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Marzo-Abril 2015

Creative Culture

TEXTO: MONGOMERI
Sandro: “En realidad es el nombre que mis padres -Didlier & Evelyne Chétrite-  quisieron poner a su primer hijo”. Sandro nace en 1984 con la madre de Ilan como diseñadora de lo que hasta 2008 era solo una marca de moda femenina definida bajo el concepto de “lujo accesible”. Ese es el año en el que Ilan Chétrite entra en el negocio familiar como director creativo de la línea masculina. En 2009 la marca se constituye dentro del grupo SMCP. Grupo: “Por supuesto, pertenecer a un grupo de moda implica más presión, pero es una presión positiva. Ahora somos una marca global y tenemos que estar seguros de poder ofrecer colecciones potentes a todos nuestros clientes en el mundo”. Moda: “No recuerdo un momento particular en el cual comenzara a interesarme en la moda. Llegó de forma natural a pesar de que cuando estudiaba económicas me veía más como un comerciante que como director creativo. De hecho, mi involucración en Sandro sucede cuando la línea femenina comienza a tener un gran éxito. En ese momento, pensé que la marca no solo debería dirigirse a las mujeres, sino a todo el mundo. Y empecé a imaginar cómo podría ser comprendida nuestra visión. Así nació Sandro Homme en 2008”. 2008: “A partir de ese año nos las arreglamos para llevar la marca a una nueva dimensión. Sandro se expandió rápidamente a nivel internacional. Ahora tenemos más de 410 puntos de venta en todo el mundo, 15 de ellos en España”. Evelyne: “Mi madre siempre tiene un ojo puesto en las colecciones de hombre. Su opinión es muy importante para mí. Y aunque en el trabajo cada uno se ocupa de lo suyo, recibimos las mismas influencias de forma natural. Intercambiamos opiniones sobre tendencias y sobre la modernidad de nuestras siluetas. Nos alimentamos con las ideas del otro”. Equipo: “Cada línea, masculina y femenina, tiene su propio equipo. En el estudio de hombre hay 10 personas trabajando conmigo. Funcionamos como equipo. Investigamos mucho y discutimos juntos sobre cada pequeño detalle de la colección. Estoy muy orgulloso de mi equipo”. Imagen: “Trabajamos siempre con el mismo equipo. Trabajar con los profesionales más talentosos de la industria nos ayuda a conseguir campañas sobresalientes. El modelo es Edie Campbell, con el que hemos trabajado 4 temporadas. Karim Sadli es el fotógrafo, ha disparado Sandro en 5 ocasiones. El estilista es Joe McKenna, que ha trabajado en 3 ocasiones con nosotros. La dirección de arte la ha llevado por primera vez Franck Durand”. Colección: “La ropa de Sandro Homme forma parte de los elementos esenciales de un vestuario cotidiano con estilo. Las colecciones están diseñadas con un enfoque moderno y chic pero sin que resulte forzado. Trato que sea ’chic & cool’ al mismo tiempo, ligeramente anti-convencional y con un toque desenfadado. También estamos muy pendientes de los detalles, para mí eso es lo más importante en una prenda. Somos muy meticulosos. La última colección la hemos presentado durante la semana de la moda de París, lo cual es un paso muy importante para desarrollar conciencia de marca. Repetiremos la experiencia en junio para presentar SS16”. Reebok: “Sandro es estilo e innovación. Para la primavera verano 2015 quisimos ampliar los límites de la estética deportiva que hemos explorado a lo largo de las últimas temporadas. Con su diseño innovador y vibrante de los 90 las Fury encajan perfectamente en las colecciones de Sandro”. 

TEXTO: SOFÍA DO SANTOS

Londres puede presumir de tener un buen número de museos y galerías, pero también de un arte urbano de gran calidad que se ha convertido en una de las atracciones turísticas de la ciudad. Ahí, en las calles de la capital inglesa, es donde principalmente se mueve Zina, donde encuentra la inspiración y el lugar perfecto para plasmar su creatividad. Su estilo es inconfundible: enormes retratos en llamativos colores azules donde combina el steampunk (mezcla de lo decimonónico con lo futurista) con su pasión por la mitología y el mundo místico. Zina llegó a Londres tras finalizar sus estudios universitarios en Cornualles. Vivir allí era su sueño y logró cumplirlo a pesar de que sus padres no lo vieran con muy buenos ojos. Comienzos: “Todo el mundo sabe que Londres es el centro de la creatividad y era el lugar obvio al que mudarme para forjar mi carrera. Mis padres intentaron que volviese a casa, en Oslo, pero me negué. Quería dar el salto y dejar que Londres me atrapase”. Arte urbano: “Para los artistas urbanos, en Londres siempre hay una nueva calle que explorar, una nueva esquina que doblar. Cuando empecé a explorar la ciudad hace unos años y a dejar mi huella en tonos azules, mi carrera empezó a despegar y a tomar forma. Los comentarios de desconocidos, las exposiciones improvisadas y las muestras en galerías aceleraron el proceso, pero sigo tratando a la ciudad como un lienzo en blanco sobre el que puedo dejar mi huella. Una parte de mí se fundió con la ciudad”. Inspiración: “Para mí, el trabajo y el placer están entrelazados. Cuando llegué a Londres me encantaba andar por las zonas más antiguas de la ciudad. Las zonas de Bank y St Paul’s, con su arquitectura deslumbrante, me fascinaban. Ahora paso más tiempo en eventos artísticos. Hay tantos en Londres —grandes y pequeños— y tantas oportunidades de exhibir tu obra, difundirla y conocer a gente nueva. Cuando no estoy pintando paseo por la zona donde vivo, Shoreditch, para ver lo que están haciendo otros artistas. El primer jueves de cada mes es el día de puertas abiertas en las galerías de Shoreditch, así que es un momento estupendo para pasearse por ahí. Por supuesto, también me quedo después para las after parties. Mi día ideal también incluiría relajarme en un parque en algún momento”. Beefeater: “Aprovechar las oportunidades de oro, como trabajar con el genial equipo creativo de Beefeater, es parte de la emoción de estar en Londres. Ha sido un gran honor que me eligiese una marca como esta y que mi obra se reconozca a un nivel tan alto”. La ciudad: “Londres ha sido un gran reto para mí, pero también me ha dado muchas satisfacciones. Al ver a otras personas haciendo lo que yo quería hacer supe que era posible. Londres te demuestra que no hay nada inalcanzable si pones empeño, te esfuerzas y crees en ti. Sin duda, esta increíble ciudad ha influido en mi obra. Llevo dentro su energía, su ritmo y su sentido de la diversión. Al vivir lejos de casa, en Londres tuve que crecer y evolucionar, tuve que sumergirme en la vorágine artística de la ciudad y aferrarme a ella. Sigo aquí porque me siento acompañada por otros artistas y porque el paisaje de la ciudad me entretiene y me sirve de inspiración. Londres es el motivo por el que hago lo que hago”. Consejo: “Para triunfar como artista en Londres tienes que tener claro lo que quieres hacer y a dónde quieres llegar. Asegúrate de que quieres estar aquí y busca una manera de conseguir que funcione. Después, pon todo tu empeño en lograrlo”.  
TEXTO: TEREVISÓN RUÍZ
MoMa 1984: “Ese año el MoMa organizó una exposición titulada ‘An international survey of painting and sculpture’ que incluía 169 artistas. Solo 13 de ellos eran mujeres. El número de artistas de color era todavía menor. Todas las mujeres artistas de Nueva York estaban bastante indignadas. Y para acabar de empeorar las cosas el comisario de la exposición dijo que cualquiera que no estuviera incluido en la misma debería repensar su carrera (haciendo alusión solo a artistas masculinos). Todo esto estaba pasando y nadie hacía nada. Bueno, un grupo de mujeres se manifestó fuera del museo, nos unimos a ellas pero nos dimos cuenta de que a nadie dentro del MoMa le importaba. Y entonces pensamos que tenía que haber una manera más creativa y contemporánea de llamar la atención de la gente para que se dieran cuenta de que los museos no lo saben todo, de que no siempre tienen la razón y de que había discriminación en el mundo del arte. Y pusimos pósters en la calle diciendo la verdad sobre el patético número de mujeres y negros que exponían su trabajo en museos y galerías. Así empezó todo”. Miembros: “Desde que empezamos hasta ahora 55 mujeres han formado parte de Guerrilla Girls a lo largo de los años, algunas han sido miembros durante décadas, mientras que otras acudieron solo a unas cuantas reuniones. Algunas de las fundadoras dejaron el grupo para concentrarse en su propio trabajo o formar otros grupos. Unas cuantas decidieron centrarse más en el mundo del teatro y otras se plantearon hacer solo acciones en internet”. Ser Guerrilla Girl: “Por desgracia no podemos trabajar con toda la gente que querría formar parte de nuestro grupo. No es posible hacer lo que hacemos si somos un grupo demasiado grande, pero animamos a todo el mundo a formar su propio colectivo creativo, loco y activista, con sus propios nombres e identidades. Y nos encanta que la gente use nuestro trabajo como modelo o incluso que distribuyan y utilicen nuestros pósters”. Decisiones: “Discutimos, discutimos y discutimos. Todo lo que haga falta. Después nos comprometemos a llevar a cabo lo que hayamos decidido. Así es cómo funcionamos”. Evolución: “Siempre hemos tenido claro nuestro objetivo, y es luchar contra la discriminación, con hechos, humor y piezas visuales más o menos escandalosas. A lo largo de los años hemos profundizado en nuestra crítica al mundo del arte y hemos empezado también a contar cómo el mercado está controlado por coleccionistas billonarios cuyos gustos determinan lo que se va a exponer y preservar en los museos en el futuro. Hemos escrito ya 5 libros, hemos llevado a cabo grandes proyectos en las calles de muchas ciudades y hemos dado alrededor de 500 charlas y talleres”. Humor: “El humor es una de las claves de nuestro éxito. La mayoría del arte político solo señala algo y dice que no está bien. Pero el humor es un arma más poderosa, con él puedes conseguir llegar a más gente, incluso gente que no está de acuerdo contigo, si haces que sonrían ya tienes una vía para llegar a ellos”. 30 aniversario: “Aparte de esta exposición en Madrid tenemos ya preparada una campaña de pegatinas callejeras y una exposición pop-up en Nueva York, ¡habrá champán y pasteles! También estamos desarrollando una red de mujeres artistas y activistas”. Femen: “Si las mujeres aparecen desnudas en las películas y en los anuncios, ¿por qué no van a poder hacerlo en una protesta? Femen utiliza la desnudez para llamar la atención sobre su causa, lo mismo que hacemos nosotras con nuestras máscaras”. Autoridad: “Nos han perseguido a menudo, pero nunca nos han pillado”. Internet: “Tenemos alrededor de 75.000 seguidores en Facebook y Twitter, y nuestra web es además nuestro archivo, donde están todos nuestros proyectos, pasados y actuales”. El futuro: “No creemos que un siglo de feminismo pueda borrar milenios de patriarcado. Estamos seguras de que todavía quedará mucho por hacer dentro de otros 30 años”.  

Guerrila Girls 1985-2015. Hasta el 26 de abril.
Matadero Madrid. www.mataderomadrid.org
www.guerrillagirls.com



Juan Martín Rico. Parásito, 2014.
Fotografía: Martín Rico Villegas.
Cortesía del artista.

Rastros: “Todo parte de una intuición: ¿y si en el fondo de la producción artística contemporánea el mayor punto de unión es la persistencia de un ruido o un rumor que viene de lejos? El rumor del que habla Greil Marcus en ‘Rastros de carmín’ cuando por primera vez traza el nexo entre Dada, Situacionismo y Punk. En realidad, la exposición sigue la lógica de Greil Marcus pero prospectivamente, empujándola hasta la producción artística contemporánea”.
Tramas y genealogías: “La insistencia en algunos temas comunes en ese rumor secreto, pero que en el Punk se destapan. La rabia, la incomodidad o el inconformismo que tienen que ver con una decepción, desilusión o confrontación frente a la realidad política, social y/o económica. Cuando repasas la situación social en la que surge el Punk, encuentras que no estamos tan lejos: crisis económica, paro, unas generaciones abocadas a la falta de futuro, distancia frente al poder político, retorno conservador, violencia de estado escudada en violencia terrorista…”.
Pasado y presente: “Bueno, no sé si se trata de actualizar formas pasadas o más bien de mostrar su pervivencia, el rastro aún presente. La nostalgia es algo que no me interesa. En todo caso estaría con Levi-Strauss y con aquello de que pensar en los otros es pensar en nosotros”. Metodología punk: “Sí, obviamente, descubres que muchas obras de artistas

Jordi Colomer. Nofuture, 2006. Arts le Havre ,
Biennale 2006, Maravills Barcelona.

setenta, ambos temas recurrentes en el Punk. La sorpresa positiva fue que tanto al hablar con Chiara como con Christoph confesaban que era justamente eso lo que tenían en la cabeza al pensar esos trabajos”.
Obras icónicas: “El título es muy descriptivo y esta no es una exposición histórica o de investigación del Punk (eso ya lo haremos en la próxima), algo que supera los márgenes de un centro de arte, sino que es prospectiva. Aun así, sí he querido poner algunas obras directamente relacionadas con el contexto Punk, sobre todo, estadounidense, desde Raymond Pettibon, a Mike Kelley, pasando por un detallito de Kippenberger o Jamie Reid. Y un par de cosas que no tienen que ver con el Punk históricamente pero que me parece que lo anuncian o participan del espíritu: Valie Export y, una referencia en mi trabajo, Chris Burden”.
Campo de batalla: “En primer lugar, el Punk en el arte actual hay que entenderlo como trinchera o línea de demarcación. Lo explicaré con una anécdota: un amigo dice que nadie puede rechazar participar en una exposición llamada Punk. Eso nos llevaría a pensar que el Punk es el nuevo mainstream.

tienen rastros claros del Punk en la tipografía, en la referencia a grupos, a música, a escenas o momentos claramente punks: es el caso de Iñaki Garmendia, Pepo Salazar, Antoni Hervàs o Aïda Ruilova cuando hace un vídeo en colaboración con Raymond Pettibon. Pero luego hay otros que no son tan evidentes, por ejemplo, el trabajo de Chiara Fumai tiene que ver con Valerie Solanas, quien disparó a Andy Warhol, y su manifiesto para la destrucción de los hombres, y Christoph Draeger expone una obra que reproduce los atentados de Septiembre Negro. A mi me parecía que eran dos referencias Punks. Porque, por un lado está el hippy que se le va la olla y el anarco que decide coger las armas y, por otro, el límite del terrorismo y la presencia del terrorismo en los años
Jimmie Durham. Self-portrait with black
eye and bruises, 2006. Foto: Mark Ritchie

Joan Morey. Expanded black box, 2007—2012.
Cortesía del artista.

Pero creo que hay un buen número de artistas que dirían que no o que no se sentirían representados por esa pulsión. Quizás porque creen que sí tiene sentido hacer divisiones entre lenguajes y disciplinas, o porque buscan simplemente agradar o decorar, porque son neo-con con aspecto eco-progre o por los motivos que sean. Pero ahí tienes una trinchera (en la que intervienen no sólo artistas, sino en la que muchos nos podemos sentir cómplices desde distintos quehaceres). Y, por otra parte, en el fondo, en esa trinchera (y quizás sea el auténtico tema que deba desarrollar en próximos proyectos) la cultura contemporánea vive o está basada en la nostalgia. Obviamente, estoy siendo autocrítico y me contradigo con algunas de las respuestas que he dado. Creo que asumir las propias contradicciones y ser autocrítico es ser fiel a esa genealogía que proviene de Dada, da sentido al Punk y pervive hoy en día. Así que explico lo de la nostalgia: y es que en el fondo buena parte de la cultura contemporánea estaría empeñada en intentar reproducir las claves de momentos y situaciones revolucionarias y radicales con la conciencia de su imposibilidad, cuando de hecho, como el Punk, son instantes de radicalidad o de revolución que nacieron fracasados. En realidad es como si en el entre-paréntesis de la célebre proclama “Punk is (not) dead” estuviese la clave. Primero por insistir en la negación como lugar articulador. Y, luego, porque el Punk sería como un zombie, un muerto viviente que va cobrando sus víctimas en nuevos zombies. Hasta funciona estéticamente”.
Hans Peter Feldmann. 5 Pound Bill with
Red Nose, 2012. Cortesía de ProyectSD,
Barcelona.

Janis E. Müller. Fahrrad für Konzert mit
Fahrrad und Guitarren, 2013.
Cortesía del artista.

A esa falta de jerarquía o distinción me refiero: que no es una expo de pintura, de vídeo o de instalaciones. Otra cosa es que creo que habría que ir más allá y poder incorporar la copia en las exposiciones, pero la actual configuración del autor (heredada del siglo 19) aún no lo permite administrativamente”.
Zonas: “Más allá de las primeras exposiciones y proyectos que hice respecto a la actualidad y revisión del Punk o dedicadas a una genealogía de la radicalidad, aquí he intentado diseccionar o desmembrar aquellos elementos que caracterizaron al Punk. Esos son los ámbitos organizativos de la exposición que, a su vez, se presentan como nubes de ideas a partir de referencias de momentos, canciones, etc…”.
Sexualidad: “Sí, creo que es una de las cosas que más llaman la atención del proyecto. Quizás porque como relata Gloria Guso en su texto del catálogo, hay un estereotipo que asocia la imagen del Punk al rudo de Vivian, el personaje de la serie The Young Ones. Pero si pensamos en el Punk, su origen está en los New York Dolls, también la tienda de Malcolm McLaren se llamó “Sex” y en ella vendía ropa BDSM. Luego está la cuestión de género: otra vez los New York Dolls, pero también Patti Smith o The Slits, el primer grupo enteramente formado por mujeres junto a The Runaways. Y la cuestión de la indefinición sexual está presente desde el origen en el glam-rock, Bowie cantando ‘She’s not sure if you’re a boy or a girl…’ o Lou Reed y su disco Transformer”.


