TEXTO: SOFÍA DOS SANTOS
FOTOS: CHLOE PAUL
Hermanas: “Bueno, somos hermanas normales, es decir, a veces tenemos nuestros desacuerdos, pero al final siempre se nos pasa y cuando acaba el día todo está olvidado. Cuando trabajamos en el estudio no estar de acuerdo es algo positivo, es parte del proceso creativo. Siempre nos presionamos la una a la otra para hacerlo mejor. Ambas amamos lo que hacemos, tenemos una forma de trabajar muy parecida y confiamos la una en la otra, es genial poder trabajar juntas”. Familia: “La música siempre fue muy importante en nuestra casa. Los fines de semana los pasábamos en familia y siempre había música de fondo. Todos los sábados teníamos clase de piano. Nuestra madre siempre insistía en que practicáramos, así que ahora es feliz de ver que aquello al final ha servido para algo”. Lo mejor: “Nos encanta salir de gira, grabar, componer… no podríamos elegir solo una de estas cosas. La belleza está en el balance. Es maravilloso regresar de una gran gira y sentarse tranquilamente en el estudio durante un tiempo. Aunque después de pasar más de cinco días seguidos en el estudio con la cabeza metida en el ordenador nos encanta volver a la carretera y disfrutar de la música en vivo”. Críticas: “La verdad es que hemos recibido críticas muy positivas, muchísimas. A veces echamos la vista atrás y nos damos cuenta del trabajo tan duro que hemos hecho, pero finalmente hemos tenido nuestra recompensa. Creo que es importante pararse a veces y ser conscientes de lo que hemos logrado”. Artistas: “Es difícil, pero si tuviéramos que elegir uno, nos encantaría trabajar con Imogen Heap. Es una increíble compositora y productora y además nos encanta su voz. Y si fuera posible traer a Kurt Cobain de vuelta sería genial tenerle también en el estudio”. Ballantine’s: “La marca se puso en contacto con nuestro mánager porque quería conocernos. Vinieron a uno de nuestros conciertos, nos conocimos y nos propusieron una idea que nos encantó, grabar un video en Madrid en el que pudiéramos incorporar a nuestros fans de todo el mundo. Nos gustó tanto la propuesta que no dejamos pasar la oportunidad de hacerlo”. Fantasia: “Este es el video que nos propuso hacer Ballantine’s. Básicamente la idea era conectar a nuestros fans de todo el mundo a la vez. Mediante una app podían enviarnos sus fotos, que se procesaban en tiempo real y se proyectaban en una pantalla gigante. Creamos algo así como una comunidad global de fans. Fue una experiencia estupenda”. Redes Sociales: “Muchas veces nos quedamos dormidas mirando Instagram. Nos encanta ir viendo lo que publica la gente. También es una buena forma de ver lo que hacen nuestros fans. Nosotras controlamos todas nuestras redes sociales y aprobamos cualquier post antes de subirlo. Es un trabajo duro, pero también es muy gratificante”. Festivales: “Nuestra actuación favorita este año ha sido en Tomorrowland Brasil. Era la primera vez que este festival se celebraba en Sudamérica y el público estaba como loco. Tocamos muchas de nuestras nuevas canciones y la respuesta de la gente fue genial”. Mujeres Dj’s: “Nos gusta fijarnos en otras mujeres que están en el mundo de la música de baile, como Annie Mac o Maya Jane Coles. Quizás al ser mujeres tengamos que trabajar todavía más duro para mostrar lo que hacemos, pero la verdad es que no nos quejamos, hemos sido muy afortunadas al estar rodeadas de grandes hombres que siempre nos han apoyado. Más allá de nuestra condición de mujeres lo que queremos es que la gente se centre en nuestra música”. Hits: “Bueno, en nuestros sets nunca pueden faltar nuestras propias canciones porque nos encanta ver cómo la gente responde ante ellas. Temas como ‘Like Home’, ‘Revolution’ o ‘Hold On’ siempre tienen un buen feedback”. Deporte: “Saltar al escenario es nuestro mejor trabajo de cardio. Y si tenemos en cuenta que durante el verano lo hacemos los siete días de la semana creo que ya hacemos un buen ejercicio”. 2016: “Será el año en el que volveremos al estudio para centrarnos en los temas de nuestro segundo álbum”. Sueño por cumplir: “Bueno, hay muchos sueños por cumplir, y no solo en relación a nosotras. Nos encantaría escuchar algún día que todo el mundo tiene agua fresca y limpia para beber. Que el tráfico de seres humanos ha terminado. Que se ha encontrado una cura contra el cáncer… Aunque personalmente, nos encantaría ganar un Grammy para Nervo. ¡Eso sería muy guay!

www.nervomusic.com

TEXTO: MANU ROMERO
RETRATO: ALBERTO GAMAZO

Nadie quiere la noche: “La película cuenta el viaje temerario de Josephine Peary (Juliette Binoche) para reunirse con su marido, el explorador Robert Peary, en el glorioso instante de descubrir el Polo Norte. Una historia (real) de aventuras y supervivencia que cambiará su rígida manera de ver las cosas”. Juliette Binoche: “Siempre se pensó en ella a la hora de interpretar a Josephine. Estaba convencida de que si leía el guion le iba a gustar y así fue. Trabajar con Juliette es una montaña rusa de emociones. Es una persona que no se conforma con nada y eso es un gran desafío, un estímulo brutal y también algo absolutamente agotador para un director. Además, no le importa pasar frío o hambre con tal de que el plano tenga lo que tenga que tener”. Exteriores: “Es el rodaje más difícil al que me he tenido que enfrentar en mi vida. Hemos sufrido por el frío, las dificultades técnicas, por trabajar en medio de la nada con 70 perros que hacían lo que querían o con personas que te decían que eran especialistas en manejar un trineo y luego nada. Me debe gustar la caña, el desafío y el riesgo porque si no, no lo entiendo”. Estrellas: “El que haya contado con tan buenísimos actores para mis películas depende exclusivamente de ofrecerles algo que no han hecho antes, un desafío”. Festivales: “Son un horror, para qué te voy a engañar. Abrir un festival como la Berlinale da vértigo porque sabes que lo van a criticar (y no sabes si para bien o mal) pero en el fondo es un buen escaparate. Si hablamos de la alfombra roja y toda la parafernalia, ya hablamos de un horror mayúsculo. Si hay que hacerlo se hace, pero me encantaría hacer como Shia LaBeouf e ir con un saco de patatas en la cabeza o también como Sia e ir con el peluquín hacia delante. Es una opción que contemplo y no descarto”. Hablando de Rose: “Cuando hay personas como las de la organización Human Rights Watch que me ofrecen dirigir la historia de una luchadora que murió tras ser torturada durante el régimen del ex presidente del Chad, Hissene Habré, pienso que es importante dar voz a esa gente que no la tiene y en formato documental”. Legión de Honor: “Mi primera impresión cuando me concedieron la medalla fue si me distinguían como mosquetera”. Spain in a day: “Contar la vida de un país con la cámara del móvil y los testimonios de cualquiera que quiera narrar su día a día es muy interesante. Quiero plantear este proyecto teniendo como referente la versión italiana dirigida por Gabriele Salvatores. Me gusta tener la posibilidad de ver cómo la gente se desnuda y cómo en ello consigo encontrar un hilo conductor bonito”. Internacional: “El concepto de las fronteras en mi cabeza no está. No es tan diferente hacer una película en Tokio, París, Ottawa o Nueva York. Hay directores a los que les encanta rodar en su barrio y me parece igualmente plausible. Si no que se lo digan a Loreak que no solo me parece bien que represente a España en los Oscar sino que me parece una película muy buena. Un director que sabe dirigir, lo sabe hacer en cualquier sitio. Nunca he descartado hacer cine aquí”. Cataluña: “No estoy a favor de la independencia. No me parece ni una idea práctica ni deseable. Estamos perdiendo miserablemente el tiempo, es una cortina de humo. Es un conflicto de otro siglo. No es mi lucha”. Next: “Si no hay cambios, empezaré a rodar ‘La Librería’, una película que llevo mucho tiempo queriendo hacer. Es una historia muy sencilla que pasa en un pueblo de pescadores muy pequeño y que narra el devenir de una mujer que pone una librería en la Inglaterra de los 60 y todo lo que allí acontece. Una cinta basada en el libro de Penelope Fitzgerald, con Emily Mortimer como protagonista. ¿Tiempo libre?: “Cuando no trabajo me encanta beber café, hincharme a anchoas, comerme la cabeza o irme al karaoke más cercano y cantar ‘La gata baja la lluvia’”.

