots publicitarios y webseries. El pasado mes de mayo presentó su primer largometraje, “Neuroworld”, con gran éxito de crítica y público.


GASTRONOMÍA
Texto: LUIS ARÉVALO Precursor de la cocina NikKei en España. Ha abierto hace apenas 3 meses su restaurante Kena: Cocina de fusión japo-peruana, con un estilo más desenfadado. www.kenadeluisarevalo.com
Hilda era de la tierra, del río. Con su alegría nos insuflaba vida. Llevaba un diente de oro que nada más sonreír, iluminaba hasta el más oscuro de los pasillos de nuestra casa. Nadie sabe cómo llegó. Un día me comentó que vino muy pequeña, descalza y sin saber apenas escribir. Mi abuela ordenó que se hiciese cargo de la cocina y nadie le contradijo. Mi madre y sus hermanos guardaban grandes recuerdos de las fabulosas comidas que Hilda solía preparar. Gallinas asadas con cilantro, guisos de venado con trozos de yuca, sarapateras (cocido de carne de tortuga con plátano verde y setas chinas aromatizado con hojas de mandarina). Y, ¿por qué no?, aquellos sábalos, boquichicos, deliciosos pescados de río que envolvía como nadie en hojas de bijau y ponía a asar en la tushpa del patio trasero de la casa. Dicen que el tiempo nunca pasa en vano y en este caso, es así. En aquella casa, sólo quedaron mi madre y sus hijos. El apego de Hilda hacia mi familia era mucho, tanto como el cariño que teníamos por ella. Pero llegamos tarde a su vida. Aunque ella seguía siendo quien gobernaba la cocina, nunca fue capaz de brindarnos esos platillos que tanta fama le dieron. Ahora, pensándolo, creo que con nosotros pulió su cocina, encontró su estilo, o como yo decía, “los monográficos” de Hilda. Iba al mercado los lunes, sólo una vez a la semana, decía que era más que suficiente. Llegaba a casa con un producto fetiche, en grandes cantidades. La primera vez que apareció con ingentes bolsas de pimientos verdes, estábamos todos asustados, sin saber de qué iba la cosa. Aquella semana sólo comimos pimientos verdes en todos los formatos. Cremas, salteados, guisitos, tortillas. Al lunes siguiente, cuando pensamos que lo de los pimientos era una de sus bromas, apareció con 20 kilos de tomates. ¡Madre mía! Ensaladita, sopita, arrocito, todo con tomates. La semana siguiente, fue cebolla, luego, coliflores, berenjenas, caiguas, maíz, repollo, brócoli, lechuga, espinaca, y así, una verdura diferente cada semana. Durante años Hilda nos estuvo alimentando cada semana con una verdura como producto principal. Pero el tiempo nunca pasa en vano y nosotros nos fuimos. Se quedó en nuestro pueblo, se echó un novio y vive en una pequeña casa de la familia. Hace dos años fui a verla. No ha cambiado nada, apenas tiene canas y está más vivaracha que nunca. Me atreví a preguntarle el porqué de aquellos monográficos de verduras cuando era niño. Y ella, como siempre, me respondió: “verdura, verdura, verdura”.Sonrió. Yo más que ella. Se le iluminó la cara, feliz, con aquel diente de oro que sigue brillando tanto como ella.

¿A qué te dedicas? Hago comisariado tecnológico para todo tipo de exposiciones, eventos, conciertos… Desde el Nasti al Space of Sound de Madrid (Infinitamente Gay, Klubbers…), hasta el Pabellón de España en la Bienal de Venecia o la Bienal de Arte de la Habana, entre otros muchos. ¿Qué es exactamente el comisariado tecnológico? Es el asesoramiento técnico y estético de un montaje, se basa en que el productor técnico conoce el lenguaje del artista y trabaja en su desarrollo, tanto estético como lingüístico. ¿Cuál es tu formación? En mi díscola búsqueda del conocimiento cursé estudios de Matemáticas en la UNED, Automoción en La Paloma y Filosofía en la Complutense, bajo la dirección de Quintín Racionero y Teresa Oñate. Después de todo esto me especialicé en Diseño de Exposiciones. ¿Cuándo y cómo nació Manolita Productions? Después de 6 años dirigiendo Loop Circus, la cual empezó haciendo booking y visuales para salas en Madrid, y acabó realizando proyectos de arte internacionales, mis socios y yo decidimos cerrar la productora y yo me lancé a seguir mi propio camino. ¿De cuál, de entre todos los trabajos que has realizado hasta ahora, te sientes más orgulloso? De la Bienal de Arte de la Habana. Fue un trabajo de preproducción de 3 meses, con múltiples viajes a La Habana para realizar un trabajo de museología y museografía que ellos me enseñaron. Trabajamos con 280 artistas de 118 países diferentes. Fue una experiencia única, a nivel personal y profesional. ¿Desde cuándo conoces Neo2? Desde hace muchos años. Tengo un montón de revistas guardadas, aproximadamente desde el año 2002 hasta ahora. ¿Eres de Madrid?, ¿cuáles son tus sitios favoritos en la ciudad? Sí, nací en el barrio de Tetuán y estudié en el CEU. A partir de ahí, he vivido siempre por el centro: Ópera, La Latina... Me encanta ir de vez en cuando al Miyama, un restaurante japonés que está en la calle Flor Baja; también al Viridiana, por el barrio de Retiro; al Naomi, uno de los japoneses más veteranos de la capital, y al Matritum, en la Cava Alta. De noche ya nada me convence… nada es lo que era… ¿Qué les recomendarías a nuestros lectores? Para leer un clásico, “Luces de bohemia”, de Valle Inclán, también “Click” de Javier Moreno. Y escuchar “Como una Ola”, de Rocío Jurado, y de vez en cuando a Mulero. ¿Qué proyectos tienes para el futuro? Innovar con mis proyectos y vivir la vida.

*Alberto Poyato se ha encargado de la producción técnica y artística en nuestra fiesta 20 aniversario en la Sala Shôko.

Portadas
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Asistente Estilismo: BEATRIZ ÚBEDA
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Modelo Chica: SITA ABELLÁN @ TRAFFIC Models 
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Plató Sita: ADDICT STUDIOS
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