Voluntad desjerarquizadora: “¡Ah! Esto es mucho más fácil de explicar. Creo que una de las cosas que aporta el Punk, es que no tiene sentido hablar de lenguajes artísticos, que la separación entre unos y otros es puramente administrativa (casi del epígrafe del IAE que hay que rellenar), pero que el rumor profundo que los une es más intenso. Pondré un ejemplo. Es curioso que en los libros de historia del arte aparece el nacimiento de Dada en el Cabaret Voltaire como un episodio de las vanguardias artísticas del siglo 20, cuando estrictamente Dada en Zurich no produjo ni una pintura, eso sí, teatro, marionetas, performance, poesía…
Bill Balaskas. Écanomie, 2011
Instalación. Cortesía del artista y Kalfayan
Galleries, Atenas.

Valie Export. Action Pants, Genital Panic, 1969.
Foto: Peter Hassman.

Disidencia: “Como bien dices el arte contemporáneo se entiende como un espacio de disidencia. Creo que en este sentido es como recuperaría ese rumor del que hablaba. Tiene que ver con la supuesta irreductibilidad del arte contemporáneo. Y digo supuesta, y hablo en pasado y en condicional, porque creo que cada vez se hace más presente y evidente una fuerte tendencia a la academia del arte contemporáneo. Algo en lo que están muy interesados los poderes económicos, que pujan a diario por la compra de esa irreductibilidad”.
Revoluciones inconclusas: “Creo que en el fondo lo que he intentado decir es que nos movemos entre la actualización constante de esos momentos de intensidad y la conciencia de que estamos viviendo de una repetición nostálgica que intenta evitar su fracaso. Parafraseando a Marx, no sé si la historia se repite como parodia, pero sí como conciencia del fracaso.

 Pepo Salazar. Forgotten children conform a new faith. 2011. 
muchas veces tiene que ver con la incomodidad de estar en el mundo y con la rabia que provoca. Creo que gran parte de la creación artística contemporánea (al menos la que he seleccionado para la expo) está hecha desde esa pulsión. Pero, en todo caso, lo importante es que la pulsión y el conflicto existan. Que sea en el campo del arte, de la música o en un blog, es lo de menos”.

26 marzo – 06 septiembre,
www.ca2m.org

¡Ojo! el fracaso es muy Punk. Recuerda las últimas palabras de Johnny Rotten con los Sex Pistols al finalizar el concierto de San Francisco: ¿alguna vez os habéis sentido estafados?”. Continuar batallas: “¡Qué buena coincidencia! Cuando entrevistamos a Greil Marcus le preguntamos más o menos lo mismo. Y como él, más o menos respondería lo mismo. Básicamente que espero que tengan continuidad. Yo no entiendo la práctica cultural sin ahondar en el conflicto o sin que surja de un conflicto. Y ese conflicto
EatWith
Texto: Miguel Á. Palomo
Bookalokal.
Foto: Damien Milán

La Buena Vida
La Buena Vida
Andamos locos por vivir experiencias. Exigimos salir del circuito por el que transitamos en las ciudades con las orejeras puestas. Nos negamos al aburrimiento, queremos adentrarnos en lo local desde lo cosmopolita bajándonos de una vez por todas del bus turístico. La gente se niega a viajar como antes, pero quiere comer como siempre, como lo hacen en su propia casa o en la de sus amigos, como lo hacían, mejor aún, en casa de su abuela. Para estos casos se hizo el consumo colaborativo – ¿o es al revés?-, para ordenar los gustos prescindiendo de intermediarios y, ya que estamos rompiendo los moldes del turismo tradicional –saludos a Airbnb, saludos a
los que están por llegar-, escuchar las preferencias del mercado, del público con morro fino pero que no tiene el bolsillo para un festival tipo Sublimotion (el restaurante de una sola mesa de Paco Roncero en el Hard Rock Hotel de Ibiza a unos 1.500 euros el cubierto) y que, aunque lo tuviera, tal vez seguiría decantándose por el nombre de proximidad y las lentejas freestyle. Porque, a diferencia del Joey de Friends, muchos quieren ahora compartir la comida, pero no en mesas que levitan sino en otras mucho más normales e informales, como las que cada hijo de vecino viste de domingo en su comedor.
Es tiempo de más colunching, palabro escasamente apetitoso si no se pronuncia con acento de Oxford, pero que encierra la definición de un movimiento que poco a poco va calando en las grandes ciudades aunque en una versión evolucionada del que fuera su detonante: una redactora parisina cansada de tener que conformarse con la soledad de un sándwich lanzó un grito en Facebook que fue escuchado por otros freelancers y simpatizantes de la idea de compartir un almuerzo en un restaurante. Inventado el concepto y desarrollado el site apropiado para su organización online, apareció una nueva fórmula de participación y sharing por la que los visitantes de las ciudades se atreven a acudir a una especie de cita a ciegas gastronómica en casa de particulares que cocinan y dan palique. Ellos son los anfitriones 3.0.

Y, claro, era de esperar que ante semejante terreno abonado al nuevo paladar no dejaran de sacar tajada –permítase la gracia- las startups, en pleno pelotazo. La más famosa es EatWith, una plataforma que, como suele ocurrir en estos casos, nació de un chispazo premonitorio: un viaje de placer del israelí Guy Michlin a Creta. Un viaje más, lleno de lugares comunes con forma de restaurantes clonados a la caza del turista, hasta el punto de inflexión que supuso acabar cenando en casa de una familia griega. Año 2010, la economía griega hace aguas y la conversación acaba siendo tan reveladora como el menú degustado. Fue el momento de inspiración, la respuesta a su interrogante estaba delante de él,
en realidad delante de todos cuantos aterrizamos en la mayoría de las ciudades del mundo. La gente a diario, si puede, se ahorra el restaurante y come en casa tan a gusto. No es descubrir la penicilina pero sí despejar la incógnita de una categoría intermedia entre salir a un restaurante y quedarse en la comodidad de sus cuatro paredes. Un par de años después de aquella velada en la residencia de los Papadakis, Michlin puso en funcionamiento EatWith junto con su amigo Shemer Schwarz y de Tel Aviv mudaron el cuartel general a San Francisco, capital del emprendimiento tecnológico.
 
El molde estaba cortado, la comunidad de food lovers empezaba a crecer y a día de hoy EatWith está presente en unas 90 ciudades de 32 países diferentes, incluida una Barcelona que ha ejercido de perfecto hábitat experimental para desarrollar el modelo. Turistas no le faltan, pero tampoco vecinos ávidos de otro tipo de planes gastronómicos. El peso global de esta comunidad recae en los 500 anfitriones defendiendo su visión personal de la cocina mientras otros muchos esperan como aspirantes a ser validados en un estricto proceso de selección de calidad que hace hincapié en aquello que cada casa puede ofrecer desde el punto de vista experiencial.


EatWith
EatWith
Restaurante El Campero
No en vano Guy Michlin se afana en repetir a modo de mantra el concepto de experiencia como piedra angular de su visión del colunching. Los anfitriones exhiben sus artes culinarias, pero también sus habilidades de hospitalidad. Hay que generar una atmósfera especial, hay que hacer sentir a la gente como en casa –como en una casa, más que como en la suya propia- porque además de potenciarse la relación con la gastronomía local, también se sociabiliza. Es la llave para dejar de sentirse como turistas y empezar a valorarse como invitados. Además, contiene el factor agitador de no saber con qué ni con quién se van a encontrar dichos invitados. Las expectativas se disparan y, muchas veces, se superan. No en vano, las imágenes que nos llegan de estas citas a ciegas son las de grupos desinhibidos sentados a una mesa feliz. A la mesa de EatWith y también a las de Bookalokal, MealMeets y SocialEaters, otras plataformas llegadas para conectar personas a través de los platos caseros. Evelyne White, fundadora de Bookalokal, transmitió a su proyecto el entusiasmo por ejercer de anfitriona y por ofrecer las mismas facilidades para crear experiencias viajeras. El resultado arroja también estampas de brindis idílicos en restaurantes pop-up, tengan sede en un bistró francés, en una azotea de Manhattan o en un loft de Bruselas. Bien está vendida tal demostración de buen rollo como raras veces hacen los restaurantes convencionales. Con ese punto de multiculturalidad que hace a estas imágenes todavía más atractivas, claro. Van unos ingleses, una japonesa, unos brasileños, un alemán y unos españoles, llaman a la puerta, conocen a unos holandeses y se sientan todos a cenar. No es un chiste, es la mecánica de una noche cualquiera compartiendo un hogar que ha sido improvisado como sede de una fiesta degustación. Cata a ciegas de comida vegana, pasta fresca o fusión oriental. O cita con un brunch o una paella en un ático con vistas al Rastro de Madrid. Precisamente porque ése es el fuerte del fenómeno: la capacidad de prender en las relaciones humanas entretejidas en los escenarios del turismo y la gastronomía. Y porque tampoco hay que olvidar que se cuece todo en un contexto en el que los viajeros manejan presupuestos de economía de guerra a los que hay que incentivar con esa diferencia respecto a la factura de un restaurante al uso. 

La propuesta tiene que reconfortar a las dos partes: el comensal gana con su experiencia sin gastarse un pastizal; el anfitrión engorda un poco su ego culinario y recibe un buen dinero extra. Un pequeño porcentaje se queda en las plataformas. Reconfortados todos, no se nos escapa que el comfort food –de ahí viene la expresión- vive uno de sus mejores momentos. Y es que la gastronomía se ve afectada por el clásico movimiento pendular que hace que de los chefs estrella pasen a la cercanía, por ejemplo, de los chefs del hogar. En realidad, esta comida confort no es tendencia –si pensamos que el mundo anglosajón ya la manejaba en los años setenta-, sino más bien realidad duradera que invita a echar el freno y a tomarse el paso por cocina con una calma que muchas veces nuestra sociedad no se permite a sí misma. Ya no interesa tanto la vajilla minimal y el menú degustación sino los utensilios reconocibles y los menús diarios, empiezan a dar pereza las reflexiones conceptuales y las técnicas de laboratorio y apetecen más las referencias sencillas, los nombres a secas sin cuentos en verso de tres líneas en cartas sobrediseñadas, los guisos sinceros, de honestidad brutal, que diría aquel. Como ya no importa volver a la barra o sentarse a la mesa de madera con mantel de cuadros. Las casas de comidas están en nuestro imaginario patrio, se añoran y por eso vuelven. Son fenómenos de nostalgia que cuajan en España por el valor cultural concedido a la experiencia gastronómica. Pero no vale volver al pasado para engullir sin más entrante, principal y postre. Si se vuelve es para coger carrerilla y no conformarse con platos baratos si no acompañan en productos y sabores. Si no, no vale. Mejor todavía si las propuestas son saludables, aunque el comfort food no es talibán hipocalórico. El fundamento, a lo Arguiñano, es llorar con el producto.
O con el potaje.

Este movimiento que reivindica una vuelta a los orígenes plantea un hartazgo generalizado ante el postureo gourmet. La cocina tradicional catalana fue, desde hace unos años, la que ejerció de motor que espabiló la tendencia en España. Fonda Gaig y, después, Petit Comité la intentaron incorporar a la alta cocina volviendo al cocido y al cap i pota aunque hay
quien piensa que consiguieron desnaturalizarla. Y claro, el mismísimo Jaime Oliver graba en su casa rodeado de familiares y amigos un programa de televisión dedicado a la cocina casera, lanza además el año pasado el libro Comfort food, en el que opta por un recetario más emocional, y la cosa se dispara en todo el mundo. El mensaje del mediático chef inglés es así de directo: si algo nos hace felices es recordar los platos de nuestra infancia. Cocinar sin prisas para disfrutar también del viaje en el tiempo. Si lo dice Jaime… Operación completada.
 
No dejan de ser distintas ramas de un tronco común. El colunching de anfitrión y el comfort food se alimentan de productos locales, lo mismo sea en una mesa compuesta por verduras de un mercado de Estambul que en el comedor de un asador vizcaíno. Por España discurre este (re)gusto por los sabores de siempre mientras se empapa de otras culturas con las que también se enriquece. Sin embargo, cuando hay quien creía que todo se había entregado al nigiri, al ramen y a los tiraditos, renace la autoafirmación de unos callos bien picantes, de unos espárragos “cojonudos” o de una croqueta bien hecha, con su Día Internacional y todo –el 16 de enero-, un bocado difícil de superar que encuentra en las manos de Marisa Sánchez, matriarca del clan Paniego en Echaurren (Ezcaray, La Rioja), tal vez su manifestación más celestial. Pisto riojano, caparrones, alubias blancas, sopa de cocido, menestra… Platos apegados al terruño y de mucho confort en la carta del Echaurren Tradición con la croqueta siempre triunfando y a la que Francis Paniego recurre en El Portal del Echaurren como homenaje a su madre. El factor sentimental de nuevo. Con el que se identifica el restaurante El Campero (Barbate, Cádiz) de José Melero es con su historia de amor fiel con el atún rojo, demostrada en el arte milenario de la almadraba. La mezcla de influencias en el comedor se queda en pura sencillez en una barra de bar en proceso actual de reforma. Huelga decir que aquí el producto es religión y que la cercanía al animal salvaje casi salpica. Un caso distinto es el del restaurante La Pubilla, frente al Mercado de la Libertad de Barcelona. Su comfort food urbano puesto en práctica en menús deliciosos y variados a 14 euros ha sido aclamado por The Guardian y El Comidista, por lo que también resulta cada vez más difícil hacerse con una mesa. Vermut del Morro Fi, bacalao con romesco y un pincho de tortilla de berenjena y sobrasada con pan de verdad puede ser una combinación habitual en los “desayunos de tenedor” ideados por el chef Alexis Peñalver. Cocina de cercanía, nuevamente, aquí con el mercado a un palmo. Otro ejemplo de proximidad pero en versión refinada es el del restaurante La Buena Vida,
en la frontera del barrio de
Chueca de Madrid.
A este íntimo local no se acude ni por los precios ni por su ambiente tabernario, sino por lo que Carlos Torres oficia en sus platos elegantes pero de una sencillez pasmosa. Una carta escueta con algunos platos imprescindibles sirve de mero apoyo según se cantan las sugerencias del día. En cualquier caso, nadie querrá perderse la crema de patata con huevo de pollita escalfado y trufa negra, la grouse o los guisantes de lágrima de Guetaria, con los que el comensal suele soltar la suya propia. Nada como bajar a la tierra y recordar el sabor
de la sencillez.
La Buena Vida
Echaurren
Restaurante El Campero
Echaurren
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POR: JAVIER ABIO, TERE VAQUERIZO, RAMON FANO & RUBÉN MANRIQUE
ENTREVISTA: TACHY MORA FOTOS ENTREVISTA: FLORIAN KLEINEFENN


Hace diez años, durante una conferencia en la bienal de diseño portuguesa Experimenta Design, dijo que lo dejaba, que su intención era terminar con los últimos encargos que tenía en marcha en el estudio para en un máximo de cinco años dedicarse a otra cosa. La inmensa sala de conferencias del Centro Cultural de Belém de Lisboa estaba abarrotada, no cabía ni un alfiler. La decepción entre el público se hizo notar, en particular porque acompañó este anuncio de perlas mucho menos divertidas que las que nos ha regalado en esta entrevista. Una década después y con 66 palos, ahí sigue. Y transmitiendo mucha más energía, y en particular ilusión, que aquel día. Tenemos Starck para rato.

RUMBO: “No he cambiado de opinión con respecto a lo que dije. Estaba tomando una nueva dirección y eso lleva tiempo. El diseño nunca me ha interesado. Es una herramienta débil en comparación con otras como la política o la ciencia. Podría decir que el diseño me eligió a mí más que yo a él. Probablemente porque mi padre era ingeniero y fabricante de aviones, dedicarme a la creatividad fue algo natural en mí. Elegí el camino más fácil, pero lo hice lo mejor que pude y con el objetivo más alto posible: mejorar la vida de las personas. El diseño es inútil en el sentido de que no salva vidas pero de algún modo puede mejorar la vida. Mi única motivación ha sido siempre originar un beneficio en la persona que use lo que yo he creado”. 

PENDIENTE: “La materialidad es trivial, por eso mi intención es seguir contribuyendo de la mejor manera posible pero espero que en el futuro sea de una forma más desmaterializada, como por ejemplo con mi Escuela de Creatividad y Laboratorio de Investigación Creativo. La desmaterialización es un síntoma de nuestra civilización”.

CREATIVIDAD: “Yo soy como Fausto. He vendido mi alma a esta enfermedad mental conocida como creatividad. Como dice mi mujer, tengo miles de ideas por minuto. En tanto en cuanto siga viendo nuevos modos de mejorar, seguiré proponiendo cosas. Ahora mismo, por ejemplo, el único objetivo aceptable sería algo que tuviera una fuerte representación política, o que supusiera una nueva realidad ecológica o una nueva identidad sexual. Nada de eso existe en la actualidad. Así que todavía hay territorios inexplorados. Y lo gracioso es que con la experiencia y la edad mis creaciones están siendo mucho mejores. Más precisas, al grano, menos inútiles”.

BICICLETAS: “Es uno de los complementos más poderosos del hombre, ofrece posibilidades infinitas. Así como el hombre con el tiempo ha incrementado su potencial físico, la bicicleta ha adquirido de manera natural energía eléctrica para servir mejor a la humanidad. Mi últimos proyectos no son sólo bicis, son más bien conceptos de dos ruedas que encajan a la perfección con nuestras necesidades. Aquí, de nuevo, la cuestión es el concepto, su núcleo, y no su diseño en sí mismo que podría ser tan sólo una cáscara vacía. Las bicis eléctricas S+ARCKBIKES son una alternativa inteligente a las motos o los coches. Cada modelo está adaptado a un paisaje específico. Mi intención era que las bicis fueran capaces de circular por territorios infinitos”.

CLIENTES: “Rechazamos el 90% de las propuestas que recibimos. Cuando tengo una nueva visión o un nuevo territorio que quiero explorar, soy yo mismo el que contacto posibles potenciales socios para explicarles mi proyecto. Pero en ambos casos, tanto si me han entrado a mí como si la iniciativa la tomo yo, lo más importante, como en la vida,
es el amor.
Yo solo trabajo con amigos. Mis colaboradores o bien son ya mis amigos de antes o bien nos hemos hecho amigos tras colaborar juntos. El resultado del proyecto depende directamente de la relación que tengas con tus socios”.