“Nadie quiere la noche” se estrena el 27 de noviembre.

Fotograma “Nadie quiere la noche”.
© Leandro Betancor.
Fotograma “Nadie quiere la noche”.
© Leandro Betancor.
Fotograma “Nadie quiere la noche”.
© Leandro Betancor.
TEXTO: ROBERTO JUANES
Control total: “Todos los miembros de Chvrches venimos de bandas donde teníamos el dominio absoluto de lo que hacíamos, por lo que decidimos grabar el primer disco en nuestro estudio y autoproducirlo. La cosa funcionó bien, así que cuando llegó el momento de hacer el segundo nos pareció lógico volver al mismo sitio y alejarnos lo más posible de la industria”. Democracia: “Chvrches es una banda totalmente democrática. Supongo que es fácil lograrlo porque sólo somos tres, aunque lo que realmente importa es que hemos llegado a ese punto donde nos conocemos muy bien entre nosotros y, sobre todo, nos respetamos. Al juntarnos para componer temas nuevos sabíamos perfectamente lo que cada uno de nosotros podía aportar al proceso. Cuando escucho el disco soy capaz de detectar la personalidad de cada uno”. Concepto: “En ningún momento nos sentamos y hablamos sobre si el disco tendría algún concepto o temática en particular. Lo que sí hicimos fue establecer cómo queríamos que fuese en cuanto a la producción, de ese modo podíamos estar más centrados y tener mayor autocontrol sobre lo que íbamos añadiendo a las canciones. Meses más tarde echamos la vista atrás, a todo lo que teníamos, y nos dimos cuenta de que había una dirección común, una esencia; entonces decidimos enfocar todo lo demás hacia ese punto”. Menos es más: “Cuando eres tú mismo el que compones y produces no hay nadie que te diga cuando parar de añadir capas y capas de teclados. Te crees que así vas a hacer que la canción suene más grande, más épica, pero eso no siempre es cierto. Esta vez nos dijimos a nosotros mismos que debíamos hacer las cosas mucho más simples”. Primera división: “Cuando grabamos el primer disco todos teníamos otros trabajos, pero ahora estamos en la liga profesional. Con ‘The Bones Of What You Believe’ hicimos una gira de casi dos años, y después de todo ese tiempo cantando día tras día he podido conocer mi voz mucho mejor, lo que me ha permitido ampliar mi variedad de registros. Además, ahora tenemos más claro el sonido que queremos, y tenemos mucha más confianza en lo que hacemos. Intentar cosas nuevas y traspasar nuestro propio límite en beneficio de las canciones ha sido un reto que teníamos que afrontar”.  Interpretación: “En ‘Every Open Eye’ hay muchas canciones que hablan de la parte más negativa de las relaciones, una sobre los aspectos positivos y otras que directamente tratan otros temas. Para mí la perfección llega cuando alguien interpreta mis palabras y les da un significado completamente diferente al que yo pretendía, pero aún así significan algo para ellos. Es una especie de transferencia que me parece muy interesante, especialmente en directo. Cuando actúas, lo que cantas es muy importante para ti, pero lo es mucho más para la gente que te está viendo, aunque la interpretación de esas palabras sea radicalmente diferente”. Ciber-acoso: “No he dejado que el acoso que he sufrido en las redes sociales los últimos años afecte a la música que hacemos. Hablamos mucho sobre ello en el grupo, y decidimos que sólo íbamos a alterar el modo de comportarnos con los medios, no las canciones”.  Formato vinilo: “Pensamos en hacer un disco que tuviera sentido como un álbum completo, aunque luego la gente compre las canciones sueltas. Iain es el que toma este tipo de decisiones, y quería estar seguro de que hubiera cara A y cara B, ambas con una especie de hilo argumental que sólo tuviera sentido al oír los temas en orden. Hablamos con ciertas personas que nos dijeron que el álbum se estaba muriendo y que ya nadie los compra, pero cuando componíamos todos teníamos muy claro que queríamos algo así. Aún no estoy preparada para la muerte del vinilo”. Cambio de vida: “Me atrevería a decir que Chvrches nos ha cambiado la vida, aunque puede que no sea del todo cierto. Ha habido ciertas cosas que se nos fueron un poco de las manos, pero siempre tratamos de mantener la cabeza en su sitio. Volver a Glasgow y pasar allí seis meses nos ha ayudado a normalizar la situación”.

‘Every Open Eye’ está editado por Universal Music.
TEXTO: MARIANO MAYER
RETRATO: EMMA WINS
Lenguajes digitales: “Estamos en un momento interesante porque hemos superado la fase de iniciación al medio digital y ha empezado a hacerse invisible, como la electricidad. En el futuro no pensaremos en Internet al conectarnos sino cuando falle la conexión. El arte nos ayuda a entender el medio porque produce visibilidad donde no era necesaria, entorpeciendo su aceleración natural. Ahora bien, cuando se habla de lenguaje digital tengo la impresión de que nos referimos a estructuras recurrentes, a “jargón”. Es algo contingente a las comunidades, al éxito de las imágenes en las redes y demás. Todo el post–digital–Internet habla mucho de esta contingencia y muy poco de los problemas centrales de la tecnología y el arte, como lo hicieron en su momento Jack Burnham o Donna Haraway. En este sentido, hago uso de ciertos lenguajes porque son operativos, pero cada vez me despiertan más sospechas”. Significados visuales: “El significado es un aspecto más de nuestra relación con las imágenes, pero no creo que sea el único. Por ejemplo, para obtener imágenes producimos residuos, generamos y destruimos economías y agotamos tiempo de vida propio y ajeno. Las imágenes circulan online gracias al coltán, la explotación de mano de obra barata en países pobres, los vertederos de Guangdong y una enorme cantidad de energía cuya producción pone en riesgo la vida en el planeta. Todo eso forma parte de las imágenes pero muy pocas veces entra en la discusión sobre el significado de las mismas. Así que me parece una discusión legítima pero incompleta a la que hemos dado demasiada importancia. De hecho, no es un problema que la gente no entienda las piezas. Al revés, nos libera de la necesidad de inyectar significado artificialmente”. Denim: “La primera vez que expuse los trabajos con denim fue en la antigua fábrica de George Stephenson en Newcastle, donde se fabricaron algunas de las primeras locomotoras de la historia, señalando el comienzo de las redes de comunicación físicas. En 2012 la planta baja del edificio estaba ocupada por trabajadores creativos con WIFI, un ejemplo de transición entre una economía industrial y otra informacional. El denim apareció en un momento en que era importante proteger al cuerpo de la agresión del trabajo y acabó siendo una mera virtualización del mismo; hoy en día el gastado de los pantalones se hace con ordenadores, archivos digitales y máquinas láser. De alguna manera, el material y el proceso informan sobre su propia transición, igual que nuestro cuerpo informa sobre nuestros ancestros. También en arte, quiero pensar que no existe la novedad sino una especie de suma continua de pequeños cambios que a veces resultan en una mayor o menor solidez y coherencia interna”.Producción industrial y perspectivas humanas: “Mencionas algo muy interesante, y es la idea de que todo lo artístico es humano. Aunque estoy de acuerdo, también creo que con esta excusa el arte protege muchas intuiciones falsas sobre el yo, como por ejemplo la idea del sujeto creador como una especie de manantial. Precisamente, al hacer estas piezas experimenté con una forma de trabajar muy poco creativa, desvinculándome emocionalmente del trabajo, uno de los temas recurrentes del arte conceptual. Las piezas son mosaicos hechos con copias de moldes de chocolate rígidos parecidos a los que se utilizan en la industria, fabricados a partir de tabletas de diferentes marcas. Para hacerlos tienes que preparar un entorno seguro, diseñar rutinas de trabajo, planear turnos, etc. Es un proceso de ingeniería inversa,  técnico y aburrido que sí refleja el cuerpo y las acciones de quien lo ejecuta, pero no su psicología”. ¿Vence la cualidad industrial?: “Ni idea. Lo único que sé es que el arte permite pasearse por esos conceptos. En la Fundació Miró también presento una línea de pinturas al óleo hechas en colaboración con Kremer Pigmente que se distribuirán online y que están hechas con aceite de caja de cambios, para que no sequen nunca. Es un producto comercial fabricado a escala industrial pero que tiene su origen en una decisión artística. Esos jardines cada vez son más accesibles. La industria es el nuevo folclor”.