DÍA A DÍA: “Mi mujer Jasmine y yo vivimos prácticamente de avión en avión o en el medio de la nada. A veces sin electricidad o agua corriente. El hecho de que vivamos en permanente ósmosis nos hace sentirnos vivos. Odio ir a la oficina; he evitado toda mi vida tener una estructura grande para ir lo más ligero posible. Tengo colaboradores que llevan toda la vida conmigo, tanto que es como trabajar con la familia. Pero el proceso creativo lo hago solo, tan solo uso lápiz y papel vegetal. Puede ser en cualquier parte, mejor si es un lugar con buenas vistas: en el mar, en un bosque, en el desierto… lejos del pensamiento ordinario”.

ESTUDIO: “Somos muy pocos, entre
todos, e incluyendo toda la parte de asuntos legales y de administración, somos unos veinte. Pero contamos con una gran red de trabajo, una tribu muy eficiente a lo largo de todo el globo. Trabajamos con gente muy talentosa, honesta y respetuosa, no necesitamos más que eso”.

FUTURO: “Los adelantos tecnológicos nunca me parecen chocantes. Es siempre sorprendente ver lo que el cerebro humano puede llegar a producir. Pero una de las cosas que he creído desde siempre es que la impresión en 3D va a cambiar nuestras vidas”.

TECNOLOGÍA: “Soy un enamorado de la ciencia y la tecnología. Pero no soy un loco de los gadgets. Mi herramienta más tecnológica es mi iPad, lo uso para escuchar música y para leer. Yo creo que ahora mismo es crucial pensar en un modo correcto de consumir, comprando solo lo que realmente necesitas, que sería más o menos la definición contemporánea de la ecología”.

FORMENTERA: “Tengo una casa allí desde hace mucho tiempo. Literalmente me enamoré de esa isla a los 16 años y nunca he dejado de ir desde entonces. Es un sitio que tiene algo mágico, una vibración magnética muy fuerte que la hace única. Yo nunca me voy de vacaciones. Cuando no estoy viajando, me retiro a un sitio en el medio de la nada para dar forma a lo que tengo en mente”.

COCHES ELÉCTRICOS: “Sí, todos esperamos el desarrollo de una red seria de puntos de carga para coches eléctricos. Llevará tiempo porque se trata de algo muy costoso. Es un problema por si la electricidad no es la solución final, aún así es más interesante que los vehículos híbridos que son como una especie de “lavado verde” en vez de una solución real. En particular por el efecto del peso extra. Los modelos de Tesla son la prueba de que la electricidad puede ser más eficiente que el petróleo”.

POSICIONAMIENTO: “El diseño, espero, ha entendido hace tiempo que la ecología no es una opción ni una tendencia, sino una urgencia en la que todos tienen el deber de participar. Los diseñadores no tienen el poder que tienen los ingenieros de encontrar soluciones reales pero pueden ayudar a mostrar un camino y a hacer algo deseable más que útil”.



ECOLOGÍA: “Los problemas medioambientales ya no son algo opcional. Yo siempre he estado preocupado por la ecología. Cuando lancé la casa en forma de kit con la empresa francesa 3 Suisses o con Good Goods un catalogo de “no-productos para no-consumidores del próximo mercado moral” en los noventa, era demasiado pronto porque la gente aún no tenía conciencia ecológica. Las mentalidades cambian lentamente. Pero cambian. Hoy, la ecología debería ser parte real del sistema, no se trata de un concepto efímero o de algún tipo de tendencia. Por ejemplo, la casa P.A.T.H. que he diseñado y en la que vivimos mi familia y yo, no es solamente eso que llaman una casa ecológica, sino una segunda generación de casas ecológicas. No es una manifestación de su arquitectura o de su equipamiento sostenible, esos dos aspectos se encuentran en el corazón mismo de la casa. Hoy en día, no podemos ignorar la sostenibilidad en nuestras reflexiones. Ni tampoco en el diseño y la arquitectura”.

PRODUCCIÓN MASIVA: “Cada vez vamos a ser más y más gente en el mundo, y puede que cada vez tengamos menos y menos dinero… La única solución para nuestro confort básico es la producción masiva. Sólo la fabricación en serie puede elevar la calidad de las cosas y disminuir el precio al mismo tiempo haciendo accesibles las cosas. La artesanía es encantadora. Es más una opción sentimental o política pero no es capaz de generar soluciones para la masa. Y somos una masa. Por eso creé TOG (All Creators Together), una empresa que ofrece lo mejor de la industria, con su alta tecnología y su producción masiva, con lo mejor de la huella personal del hombre, es decir, con la artesanía. Si la industrialización implica uniformidad, ahora la personalización puede reconciliar la fabricación en serie con la singularidad a través de productos como los de esta firma”.

CONFLICTO: “Si el diseñador es lo bastante inteligente como para no caer en modas pasajeras que harán el producto obsoleto culturalmente y si la empresa produce en el modo correcto, con la calidad adecuada, la fabricación en serie puede garantizar una longevidad. Los dos parámetros reales de la ecología son, primero consumir menos, y segundo comprar con la idea de que sea para siempre, con la idea de transmitir y heredar”.
ERRORES Y ACIERTOS: “Estoy muy decepcionado porque como comunista siempre he soñado con ser un diseñador real para el mercado masivo pero al final soy menos de lo que mi filosofía y mi ética habrían deseado. Otra cosa que creo que ha sido un error en mi vida ha sido haber faltado tanto a la escuela, he perdido educación que me podría haber salvado la vida. Por el contrario, una de las cosas de las que estoy más orgulloso es de haber sobrevivido”.

FRANCIA: “Me hace muy feliz oír que pienses que los diseñadores franceses
están a tan alto nivel, no tenía ni idea. Quizá sea porque el mercado francés es el más complejo ya que los franceses son muy críticos, así que a lo mejor los creadores están obligados a ser muy rigurosos con su creatividad y su trabajo”.

COMPRAS: “Nunca voy a una tienda de mobiliario. Pero cuando a veces pasa, encuentro todo muy interesante, incluso lo que podría ser considerado feo. No me gusta el coleccionismo, encuentro que tiene una relación muy fuerte con la muerte. Yo solo compro lo que necesito, de cualquier tipo de empresa y a cualquier tipo de precio. Mis parámetros de compra se basan en identificar el producto apropiado, elaborado con el material correcto y con la calidad adecuada, y hecho con la visión oportuna por gente honesta e inteligente. No puedo comprar algo que me decepcione porque soy muy tiquismiquis y pienso mucho antes de comprar nada. Así que normalmente todo lo que compro me sorprende en sentido positivo. Ahora mismo hay en el mercado productos muy honestos y de alta calidad como las e-bikes de Moustache, los zapatos de Salomon o la Multivan de Volkswagen… y también los productos de Apple”.

DESIGN-ART: “No entiendo las piezas de design-art. Me temo que los diseñadores que hacen arte son gente que no es capaz de diseñar una silla. Y yo lo entiendo, es muy complicado. Me temo que esos diseñadores prefieren embolsarse un millón de dólares vendiendo una silla frente a tener que vender un millón de sillas a 10 dólares cada una, que es mucho más complicado. Si tú tienes una buena idea, tienes el deber moral de compartirla con el máximo de gente. Esa es la base de la elegancia moderna”.



MEDIATIZADO: “Yo soy el ejemplo perfecto de que se puede ser diseñador sin tener influencias de lo que está pasando. Trabajo con cero información sobre mi trabajo y definitivamente no estoy interesado en ello ni en lo que se publica de otros diseñadores, excepto los amigos. Yo creo que además es algo que funciona en cualquier tipo de trabajo. Si tú quieres crear algo fresco y nuevo, tienes que hacerlo temprano por la mañana, solo frente a ti y la sociedad”.  

TENDENCIAS: “Están acabadas, lo cual son buenas noticias. Han sido el siervo vicioso del sobreconsumo, del cinismo, la avidez y el desprecio”.

GRAN PÚBLICO: “Espero que la gente no esté interesada en saber en qué consiste esto del diseño, espero que sean lo suficientemente inteligentes como para sencillamente saber reconocer un producto bueno de uno malo, sin saber nada más”.

CHARLIE HEBDO: “Nadie debería ser obligado a cambiar su forma de pensar a través del terror. Charlie Hebdo siempre ha sido un lugar de libertad. He perdido a mis profesores en esta tragedia. La gente de la extrema derecha son personas que tienen miedo de todo, incluso de ellos mismos, y eso tiene difícil cura”.

Ma Cocotte
Arquitectura Flexible
Ma Cocotte
Ma Cocotte
Arquitectura Flexible
Broom Chair

En las siguientes páginas te mostramos los trabajos más relevantes que nuestro Guest Creative ha sacado al mercado en los últimos años. MA COCOTTE  Segunda colaboración de Starck con los conocidos empresarios del mundo de la restauración parisina Fabienne y Philippe Amzalak. Un restaurante inaugurado en 2012 en el barrio de Saint-Ouen de París. Un enorme y acogedor dúplex con un estilo industrial con fachada de zinc y ladrillo. En su interior hay una mezcla de mobiliario y objetos comprados en mercados de segunda mano. Ma Cocotte tiene una capacidad para 250 comensales. Un lugar que según Starck huye de las modas y que posee una fuerte carga nostálgica.

A/ BROOM CHAIR  Presentada en el Salón
del Mueble de Milán 2012. Es una silla realizada totalmente en materiales reutilizados y reciclables. Por una lado tiene un 75% de desperdicios de polipropileno y por otro un 15% de madera reciclada. Una interesante composición que realza y ennoblece en gran medida al plástico. Proyecto producido por la marca Emeco, una marca de EEUU mundialmente conocida por sus sillas de aluminio.

B/ ARQUITECTURA FLEXIBLE  es uno
de los últimos proyectos que la empresa italiana de cerámica Sant’Agostino ha lanzado al mercado. Starck ha diseñado un sistema modular que va mas allá de las dos dimensiones. Conjuntos de baldosas que integran diferentes alturas y que juegan con diferentes texturas. Superficies que adquieren otro aspecto según el punto de vista.

Bicicleta Pibal
V+ Volteis
Café Stern
Café Stern
Café Stern
Café Stern
CAFÉ STERN  El arquitecto
Dominique Averland ha sido el encargado de la renovación y conversión de Stern, mientras que Philippe Starck ha diseñado los interiores tan especiales de este café ubicado en París. El local perteneció a la famosa casa de impresión y grabado Stern. El trabajo de Starck nos transporta a un misterioso viaje en el tiempo pero añade pequeños toques de humor como los animales disecados con joyas
de su escaparate.

BICICLETA PIBAL  Su nombre significa en español “angula” y hace referencia a la capacidad de movimiento de este híbrido entre patinete y bicicleta. Peugeot y Starck trabajaron en Pibal como nuevo medio de transporte para la ciudad de Burdeos. El resultado es un producto con un resistente cuadro de aluminio, unas ruedas amarillas para darle visibilidad y dos zonas para transportar la carga.

V+ VOLTEIS  Se presentó en el salón de Ginebra de 2012 y es un coche eléctrico para la firma francesa Volteis.  Philippe dice que los automóviles de combustible fósil “Son ruidosos, sucios, anti sociales, masoquistas y sacan lo peor de las personas”. V+ está fabricado en aluminio, no tiene puertas, alcanza una velocidad máxima de 65 kilómetros hora y está pensado para recintos cerrados como hospitales, hoteles, balnearios, etc.

MASTERS CHAIR  Otra de esas geniales ideas de Starck, el mezclar tres sillas iconos en una. La forma final sale de la fusión de la Tulip de Eero Saarinen, la Eiffel de los Eames y de la 7 series de Arne Jacobsen.

Masters Chair
Le Nuage
Le Nuage
Le Nuage
Le Nuage
P.A.T.H.
P.A.T.H.
P.A.T.H.
Chapo
LE NUAGE,  o La Nube en español, es
un edificio ubicado en Montpellier y proyectado por Starck en su faceta como arquitecto. Con un presupuesto de 10 millones de euros, el proyecto se finalizó en el 2014.  Es un nuevo concepto de club deportivo, con una estructura a modo de burbuja creada con ETFE, un material alternativo al vidrio con extraordinarias propiedades térmicas, acústicas y de bajo coste. Tiene cuatro plantas y un tamaño total de 3000 m2. El concepto de su estructura se ha utilizado en otros proyectos como en el estadio Allianz Arena de Munich, pero nunca antes en Francia.

A/ CHAPO  Es una simpática lámpara diseñada para Flos. Consiste en una estructura a la que se le puede dejar un sombrero para que haga de tulipa.

B/ P.A.T.H.  Uno de los proyectos más recientes de nuestro Guest Creative.
Se trata de un sistema de casas prefabricadas que incorporan un modo de producción energética, en algunos casos incluso un 50% más de energía de la que necesitas. Este revolucionario proyecto lleva pocos meses en el mercado y es una colaboración entre la empresa Riko, especializada en casas prefabricadas, y Starck.  Casas con sistemas de producción energética solar, térmica, eólica y fotovoltaica. Precios que van desde 2.500 euros el metro cuadrado. A partir de la fecha de pedido se tarda unos 6 meses en fabricarla y otros 3 en el montaje.  Un tiempo récord si lo comparamos con los tiempos de construcción de cualquier vivienda tradicional. El cliente puede elegir entre 34 planos diferentes de plantas y medidas que van de 140m2 hasta 350 m2. Merece la pena echar un vistazo a su web www.starckwithriko.com
TEXTO: MONGÓMERI
Moto Aprilia de Starck
Botas Trekking Salomon
Zapatos Cole Haan
Avión Pilatus PC12
Total Look James Perse
Levi’s 501
Al hombre que lo ha diseñado todo, desde mobiliario, vehículos, ropa, complementos, envases… todo, siempre he querido preguntarle: Si pudiera rediseñarse a sí mismo, ¿qué se haría?: “Quitarme 15 kilos”, responde el gran Philippe Starck a sus 66 años. Y la verdad es que este hombre gana con los años, siempre fiel a su estilo, que él mismo define como “entre camionero y motero”. De hecho, nos comenta que, entre los diseños que llevan su firma, los que más ha usado, aparte de los auriculares Zik que diseñó para Parrot, son sus motos, tanto el modelo que hizo para la marca Aprilia, como el de Voxan. Un look de motero que complementa con  su habitual suéter de cashmere diseñado por él para Ballantyne, su cazadora de motero, sus gafas Starck, su viejo reloj Starck, cualquiera de su docena de cascos o sus miles de guantes, y, por supuesto, sus Levi’s 501 grises y rectos (esto no los ha diseñado él, que conste). Sorprende el número de guantes que dice tener P.S., aunque después de décadas cuestionando sobre temas de estilo, he observado que con los años la gente se desprende del textil, reduciéndolo a un uniforme de básicos cualitativos, mientras que invierten más en complementos. En el caso de P.S., guantes y cascos, más alguna prenda de la marca estadounidense James Perse. “Solo uso lo que necesito, siempre tiendo al mínimo, y únicamente productos inteligentes y de calidad. Alguna vez encuentro esas características en mis creaciones, otras las encuentro en algo que ya está hecho, y también puede ser que a pesar de que esté ya hecho, lo transforme”. Otro síntoma importante de madurez es el calzado. Entre las piezas más queridas de su armario, y confiesa que es escueto, P.S. destaca sus zapatos de montaña para trekking de la marca francesa Salomon. También le gustan los zapatos de Cole Haan. Y por último, la sabiduría que dan los años también se manifiesta en los límites que ponemos. Por ejemplo, P.S. utiliza la bicicleta eléctrica para desplazamientos de hasta 30 kilómetros, y cualquiera de sus motos para distancias entre 30 y 150 kilómetros. Más allá de 150 kilómetros, una avión Pilatus PC12, nunca coches. Y no tiene móvil, como lo oyes.

Plato Restaurante
Racines 1

Vino Morgon de Lapierre
+ Champagne Cuvrée Brut
Nature 2006 de Starck
& Louis Rogederer

Cuestionario Gastronómico

Vino: Morgon de Lapierre,
sin sulfitos añadidos.
Champagne: Cuvrée Brut Nature 2006, creado por Starck
con Louis Rogederer.
Agua: Siempre embotellada.
Cerveza: Starck Beer (se
pondrá a la venta en breve).
Cocktail Starck: Brut champagne con unas gotas de zumo fresco de
jengibre, una hoja de menta
y unas gotas de maracuyá.
Restaurantes: (1) Da Romano en Burano, comida tradicional italiana;
(2) Café Stern en París, propiedad de sus amigos los hermanos Alajmo; (3) Racines 1 & 2, en París, propiedad de David Lanher, promotor del movimiento de los vinos sin sulfitos añadidos y los alimentos con denominación de origen.