Hasta el 08 diciembre, www.fmirobcn.org

Vista de la instalación, Rubén Grilo
en el Espai13 - Fundació Joan Miró,
Barcelona 2015. Cortesía de Nogueras
Blanchard, Madrid y Barcelona;
Future Gallery, Berlin.
Vista de la instalación, Rubén Grilo
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Barcelona 2015. Cortesía de Nogueras
Blanchard, Madrid y Barcelona;
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Vista de la instalación, Rubén Grilo
en el Espai13 - Fundació Joan Miró,
Barcelona 2015. Cortesía de Nogueras
Blanchard, Madrid y Barcelona;
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Vista de la instalación, Rubén Grilo
en el Espai13 - Fundació Joan Miró,
Barcelona 2015. Cortesía de Nogueras
Blanchard, Madrid y Barcelona;
Future Gallery, Berlin.
Iván Martí­nez e Inés Aguilar,
diseñadores y fundadores de
La Casita de Wendy.
FOTOS: ELENA GRIMALDI
TEXTO: CARMEN COCINA
15 años: “Cuando empezamos nos movíamos por impulso, con la frescura de la intuición, pero nos costaba encontrar el equilibrio entre lo creativo y lo comercial. Ahora meditamos más las colecciones, somos a la vez creadores y pequeños empresarios. Tenemos en cuenta lo que les gusta a nuestras clientas y lo mezclamos con nuestra personalidad para conseguir colecciones que nos permitan vender internacionalmente y a la vez divertirnos. Somos conscientes de lo afortunados que somos de vivir de lo que nos gusta. La Casita de Wendy nos ha permitido conocer a muchísima gente y vivir muchas aventuras. Tener tu propia empresa es un viaje constante y aunque hay momentos de incertidumbre todos los años de este viaje han merecido la pena”. Lifestyle: “Llevamos una vida muy tranquila. Nuestro estudio está en una zona con jardín y ahí conseguimos desconectar. También le damos mucha importancia a nuestra vida personal, en mi caso a estar con mi hija, jugar con ella... Cuando era más joven dedicaba los fines de semana completos a trabajar, pero ahora intento disfrutar con más tiempo de la familia, los amigos y la naturaleza”. Artivismo: “Creemos que las personas que tenemos cierta visibilidad o influencia podemos ayudar a cambiar las cosas. Usamos las redes sociales como plataforma para poner en marcha de forma espontánea iniciativas con las que intentamos aportar algo para mejorar la sociedad. Si está en nuestra mano promover un cambio a través de nuestro trabajo y de nuestra capacidad creativa, sentimos que debemos hacerlo”. Feminismo: “Cada día me enfrento a muchos detalles que me disgustan en una sociedad supuestamente igualitaria. Como mujer, me preocupa lo ocultas que hemos estado históricamente en el diseño, el arte, la literatura... Siempre me ha fascinado la intuición femenina creadora y como ésta se ha aplicado con humildad. Encontrar mantas de patchwork americanas del siglo 19 con diseños geométricos más fascinantes que Kandinsky o bordados de mujeres de la india con figuras más impresionantes que las de Picasso... Pero estos trabajos siempre se han considerado de segunda, porque el arte que admiramos siempre ha sido cosa de hombres. Necesitamos un cambio de mentalidad para incluir a las mujeres, con su sensibilidad y diferencia. Con frecuencia nos inspiramos en determinados colectivos de mujeres para nuestras colecciones. También intentamos hacer ropa para mujeres reales, que quieren expresar su identidad a través de sus prendas sin ser cosificadas o ir incómodas con taconazos. Mujeres inteligentes, imaginativas, divertidas y por todo ello bellas”. Ética: “Intentamos ser coherentes con nuestros principios, empezando por ser considerados con las personas que trabajan para nosotros. Fabricamos localmente e intentamos utilizar tintes no tóxicos y estampados digitales, que contaminan menos que otras técnicas. Nuestro enfoque es muy contrario al fast-fashion, tratamos de hacer cosas que duren y con diseños atemporales, que siempre son especiales y no siguen tendencias. Supongo que nos equivocaremos en muchas cosas, pero intentamos hacerlas bien, ropa bella hecha de forma bella y feliz”. Hidden Place: “Nuestra colección para este invierno está inspirada en nuestros escondites, los lugares donde nos sentimos a salvo del ruido, la ciudad y la velocidad del trabajo diario. En mi caso es mi casa de campo y la naturaleza, por eso la colección está salpicada de setas (que me encanta ir a buscar), la leña para la chimenea, las hojas de los robles del bosque de al lado de casa, la madera... Hasta hay bordados que me reflejan a mí leyendo o escondida entre las hojas”. World Wide Brand: “Desde el comienzo hemos tenido muy buena acogida internacionalmente, especialmente en Japón, China, Gran Bretaña y USA. Desde este otoño estamos presentes en más de 200 puntos de venta de todo el mundo con la cadena Anthropologie. Queremos que nuestra ropa llegue a quien lo desee, sin límites geográficos. Gracias a nuestra tienda online es posible acceder a nuestros diseños desde cualquier lugar”. Naïveté: “Supongo que con nuestros estampados queremos quitarle seriedad al mundo. Valoramos el sentido del humor por encima de todo y nos fascina la infancia, la forma de disfrutar de las cosas que tienen los niños, que vamos perdiendo según crecemos. Vivimos en una sociedad excesivamente racional donde no nos permitimos la magia o lo ilógico. La imaginación es necesaria para avanzar”.

www.lacasitadewendy.com

Colección Otoño Invierno 2015-16
Colección Otoño Invierno 2015-16


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FOTÓGRAFO: DANNIEL ROJAS
ESTILISTA: JAVIER DE JUANAS
MAQUILLAJE: JAVIER SEVILLANO
PELUQUERÍA: JESÚS DE PAULA
para GHD España
RETOQUE: RAFA SEOANES
MODELO: CHUN @ TREND MODELS
TEXTO: MONGÓMERI
Corea del Sur es el nuevo Japón. Todo lo que hacen mola. El país, acompañado de una privilegiada situación económica y un alto desarrollo tecnológico, vive, desde los años 90, una explosión de creatividad en múltiples disciplinas. Incluso ha desarrollado su propio subgénero musical: El K-Pop, una corriente, musical y estética, teledirigida por el propio gobierno. Su nombre lleva implícito una auténtica declaración de principios: Korean Pop. La denominación de origen genérica tendría como propósito unificar mentalmente las 2 Coreas bajo el, mucho más apetecible, life style surcoreano, contexto geo-socio-político donde nace este movimiento (todo el mundo sabe que en Corea del Norte el pop brilla por su ausencia). De hecho, la idea de unir, fusionar y globalizar forma parte de la esencia del K-Pop, subgénero que se define por fagocitar los estilos más generalistas de la música contemporánea: pop, tecno, electro, hip-hop, dance, rock… o lo que se tercie. Todos los géneros se mezclan en esta poderosa termomix “made in south corea”. Los únicos géneros que no se mezclan son los sexuales.

El ejercito K-Pop está formado por batallones de chicos o de chicas, nunca juntos. Cada batallón está formado por 4 o 7 soldados meticulosamente formados en costosas escuelas desde edades tan tempranas como los 9 o 10 años. De estas fábricas de estrellas -fugaces, en la mayor parte de los casos- pueden salir anualmente más de medio centenar de formaciones dispuestas a arrasar el mundo. El sistema parece similar al de la industria futbolística de occidente. Mientras que aquí los niños quieren ser futbolistas, a los de allí les gustaría ser artistas del K-Pop. Algo para lo que no basta nacer, también hay que hacerse. Los niños no solo estudian canto y danza, imprescindible para realizar las milimétricas, y hasta acrobáticas, coreografías que ejecutan en equipo, sino también técnicas de comunicación para relacionarse con los periodistas y con los fans. Todo parece cuidadosamente estudiado para conquistar al mundo juvenil y a la opinión pública internacional. El youtube es el nuevo portaaviones desde el que bombardearnos sin piedad.

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Como cualquier ejército que se precie, el K-Pop también tiene su propio uniforme, muy ecléctico eso sí. Con una clara influencia del manga japonés y los estilismos que sorprendieron al mundo a comienzos de los 90 desde las calles de Shibuya, su estética, muy marquista, ensalza el maquillaje, los colores muy vivos, las mezclas explosivas y los prints gráficos con toques naif. Toda esta expresividad contrasta a su vez con una vertiente más elegante y formal de algunos intérpretes de K-Pop que heredan siluetas propias del vestuario masculino de la primera mitad del siglo 20. Una tendencia que les asocia a la corriente Black Dandy que surge desde Brooklyn, París o lo más profundo de África. Todo esto delata un profundo conocimiento de la historia de la moda. No son solo cantantes que bailan, han sido formados como auténticos embajadores para las marcas de moda. Sus artífices son conscientes de que la combinación de música, estética y comercio es un arma poderosísima de conquista, mucho más efectiva a largo plazo que cualquier arma de destrucción masiva.
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Todo parece un perfecto plan orquestado por los surcoreanos para conquistar el mundo, vengarse de la ocupación japonesa y unificar las 2 coreas. No hay que olvidar el shock sufrido por Corea durante la primera mitad del siglo 20. Lo que era un país ajeno al resto del mundo fue tomado por los japoneses desde 1905 hasta 1945, años en los que estos declararon la guerra a medio mundo. Su rendición coincide con el fin de la Segunda Guerra Mundial, pero el conflicto coreano continua. Ahora serán los Estados Unidos y la Unión Soviética los que intenten hacerse con el país. Un tira y afloja que, finalmente en 1948, fragmenta Corea en 2: la del Norte, más comunista, y la del Sur, más capitalista. Pasando así de ser un país tradicionalmente aislacionista, a todo lo contrario, me refiero a Corea del Sur, muy influenciada por el life style americano. Un estilo de vida que vivieron muy de cerca durante los 50, época en la que el ejército estadounidense estuvo presente en la zona para hacer frente a la amenaza comunista del norte. Sin duda, y como todo se pega, ese fue el germen de la creación del K-Pop.

A pesar del armisticio declarado en 1953, las 2 coreas siguen oficialmente en guerra. Pero mientras la del norte amenaza al mundo con programas nucleares, la del sur crea el K-Pop, un instrumento creativo del gobierno surcoreano para conseguir sus fines. Promotores del K-Pop Festival World en todo el mundo -en España vamos por la cuarta edición-, los políticos de Corea del Sur son conscientes de que la música y la moda, en definitiva la creatividad, son elementos que ayudan a crear buena imagen de un país. En este caso, la imagen que interesa transmitir es la de modernidad, sinónimo de tecnología, ya que Corea del Sur es una de las principales industrias tecnológicas del mundo, y las exportaciones son claves para su PIB. Pero más allá de los objetivos económicos, y vengarse de los japoneses convirtiéndose en un país mucho más molón, Corea del Sur persigue la unificación a través del K-Pop. Su influencia está llegando a los jóvenes vecinos del norte, los cuales comienzan a seguir ciertas tendencias estilísticas del K-Pop, llegando incluso a desafiar algunas de las estrictas normas que impone el Estado en lo que se refiere a indumentaria. De hecho, ya se habla de K-Pop norcoreano. La revolución está en marcha. Lo que una el maquillaje y el estilismo que no lo separe el hombre.

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diseñado por Jasper Morrison para Punkt.

Lámparas Alphabeta trio diseñadas por Luca Nichetto para Hem
El pasado mes de septiembre pudimos asistir a una nueva edición de The London Design Festival (LDF), una muestra que se viene organizando desde el año 2003 y que engloba eventos como el 100% Design, Design Junction, Decorex Internacional, Tent London y Super Brands. Eventos que durante una semana giran alrededor del mundo del interiorismo y el mobiliario. Durante este tiempo además se activan las programaciones en los design districts que son los barrios que tienen un especial interés en el diseño. En estas páginas te hacemos un resumen de lo que más nos sorprendió. LDF no es el lugar para descubrir grandes novedades, pero sí sirve para prestar atención a algunos productos que han podido pasar inadvertidos en Milán. Design Junction, como suele ser habitual, ha sido la feria de mayor calidad este año. En esta edición también se han unido al LDF espacios expositivos como Somerset House y el Victoria & Albert Museum. Pero vayamos directos al contenido. Una marca que nos ha llamado la atención ha sido Hem, que montó una pop up store en Covent Garden. Hem es una firma relativamente nueva, creada en junio de 2014 por la unión de otras dos marcas: Fab y One Nordic. Su centro de operaciones y fabricación está en Alemania. Detrás de Hem están Jason Goldberg como CEO, uno de los fundadores de Fab, y en la dirección creativa Petrus Palmér, un personaje polifacético que fue uno de los creadores de One Nordic. Hem está fundamentalmente pensada para la venta online. La experiencia de Goldberg con Fab en marketplaces junto a Palmér, también uno de los fundadores del estudio sueco Form us with love, los convierte en una mezcla explosiva de éxito. Hem ha empezado el 2015 fuerte comprando los derechos de diseño y producción de mas de 200 productos de la firma italiana Discipline. ¿Será Hem el nuevo luxury Ikea como se definían One Nordic? Su pop up store estará abierta en Londres hasta el 31 de enero de 2016.

Estanterías Coupé diseñada por Poiat
y silla Pause diseñada por Kasper Nyman, ambas para Woud

Lámpara de techo Dot, diseñada por Rikke Frost para Woud
Lámpara Turn On, diseñada
por Joel Hoff para Wrong
for Hay

Reloj PXR-5 diseñado por
Michael Young para Void

Sofá Palo 2 diseñado y producido por Hem
Mesa AA diseñada por Spant Studio para Woud
Un producto curioso encontrado en LDF ha sido el teléfono diseñado por Jasper Morrison, se trata de un teléfono que solo ofrece las funciones básicas, es decir, llamadas y SMS. La idea que hay detrás de este producto es que vivimos en un estrés continuo con los smartphones y este nuevo teléfono es una forma de desconectar y de ser más productivo porque te puedes concentrar mejor. Lo peor del teléfono es el precio que le ha puesto Punkt, la marca que lo produce, casi 300 euros por un terminal que es solo eso: un móvil. Nos parecieron interesantes unas sillas muy parecidas a las clásicas de Thonet pero a las que se les había incorporado partes en cuero en su diseño. La marca que hay detrás es Gemla ab y es una compañía sueca que lleva haciendo esto desde hace 50 años. Woud es una nueva marca danesa creada en el 2014 y que se mostró al público en la feria IMM de Colonia en enero de 2015. Sus fundadores son el matrimonio Torben Koed, CEO de Woud, y Mia Koed que es la directora creativa, ambos con una dilatada experiencia en la industria del mueble. Con poco mas de un año de vida tienen un amplísimo catálogo. De su multitud de diseños destacamos la estantería Coupé diseñada por los finlandeses Poiat, la mesa AA diseñada por los daneses Spant Studio y la silla Pause del danés Kasper Nyman. Seleccionamos también para este artículo la marca de relojes Woid que fue creada por David  Ericsson en 2008 a partir de su proyecto de fin de carrera. Tampoco podía faltar en el LDF alguna novedad de la submarca Wrong for Hay creada por Hay y capitaneada por Sebastian Wrong. Este año presentaron la lámpara de mesa Turn On diseñada por Joel Hoff. Turn On tiene una base facetada en aluminio y una pantalla en vidrio opalino. El giro de la base sirve para el apagado y encendido, pero también para regular la intensidad de la luz.
Silla de la serie Stühl diseñada por James Stickley
Mesa Nim de Pinch
Taburetes plegables Imo de Pinch
Mesa Eugene y taburetes plegables Imo, ambos de Pinch