Laurie Anderson
Brian Eno
Lou Reed
TEXTO: TEREVISIÓN RUIZ
Perfume Genius
Foto: Luke Gilford

“Vivo con sonido. Vivo con música. Escucho música desde que me levanto. Creo con música”. Así de tajante es Philippe Starck cuando le preguntamos si escucha música a menudo. Nos cuenta que tiene todavía cientos de vinilos, que su mujer compra música digital y que sus amigos le siguen regalando cedés, y afirma también que el iPad y el iPod le han hecho la vida más fácil y ligera. El último disco que ha comprado ha sido “Too Bright” de Perfume Genius. De hecho nombra a este artista entre sus favoritos en este momento. Este álbum es el tercero en la meteórica carrera de Mike Hadreas, aka Perfume Genius, un estadounidense de origen griego que utiliza como principales instrumentos su voz y el piano. Una de las canciones preferidas de Philippe Starck es “Awol Marine”, que Perfume Genius dedica a un hombre que hace pelis porno para ayudar a su mujer, que necesita tratamiento médico. Le preguntamos también a Philippe si suele ir a conciertos, aunque sabiendo lo apretada que tiene su agenda, la respuesta es previsible: “Un buen concierto puede ser un sitio fantástico para la imaginación y la creatividad. Desgraciadamente ya no tengo tiempo de ir a conciertos”. Además de Perfume Genius, cuando le preguntamos por sus artistas favoritos nombra a tres pesos pesados de la música contemporánea: Brian Eno, Laurie Anderson y Lou Reed. A este último tuvo la oportunidad de conocerle en persona y le adora. También tiene un recuerdo muy especial de Laurie Anderson porque fue ella quien hizo la música para su exposición en el Centro Georges Pompidou de París en 2003. No sabe tocar ningún instrumento musical, pero le gustaría ser capaz de componer música y cantar, la voz humana es su instrumento favorito. Para terminar le pedimos alguna recomendación musical y nos habla de Ara, su hija, que ha hecho ya sus pinitos en el mundo de la música, de hecho tuvo un dúo llamado The Two con David Jarre (hijo de Jean-Michel Jarre y Charlotte Rampling).
Vulnicura
Madonna, Björk, Adele y Giorgio Moroder. Los cuatro publican disco por estas fechas, así que aprovechamos la coyuntura, y para seguir indagando en los gustos musicales de Philippe Starck le preguntamos cuál de estos nuevos trabajos le apetece más escuchar. El elegido es el nuevo álbum de BJÖRK La artista islandesa es noticia por partida doble, porque además de publicar nuevo trabajo, Vulnicura (One Little Indian), el MoMa neoyorquino le dedica ahora una gran retrospectiva que supone un recorrido por su vida artística, donde, además de estar presentes todos sus discos publicados hasta la fecha, desde Debut (1993) hasta Biophilia (2011), podrán verse sus películas, videoclips, instrumentos, vestidos y otros objetos de la artista. También habrá espacio para las numerosas colaboraciones de Björk con directores de cine, fotógrafos, diseñadores de moda y todo tipo de artistas a lo largo de los años. Además se presentará un film inédito rodado durante dos semanas en Islandia dirigido por Andrew Thomas Huang. La exposición puede verse en el MoMa desde el 8 de marzo al 7 de junio. En cuanto a su nuevo disco, ya es vox populi que es el disco más personal y desgarrador de Björk, escrito tras su ruptura con el que ha sido su pareja durante más de una década, el artista Matthew Barney. Un disco donde Björk se desnuda totalmente para mostrar su lado más humano y vulnerable. De hecho, todas las canciones hablan de su separación amorosa desde principio a fin, y hasta en orden cronológico, desde que las cosas empiezan a ir mal, pasando por la dolorosa ruptura, hasta empezar a ver la luz al final del túnel. En una reciente entrevista para Pitchfork Björk reconocía que el disco es como “un diario íntimo”, algo que no tenía previsto, pero que no ha podido evitar que sucediera. En Vulnicura han colaborado Arca y The Haxan Cloak , en la producción, y también Antony Hegarty, cuya voz podemos escuchar en “Atom Dance”. De momento Björk no tiene todavía fechas confirmadas en nuestro país.
Björk, The Face, 1993
Foto: Glen Luchford

Björk, fotograma de
“Mutual Core”, 2012. Dirigido
por Andrew Thomas Huang.
Imagen cortesía de Wellhart Ltd
& One Little Indian

Björk, fotograma de ‘Pagan Poetry’
dirigido por Nick Knight, 1993.
Cortesía de Wellhart Ltd &
One Little Indian.


TEXTO: MARIANO MAYER
Philippe Starck confiesa que nunca visita exposiciones y por lo tanto no forman parte de sus recorridos culturales habituales. El motivo no es la desconfianza o la sospecha del arte “sino del mercado que lo sustenta”. Siendo así, se entiende que su interés se aloje en el vídeo y en los films que puede ver desde su estudio, y que una de sus artistas de cabecera sea

SHIRIN NESHAT  Después de más de una década fuera de su país, la artista nacida en Qazvin, Irán, en 1957, al visitar su lugar de nacimiento se topó con un país absolutamente desconocido. Una y otra vez en su trabajo regresa a esa zona de impacto, o mejor dicho, de redescubrimiento. A través de las herramientas que ofrece el arte, Shirin Neshat ahonda e investiga las cuestiones  más complejas que conforman la idiosincrasia del mundo islámico. Reflexionar sobre el papel que tiene la mujer musulmana en su país de origen es una de tales cuestiones. A través de fotografías, vídeos instalaciones y films Shirin Neshat logra ofrecer una visión muy distinta. Lejos de retratar a las mujeres musulmanas como seres pasivos, la artista nos enfrenta a mujeres que no quieren ser vistas como víctimas y que no se comportan como tales. Sus fotografías denuncian, con una dirección que tiene mucho de la confrontación del fotoperiodismo, pero atravesado por instancias sumamente poéticas, la uniformidad que la mirada colonialista proyecta sobre la cultura musulmana. En sus fotografías, las zonas del cuerpo de mujeres que no son cubiertas por el chador, son utilizadas como superficies de escritura. Las grafías persas con las que cubre rostros, manos y pies son fragmentos de textos realizados por diversas escritoras iraníes, en los que se tratan temas como el sexo, el deseo o la vergüenza. Exponer la segregación en las sociedades musulmanas y el confinamiento del deseo en la esfera privada no le impidió profundizar en su interés por descubrir otros modos de activar los componentes espirituales de su cultura. En sus vídeos y films los rituales, los bailes ancestrales y los movimientos ceremoniales religiosos se adecuan para narrar sucesos políticos y sociales. “Mi trabajo es una forma de diálogo entre mis mundos interiores y exteriores”, explica la artista, “mundos que formulan preguntas que son fundamentalmente existenciales. Así que el trabajo, ya sea en forma de fotografía o vídeo, siempre navega entre dilemas profundamente personales y sociales, para ninguno de los cuales tengo respuestas. Solo un montón de preguntas”. Vinculada a dos orígenes culturales, Shirin Neshat mantiene un debate abierto en torno a los modos de construir una identidad y a las formas de representarla.

Women in a line, 1999
Cortesía de Filomena Soares

Rapture Series
Cortesía de Filomena Soares
Zarin Series, 2005
Cortesía de Filomena Soares
Malik, Zarin Series, 2005
Cortesía de Filomena Soares



I m a g e n :  M a r k u s  R i c o  +  I p s u m   P l a n e t
D i s e ñ o  &  P u b l i c i d a d 
w w w . i p s u m p l a n e t . c o m 


TEXTO: BRENDA ROBERTS COSTA

The Great Pretenders: “Los once temas que conforman este disco están marcados por inquietudes existenciales basadas en la incertidumbre que sentimos hacia lo que nos depara el futuro. El disco se consolidó prácticamente por sí solo, como si de un puzle se tratase. Pretendemos lanzar los temas restantes como caras B”. Directo: “Nos encanta la acogida que está teniendo el disco. El saber que la gente viene a nuestros conciertos dispuesta a ver algo nuevo no solo nos enorgullece sino que nos transmite mucha energía. Esto es lo que nos mantiene en movimiento. Además hemos tenido la suerte de tocar en conciertos con Arctic Monkeys y Royal Blood que cuentan con unos seguidores espectaculares, de mente abierta y muy receptivos a nuestra música”. Colaboraciones: “Surgieron de forma espontánea y estamos muy agradecidos que tanto Alex (Arctic Monkeys) como Brian (Beach Boys) pudiesen colaborar y aportar su creatividad”. BSO: “El cine ha sido una gran fuente de inspiración para nosotros y llevamos tiempo queriendo adentrarnos en el mundo cinematográfico. La idea de poder pintar o crear una imagen con música forma parte del concepto inicial de ‘The Great Pretenders’”. Productor: “Lo importante es saber dejarnos hacer lo nuestro y a su vez, saber cuando involucrarse. En este aspecto, T Bone Burnett ha sido un gran defensor de nuestra necesidad como artistas de mantener total control creativo y le tenemos un enorme respeto por ello”. Indie Synth Pop: “No nos sentimos identificados con ninguno de esos géneros. Synth Pop es un género que actualmente está de moda tras haberse infiltrado en el mundo pop actual, pero no nos sentimos suscritos a él a pesar de que nuestro single ‘Death Is A Girl’ denote este estilo. Pop-Progresista nos parece un término algo más favorecedor, aunque al igual que con el término indie, denota más bien una escena musical y no la música en sí. No nos consideramos adeptos a ningún género. Nos interesa crear música moderna e innovadora”. Amistad: “Somos amigos desde la infancia y eso nos ayuda a mantener el ego a raya. Nos exigimos mucho mutuamente pero no nos preocupa eclipsarnos sobre el escenario. Queremos que todo el mundo disfrute al máximo y nos interesa aprovechar cada concierto todo lo posible, ya que eso es lo que acaba siendo la parte divertida de todo esto”. España: “Nos encanta España y ansiamos el momento de hacer una gira allí. Esperemos que sea pronto”.   

“The Great Pretenders” está editado por Electromagnetic Recordings / Capitol Records y distribuido por Music As Usual.
 

TEXTO: MARÍA LÓPEZ FONTANALS  FOTOS: TAKUMI OTA
Presentación: “Mi nombre es Niek Pulles, tengo 28 años, nací en Arnhem. Soy hijo de Marion y Rob, y en total somos 5 hermanos”. Inicios: “En 2009 me gradué en la Design Academy de Eindhoven en la especialidad de ‘Hombre e identidad’. En 2010 puse en marcha mi estudio Heyniek. Hace un año me ins-talé en Amsterdam”. Identidades: “Cuando hablo de identidad puedo referirme a muchas cosas: el cuerpo humano, culturas, la manera en cómo alguien se viste, los coches, el caos y desorden que vamos dejando atrás, la naturaleza, las calles... Así que literalmente mi inspiración puede empezar en cualquier lado, aunque suelo centrarme en el cuerpo humano”. Proceso: “La mayoría de las veces empiezo con una idea o concepto en bruto, y a partir de ahí voy eligiendo los materiales con los que trabajar. A través de mucha experimentación y utilizando un mismo material de muchas maneras diferentes te das cuenta de las nuevas vías que desarrollas para usarlo o rediseñarlo. Sería algo así como hacer bocetos con materiales”. Fronteras: “Podríamos decir que el núcleo de mi trabajo consiste en desdibujar las fronteras entre producto, dise-ño y moda, al tiempo que investigo las inter-acciones entre el cuerpo y los materiales. La infancia, los arquetipos y las formas primitivas junto con el uso de la técnica definirían mi impronta creativa. Aunque si lo que buscas es darle un nombre, prefiero definirme como un investigador y diseñador visual que aborda nuevos procesos de una manera poco ortodoxa. Y siempre buscando el efecto de atmósferas surrealistas e ilusiones ópticas”. FoamBoys: “Este proyecto lo inicié en 2011 para FashionClash, como un proyecto de no-moda para pasarela. Me pidieron que como diseñador industrial creara un proyecto para un evento de moda. Usé restos de materiales de otro de mis proyectos, incrustándolos en el cuerpo y obteniendo un efecto muy especial. Después, TEDx Amsterdam me pidió que pensara una idea para la after party de su evento en Amsterdam y es así como los FoamBoys se transformaron en performers reales. De aquí fueron a la expo arrrgh! Mons-tres de Mode en la Gaité Lyrique de París y ahí fue cuando un comprador de arte de Comme des Garçons descubrió mi trabajo y me encargó 19 FoamBoys para sus tiendas insignia. Un sueño hecho realidad”. Futuro: “Estoy trabajando en un proyecto genial para Danish, donde interpreto 10 iconos del dise-ño danés como por ejemplo la silla de Arne Jacobsen. Se presentará a finales de mayo en Copenhague en 3 Days of Design. Además doy clases en la Design Academy. El 2015 va a ser emocionante”.  

www.heyniek.com
Location: Taíde, Póvoa de Lanhoso, Portugal
Arcuitects: Rui Vieira Oliveira and Vasco Manuel Fernandes
(Vasco Fernandes Arquitectura e construção)
Project: 2008 Construction: 2014 Surface area: 200 m2
Construction: Vasco Fernandes Arquitectura e construção
Photos: www.ultimasreportagens.com
Model: Ana Oliveira
Location: Taíde, Póvoa de Lanhoso, Portugal
Arcuitects: Rui Vieira Oliveira and Vasco Manuel Fernandes
(Vasco Fernandes Arquitectura e construção)
Project: 2008 Construction: 2014 Surface area: 200 m2
Construction: Vasco Fernandes Arquitectura e construção
Photos: www.ultimasreportagens.com
Model: Ana Oliveira
Location: Taíde, Póvoa de Lanhoso, Portugal
Arcuitects: Rui Vieira Oliveira and Vasco Manuel Fernandes
(Vasco Fernandes Arquitectura e construção)
Project: 2008 Construction: 2014 Surface area: 200 m2
Construction: Vasco Fernandes Arquitectura e construção
Photos: www.ultimasreportagens.com
Model: Ana Oliveira
TEXTO: CARMEN COCINA  FOTOS: FERNANDO GUERRA FG + SG
Taíde es un pequeño pueblo de la región de Póvoa de Lanhoso, al norte de Portugal. Es, también, el resultado de la remodelación que el dúo formado por Rui Vieira Oliveira y Vasco Manuel Fernandes ha llevado a cabo en una vieja casa de campo lugareña, construida originariamente hace 74 años. Un proyecto basado en una directriz, la simplicidad estética y funcional, con varios imperativos guía: maximizar el espacio, integrar el edificio en su bucólico entorno y dinamizar su estructura y aspecto sin quebrantar su legado histórico. Un reto para el que su entorno natural abría un sendero de posibilidades: “Los estímulos del terreno han sido determinantes. La estrechez de las calles y la proximidad de las casas aledañas, con su tejado inclinado, nos hicieron plantearnos la casa como un espacio prácticamente público, como un anfiteatro expuesto a los ojos de los curiosos”, relata Oliveira. Los arquitectos han tomado el techo como elemento protagonista de la reestructuración, ampliándolo hasta hacerlo sobresalir de la planta inferior, que queda parcialmente envuelta proporcionando mayor espacio en ambos niveles.
El nuevo diseño ha añadido sesenta metros cuadrados a la casa original, cuyos deteriorados tabiques de madera fueron demolidos. En honor a su memoria ancestral se han conservado, por el contrario, los muros de granito de la planta baja, reacondicionada como el área social manteniendo la cuadratura de la planta y organizando los espacios de forma libre. La entrada, en la parte posterior de la casa, da paso a un salón y comedor abiertos y cocina francesa, flanqueados a su vez por una cristalera de seis metros de ancho que desemboca en la terraza de loza blanca, a juego con la fachada. La planta superior, de techos altos, se ha destinado a dos dormitorios con balcones y a los baños de suelo de pino. El exterior se compartimenta en las áreas de recreo y las de trabajo, a mayor disfrute del paisaje. La construcción se adhiere al tradicional sistema de vigas y travesaños, con el sistema ETICS como aislamiento térmico en pos de la eficiencia energética. 

www.ruivieiraoliveira.com



Localidad: Taíde, Póvoa de Lanhoso, Portugal.
Arquitectos: Rui Vieira Oliveira y  Vasco Manuel Fernandes.
(Vasco Fernandes Arquitectura e construção).
Proyecto: 2008.
Construcción: 2014.
Superficie: 200 m2.
Constructor: Vasco Fernandes Arquitectura e construção.
Fotos: www.ultimasreportagens.com
Modelo:Ana Oliveira 
Localidad: Taíde, Póvoa de Lanhoso, Portugal.
Arquitectos: Rui Vieira Oliveira y  Vasco Manuel Fernandes.
(Vasco Fernandes Arquitectura e construção).
Proyecto: 2008.
Construcción: 2014.
Superficie: 200 m2.
Constructor: Vasco Fernandes Arquitectura e construção.
Fotos: www.ultimasreportagens.com
Modelo:Ana Oliveira
Localidad: Taíde, Póvoa de Lanhoso, Portugal.
Arquitectos: Rui Vieira Oliveira y  Vasco Manuel Fernandes.
(Vasco Fernandes Arquitectura e construção).
Proyecto: 2008.
Construcción: 2014.
Superficie: 200 m2.
Constructor: Vasco Fernandes Arquitectura e construção.
Fotos: www.ultimasreportagens.com
Modelo:Ana Oliveira
TEXTO: CARMEN COCINA
El hombre detrás de P E B se llama Massimiliano Poggiolini. Un nombre tan polisílabo como rabiosamente italiano, que, en mi reducida familiaridad con el idioma me hace evocar la fastuosidad de “La Dolce Vita”, la sensualidad bella donna de Dolce&Gabanna y caballeros trajeados e impecablemente afeitados, con zapatos caros y cabello engominado. P E B, sin embargo, es bastante distinta a todo esto. Si bien el Oxford evidencia su imperativo de adherirse a la calidad luxury asociada a la moda de su país, el director creativo la declina en clave sport en prendas ergonómicas, funcionales y a prueba de inclemencias climáticas en un armonioso patchwork de tejidos antitranspirantes, impermeables y térmicamente adaptables sobre una base neutra de blancos, grises y negros que rinde pleitesía al amarillo para saludar con energía al verano. Punto: “Antes de lanzar P E B tenía una pequeña tienda de ropa, y no tardé en darme cuenta de que me sentía más atraído por el ‘producto’ que por las ventas. Me encantaba pasar horas en el taller observando el trabajo de los sastres. En 2008 mi socio y yo decidimos crear nuestra propia marca. P E B es el acrónimo de Punto E Basta: prendas innovadoras y al mismo tiempo funcionales, fáciles de llevar”. Underground: “Me inspira lo que veo cada día, en la vida y en la calle. Siempre intento capturar el detalle más preciado, incluso en las cosas más vulgares. Me fascinan los ba-rrios bajos, su estilo de vida y su música”. SS 2015: “El punto de partida es el jogging. La mayor parte de los materiales y técnicas vie-nen de ahí. Decidí utilizar sólo negro, blanco y gris porque quería una colección neutra, que no alejara la atención de los tejidos y la manufactura”. Made in Italy: “El hombre estándar de mi país dedica una gran atención a la moda. La conexión de P E B con él es el minimalismo. Me atrae todo lo que puede calificarse como ‘técnico’ y la funcionalidad característica de la moda sport, pero para mí es necesario que las prendas sean de calidad. En ese sentido P E B es 100% italiana. Otra cosa muy diferente es el negocio. Desarrollar un proyecto firme en mi país es muy complicado, y más en estos momentos”. Graffiti: “En línea con mi pasión por la cultura urbana, mi principal influencia es el graffiti, especialmente el de los pioneros de los años 70 y 80”.