Set porcelana Plantation de  Alicja Patanowska
Sofá Cumulus diseñado por Jonas Wagell para Mitab
Vajilla Patternity diseñada por Richard Brendon
Mesa Eugene y taburetes plegables Imo, ambos de Pinch
Joel Hoff es un joven diseñador alemán recién licenciado en el Royal College of Arts. También del Royal College nos pareció destacable el trabajo de la polaca Alicja Patanowska y su proyecto de fin de carrera Plantation presentado como marca. El proyecto consiste en un conjunto de elementos de porcelana diseñados para cultivar hierbas y plantas ornamentales mediante el principio de la hidroponía, es decir, cultivar sin tierra, solo con disoluciones minerales. De porcelana también es el trabajo presentado por Richard Brendon, su vajilla Patternity es un ejemplo de cómo usar el diseño gráfico con acierto. Richard fundó su estudio en 2012 y consigue buenos resultados mezclando artesanía y diseño. Otra marca que descubrimos, aunque ya lleva en el mercado mas de 30 años, es la firma sueca Mitab. De los productos presentados nos quedamos con su sofá Cumulus diseñado por Joanas Wagell. El diseñador James Stickley volvió este año al Design Junction para exponer su serie de sillas rotundamente gráficas Stühl, con variaciones en sus respaldos y fabricadas en metal con un potente lacado en azul réflex. Por último, unas líneas para el estudio inglés Pinch que desembarcaron con un gran número de piezas de mobiliario con una factura impecable. Algunas de sus novedades: la mesa de madera Eugene de 2,4 metros de larga y con unos detalles y acabados admirables, los taburetes plegables Imo y la escultural mesa de centro Nim hecha de Jesmonite. Pinch se fundó en 2004 por el matrimonio Russell Pinch y Oona Bannon y tiene su centro de operaciones en el barrio de Clapham, al sur de Londres.
Nombre: “Empress Of viene de una canción llamada Patrick que va de una noche de fiesta. En una de las estrofas decía ‘yo iba a ser tu emperatriz’ (empress) pero ponerme sólo ‘empress’ como nombre me parecía demasiado pretencioso. Así nació Empress Of, mucho más sutil.” Comienzos: “Comencé a componer con 14 años, sólo con el piano y con un ordenador en casa. Pero alrededor de los 17 es cuando empecé de verdad con la música.” Ciudades: “Es un poco raro porque nací en Los Ángeles pero los últimos cuatro años he vivido en Nueva York y ahora vuelvo a Los Ángeles. La verdad es que no me importa, porque los cambios de ciudad constantes y estar cada día en un sitio distinto es parte de ser músico.” Profesión: “Creo que sí, que ahora puedo decir que de verdad soy músico y esta es mi profesión. Antes tenía como cuatro trabajos y pasé de dar clases y hacer malabares con los horarios a firmar un contrato y decir, vale, esto es real. Trabajo diez horas en el estudio todos los días porque esto es lo que quiero hacer, grabar discos.” Puma & Solange: “El proyecto para Solange fue algo increíble porque para la campaña de Puma no utilizó modelos convencionales, sino mujeres especiales como poetas, abogadas o doctoras, creía que iba a haber más músicos, pero el único músico fui yo.” México: “Compuse todas las canciones del disco en México porque estaba contaminada de Nueva York. Es decir, es una ciudad increíble pero muy estresante y no puedes ponerte a escribir un disco ahí. Empecé a componer y todas las canciones eran tristes, depresivas y oscuras y me ofrecieron irme a México a la casa de un amigo y no me lo pensé.” Me: “Tanto el título como la portada del disco son dos cosas muy sencillas y minimalistas. Quería algo que pudiera ver dentro de diez o veinte años y no me hiciera sentir avergonzada. Entonces quería algo honesto, directo, que mostrara lo que soy, sin tapujos ni maquillajes o engaños.” How Do You Do It: “Esta es mi canción favorita del disco porque es divertida, el resto son bastante serias, pero esta es mucho más alegre y me gusta mucho para tocarla en directo.”
Antecedentes: Grado en Royal Academy of Fine Arts, curso de estampación experimental en St Martins, bachillerato de moda técnica en Zurich, becada por Vivienne Westwood y por la sección Embroidery de Alexander McQueen. Multidireccional: “Me gustan aquellas disciplinas artísticas que te permiten ir en muchas direcciones diferentes. La moda es la que mejor se presta a ello, puesto que alberga muchas facetas: dibujar, contar una historia y dar vida a un diseño a través de los materiales. Para crear me inspiro en la cotidianeidad: paseos, conversaciones y anécdotas. En mi última colección la base son pequeñas muestras de tejido. Me fascinaban su composición y colores y quería darles una forma más contundente a través de las prendas”. Yellow Red Blue: “Mi colección de graduación se inspira en los tres colores primarios, de los que surgen todos los demás. Tomé como guía la experiencia multisensorial de la artista Lygia Clark, que insta al espectador a manipular el acabado de sus obras. Con los vestidos ocurre lo mismo: son lienzos y cada mujer se muestra a través de ellos, formando parte del conjunto y creando su propia historia. No quería que los volúmenes parecieran esculturales ni pesados, así trabajé con telas transparentes y las envolví en seda. Usé otros tejidos más o menos ligeros: lana, tul, mohair, papel metalizado y, para crear contraste y tensión, terciopelo. Me resulta difícil explicar la colección con palabras, porque no conozco nada con lo que se pueda comparar. Quería que fuera fresca y moderna, con prendas ponibles y otras más conceptuales”. Método: “Trabajo guiándome por mi intuición. En Antwerp se trabaja con libertad absoluta, sin límites y sin el imperativo de que la colección se venda bien. Es un proceso muy intenso”. Antwerp: “Descubrí la escuela cuando visité la exposición de Bernhard Willhelm en el MoMu. Enseguida me di cuenta que ahí la moda iba mucho más allá, era más bien un relato combinado con dibujos e instalaciones. Creatividad por encima de todo. El corazón se me puso a mil y desde ese instante supe que quería estudiar allí. Además de su extraordinaria fantasía, en la academia confluyen muchas culturas diferentes, lo que me empujó a ampliar mis horizontes”. Lookbook: “A la prensa casi siempre le interesan las piezas más experimentales, así que me centré en ellas, pero sin olvidar las prendas más llevables. Si te pasas de experimental al final no hay contraste. El equilibrio es fundamental”. 2020: “Me gustaría tener mi propia marca, pero algo más adelante”.
Arquitectura: “Colaboro desde hace 2 años en el estudio de arquitectura Langarita-Navarro. Terminé Arquitectura en junio, y a principios de años creé, junto a Eugenio Fernández, el estudio Atelier Teratoma. Un proyecto que estamos enfocando como 2 plataformas que cooperan, una más enfocada a la investigación, y otra hacia el diseño y la arquitectura”. Moda: “Hice cursos de diseño y patronaje cuando vivía en Irlanda del Norte. Creo que es necesario controlar el medio para que los problemas técnicos no sean los que te impidan hacer lo que quieras. Por otro lado, me gusta mucho la cita de Anna Wintour cuando habla de sus breves estudios en una escuela de moda que pisó 2 veces: de moda se sabe o no se sabe”. Elección: “No me gustaría tener que elegir entre moda y arquitectura. Las 2 parten de procesos creativos parecidos, pero su resultado final se desarrolla a diferentes escalas. Soy joven y tengo ganas de experimentar con las 2. En la moda soy capaz de controlar todos los detalles, mientras que en arquitectura hay un punto en el que se te escapan de las manos. Quizás en arquitectura es difícil que te tomen en serio hasta que no llegas a un rango de edad. En moda ser joven no es una desventaja, pero la competencia también es mayor”. Act II: “Es mi segunda colección, está inspirada en una secuencia de Mulholland Drive de David Lynch, donde Rebekah del Río se desvanece en el escenario de un teatro prácticamente vacío. Ahora estoy asentando las bases para la comercialización de las prendas. La colección está formada por 9 piezas, que no miran tanto por el material, si no por las siluetas que crean: cuerpos alargados, abultados y distorsiones en general”. Unisex: “La moda masculina es muy conservadora, me gustaría llevarla a un punto más ambiguo, donde las prendas se vean sin género, más como objetos. Me gustaría enfocarme a un público donde las piezas sienten bien a ambos géneros, pero que en cada uno cuente una historia diferente”. Samsung Ego: “El mundo de la pasarela me interesa mucho, es un buen campo de trabajo donde moda y arquitectura pueden unirse. Me gustaría participar en Samsung Ego. En la pasarela los diseños cuentan, pero lo que te enamora es la forma de presentarlos. Y como arquitecto y diseñador creo que podría aportar un valor añadido a la pasarela”. Ventas: “De momento las ventas son solo online, en la boutique online de mi web. El precio medio de las prendas son 150 euros”.  

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Marca: “El poder de comunicación de la marca la convierte, bajo mi forma de entender el arte, en el medio contemporáneo de expresión más interesante. Yo soy un artista que tiene una marca, pero trabajo con conceptos. Veo una frontera delicada a la hora de comparar lo material y lo no material. Por ejemplo, si algo no da dinero… ¿no existe?”. Etiquetas: “Si hay algo que me gusta de nuestros tiempos es que hay un comienzo de concienciación del ‘no género’, y que en moda también es un tema a retomar, es algo muy básico. Una parte de mi trabajo se basa en lo unisex, en trabajar sin tallas, eliminar condicionantes a la prenda: no sex, no size, no age”. ZonaFranca: ”Es la última colección. Está inspirada en la reubicación y reutilización de materiales y sensaciones. Aunque tengo mi propio equipo y colaboro también con sabios de la confección, esta la he confeccionado yo solo. Trabajo en mi propio taller pero también recurro a otros externos. Los talleres están en peligro de extinción y es muy necesario apoyar a la industria mediana y pequeña”. Tejidos: “Son la semilla de todo. La tela decide el diseño que necesita y ordena mis ideas sobre siluetas o patrones, por eso la búsqueda ha de ser meticulosa. La creación y producción de tejidos es algo muy complejo y rico que se debería respetar y mantener como algo patrimonial, made in Spain”. Canvas: “Nuestras líneas Ti.o y Bag.o están hechas con canvas crudo y la idea es que se conviertan en un soporte para artistas. Son una base que, además de marcar tendencia en sí misma, permite que cualquiera pueda poner su propia marca sobre un pantalón o un bolso”. Futuro: “Estamos inaugurando la venta online. La gama de precios va desde los 30 a los 300 euros. Para el 2016 tenemos muchas novedades: presentamos 5 nuevos modelos de pantalones en nuestra línea de jeans Ti.o, también nuevos productos para nuestra linea de casa Cas.o, publicamos un libro de fotografía que saldrá en primavera, y estamos diseñando una colección masculina para el otoño 2017”. Redes Sociales: “Son parte ya de la estructura, aunque creo que vuelve a molar desligarse, supongo que son los últimos coletazos de resistencia. Me gusta instagram, habla la imagen. Es interesante vivir el cambio en la manera de comunicarnos, lo físico empieza a ser un lujo. La velocidad aumenta, pero yo quiero mantener
la mía propia”.

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‘I Cry When I Laugh’ está editado por Atlantic Records.
Primer disco: “La gente me empezó a conocer gracias a las colaboraciones que hice con Clear Bandit y Route 94, así que tenía que darlo todo con mi primer trabajo en solitario. Al final, grabar mi propio material ha sido más sencillo. Todo de lo que hablo en mis canciones trata sobre mí, sobre mi mundo particular, así que todo sale de la manera más natural. Ha sido una gran experiencia”. Estilo propio: “No me gusta que me asocien con un estilo en particular. La mayoría de mi música viene de una base soul, pero en realidad tiene de todo: funk, dance… He incluido toda la música por la que me siento inspirada, buscando mi propia voz”. Moda: “La moda no es sólo la ropa que te pones, es cómo te presentas ante el mundo, y eso es algo muy relevante. Se trata de la impresión, de cómo te ven otras personas. Yo quiero que la gente me vea e inmediatamente sepan lo que me gusta, cómo soy. Así que la ropa que compro y lo que elijo cada mañana al vestirme siempre tratan de representarme”. Imagen de marca: “Hoy día ser artista no es nada fácil. Yo he tenido la suerte de que Bench ha confiado en mí desde el principio, y su apoyo ha sido fundamental en mi carrera, como lo es para muchos otros músicos. Por eso estoy encantada de ser la cara de su nueva campaña”. Diseñando: “Bench ha contado conmigo para diseñar una colección cápsula para la próxima temporada de primavera-verano, coincidiendo con el inicio de la época de festivales. He de reconocer que ha sido algo muy complicado, no tiene nada que ver con mi trabajo habitual, que es componer. Cuando hago música simplemente tengo que pensar en mis sentimientos, en mi experiencia personal, pero diseñar ropa es otra cosa. Tengo que pensar qué me pondría y transformar ese pensamiento en algo real, tangible. Ha sido una experiencia muy enriquecedora, pero si tuviera que elegir, prefiero hacer música, para mí es algo que está por encima de todo lo demás”.
Origen: “Nosotras somos de Mumbai, India. La primera vez que me sentí interesada por la moda que puedo recordar es cuando tenía 11 años. Estaba viendo el concurso de belleza Miss Mundo por televisión, y creo que fue la primera vez que puedo recordar estar fascinada ante tantos vestidos hermosos. Por entonces India no tenía muchas revistas de moda, al menos no realizadas en el país, pero en la librería que había cerca de donde  vivíamos recibían Teen Vogue y las ediciones británicas y americana de Vogue, y nosotras las comprábamos literalmente todas. Estábamos muy intrigadas por la simple idea de que hubiera firmas de moda dedicadas a gente de todas las edades, incluso a la muy joven”. Influencias: “India es un país muy colorista. Es muy vibrante y osado cuando se trata de llevar algo muy colorido. Tenemos también muchos trajes tradicionales que hoy la gente viste mezclándolos con ropa occidental. Esto hace que tome proporciones interesantes. Así que podríamos decir que el color y las proporciones son las dos principales influencias que recibimos de nuestro país. Nuestros diseños son una mezcla entre elementos minimalistas y maximalistas y un equilibrio entre líneas limpias y detalles gráficos”. Formación: “En el London College of Fashion aprendimos la importancia de la investigación en el diseño y cómo esa búsqueda nos puede llevar hasta nuevas ideas originales. Allí nos hicieron ver la moda desde una perspectiva de 360 grados, cubriendo muchas facetas implicadas: el arte, el diseño y el negocio, porque después de todo la moda es un negocio creativo. Una de las cosas más importantes que aprendimos nos la enseñó nuestro director creativo allí, Rob Phillips. Nos dijo que hay una gran diferencia entre moda y ropa, y que es la atención a los detalles lo que marca la diferencia”. Repercusión: “Nos  hemos sentido muy honradas de que a la prensa especializada le haya gustado tanto nuestro trabajo. Siempre habíamos tenido el sueño de construir una firma de éxito, pero nunca, ni en nuestros sueños más locos, imaginamos que todo iba a suceder así. Estamos abrumadas y damos gracias a Dios. De entre los premios y menciones que hemos recibido en estos últimos años el más importante ha sido sin duda el premio especial del jurado de los Premios LVMH para  Jóvenes Diseñadores de Moda 2014. Todavía lo vemos todo surrealista”. Vivencias: “Sin duda hemos vivido muchos momentos importantes desde que lanzamos Miuniku. Hemos tenido la oportunidad de presentar nuestra colección primavera 2015 en París, la de otoño 2015 en Milán, y finalmente, este pasado septiembre, la de primavera 2016 en Londres, tras mudarnos a esta ciudad. Lo que queremos es crecer como marca y negocio, y queremos seguir haciendo las presentaciones en Londres”. 
 