www.pebclothing.com

TEXTO: SPAM PROJECT
Su trabajo ha sido mostrado en todo el mundo: el Centro Pompidou, la Tate Britain, el Museum of Modern Art, el festival Sonar, etc. Sodeoka creó en 2003 su propio sello de video experimental, Undervolt & Co. Estudios: “De pequeño estudié dibujo, pintura y música en mi país natal, Japón. Luego impartí clases de animación y diseño gráfico en el Instituto Pratt en Nueva York. Llevo aquí mas de veinte años y, aunque a veces eche de menos mi país, éste es como mi segundo hogar”. Música: “Cuando era adolescente mi tutor de arte era un gran aficionado a la música. Tenía guitarras y teclados con los que poder practicar, además, mi hermana mayor es músico. Después, en el instituto, estuve tocando con bandas de hardcore punk. En aquel tiempo empleaba mas tiempo tocando que pintando. Es ahí donde comenzó la idea de experimentar con música y arte. Actualmente no toco en directo, ya no me gusta la idea de ser el centro de atención”. Inspiracion: “Todo lo que me rodea”. Herramientas: “Para mí son un medio para expresar mis ideas. No me gusta apegarme sólo a una, ya pueda ser Glitch o cualquier otra. Las ideas son más importantes que la técnica. He estado constantemente aprendiendo nuevas herramientas, veo muchos tutoriales en Youtube. Creo que es muy importante ser curioso el mayor tiempo posible”. Material: “Con el tiempo he aprendido a ser  bueno en buscar material visual a través de diferentes fuentes. Me interesa mas la idea del collage y de la mezcla que de grabar gran cantidad de video con cámaras caras. El material barato que encuentro es esencial en mi trabajo”. Metodología: “Intento no hacer distinciones entre proceso analógico y digital. Hoy en día no tiene mucho sentido.  Mezclo todo el material que dispongo sin mirar su procedencia y, a partir de ahí, obtengo una única obra final”. Undervolt: “En el pasado lanzaba mis  propias piezas audiovisuales  en DVD con diferentes editores y casas discográficas. El problema era que en estos tiempos nadie está interesado en publicar DVD. Así que comencé mi propia marca para sacar mis propios trabajos. Con el tiempo, algunos amigos cercanos se unieron al sello”. Proyectos: “Actualmente estoy trabajando en un nuevo video para Undervolt & Co. Además, tengo algunos proyectos de música experimental  para distintas bandas europeas”.

www.sodeoka.com
www.spamproject.net
TEXTO: MONGÓMERI
Enfocada principalmente en los creadores vascos, Hebe nace en Bilbao como una plataforma global de talento creativo en moda. Desde su nacimiento en marzo de 2014, han organizado mercados de jóvenes diseñadores bajo el nombre de Oh My Market, jornadas de networking bajo el concepto DCC (Diseñar, Crear y Comunicar)… Tienen previstos workshops creativos en museos de Euskadi, y el Primer Premio Nacional Junior Empresa. Lo más inminente es su próxima exposición en la sala La Ribera Bilbao. Un espacio multidisplinar junto a la ría bilbaína, acostumbrado a unir gastronomía y cultura. En esta ocasión albergará 5 instalaciones, cada una protagonizada por una joven firma de moda vasca: Antxia, Atakontu, Comme des Machines, Ifeelnut y Manderlay. Una iniciativa que desde luego cuenta con todo el apoyo de Neo2.

www.wearehebe.com


TEXTO: MONGÓMERI
Background: “Tengo 26 años y desde muy joven he estado interesado en la moda y la ropa. Para una persona creativa es un campo inmensamente atractivo. Desde su enfoque cíclico a las tendencias, hasta las infinitas posibilidades cromáticas, texturas, patro-nes, conceptos o incluso el ritmo rápido de creación, todo  en la moda me atrae. Así que cuando terminé mis estudios de diseño en Esad (Porto), empecé a bocetar la idea de crear una marca, y Atelier-Ctrl es el resultado”. Nombre: “Es un resumen de nuestro concepto de marca. Por un lado, la artesanía tradicional con un enfoque futurista, y de ahí ‘Atelier’. Y por otro, ‘Ctrl’, que es una referencia simbólica a nuestros visuales, enfocados sobre todo en la estética post-internet y neonoir-scifi. También es un código semántico, control, Ctrl, Creating Crippled Thoughts of a Repressed Life”. Influencias: “La música siempre está conmigo mientras trabajo. Así que, aunque no sea intencionadamente, tiene un gran impacto en los dise-ños. En mi  playlist hay mucho Sakamoto. El cine es un auténtico Hipocrene para mí. Veo mucho neo-noir y sci-fi. Y las influencias más directas suelen pasar mientras diseño camisetas. La pasada temporada Gustave Doré fue mi maestro platónico”. Colecciones: “Están siempre dentro de un manifiesto, literalmente, y se exteriorizan como una ilustración. Por eso, cada colección tiene textos filosóficos, música y pinturas originales que la apoyan creando un contexto para cada propuesta. La mezcla entre moda, filosofía y arte juega un papel importante en Atelier-Ctrl”. Producción: “Todo está hecho en el taller. Para la colección otoño invierno 2015-16, Eminence, nos centramos en materiales que ensalzasen los volúmenes como la lana burel o mezclas de PVC. Una trench puede costar unos 800 euros, un suéter de lana unos 350 y 250 unos jeans. Principalmente vendemos online, y ahora hemos empezado a trabajar con tiendas como Temporary Showroom en Berlín”. Internet: “Crear la web fue nuestra principal prioridad. Es nuestro principal escaparate como marca nueva. Es como una ventana a la intimidad del atelier donde mostramos vídeos. Ahora también estamos muy volcados en la redes sociales ya que son muy eficaces para estar en contacto diario con nuestros seguidores”.  

www.atelier-ctrl.com


Democracia www.democracia.com.es
han optado por una cartelería
en euskera en la que reflexionan
y reivindican la lucha más
allá de su resultado.
Jon Irigoyen  www.jonirigoyen.com revisa su propia
memoria histórica y la de su generación en una acción
en la que ofrece su propio cuerpo como territorio político.
Santiago Morilla  
www.santiagomorilla.com
peina y rastrea la arena
de la vizcaína playa
de Sopelana.
TEXTO: JORDI PALLARÈS
La necesidad de reflexionar sobre la finitud, la efimeridad y sobre nuestra propia resistencia e incapacidad emocional, social y política por procesar, evaluar y pasar página a aquello que termina y/o debe terminar, es la consigna prioritaria de un complejo proyecto como FINAL. Cada uno de los artistas seleccionados interviene el espacio público de Bilbao a la vez que genera toda una documentación para el espacio SC Gallery+Art Management de esta misma ciudad www.scgallery.es. Como comisario del proyecto, Jordi Pallarès www.jordip.com ha contado con la complicidad del galerista Sergio García, la colaboración del diseñador industrial Cristian Montesinos, y la extraordinaria participación de artistas como Democracia, Grip Face, Jon Irigoyen, Santiago Morilla, SEPA, Javier Siquier y SpY. Democracia (B) han optado por una cartelería en euskera en la que reflexionan y reivindican la lucha más allá de su resultado. Un elogio a la desesperación escrito en blanco sobre negro en un contexto y en un momento necesarios. La gráfica del mallorquín Grip Face gripface.tumblr.com apunta y dirige la mirada del espectador hacia un agujero. Un proyecto narrativo sin contemplaciones en el que una mano obliga y desea meter el dedo en lo que más duele. Bilbaíno afincado en Helsinki, Jon Irigoyen (A) www.jonirigoyen.com revisa su propia memoria histórica y la de su generación en una acción en la que ofrece su propio cuerpo como territorio político. Cicatríz supone un tatuaje sin tinta, una autolaceración que se convierte en stencil para ser reproducido por las calles de su Bilbao natal. Santiago Morilla (C) www.santiagomorilla.com peina y rastrea la arena de la vizcaína playa de Sopelana. La reproducción a escala de un símbolo infinito conecta nuestros atajos digitales más inmediatos con lo más ancestral e identitario del lugar. Una estrella de cuatro puntas que se erige efímera para reflexionar sobre el origen y la finitud de las cosas. Desde el continente americano, SEPA sepausted.tumblr.com sigue trabajando desde lo anónimo y popular mediante un generoso haiku que algunos bilbaínos recibirán al azar en sus casas. Una reflexión sobre el miedo y la ignorancia en lo que afirmamos y negamos. Como autor de la gráfica de FINAL., Javier Siquier www.javiersiquier.com se plantea intervenir lugares y espacios cercanos a la galería. Se trata de desconcertantes formas surgidas de juegos tipográficos como guiños señaléticos al proyecto. Finalmente, SpY spy-urbanart.com utiliza imágenes y objetos que el espectador reconoce y hace suyos. Un proyecto participativo que confronta con el ciudadano de a pie y que provoca reflexiones inmediatas acerca de cómo deconstruir una realidad que no siempre asumimos. 

FINAL.Un proyecto colectivo de Jordi Pallarès sobre las cosas que terminan.
SC Gallery. Bilbao. Desde el 13 de marzo de 2015.


TEXTO: HUGO GAÑÁN
Hölograma: “Surge en 2011 como un proyecto instrumental influenciado por los ragas hindúes y el krautrock de los 70. En lugar de sintetizadores, empleaba un teclado Casio que usaba de crío. Para llegar a ‘Waves’ el camino ha sido bastante abierto, hasta que me planteé llevarlo al directo. Las canciones eran largas y quería incluir voces: ese fue el experimento”. Waves: “Quería hacer más comestible la música que me gusta y encajar-la entre los ruidos espaciales y las melodías bonitas. Que llegase a los que conocen el género y a los que no. El disco lo grabé en casa de manera muy intuitiva, todo fue muy rápido e improvisado, para aprovechar la frescura del momento”. “Pink Sky”: “En esta canción colabora Carlos Alcántara. Siempre me ha gustado meter guitarras. Se hizo pensando en la música dub, que adoro”. El loop: “Empezó como un recurso. Soy batería y enfrentarme a melodías era un poco complicado. Cuando surgió Holögrama, escuchaba mantras hindúes y lo vi como algo bonito e hipnótico. Los uso para entrar más en la música y para que la gente también lo haga”. Krautpop: “A mí me gustan las etiquetas, soy muy tiquismiquis con eso. Siempre digo que es kraut pop psicodélico o pop del espacio. Otras veces digo que hago electrónica rara”. Neopsicodelia: “Hay un montón de grupos de ahora que me gustan. Somos fans de Moon Duo. Ripley Johnson y Sanae Yamada: la ausencia de bajos y lo que hacen para que las canciones no peguen el bajón en los solos. Jupiter Lion, GAF, Atomizador, Cheval Sombre, Panda Bear, Amen Dunes, Christian Bland, Black Angels, Atlas Sound, Deerhun-ter…” Vinilo: “Fue un golpe de suerte: se me ocurrió escribir a Trouble In Mind y salió bien la cosa. Editan todo en vinilo o cassette. Está bastante guay tener una edición física de un disco. Es como si te llevaras un pedacito de la banda a casa”. Directo: “El ambiente se mantiene fiel al disco, un poco más duro, pero la parte lisérgica no la perdemos. Todo bien aderezado de reverb y delay”. 

“Waves” está editado por Familia Palmer
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Texto: TACHY MORA Fotos retratos: ANDONI BERISTAIN, LARA ARGUEDAS y BERNAT PÉREZ de TUDELA
CRISTIAN ZUZUNAGA hace siete años que pasó de dedicarse a la tipografía a montar su propia marca de accesorios textiles. “El detalle en un diseño es aquello que nos indica que su autor está despierto y sigue buscando elementos diferenciales en su trabajo”, apunta. “Yo trabajé la tipografía como se hacía antiguamente, de manera analógica: con letras y palabras reales, de plomo o madera. Estas tienen peso y volumen, son modulares y autónomas, no digitales e intangibles. Fue a través de la tipografía que entendí el valor del detalle”. En este sentido uno de sus proyectos más destacados es la colección de cortinas Skyline que ha desarrollado para Kvadrat. “En ellas el detalle radica en la capacidad de trabajar el color y la distancia entre hilos para que confunda nuestro sentido de la vista. Los colores aparecen con brillo y no se entiende muy bien cómo se ha producido. Desde la distancia parece que sea algo impreso pero cuando te vas acercando te das cuenta que son hilos tramados de manera fácil y elegante. Es precisamente la distancia entre ellos lo que hace que nuestros sentidos se confundan positivamente”, explica. Entre sus referentes en el mundo del diseño y la arquitectura está el Modernismo. “Los modernistas querían obviar los detalles barrocos que no aportaban nada. Consiguieron diseños esenciales pero aun así tenían detalles que les ayudaban a complementar sus obras”, cuenta. También el uso del color y la forma en las escuelas Bauhaus & De Stijl, que fue lo que hizo de sus detalles un éxito, como por ejemplo la silla de Rietveld, “con sus líneas tan marcadas y esenciales sin los colores rojo y amarillo perdería potencia”. Destaca asimismo el mármol utilizado en el pabellón de Barcelona por Mies van der Rohe “que es lo que nos acerca a la naturaleza. Sin la textura, color y forma del mármol, el pabellón sería frío y deshumanizante”. Recomienda la intencionalidad y sorpresa que imprime Hella Jongerius a sus diseños así como la obra del ceramista Xavi Mañosa y su marca Apparatu. “A veces es el color o el poro, la suavidad o la textura inesperadamente encontrada lo que me fascina de su trabajo”.
Cristian Zuzunaga. Foto de Andoni Beristain
The Red Blue Chair de Rietveld
ACEBOXALONSO STUDIO
“En el detalle se transparentan cualidades humanas positivas como la generosidad, la dedicación, la curiosidad o la precisión. Cuando nos topamos con ellas sabemos que cerca hay algo elaborado con esmero”, dicen los arquitectos Victoria Acebo y Ángel Alonso, directores además de la revista Arquitectura. Detalles importantes de sus proyectos son el desarrollo técnico de un vidrio que en un principio quisieron dotar de cualidades táctiles y ópticas inéditas y que finalmente se empleó en la fachada de doble hoja del Museo Nacional de Ciencia y Tecnología de A Coruña, el trabajo de patronaje de los encofrados de madera que hicieron posible la estructura de canto variable de la Casa Varsavsky y la inmersión hecha para entender cómo intervenir un edificio abandonado en el centro de Madrid, su último proyecto denominado MVP9. Para ellos un detalle en arquitectura es “aquella parte de la obra que se revela como hecho excepcional al mostrar más intensidad creativa que el resto”. Entre sus detalles favoritos en arquitectura se encuentran las 300 vieiras de piedra colocadas al tresbolillo formando un patrón sobre la fachada de la Casa de las Conchas de Salamanca. “Nos encantan, son capaces de convertir la masa pesada que representa el edificio en un lienzo narrativo con la ligereza del Plateresco”. También los suelos del castillo Nijo en Kioto, que emiten sonidos como de gorjeos de ruiseñor al caminar sobre ellos. “Son clavos de bronce colocados en la madera de tal forma que se friccionan entre ellos y de esta manera tan bella alertan a los vigilantes de la presencia de intrusos en el castillo”, explican. Asimismo admiran la utilización de la ironía y el humor como nexo entre lo nuevo y lo antiguo en algunas de las intervenciones de Architecten de Vylder Vinck Taillieu y recomiendan cómo Vilanova Artigas demuestra el Teorema de las Fuerzas Vivas en los apoyos de la estructura del Garagem de Barcos en Sao Paulo, así como los trabajos de cerrajería de Bernardo y Gabriel Asins presentes en muchos edificios de Madrid, como las puertas del Banco de España y la verja del Cuartel General del Ejército. En otros ámbitos que no son la arquitectura, otros detalles que les fascinan son los bordados del mantón de Manila, los cuatro años de investigación sobre un cuadro de Bruegel de Lech Majewski para hacer la película El Molino y la Cruz, la pormenorizada paranoia de los textos de David Foster Wallace y cómo “Simeon Coxe adapta la tonalidad de su voz cada vez que su instrumento artesanal emite una nota imprevista en cualquiera de los temas de Silver Apples”.

Ángel Alonso y Victoria Acebo. Foto de Lara Arguedas
Casa de las Conchas. Salamanca
GONZÁLEZ VIVES es la fundadora de Ojo de Pez Arquitectura. En su ámbito ella entiende el detalle como una intensificación de la percepción, “como un instrumento para evidenciar e incrementar la conciencia del entorno”, dice. “Esto lo aplicamos a cuestiones visuales, como por ejemplo desde dónde hay que mirar algo o cómo hay que colocarse en un lugar. Pero también a fenómenos que vinculen el cuerpo con la temperatura y la humedad del aire, provocando sensaciones de calidez o de frescor que transformen completamente un espacio”. Este tipo de percepciones se pueden apreciar en proyectos como Rounded, unos cerramientos curvos que definen dos ámbitos redondeados y amplios en un espacio domestico. “Aquí, materiales muy lisos se mezclan con paredes ligeras, luminosas o perforadas y con piezas sólidas con mucha textura, como los revestimientos textiles y las piedras. Me gusta mucho la sintonía que se produce entre ellos, como una mezcla entre el futurismo de las naves espaciales y el equilibrio clásico de las cúpulas”, explica. En otro proyecto, una casa de verano en Menorca, el objetivo era disolver los límites entre el interior y el exterior como si fuera todo un mismo porche abierto en el que poder deambular siempre descalzo.
“El suelo de hormigón pulido blanco tiene un tratamiento especial que al tocarlo da la sensación como de un talco suave”. Entre sus detailers favoritos se encuentra Frank Lloyd Wright, “porque sus edificios son muy diferentes a la corriente de austeridad y abstracción del movimiento moderno. Están llenos de una valoración muy singular de la belleza a través de la decoración”. También el cineasta hongkonés Wong Kar-Wai por la sofisticación y el preciosismo de sus imágenes. “En The Grandmaster los peinados, joyas y vestidos de sus personajes se enlazan con las superficies de los interiores formando como un tapiz de hilos continuos. Nosotros queremos hacer arquitectura así”.