Imágenes Colección Primavera Verano 2016.
www.miuniku.com

Formación: “Estudié diseño de moda en el IED Madrid. Fue una época que recuerdo con mucho cariño. Conocí mucha gente importante para mí hoy en día, y establecí muy buenas relaciones con profesores a los que admiro personal y profesionalmente. También estudié en la escuela Nacional de Sastres ‘La Confianza’, y desarrollé mis conocimientos de patronaje en el estudio de Isabel Sánchez. Me parece importante que un diseñador tenga nociones técnicas a la hora de construir las prendas, eso te permite diseñar o abordar los volúmenes desde otra perspectiva. Finalmente en Loewe aprendí a estructurar una colección y organizar el trabajo y lo que significa trabajar en esta industria”. Premios: “Ganar premios no es un requisito indispensable en la carrera de un diseñador, pero sí suponen un reconocimiento y esto influye positivamente en la comunicación, en las apariciones en prensa… lo cual repercute en las ventas”. Instalación: “La idea era contextualizar las prendas en su propio medio, en una instalación -hecha de andamios- que apoyase el concepto de la colección, que permitiese al espectador sumergirse en el ambiente”. Evolución: “Mi trabajo ha evolucionado con cada colección, intento ponerme retos y salir de mi ‘zona de confort’. Eliminar barreras a la hora de diseñar es importante, y sobre todo aprender de los errores. Me gusta mucho trabajar conceptos como el volumen, el patronaje y la atemporalidad. Supongo que esas son mis constantes a la hora de diseñar”. Enfoque: “Creo que en mis prendas el concepto es importante, pero no por eso pierden el aspecto femenino”. Criterio: “Es importante disfrutar con tu trabajo, sentirte realizado, encontrar un equilibrio positivo entre el aspecto comercial y la creatividad. A veces funciona una pregunta tan sencilla como: ‘¿me pondría esto?`”. Tejidos: “En esta colección ss16 van desde las organzas de seda natural, sedas con poliéster, poliéster, triacetatos, crepes… en 3 colores: rojo, rosa y negro”. Precios: “Desde 200 a 600 euros”. París: “Acabo de presentar la colección ss16 a compradores de tienda en un showroom de ventas en París. Y estamos en contacto con algunas tiendas para comenzar la distribución. Mi intención es centrarme en esta estrategia durante un tiempo”.

www.pepasalazar.com
Presentación: “Tengo 23 años, soy de Barcelona y ATornero es mi seña de identidad, no una marca como tal”. Formación: “Me he graduado en diseño de moda en el Centro Universitario de Diseño de Barcelona. Lo que más valoraría de BAU es el aprendizaje multidisciplinar. Trabajamos por concepto por lo que de una manera innata aprendemos a ser diseñadores sociales, preocupados por todo lo que ocurre a nuestro alrededor”. Eyesore: “Es el título de mi colección. Su objetivo es invitar a la reflexión. Plantea una pregunta: ¿qué es ser un monstruo? Es la valoración de lo antiestético, la aceptación de ese monstruo que todos llevamos dentro, canalizándolo y transformándolo hasta crear su propia estética. Para conseguirlo he recurrido a diversos tratamientos de tejidos: sublimación, plisados, modelados térmicos, sprayado, flocados, cardados…”. Referentes: “Diseñadores europeos como Viktor & Rolf o Martin Margiela, a los que recurro en la búsqueda del concepto o el patrón. Para buscar la esencia, o sensaciones, me fijo en firmas japonesas como Yamamoto o Comme des Garçons. Y por último, mi bloque de referencia más comercial, y centrado en detalles, sería Alexander Wang o J.W. Anderson”. Presente: “No me he planteado crear mi propia marca. Acabo de salir de la universidad y hacerlo sería una misión suicida ya que no cuento con los recursos necesarios. Además, veo una gran falta de apoyo a los jóvenes emprendedores. Por el momento me gustaría seguir aprendiendo. Dentro del mercado español me gustaría poder trabajar en Zara, creo que es el mejor sitio para aprender lo que es trabajar en moda por la rapidez con la que son capaces de crear colecciones y lanzar tendencias al mercado. En cuanto al diseño de autor, una firma que me llama mucho la atención es Boris Bidjan Saberi por su estudio del patrón y el tratamiento de los materiales”. Ventas: “Para mí sería un honor vender algún día en Persuade (Bilbao), conozco la sensibilidad con la que tratan el producto que venden. Y en cuanto a venta online, me interesan portales como Opening Ceremony que promueven el talento emergente”.

cargocollective.com/atornero

MODELO: NIKITA KATRECHKO @ VIEW MANAGEMENT
HAIR & MAKE UP: SILVIA RIBERA

Head spin 2, 2015. © el artista.
Cortesía Tyburn Gallery

Head Spin 2, 2015. © el artista.
Cortesía Tyburn Gallery

Wastes from the West, 2013.
© el artista. Cortesía Tyburn Gallery

Moffat Takadiwa nació en Karoi, Zimbabue, y vive y trabaja en Harare. Se graduó en la Escuela Politécnica de Harare, en 2008 y es uno de los artistas emergentes con más proyección internacional del continente africano. Takadiwa es conocido por sus instalaciones sencillas y coloristas que fusionan diferentes materiales reciclados, desde tapones de botellas de plástico a aparatos eléctricos. Cuando Takadiwa era un estudiante, Zimbabue tenía graves problemas económicos y comprar materiales para dibujar y pintar se convirtió en algo prohibitivo. De la necesidad surge la creatividad y la innovación, así que fue en ese momento cuando decidió explorar la utilización de otros materiales poco convencionales, como los teclados de antiguos ordenadores, que encontraba en los vertederos de la ciudad y con los que empezó a hacer sus obras. Desde entonces, el proceso creativo empieza a partir de los residuos encontrados en las calles y en los basureros de Harare a los que el artista da una segunda oportunidad. No en vano, Takadiwa asegura que el cubo de la basura ofrece información esencial sobre el estilo de vida de una sociedad. Todas las obras que forman parte de esta exhibición son esculturas murales con las que el artista quiere llamar la atención sobre la dominación cultural ejercida por el consumo diario de productos extranjeros en Zimbabue y en toda África. Sus esculturas totémicas son composiciones mágicas que plasman la esencia de la iconografía y estética tradicional africana y que consiguen transportar al espectador de su obra a un mundo imaginario. Los temas recurrentes en la obra de este creador están relacionados con el culto al materialismo, la identidad, la espiritualidad, la práctica social y el medio ambiente. Moffat Takadiwa es un referente para la generación posterior a la independencia en Zimbabue y ha realizado numerosas exposiciones con gran repercusión internacional. Su obra se ha podido ver en Bangkok, París, Amsterdam, Nueva York, Londres, Berlín y Johannesburgo. Takadiwa es, también, cofundador de la First Floor Gallery Harare; la primera galería internacional independiente dedicada al arte contemporáneo y a la formación de artistas de Zimbabue. Esta es su segunda exposición en Londres.
 
TEXTO: COVADONGA GARCÍA

Bajo el título “Some Things are Undesigned”, la galería von Bartha, en Basilea, acoge el trabajo de los artistas británicos John Wood y Paul Harrison. La ambiciosa exposición muestra vídeos, fotografías y las esculturas de este dúo artístico, en un entorno diseñado por ellos mismos. Los 850 m² de espacio de la galería se convierten en un laberinto de habitaciones, en las que Wood y Harrison invitan a los espectadores a visitar su particular mundo. La muestra presenta  las obras 13 Assassinations (2013), A Film About a City (2015), una gran maqueta de madera de un paisaje urbano disfuncional y también las esculturas England 1976 (2013) y France 1994 (2015). 