González Vives. Foto de Lara Arguedas.
Fotograma de la película The Grandmaster
SALVI PLAJA es el director de diseño de la firma española Simon. Con su último lanzamiento, la colección de interruptores Detail 82, surgió esta idea de impulsar encuentros con gente del ámbito creativo que compartiera pasión por los detalles, gente detailer. “En diseño, si el concepto es la estrategia, los detalles serían la táctica”, apunta. “A veces, definimos detalles de partes ocultas que nunca nadie va a ver. Diseñar todos los detalles no tiene por qué hacer un producto más caro, es cuestión de más neuronas”. Esto se traduce en los interruptores de la colección Detail 82 en unas líneas concienzudamente definidas para mejorar el tacto al encender o apagar. Además, la reducción de su volumen en el marco hacia la zona de la base en pleno contacto con la pared produce la sensación de que el interruptor estuviera flotando. La cantidad de opciones de color del marco, desde flúor a acabados madera, es otro toque maestro que posibilita la personalización del interruptor a multitud de estilos. Entre sus referencias se encuentran desde Antoni Arola, de quién admira su capacidad para trabajar con la luz, hasta Dieter Rams y Jonathan Ive, considerando que el segundo ha elevado al grado de las emociones el trabajo del primero. “Que en Apple creen nuevos procesos de producción para conseguir nuevos niveles de detalle me encanta”, comenta. De Rams siempre tiene presente el reloj de pulsera que le regaló y de sus principios del buen diseño aquel que dice “Concibe exhaustivamente hasta el último detalle”. Cuando Salvi todavía era estudiante de diseño industrial ganó una beca de prácticas en Braun para desarrollar un concepto propio muy novedoso de minipimer. Era 1999 así que pilló a Rams en su última fase allí. La historia no tuvo un final muy feliz pues Braun finalmente no comercializó su diseño y lo patentó de tal manera que tampoco otros pudieron hacerlo.
Salvi Plaja. Foto de Bernat Pérez de Tudela
Bocetos de Detail 82.
EDGAR GONZÁLEZ es un arquitecto de origen mexicano afincado en Madrid cuya faceta más conocida es la de bloguero. También es el comisario de la muestra Export sobre arquitectura española construida en el extranjero que hasta mayo se podrá ver en el Museo ICO de Madrid. “Una exposición de arquitectura sin planos ni maquetas que busca acercar a la sociedad al apartado mundo de la difusión de la arquitectura. Sin lenguajes crípticos o conversaciones especializadas”, explica. Este enfoque es de hecho el “estilo Edgar González” y el motivo por el que su blog y perfiles variados en las redes sociales tienen tantos seguidores. Como arquitecto, para no crear confusión con respecto al vocabulario específico de su profesión, se apresura inmediatamente a diferenciar de qué estamos hablando. “Detalle, como yo lo entiendo, no se refiere a la precisión de un dibujo sino a la contundencia de una idea, la clarividencia de un concepto. Para mí un detalle es la esencia de lo extraordinario. Ese plus que otorga a una obra su carácter sobresaliente y lo que le distingue de lo demás”. Y con su claridad habitual añade: “El mimo y detalle no son en sí mismos una garantía de calidad. En todo caso la calidad no es nunca un accidente sino el resultado de una serie de decisiones conscientes, de inteligencia aplicada. La falta de recursos no debe ser la causa de una pobreza de concepto no money, no detail”. Entre sus referencias se encuentra el trabajo de OMA “porque se centra en definir un concepto claro y definitivo que organiza y dirige la atención de una investigación hasta agotarla. Esta estrategia generalmente produce resultados valiosos”, comenta. También admira del editor Lars Muller “que es arriesgado y experimenta”, de Apple su capacidad para “entender la experiencia del usuario como un objetivo general” y de los cuchillos Global “la excelencia de su manufactura”.

Edgar González. Foto de Lara Arguedas.
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FOTOS: JUAN ACHIAGA
TEXTO: MANU ROMERO
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MONTSERRAT: “Cuando Álex de la
Iglesia me ofreció el papel, me daba
igual si era un personaje protagonista, secundario o un cameo. Lo hubiera hecho igualmente. Es una mujer compleja y
llena de ambigüedades. Un tiovivo de emociones que pasa por muchos registros emocionales y como actriz es un lujo poder indagar en sus experiencias para poder trasladarlo al personaje. ¿Quién puede negarse a hacer un papel tan rico? Lo complejo fue estar implicada en ese estado durante una hora y media de metraje y no morir en el intento”. NADIA DE SANTIAGO: “La adoro profundamente, es
una grandísima actriz y nunca he tenido tanta química con una compañera en mi vida. Fluía una energía muy parecida, una fuerza acción-reacción en la que cabía la improvisación”. JÓVENES DIRECTORES: “Me encanta que Álex les haya dado la oportunidad a Juanfer Andrés y Esteban Roel de dirigir esta cinta porque a él también le dieron la oportunidad en su día. Si no me equivoco fue Pedro Almodóvar, ¿verdad? Álex tiene muchas ganas de producir y descubrir nuevos talentos”.  ÁLEX DE LA IGLESIA: “Me ha dado el mejor regalo de mi vida: el papel de Montse en ‘Musarañas’. Espero seguir haciendo papeles junto a él”.
GOYA:
“Deseaba ser nominada, no nos engañemos. A todos nos gusta que nos premien, pero a mi hay veces que me gusta más que me premien por trabajos de los que me siento orgullosa y menos de aquellos con los que no he quedado tan conforme. Lo que más me satisface de este papel es saber, sobre todo, que la gente ha visto mi trabajo y lo ha valorado. Para eso hacemos cine, para que nos vean”. DRAMA vs COMEDIA: “Soy divertida y me gusta jugar a ser divertida, pero estoy en un momento de mi vida que me apetece hacer drama. Cuando yo estudiaba arte dramático en Londres me decían que si no había tenido una infancia dramática o traumática no podría llegar a ser una buena actriz, pero ¿qué tonterías me estaban diciendo? Si yo he sido la chica más feliz del mundo”. TEATRO: “Es lo que más miedo me da porque es donde tengo menos experiencia y no se pueden repetir tomas. Me preocupa fallar a mis compañeros”. HOLLYWOOD vs ALMODÓVAR: “¿Y una película hecha en Hollywood por Almodóvar? Me gusta el cine de mi país pero quiero trabajar fuera
y probar otras maneras de hacer cine. ¿Hollywood? ¡Claro que sí! Y tener mi caravana para mi sola (risas)”. PAPELES: “No siento que me haya encasillado, ni que haya dejado de hacer otros papeles porque el director de turno haya pensado que solo sé hacer el papel de Lola en ‘La que se avecina’. Todavía hay directores e incluso productores, que no saben en qué serie salgo”. LEITMOTIV: “Querer es poder y ¡hasta aquí puedo leer!”. LOCURA:
“Tengo una visión de la vida que aunque
para mi es normal, quizá para otros sea extraordinaria. No me importa que me llamen extremista o loquita, no es algo consciente. Soy visceral y lo malo lo veo muy malo y lo bueno, maravilloso”. NEXT: “Supongo que empezaremos a rodar la 9ª temporada de ‘La que se avecina’ y tengo proyectos de cine que no contaré hasta que no estén en marcha. Me encantaría hacer algún biopic histórico. Ser Isabel la Católica, la Princesa de Éboli o Eugenia de Montijo. También, los fines de semana suelo hacer cortitos. Me acaban de mandar el guión de uno nuevo”. IMAGEN: “Nunca le he prestado mucha atención a la moda. Empiezo a interesarme más por ella desde el momento en el que tengo que cuidar más mi imagen. Tengo a mi estilista y confío en gente que me aconseja. Si una tendencia me parece horrorosa, no la sigo. Me gusta ir bien maquillada y peinada… ¡con tanto evento!”

Vestido ROBERTO DIZ
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L’Absolu Rouge 165 LANCÔME
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TEXTO: SOFÍA DOS SANTOS
MAKING OF MACARENA

Cuando quedamos con Macarena para esta sesión de fotos en Ellectrika Showroom, en la madrileña calle Montera, solo faltaba una semana para que se celebrara la gala de los Premios Goya. Su espléndido papel en Musarañas fue el culpable de esa nominación, aunque finalmente no fue la afortunada que se llevó la estatuilla. Cuando llega al plató, con unas gafas grandes y oscuras, se nota que Macarena está feliz, y a pesar de que su embarazo empiece ya a ser evidente, su energía no disminuye, porque nos cuenta que no para de asistir a eventos y de realizar reportajes como este. Nuestro maquillador en esta sesión, Roberto Siguero, National Make Up Artist de Lancôme, opta por aportar dramatismo a sus grandes ojos transformándola en toda una embarazada femme fatale para Neo2.

Advanced Genifique: Suero Activador de Juventud de Lancôme
Para empezar, no pueden faltar unas gotas de este suero en rostro y cuello. Es mágico: reduce las arrugas, aumenta la luminosidad, claridad y uniformidad del tono de piel; mejora la textura, la elasticidad, la tonicidad, le aporta firmeza y reduce la flacidez. Un must. 82 euros.

Rénergie Multilift de Lancôme
Crema Lifting Reafirmante Antiarrugas. Solo hay que ser un poco constante, porque en 4 semanas la piel está más firme y densa. Las mejillas se rellenan y el contorno de cuello y rostro se redefine. 106 euros.

Miracle Cushion de Lancôme
Una de las novedades de Lancôme: una esponja que libera una pequeña dosis de fluido con color al presionarla. No puede ser más fácil de aplicar y el resultado es muy natural, hidratante y dura 4 horas. Además protege la piel de los rayos ultravioleta.
38 euros.

Artliner: Delineador Líquido Intenso de Lancôme
Lo que le hace diferente es su punta de esponja con la que se puede crear una mirada intensa o ligera con gran precisión. Además, su fórmula está enriquecida con pigmentos de color y los últimos avances para conseguir un efecto de larga duración. 36,90 euros.

My French Palette de Lancôme
Una edición limitada donde es igual de impactante contenido y continente. Estuche plateado decorado con elegantes dibujos de inspiración parisina. Al abrir
la paleta encontramos tres sombras mate
y tres irisadas, pero si giramos la tapa encontraremos tres sombras más provocadoras y dos delineadores.
65 euros.

Máscara de pestañas Grandiôse de
Lancôme

Pestañas panorámicas de escándalo, con la mejor curvatura y el mínimo esfuerzo gracias al primer aplicador ‘cuello de cisne’ que permite llegar de forma fácil a todos los ángulos del ojo. 35 euros.

Blush Subtil Palette de Lancôme
Una sola paleta para todo: colorete para las mejillas, polvos para contornear los huesos e iluminador en polvo para resaltar las zonas de luz. No marca las arrugas ni bloquea los poros y se adapta a todos los tipos de piel. Ocho horas de aspecto natural y uniforme asegurado. 46,50 euros.

L’Absolu Rouge de Lancôme
La barra de labios definitiva. Remodeladora y redensificadora, lo que significa que deja los labios súper suaves y más densos. Y no solo eso, garantiza ocho horas de hidratación y además tiene protección media SPF 12. Disponible en 36 tonos. Macarena lleva el 165. 31,30 euros.

Vernis in Love de Lancôme
Las uñas con las que siempre has soñado. Colores prêt-à-porter, ultra-brillantes y de larga duración. Con nuevo aplicador de alta precisión. Y hay 31 tonos para elegir. 17,50 euros.

La Vie Est Belle de Lancôme
Es difícil describir un olor, pero para que te imagines como huele este perfume tienes que pensar en iris, pachuli, jazmín Sambac y flor de naranjo. Una combinación irresistible. 78 euros.

Chun lleva Fragancia ACQUA DI GiÒ PROFUMO
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Homme www.dior.com

Sky lleva  Fragancia POLO RED www.ralphlauren.com +
Bomber, Pantalón Corto & Zapatos CALVIN KLEIN
Collection www.calvinklein.com

Sua lleva Fragancia ONLY THE BRAVE www.diesel.com + Camisa, Cazadora perfecto con tachuelas &
Pantalón DIESEL www.diesel.com

Look de peluquería para la colección otoño invierno 2015-16 de Txell Miras
Look de peluquería para la colección otoño invierno 2015-16 de Pablo Erroz
Look de peluquería para la colección otoño invierno 2015-16 de Sita Murt

FOTOS: LARA ARGUEDAS MARTÍN
ESTILISMO: MAR PULIDO
MAQUILLAJE + PELUQUER
ÍA: MARTA ALCOCER @ ANA PRADO
MODELOS: EDRIEN GUILLERMO + LARA ARGUEDAS
PLAT
Ó: ESPACIO MOOD <WWW.THEMOODPROJECT.COM>

FIT TO BE BRIT: New Spring Summer 2015
Capsule Collection, PEPE JEANS LONDON

Pepe Jeans
London
Spring
Shorts
Young
Wit
British
Humour
Summer


Patchwork
Pop
Scratching
Indie
Festivals
Leggins
Party

#FitToBeBrit

Urban
Denim
London
Mad
Graffiti
@PepeJeans
Oversized
Bombers
Attitude

FIT TO BE BRIT: New Spring Summer 2015
Capsule Collection, PEPE JEANS LONDON

TEXTO: SARA MORALES  
FOTO:
RENATA RAKSHA

Tras su claustrofóbico debut  en 2012 con “Shrines”, el proyecto de Megan James y Corin Roddick recobra la luz en esta segunda referencia. Psicótico paseo eléctrico por los sueños, a veces afables, en su mayoría perturbadores. Megan nos lo cuenta. Creación: “El proceso de escritura ha sido fluido. Era la primera vez que escribíamos todo el material juntos y teníamos mucha información sobre la mesa por ambas partes. Con ‘Shrines’ hubo menos comunicación en el trabajo y dejamos que se desenvolviera de forma más natural. Con ‘Another Eternity’ el proceso también ha sido muy natural y fluido, pero esta vez hemos sido capaces de centrarnos más en cada parte y en cómo esta se correlaciona con el resto de la canción. Cuando empezamos a trabajar en el disco estuvimos explorando todo lo que somos capaces de hacer y luego filtramos las cosas que no queríamos”. Onírico: “Los sueños están muy presentes en ‘Another Eternity’, sobre todo líricamente. Una gran parte del contenido lírico se deriva de sueños que me han influido personalmente. Después la voz y la producción se construyen a su alrededor de una manera en que se relacionan y crean un espacio para sí. Porque la forma en que un sueño te influye al final se convierte en un símbolo que te lleva a una explicación”. Equilibrio: “Nuestro primer disco es como si hubiera salido de una cueva;  perfecto para escucharlo mientras conduces de noche. Sin embargo, ‘Another Eternity’ viene del cielo. Corin es como un científico y yo actúo como un mago. Y esta es la fórmula para alcanzar este resultado de diversos paisajes sonoros. Hemos llegado a esta combinación perfecta que sobre todo nos resulta realmente gratificante. En ambos discos comenzamos con canciones brillantes que contienen más energía para irse luego ablandando y convirtiendo en canciones más oscuras. Es una fórmula que nos gusta y que se repite en nuestros discos hasta el momento. Las yuxtaposiciones y anomalías son un elemento temático para nosotros y es importante en lo que hacemos”. Mensaje: “Nuestra música a menudo habla de la física, el tiempo y las anomalías. De cómo tomar el espacio y cómo darle forma donde normalmente no existe. ‘Another Eternity’ es  un medio para encapsular esas cosas provocando que la parte consciente de cada uno las explore y, con suerte, los oyentes puedan sentir cuando nosotros estamos en ese punto para  atraerlos hasta él.  En definitiva, ¡es música! ¿para qué otra cosa sirve? Consumimos y creamos música para sentir que somos parte de un paisaje que se ve y se siente, con formas muy específicas”.

“Another Eternity” está editado por 4AD y distribuido por Everlasting.

TEXTO: AURORA DOMÍNGUEZ MATA    FOTOS: TILL JENNINGER
Inspirado por sus recuerdos, experiencias personales con vehículos, así como de una innumerable lista de imágenes que cuelgan en su estudio a propósito de este proyecto, entre las que encontramos La Mesa suspendida del techo por alambres de aluminio diseñada  por Albert Frey, la silla lounge, La Chaise de los Eames, And Thus we Would set About Seeking an Aeroplane Woman, la Sirena Hibrida  de Bruno Munari, algunos diseños de Luigi Colani, y fotogramas del  film Y La Nave Va de Fellini o El Quinto Elemento de Luc Besson, Häberli presentará una instalación que parte de los conceptos propuestos por el equipo de BMW Design: Precisión y Poesía. Y junto a estos conceptos el análisis de la movilidad y el  lujo.
Como punto de partida, Karim Habib, director del equipo de diseño de BMW Design, junto a Martina Starke, Directora de Color, Diseño y Materiales y Tecnología de Materiales de BMW Design, contactaron con Alfredo Häberli para que interpretase el nuevo lema de BMW Design.- Precisión y poesía. La instalación es un análisis tridimensional de estos conceptos en relación además con la respuesta poética que Häberli da al planteamiento del lujo. Entendiendo este como lugar de encuentro con uno mismo, privacidad, individualidad, pero también comunicación relacional.
Esta interpretación parte también del momento actual de la automovilística que ya cuenta con vehículos altamente automatizados  de conducción autopilotada, y aunque su comercialización está prevista en torno a 2020 hay algunos lugares en los que estos vehículos ya están realizando sus circulaciones de prueba.

Frame Structure The Vessel Perfil.
Modelo The Vessel.
Alfredo Häberli en su estudio frente a
los paneles de inspiración junto
a Martina Starke.

Como por ejemplo M City, una pequeña ciudad situada en el Campus Norte de la Universidad de Michigan diseñada para probar estos vehículos sin conductores; la autopista A9 entre Nuremberg y Munich que desde 2011 sirve como espacio de ensayo; o California y Reino Unido que desde enero de 2015 permiten la libre circulación de estos automóviles.
Esta automatización de la movilidad plantea nuevos escenarios en el interior de los vehículos, así como la actividad que se realiza en ellos.
El prototipo de Häberli con BMW Design es un planteamiento futuro, unos años más tarde de esta circunstancia inmediata, y plantea cuestiones que resultan de este avance.
The Vessel funciona por sí mismo, es absolutamente autónomo.
Hace del viaje un recorrido sin preocupaciones, no hay que decidir si posicionarse a la izquierda o a la derecha, frenar o girar. Y en su interior se experimenta una sensación de balanceo. Además, es completamente sostenible. Lo poético mismo de la instalación concederá a cada individuo que se enfrente a él la posibilidad de imaginar e idealizar escenarios de locomoción a partir del propio objeto. Así como los caminos del futuro.
El vehículo contempla también las asociaciones personales de cada uno. Va más allá del propio movimiento físico. Tiene en cuenta no solo el trayecto en sí sino también lo que sucede en su interior.
En un futuro próximo, afirma Häberli, nuestro tiempo será equilibrado entre el trabajo y la socialización.
 
Del 14 al 19 de Abril. Area Sciesa Tre.
Via Amatore Sciesa, 3 20135 Milán.


Alfredo Häberli y Karim Habib.
Frame Structure The Vessel en planta.
 Bocetos del proyecto.
TEXTO: SERGIO DLE AMO  
FOTO:
TAHLIA PALMER

Inmediatez: (Jay Watson) “Como buen trabajo de cara al público que es este, somos conscientes de que con cada disco nos exponemos a que la gente opine abiertamente de nuestras creaciones. Algunas veces nos han acusado de firmar temas algo sesudos, pero con ‘Man, It Feels Like Space Again’ no creo que eso pase. Seguimos siendo fieles a nosotros mismos, pero este disco destila un punto pop mucho más marcado que en nuestros trabajos anteriores. A diferencia de ‘Hobo Rocket’, por ejemplo, las melodías son más dulces y no desprenden ningún atisbo de agresividad. Podría decirse que es como un viaje espacial que no excluye a nadie. Más bien al contrario. Hay piezas como ‘Elvis’ Flaming Star’ que pueden recordar al espíritu glam rock de ‘Frond’, y otras como ‘Zond’ o ‘Holding Out For You’ que tienen unos ritmos funkys que espero que a todos os guste”. Baladas: “En el nuevo disco también predominan las baladas y los medios tiempos. Siempre hemos mostrado, en mayor o menor medida, esa cara más sensible. No obstante, ahora nos apetecía mucho explorar esa nueva vía. Canciones como ‘Medicine Hat’ son como un remanso de paz en comparación con los números más viscerales del largo”. Grabación: “Estuvimos durante unos meses en un pequeño estudio de Collingwood, Melbourne. Y no sé el porqué, pero en esta ocasión teníamos claro desde un principio el sonido con el que queríamos armar las canciones. Fue más fácil de lo habitual. Además, también nos propusimos sonar más profesionales que nunca, sin mostrar ese halo lo-fi que años atrás tanto nos gustaba”. Democracia: “Aunque desde fuera parezca que Nick Allbrook lleva la batuta de la banda, todas las decisiones creativas las decidimos democráticamente entre todos. De momento no ha habido ningún caso de mobbing entre nosotros. Más bien al contrario. Con los años la familia se hace cada vez más fuerte”. Tame Impala: “Muchas veces nos preguntan por qué los discos de Tame Impala triunfan más que los de Pond, teniendo en cuenta que hay muchas similitudes entre ambos grupos. Lo único que se me ocurre acerca de esa desigual recepción mediática es que las canciones que compone Kevin Parker pueden resultar algo más accesibles desde la primera escucha que las nuestras. Aunque lo cierto es que no me importa: en ambos grupos disfruto muchísimo y eso es lo importante para mí”.

“Man, It Feels Like Space Again” está editado por Modular y distribuido por
Music As Usual.

TEXTO: CARMEN COCINA
El periodo comprendido entre 1955 y 1980 fue clave en la vertebración de Latinoamérica como un espacio para el desarrollo, no sólo en su paisaje urbanístico, sino también, si no primordialmente, en el imaginario co-lectivo universal. Una etapa de autocues-tionamiento, exploración y cambio político que asumió como su mayor reto despojar a la región de su etiqueta de “tercermundista” mediante la articulación de un escenario visual que reflejara (y contribuyese a gene-rar) el crecimiento económico y cultural del continente. Si en 1955 el MoMA dedicó una exposición fotográfica a la transformación de la arquitectura sudamericana en los diez años precedentes, el popular museo neo-yorquino toma de nuevo ese año como punto de inflexión en “Latin America: In Construction”, un repaso de su evolución durante el cuarto de siglo siguiente con un inventario de más de 500 trabajos originales: planos y maquetas, modelos a gran escala, vídeos y fotografías coetáneos y materiales nunca antes recopilados ni exhibidos.¶ La exposición propone una reflexión histórica acerca de la coyuntura de estas iniciativas urbanísticas, desde el rol del sector público en la edificación de viviendas a la alineación de las nuevas construcciones con el concepto de “desarrollo” e industrialización, ya fuese desde el modelo capitalista o desde la Cuba de Fidel Castro. Nombres como Lúcio Costa, Oscar Niemeyer, Eladio Dieste, Rogelio Salmona, Mario Gandelsonas, Marta Minujin, Clorindo Testa, Amancio Williams, Lina Bo Bardi o Emilio Duhart canalizaron ese progreso a través de  construcciones tanto públicas como privadas: museos, catedrales, embajadas, hospitales, sedes bancarias, universidades, hoteles y centros empresariales. Un legado que, pese a la distancia político-económica que los separa, constituye aún hoy el punto de partida para la labor de sus homólogos contemporáneos. A los materiales recuperados se suman otros realizados por el fotógrafo brasileño Leonardo Finotti expresamente para la exposición y un amplio preludio sobre la arquitectura local durante las tres décadas anteriores a 1955, como referencia histórico-contextual de la evolución posterior.

www.moma.org

Hotel en Machu Picchu. Miguel Rodrigo Mazuré.
Bank of London and South America.
Clorindo Testa. 1959-66.

Cuba Pavillion, Montreal.
Vittorio Garatti. 1968.

TEXTO: JOE MADRAZO
Marc Newson reinventa el sportswear americano en su nueva colección para G-Star. Una propuesta que hemos bautizado como American LifeStar. En ella nos encontramos un innovador denim japonés, texturas, punto denso, cremalleras tecnológicas y una nueva generación de cazadoras universitarias. Por ejemplo, la Baseball Jacket en denim gris y mangas de cuero a juego. Y a modo de uniforme, para completar el conjunto os proponemos también los vaqueros del mismo tono con bajos elásticos. Un efecto chándal de alto nivel.

www.g-star.com

TEXTO:  ALICIA RODRÍGUEZ
Paréntesis: “Paré porque estaba hasta los huevos de hacer conciertos, pagar deudas… El disco salió tras tres meses en casa aburrido, las canciones se crearon jugando desde allí. Lo primero que hice fue llamar a Jordi de Bcore, donde me dan todas las facilidades y me quieren”. El disco: “Es el más bonito que he hecho por dentro y por fuera. Eso es gracias a tener tanto tiempo para prepararlo”. Crudeza: “Es porque es un álbum súper honesto: lo que oyes está hecho todo en casa. Yo quería que fuera lo más crudo posible. Todos los discos que me gustan de los años 30 hasta ahora son imperfectos y con errores, eso hace que un disco sea vivo y mole”. La lucha: “Está hecho después de una época de rocas en el camino. Es como cuando te das un año para reflexionar, una vez está todo solucionado. Y sí, trabajo mucho con el subconsciente, hay psicoanálisis en mis discos”. Metáfora: “La metáfora del ‘rompehielos’ implica también resituarse en plan ‘dónde estoy y dónde quiero estar’. Indie: “No tengo nada que ver con el rollo indie y me importan un pepino todos esos grupos. Yo hago mi movida y soy un cabezón. Si me seguís lo pasaremos guay, pero si no te gusta mi música no pierdas el tiempo”. Hits: “Los hits que le gustan a la gente lo son de forma casual como ‘La reina del Amazonas’. Pero no puedo pensar en hacer un hit porque no me va a salir y lo odiaré. Tengo mi público y no voy a crecer más”. Bandas: “Ahora sigo mucho a Mourn, pero también a The Saurs y a gente de esta quinta que hacen cosas muy chulas y tienen otro público. No podemos estar pegando el pelotazo toda la vida como creen otros compañeros”. Escritura: “Escribo simplificado, pero cuanto más lo hago más sincero me sale. Me gusta ser críptico y poético, pero con medida. Aquí hay un mensaje emocional potente”. Mourn: “Con ellos estoy viviendo cosas que no había vivido. Además, ellas tocan mejor que lo hacíamos nosotros. La banda está ultramotivada pero en su burbuja. Otros chavales en su situación estarían flipaos”. Personaje: “Yo no dejo de ser un intérprete o actor en mis canciones. Luego bajo del escenario y tengo que ir a hacer pis. Todo esto no lo llevo muy bien, es como cuando me vienen a hablar…soy además muy cortado”. Canción: “Te permite pegar un viaje muy bestia en tres minutos y llevarla contigo a cualquier parte”.

The New Raemon en directo: 13 marzo Madrid
(Joy Eslava), 20 marzo Castellón (Four Seasons)
y 21 marzo Zaragoza (Sala López).

TEXTO: JOE MADRAZO
Hace 25 años el concepto Work In Progress fue aplicado a una marca de ropa. Se trataba de la heredera en Europa del espíritu norteamericano de la ropa de trabajo: Carhartt WIP. Un legado que le ha servido para construir un estilo propio donde se combina la espontaneidad en las formas con la distinción en los detalles. La colección primavera verano 2015 es el estandarte de ese nuevo look que abandera con éxito la marca: un estilo “casual con clase” donde la calidad, durabilidad y comodidad es esencial en cada prenda.

www.carhartt-wip.com

TEXTO: MARIANO MAYER
Más de veinte figuras escultóricas ocupando el espacio en grupo, pero también de manera individual, presentadas a modo de “autorretratos  alienados” de la artista y titulados “Isa Genz-ken”, son los actores o dobles que, vistiendo los elementos más usados del propio guardarropa de la artista, son los encargados de comunicar un universo personal caracterizado por mo-dificar todo tipo de categoría estética. Por ello, cada uno de estos maniquíes, silenciados por cintas adhesivas que cubren sus bocas, portan entre sus prendas todo tipo de materiales decorativos. Así, pósters con reproducciones de obras de arte o fotografías se ensamblan para crear situaciones tan abstractas como narrativas.

Del 14 de marzo al 31 de abril
www.mmk-frankfurt.de


TEXTO: JOE MADRAZO
Por una noche, una nave industrial del barrio Shoreditch de Londres, The Boiler House, se tele-transportó a los 90, a un rincón cualquiera del distrito de Shibuya en Tokio. Un viaje en el tiempo para recrear y festejar el contexto donde nacen, hace 25 años, las Gel-Lyte III de ASICS Tiger, la marca que combina la filosofía de los 70 de Asics, acrónimo de Anima Sana In Corpore Sano, con el espíritu estiloso de la firma creada por el señor Kihachiro Onitsuka en 1949, y que se exterioriza en los 60 con las elegantes y características líneas Tiger en el lateral del calzado. Es decir, la fusión perfecta de la mejor tecnología deportiva japonesa con la personalidad contemporánea street style. Uno de sus máximos exponentes fue el protagonista de la noche, y también de toda la temporada: el modelo Gel-Lyte III. Su creador, Shigeyuki Mitsui, también estuvo presente en el evento. Y explicó, junto a Alistair Cameron, CEO de Asics Europe, y Gerard Klein, Footwear Director, cual fue el origen de su inspiración para diseñar las Gel-Lyte III en 1990. La idea era crear un calzado de performance de alta calidad con un diseño muy sencillo, al que añadió la característica lengüeta partida que ha hecho famosa a esta zapatilla. Un modelo que incorpora el sistema de amortiguación Gel introducido por Asics en los años 80 para absorber el impacto de la pisada dispersándolo hacia un plano horizontal. Un inventazo que se volvió a poner a prueba durante la noche de la fiesta Shibuya mientras los invitados, con sus Gel-Lyte III a los pies, se introducían en el escenario virtual de un juego donde había que saltar obstáculos por las calles de Tokio. Un fiestón que recuperó una de las zapas más icónicas de los 90, y también toda una generación de videojuegos de 8 bits. Genial.
 
asicstiger.com
Instagram: @ASICSTigerHQ

Zapatillas Gel-Lyte III
ASICS TIGER asicstiger.com

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TEXTO: MONGÓMERI

Lo reconozco, yo estrechaba mis 501. Me parecían perfectos de rodilla para arriba. Pero, en lugar de rectos, que era el dise-ño original, me gustaban más justos por debajo. Un par de dedos más estrechos. Y Levi’s por fin ha escuchado mis súplicas. Esta temporada lanzan el nuevo 501 CT, Customized & Tapered. Un fit modificado, con la cintura elevada, más estrecho de rodilla a tobillo y con 3 opciones en la zona del muslo: slim, regular o flojo. Genial para mí, y una faena para las casas de arreglos porque ya vienen perfectos de fábrica.

www.levi.com

TEXTO: SOFÍA DOS SANTOS
TEXTO: SOFÍA DOS SANTOS
Tres siglos de libros de artista dan para mucho, por eso Ivorypress Space en Madrid les dedica ahora una interesante exposición que se inauguró el pasado 24 de febrero y podrá verse hasta el próximo 9 de mayo. Esta muestra abarca nada menos que tres siglos de historia y está comisariada por Elena Ochoa, directora y fundadora de Ivorypress, en colaboración con su equipo. La exposición viene a ser la continuación de Blood on Paper, que pudo verse en el Victoria and Albert Museum de Londres en 2008, y de la que también fue comisaria Elena Ochoa junto a Rowan Watson, comisario de la National Art Library y director de la colección de libros de artista del Victoria and Albert Museum. En Ivorypress Space veremos libros provenientes de colecciones privadas, libros de artista publicados en las últimas décadas, fotolibros y libros objeto que son verdaderas piezas pictóricas y escultóricas en las que la imagen es protagonista. Auténticas joyas realizadas por artistas de diferentes épocas como Francisco de Goya, Paul McCarthy o Louise Bourgeois.  

Ivorypress Space.
Comandante Zorita, 48, Madrid.
www.ivorypress.com
Si tienes un buen espacio en pleno centro de Madrid, ¿por qué dedicarlo a una sola cosa? Eso debieron pensar las mentes responsables de Ellectrika Showroom, un local situado en un piso (otra de sus particularidades) de la madrileña calle Montera, a solo unos metros de la Puerta del Sol, donde  puedes comprar ropa de diseñadores emergentes nacionales como David Catalán, Black Mouth o Suburbus 13. También hay espacio para diseñadores internacionales como Dr. Denim, Nümph o Bellfield. Pero lo de la moda es solo una de las muchas cosas que encontrarás en Ellectrika, porque también cuentan con espacio de belleza y un estilista dispuesto a darle a tu imagen un giro de 360º, además, trabajan con productos premium de La Bioesthetique. Y para que no cuides solo tu imagen y alimentes un poco el alma, el espacio acoge interesantes exposiciones. En Ellectrika están abiertos a propuestas artísticas de todo tipo, para que puedas exponer tu obra en pleno centro de Madrid. Si no tienes ganas de comprar ni de probar nuevos looks, y ni siquiera de echar un vistazo a las obras de arte de sus paredes, tampoco pasa nada, este también es tu espacio, porque tienen una cafetería estupenda en la que puedes hacer un alto en el camino y disfrutar de las vistas desde sus grandes ventanales. El equipo humano de Ellectrika está encabezado por Stella, CEO del espacio y mente inquieta donde las haya; Alba, coordinadora de todas las áreas; Liuba, responsable de moda y Juan, asesor de imagen. Si quieres vivir una experiencia Ellectrika confía en ellos, no te defraudarán.

Ellectrika Showroom.
Montera, 9, 1ª planta. Madrid.
www.ellectrika.com
TEXTO: MONGóMERI

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TEXTO: MONGóMERI
Un viaje en bicicleta inspira a Element una nueva colaboración con el artista gráfico Chad Eaton, aka Timber!, también un apasionado del mundo biker. El resultado es una colección cápsula que combina los clásicos lifestyle con elementos vintage del ciclismo y un montón de detalles funcionales para los bikers del presente: etiquetas y toques reflectantes visibles en diferentes partes de las prendas, un denim especial para bikers Made in USA con soportes específicos para el candado de la bici, patrones estudiadísimos para favorecer la perfecta movilidad del ciclista… y la joya de la corona: la chaqueta canguro Randonneur, impermeable, transpirable y reflectante.  

elementbrand.com
Se trata de la primera tienda que la marca abre con el grupo de retail management A.R.P. Advanced Retail Project, especialista en el retail de lujo. Un proyecto conjunto que continuará con la apertura de una nueva tienda insignia en Barcelona, en Paseo de Gracia. “La apertura de una flagship store como la de Madrid se inscribe dentro de nuestra estrategia de expansión y refuerza nuestro posicionamiento en España como la innovadora firma de denim. Estamos convencidos que con esta sólida colaboración con A.R.P. conseguiremos implementar con éxito la experiencia de G-Star en el mercado europeo meridional”, comenta Peter Dankaerts, Country Manager España G-Star.

G-Star Raw Madrid.
Calle Serrano, 6.
Abierto de lunes a viernes de 10:00 a 18:00; sábados de 10:00 a 18:30; primer domingo de cada mes de 12:00 a 18:00.
www.g-star.com

TEXTO: THE CREVETTE
LZF es una de las marcas de iluminación española con una gran proyección internacional. Una peculiaridad de LZF es el material utilizado en todas sus pantallas, una madera curvada y translúcida. Este año LZF ha conseguido dos premios IF Design, uno por su lámpara Asterisco y otro por su luminaria Chou. Asterisco es una lámpara que lleva integrado un atril y cuyo diseño lo firma el estudio Cuatro Cuatros.  Chou, en la imagen superior, ha sido diseñada por el estudio Yonoh y ellos la describen así: “Inspirados en la película ‘El mundo de Susie Wong’ nos sumergimos en el aroma de cine de Hong Kong con la serie Chou. Un objeto que decora cualquier habitación con cuentos del Lejano Oriente. Chou explora el plegado y la superposición de Polywood, sobre cómo convertir una simple pantalla en un elemento mucho más enriquecido. Una base de metal repujado y un mango permite tener una lámpara versátil, ideal como lámpara de mesa y como colgante.” 

www.lzf-lamps.com
www.ifdesign.de

Mientras la sociedad ignora la vejez y nos hace creer que seremos siempre jóvenes, llegan Carlos y Genís y dedican su nuevo disco a lo viejo. Las canciones de “Roma” (Austrohúngaro) empezaron a tomar forma en 2009, pero no fue hasta el año pasado, cuando se alojaron una semana en la Real Academia de España de la ciudad eterna, cuando pudieron por fin terminar estos temas que llevaban años queriendo ver la luz. Ellos describen “Roma” como “una sucesión de escenas, contrastes y sorpresas, como una montaña rusa de ritmos, arreglos y melodías. El disco musicalmente más ambicioso de Hidrogenesse”.    

www.austrohungaro.com/hidrogenesse
MODA
DISEÑO
La comunicación por envío de documentos escritos se remonta casi a la invención de la escritura.¶ Las primeras cartas se enviaron en Egipto, allá en el 2400 antes de Cristo. Más allá de lo que uno escribía, estaba comunicando con el sobre elegido, el tipo de papel, la caligrafía, si se usaba lápiz, pluma o bolígrafo y si éste era azul, negro, o rojo. Todo comunicaba. Era de tan mal gusto escribir a máquina una carta romántica, como confuso escribir a un notario en papel perfumado. Aparentemente triviales, eran detalles relevantes y en una suerte de gramática no escrita, establecían códigos que tanto emisor como receptor debían conocer. A finales de los años 90, dejó de ser necesario lamerle el dorso al rey para escribir a alguien. La llegada del correo electrónico era la primera gran revolución en la comunicación escrita desde la invención de la carta. El e-mail era inmediato y económico, pero los gestores de correo sólo permitirían elegir entre poco más de diez tipografías, con sus respectivas negritas, cursivas, subrayados y unos ocho colores con sus ocho matices. Poco antes del año 2000, llega el SMS y los chats. Ya no se podía hacer ninguna alteración al formato predefinido del texto. Son tan limitados los valores expresivos del texto, que nacen códigos como el uso de mayúsculas y la repetición de vocales para gritar, los acrónimos como el OMG, LOL, WTF, o la repetición indiscriminada de signos de exclamación para exclamar lo exclamado e interrogar lo interrogado. Nacen también los más rudimentarios emoticonos. Originalmente, eran una secuencia de caracteres ASCII que representaba una cara para expresar una emoción humana perdida en la evolución del progreso tecnológico. Dos puntos para ver, cerrar paréntesis para reír y asterisco para besar. Camino al 2010 se popularizan los llamados teléfonos inteligentes. La mensajería de texto entre móviles conectados a internet pasa a ser gratuita, frenética y algo adictiva. Es el boom de los emoticonos. El buen uso del lenguaje y su correcta escritura parece pasar a no ser suficiente. Desde Japón llega a nuestros bolsillos un paquete con más de 800 ideogramas que construirán una nueva manera de comunicarnos. Aunque frívolos e infantiles, darán una nueva riqueza al texto. Los nuevos emoticonos ya no sólo sirven para expresar emociones, se utilizan de forma cada vez más compleja. Se encadenan para formar ideas abstractas y pueden llegar a substituir por completo a las palabras.¶ De alguna manera, hemos cerrado el circulo. Volvemos al Egipto de los jeroglíficos. Volvemos a los orígenes de la escritura. Ahora sólo nos queda saber qué era aquello tan importante que queríamos decir. 
Texto: RAMÓN FANO. Editor de moda en Neo2 Magazine, creativo del estudio Ipsum Planet, docente ocasional en EFTI e IED Madrid, autor del libro “La Moda Mata
(pero no engorda)”.

El otro día conocí a una diseñadora española de moda. Una diseñadora que vende bien, que tiene su propio taller y que, además, también tiene una tienda propia en Madrid. Pero me comentó que su gran ilusión era desfilar, mostrar sus colecciones en la gran semana de la moda española. Me dijo que se sentía un poco frustrada porque nunca era seleccionada para poder mostrar sus colecciones en pasarela , y no entendía el porqué. Yo la intenté consolar diciéndole que para qué quería desfilar si ya tiene lo más importante. Es decir, clientes, gente que paga por llevar su ropa. Le decía que la pasarela no es sinónimo de ventas, que no hay causa-efecto, que muchos diseñadores que desfilan solo diseñan para mostrar sus colecciones en pasarela, que luego no venden, que viven de los bolos que les salen gracias a la repercusión mediática que les aporta la gran semana de la moda. Algo que no deja de resultar paradójico: ¿Cómo es posible que una pasarela consiga promocionar la imagen de marca de un diseñador y que esto solo se traduzca en bolos y no en ventas? Esto solo ocurre en moda. Y mira que nos vendría bien a todos los españoles que los diseñadores de la semana de la moda vendieran, generarán industria y puestos de trabajo. Así que por si las moscas, yo le decía a la desconsolada diseñadora que no desfilara, por favor. No fuera a ser que empezara a hacer bolos en lugar de vender. Al día siguiente de conocer a esta diseñadora veo que en Tele 5 anuncian el Sálvame Fashion Week, una pasarela donde los colaboradores del programa hacen de modelos y desfilan con la ropa de los diseñadores que participarán en la próxima edición de la semana de la moda. Los organizadores de esta pasarela televisiva explicaron que la función de este programa especial era acercar el trabajo de los diseñadores al pueblo. Pero, ¿no se supone que eso ya lo hace la pasarela institucional con toda la repercusión mediática que tiene? A ver si con tanto acercamiento vamos al final a tener a los diseñadores de pasarela en Pasapalabra, en Gran Hermano Vip o en el Polígrafo. Qué me parecería bien, oye. Pero me temo que con eso no se conseguiría vender más ropa, lo mismo no se venden ni revistas del corazón. Eso sí, algún bolo ya saldría. Al fin y al cabo somos un país de boleros, en todas sus acepciones. Y por eso quiero despedir esta columna dedicando este bolero a todos los diseñadores españoles de moda que venden, desfilen o no. Mi más sincera admiración y agradecimiento a todos ellos.

Texto: JAVIER JAÉN. Ilustrador editorial y diseñador gráfico. Es colaborador habitual de The New York Times. Todavía no ha escrito un niño, no ha plantado un libro ni ha dado a luz un árbol.
ARTE
MÚSICA
Texto: CAROLINA PARRA y NACHO RUIZ son propietarios de la galería T20, que este año celebra su 15 aniversario. A través de T20 Proyectos llevan a cabo acciones, ediciones y producciones externas para instituciones españolas y latinoameriocanas.
El modelo de galería de arte solo ha vivido una innovación en el último siglo y medio: la aparición del ordenador. Por lo demás el sistema de trabajo, los objetivos, la filosofía, las relaciones con los otros agentes del sistema… todo es exactamente igual. Que no nos despiste el blanco del cubo ni los gráficos de la web. Una galería hoy puede ser un agujero negro en el centro de la ciudad. Una empresa destinada a la artesanal venta de productos artísticos es un negocio muy respetable, pero podemos, si queremos, hacer algo más.¶ En un momento en el que redefinimos la idea de industria cultural no debemos quedarnos en los márgenes del capitalismo primitivo, necesitamos –los galeristas- generar estrategias de lo que antes se llamaba I+D. Esto fuerza a cambiar el sistema de trabajo, a repensar cuales son los activos de una galería. Tradicionalmente pensaríamos que son los fondos, pero considerados como objetos de intercambio. ¿No sería también interesante buscar la forma de mover, de dar visibilidad a esos fondos?. Es un ejemplo de hasta qué punto la lógica empresarial de las galerías de arte es singular.¶ Existen de siempre gestores que producen y llevan adelante proyectos, pero en muy raras ocasiones la galería de arte ejerce esa labor, perdiendo una parcela importante de poder en el sistema del arte. Paradójicamente una galería con una trayectoria media posee una red de contactos, experiencia, medios materiales y conocimientos como para llevar a cabo proyectos fuera de los muros de su sede. Esto supone un plus de formación y actividad que no se limita a la difusión en redes sociales de propuestas sistemáticas; requiere reinventar en cierta forma el concepto de galería.¶ En la última década han surgido galerías que han se han replanteado las reglas de juego, incluso los sagrados territorios público y privado, como la guatemalteca Proyectos Ultravioleta. Otras han llegado a trabajar sin sede física, como la mexicana Kurimanzutto. T20 ha producido en los últimos 3 años tantas exposiciones fuera como dentro. Son muchos los ejemplos de que sí es posible crear un nuevo modelo en el que tengan cabida propuestas de todo tipo. No se trata de dar actividad constante, de que la galería reciba visitantes:  hablamos de reinventar la galería, buscando un nuevo enfoque en la relación con los artistas representados, con los medios e instituciones, con los coleccionistas… Evitar la inercia de dos siglos en los que el mecanismo ha funcionado razonablemente bien dentro de unas expectativas no demasiado ambiciosas en el terreno de la práctica cultural.¶ El galerista es siempre el personaje más silencioso del sistema del arte, y con ello el se pierde la aportación de uno de los pilares.  Parece un excelente momento para romper esa inercia, ¿no?

¿Puede cambiar de peinado Melendi sin despertar a los irónicos twitteros de sus ligeras siestas? ¿Qué pasaría si Bisbal saliese a un concierto con un rayo pintado en la cara o si Alborán se pusiera fundas de oro en los dientes? La gente diría eso que tantas veces suena en España ¿Quién se cree que es este? Pero si hace unos años estaba en un andamio ¿O ese era otro? Da igual. Aquí no dejamos que las estrellas existan, nos gusta que nuestras estrellas sean opacos asteriscos vestidos del outlet de Inditex, poder ser más estilosos que ellos, que salgan por la tele y puedan colar por un vecino. Nada de pelos de colores, vestidos extremos o segundos de extravagancia. Posiblemente nos hemos olvidado de lo que los ochenta nos describió como artistas, aquellos seres misteriosos que vivían por encima del bien y del mal en cuanto a la estética y la moral. A mí me interesaban esos personajes que se coloreaban por fuera y por dentro, ¿por qué hemos hecho que se extingan en España si en Estados Unidos Lady Gaga se viste de chuletones? Incluso hemos perdido las bandas teenagers de chicos oscurillos a cambio de un escaparate de Pull. Ni siquiera veo que en la escena indie haya alguien con un aspecto de súperestrella sobre el escenario. Lo de que la música no es imagen, cuéntaselo a otro que no use instagram, que dicho suena muy romántico, pero dime cómo vistes y te diré quienes te escuchan, con muy poco margen de error. Sin ser una figura del mainstream, yo como cantante, he podido vivir esta historia en mi propia piel, o mejor dicho, melena. Cuando la discográfica me lanzó al mercado español y el público vio que era un chico con un pelo liso por la cintura, buena parte no pudo aceptar que alguien así fuera a poner música a sus vidas.  Sin embargo, el público mexicano adoraba eso que causaba rechazo en España. ¿Será cosa nuestra? ¡Ahora me ha salvado la moda de los moños y Pablo Iglesias!  Y no sé si será por eso, por Vaquerizo, por Sandro Rey o porque empieza a apagarse la luz de esas estrellas que podrías presentar a tu madre sin que se asusten, pero parece que ya no hay tanto problema. Desde que me dejé barba vendo más entradas, ahora solo falta que la gente acepte que los artistas no tienen por qué vestir de cuñados para evitar la fácil frase de “se cree una estrella”. Necesitamos estrellas.

Texto: CARLOS SADNESS. Su primer álbum, Ciencias Celestes, se publicó en 2012. Tres años después, concretamente, el pasado mes de febrero presentaba su nuevo disco, La Idea Salvaje, que llevará al directo los próximos meses.
Hoy me he cruzado por casualidad con un artículo titulado “Los mejores inventos de la historia de la Humanidad”. Por alguna extraña razón -no me preguntéis por qué- me ha venido a la cabeza un invento al que llevo mucho tiempo dándole vueltas, y que además, creo que es primordial que forme parte de esa lista cuanto antes. Ese invento se llama “El medidor de amor”, imprescindible para kamikazes emocionales como yo. Vengo de la generación en la que a los niños hiperactivos, nos llamaban nerviosillos, y obviamente esto no se trataba. Además, soy la cuarta de cinco hermanos, y creo que las personas que ocupamos esta posición en las familias nos convertimos en invisibles. Así que, entre que no estaba quieta un segundo, y que en mi casa pasaba completamente desapercibida, enfoqué toda mi energía en hacer puzzles -que se me daban muy bien- y en crear todo tipo de inventos. Siempre estaba en “modo Einstein”. Hasta entonces, esos inventos eran mero entretenimiento. Fue al cumplir los 17 años, y después de que me rompieran el corazón por primera vez,  cuando decidí darle forma de verdad a uno de ellos. Se trataba de una máquina que detectara el amor que sentía por ti el chico que te gustaba, evitando así cualquier tipo de comportamiento patético por tu parte. Últimamente  no dejo de pensar en este invento, tan sólo necesito que una patente confíe en él, porque lo tengo todo pensado. Con un simple pinchacito, tan sencillo como la máquina que utiliza tu abuelo para vigilar su azúcar, podrás saber ipso facto si tu cónyuge está al 100%. Por supuesto no vale que esté al 60, 70 u 80%. Porque el amor, o se siente o no se siente. Es como diría la protagonista de mi corto Dolores “o se está embarazada o no se está embarazada, no se puede estar un poco embarazada”, pues con el amor igual. O se está enamorado o no se está enamorado, no hay término medio.¶ El plan B para los kamikazes emocionales, que aún con “El medidor de amor” seguirían ahí, a pico y pala, sería la aparición de esa máquina soñada que todos descubrimos -hasta ahora en la ficción- en la gran película Olvídate de mí de Michel Gondry. Charlie Kaufman , guionista de esta maravillosa historia, nos presentaba la opción de sacar de tu cabeza al ex que te ha destrozado la vida, borrándote todos sus recuerdos. Mientras esperamos a que una patente interesada materialice estos inventos, creo que volveré a los puzzles, a pesar de que a día de hoy no terminen de encajar las piezas de mi vida.

CINE
Texto: MANUELA MORENO. Directora, guionista y cortometrajista, cuyos trabajos han recibido numerosos premios. “Pipas”, uno de sus cortos más recientes, fue nominado a los Goya en 2014.
Bendita droga psicoactiva estimulante de nuestro sistema nervioso central,  aliada de las mañanas, compañera de largas noches de trabajo… Pero yo vengo a hablar del café,  en el que nuestra amiga representa un porcentaje realmente bajo, y  del cual seguramente desconozcas todo lo demás que hay en él. Si te preguntasen por café rápidamente te encerrarías en alguno de los grupos de gente que lo detesta,  le encanta, o ha tenido que dejar de tomarlo. Pero son tiempos para gritar “Kick Out the Jams” (como hacían los MC5) y esperar algo grande, es tiempo de cambiar la percepción que tenemos del café y conocer más sobre esa planta originaria de Etiopía que llegó a Centroamérica a manos de holandeses y que con los años se extendió por el mundo, convirtiéndose, después del petróleo,  en la mercancía más valorada. Pongamos un punto y aparte en el lado comercial del café, y centrémonos en lo que hoy en día conocemos como café de especialidad. Me refiero a café como el que a Jules Winnfield le llama la atención cuando Jimmie Dimmick se lo ofrece mientras intentan deshacerse de un cadáver en Pulp Fiction, una buena mierda que dirían, porque él sabe dónde comprar café y qué café comprar. Estoy refiriéndome a la revolución que se está dando en los países productores por cuidar más un producto y hacerlo llegar a nosotros como una nueva experiencia sensorial. Ya pasó con los vinos y ahora no bebemos cualquier cosa, pues amigo, con él café pasará lo mismo. Tu barista, esa persona que prepara tu café todos los días, y que se ha preocupado de hacerte un corazón en tu cappuccino por la mañana quizás tenga cosas que contarte. Porque detrás de ese corazón no hay una declaración de amor por ti, hay una devoción por la bebida que te han preparado. Algo está pasando y lo estás viendo, tus colegas cuelgan fotos en Instagram de cafeterías molonas, y es que hay mucho que contar.  La revolución ha llegado a la taza que te acompaña durante todo el día. ¿Quieres ser Carrie en Sexo en Nueva York y pasear con tu doble vainilla latte machiatto grande en un vaso de cartón? No. Párate un poco y degusta lo que hay en tu taza porque estás a punto de descubrir un nuevo mundo, sólo tienes que encontrar un barista y ponerlo en tu vida, él te contará grandes cosas y te descubrirá nuevos países exóticos sin tener que viajar. En cada taza un nuevo universo de sabores, aromas y respeto a las personas que lo han cultivado y tostado. La nueva ola ya está aquí, vuelve al café. Estoy seguro de que te acogerá de nuevo, calentito y con los brazos abiertos. Búscalo.

Texto: PABLO y NOLO, baristas de Mokka School & Shop, un espacio inaugurado en Madrid hace solo unos meses, especializado en el mundo del café, donde pueden encontrarse variedades de todo el mundo.
GASTRONOMÍA
Pavel: Pantalón G-STAR
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Charlotte: Chaleco Blanco
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PORTADAS
Fotógrafo: JAVIER MORÁN
 Estilismo: GEMA MARTÍN + JAVIER LOZOYA
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Make Up + Hair: ELISA MAÑAS para L’Oréal & Lancôme
Asistente de Fotógrafo: MARIO GÓMEZ
Asistente Estilismo: MARTA DEVIA
Modelos: CHARLOTTE COQUELIN @ Uno Models
+ GRACE MING @ View Management
+ INNA @ Trend Models
+ PAVEL KOZIY @ Uno Models
EDITA: IPSUM PLANET
DIRECCIÓN:  JAVIER ABIO + RUBÉN MANRIQUE + RAMÓN FANO 
DIRECCIÓN DE ARTE: IPSUM PLANET
REDACCIÓN: IPSUM PLANET

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