Some Things are Undesigned.
Von Bartha. Basilea, Suiza.
Del 7 de noviembre al 23 de enero.
www.vonbartha.com


Taburete Ace de Philippe Malouin
Botanic Jewellery de Marcin Rusak
Cenicero Spin de Tomás Alonso
Gafas de sol Mono de Parsha Gerayesh
Manilla Hex de Philippe Malouin
Uno de los proyectos más interesantes que hemos visto durante el pasado Festival de Diseño de Londres ha sido la expo Ready Made Go. El hotel Ace Shoreditch, junto a la jovencísima revista bianual Modern Design Review, ha seleccionado a diferentes diseñadores para crear una variedad de productos para el hotel. Los diseñadores elegidos tienen un denominador común, todos han estudiado o ubicado su estudio en Londres. Los productos creados para la ocasión han sido tanto para usar en el interiorismo del hotel como para venderlos en su tienda. Los creadores involucrados en el proyecto han sido: Hilda Hellström , Tomás Alonso, Philippe Malouin, Studio Vit, Marcin Rusak y Parsha Gerayesh. Para los que no conozcan los hoteles Ace, decir que tienen un concepto totalmente contemporáneo, un interiorismo con un look muy industrial que ha ido evolucionando desde su primer hotel creado en 1999 en Portland, Oregón. El diseñador canadiense Philippe Malouin presentó dos objetos que se relacionan con el concepto industrial del hotel, por un lado el Taburete Ace, una pieza apilable realizada en haya con forma de rueda dentada, y por otro la ingeniosa manilla para puertas Hex con forma de llave Allen. La compañía Ize Ltd se encargó de fabricarlas y ya ha incorporado Hex a su catálogo. Tomás Alonso aportó su Cenicero Spin, un pequeño cenicero giratorio en forma de cono realizado en hoja de cobre, perfecto para compartir por una pareja. Studio Vit presentaron Cast Lights, dos modelos de lámparas, una colgante y otra de mesa, producidas en cemento y con pantallas de vidrio de borosilicato. El proyecto de la sueca Hilda Hellström quizá fue el más artístico ya que realizó una escultura para el restaurante del hotel Hoi Polloi, su Erosional Remnant, es una impresionante pieza de 150 kilos en la que se ha utilizado el proceso de intarsia para su creación. También pudimos ver las gafas de sol Mono, muy ligadas con el mundo industrial y creadas por Parsha Gerayesh a partir de muelles de diferentes tamaños. Por último mencionar el trabajo de Marcin Rusak con su Botanic Jewellery que consistía en una colección de joyería en las que su componente principal de fabricación es una resina mezclada con plantas.
Erosional Remnant de Hilda Hellström
Lámpara Cast Light de Studio Vit
Por: RAMÓN FANO, JAVIER ABIO, TERE VAQUERIZO & RUBÉN MANRIQUE. Entrevista: GONZALO HERRERO DELICADO. Fotos entrevista: ANABEL NAVARRO LLORENS(Fotos realizadas en la tienda-estudio de Jasper Morrison y la Chisenhale Gallery)
INICIOS: “Estudié en Cambridge, primero Derecho y luego Arte y Arquitectura. Cuando llegué a Cambridge quería ser abogada y defender los derechos humanos, pero pronto me di cuenta de que no quería dedicarme al derecho y busqué algo que fuera más estimulante intelectualmente y más orientado a mis propios intereses personales. Elegí cambiarme a Historia del Arte y la Arquitectura donde estudié principalmente los siglos dieciocho y diecinueve con una visión excesivamente tradicional que resultó bastante decepcionante. Sin embargo, la biblioteca era fantástica, y tenía libros fabulosos de arte y arquitectura, y fue allí donde completamente por casualidad descubrí el diseño, una disciplina de la que en los setenta vagamente se hablaba en Reino Unido”.

PRIMERAS REFERENCIAS:
“En aquella biblioteca leí el New Statesman, New Society una publicación donde escribía Reyner Banham, una de las pocas personas que hablaba de manera inteligente sobre diseño en Reino Unido en aquel momento. También allí descubrí la revista Domus editada entonces por Alessandro Mendini y Ettore Sottsass como director artístico. Escribían muy seriamente sobre lo que era el buen diseño y la manera en la que lo hacían era contextualizándolo en un sentido amplio, generando una intersección de todo lo que me interesaba: arte, arquitectura, política, psicología, cine, moda, música… Esto definió la forma en que ahora veo el diseño, como esa disciplina estimulante y ampliamente contextualizada que afecta a todos los aspectos de la vida”.

PERIODISMO: “Cuando estaba en Cambridge me matriculé en un programa dirigido por The Times y más tarde en 1985 comencé a trabajar para el Financial Times como periodista y escribía sobre temas generales como corresponsal en París. En aquel momento las industrias creativas eran muy activas desde un punto de vista económico y el FT decidió inteligentemente dedicar parte de su espacio a hablar sobre ello. En ese momento comencé a compaginar mi trabajo convencional en el FT con mis propios intereses y fue un entrenamiento excepcional en el periodismo”.
DESAFÍOS: “Los desafíos a los que se enfrenta ahora mismo el diseño son los mismos que los de la sociedad en sí misma. Por desgracia vivimos tiempos complejos con muchos frentes abiertos, ya sea la crisis medioambiental, el desequilibrio social o asimilar el avance de la ciencia y la tecnología. Además hay importantes cambios culturales como por ejemplo el movimiento transexual y cómo esto va a cambiar el día a día de la sociedad. No hay desafíos concretos para el diseño, sino los de la propia sociedad, y es importante darse cuenta del papel que juega el diseño en todo ello para afrontar este tipo de grandes cambios sociales”.

EMPATÍA: “Obviamente la mejora de las políticas y el bienestar social es uno de los principales objetivos del diseño. La mayoría de la gente ignora el diseño, en una visión más amplia nos afecta a nuestro bienestar, si estamos felices o tristes, nuestros éxitos o fracasos y en general a nuestro estado de ánimo. Si miramos a otras ramas de la cultura ya sea el cine, el teatro, la ópera, el arte o la literatura, podemos decidir el grado de relación que queremos tener con ellos, pero el diseño es algo que no podemos ignorar y lo único que podemos hacer es tratar de entenderlo en el modo que afecta a nuestras vidas. Si la gente quiere involucrar el diseño en sus vidas para hacerles más felices, deben comprender y asumir el rol que juega en ellas”.

BUEN DISEÑO: “Si pensamos en un diseño que es estéticamente bonito, funciona bien y nos permite hacer una determinada función de nuestra vida de manera más eficiente, ese objeto merecería el calificativo de ‘buen diseño’. Un ejemplo muy sencillo de buen diseño podría ser el post-it, un ejemplo brillante de la aplicación de la ciencia que cumple perfectamente su función. La principal característica de un buen diseño es que tiene que cumplir su función, esto no es negociable. Puede ser estéticamente bonito o innovador desde un ángulo tecnológico, pero desde un punto de vista ético debe ante todo funcionar bien. Si tenemos algún tipo de duda ética, ya sea social, política, económica o medioambiental, entonces no podremos considerar ese diseño como un buen diseño”.


MAL DISEÑO: “En cada mundial de fútbol se diseña un nuevo balón que busca ser el mejor balón de fútbol, pero sin embargo cada cuatro años hacen uno nuevo, lo cual es contradictorio. A menudo suele haber un fallo con ese diseño, como por ejemplo sucedió en la Copa del Mundo de Sudáfrica donde el balón falló en los objetivos que debía cumplir, no funcionaba bien en diferentes tipos de suelo, se movía a diferente velocidad y en definitiva no se estudió bien la aerodinámica o física del balón. Si consideramos que el principal objetivo del fútbol es el juego limpio y cada equipo tiene que tener las mismas oportunidades, el diseño del balón afectaba a ese objetivo y no se podría considerar como un buen diseño”.

PRODUCCIÓN EN SERIE: “No creo que la producción en serie sea la solución para nuestras necesidades básicas de confort (tal y como afirmó Philippe Starck, Guest Creative en el número de Marzo/Abril 2015 de Neo2) pero es innegable que la producción en serie ha sido una herramienta increíblemente útil para mejorar la calidad de vida de muchas personas. Sin embargo, creo que debe ser aplicada de una manera más meditada y sensible en el futuro. Hay muchas desventajas en la producción en serie y esto se debería explorar en mayor profundidad. Aun así, hay una gran cantidad de objetos estandarizados que son fantásticos, pero lo importante es desarrollar una producción en serie cuando es necesaria, por ejemplo, con personas con problemas de discapacidad. En estos casos si los avances de la impresión 3D se utilizasen inteligentemente podrían ser tremendamente útiles”.

PRODUCCIÓN DIGITAL: “Nadie sabe cómo va a evolucionar la producción digital pero el escenario más probable es que este sector siga creciendo y sistemas como la impresión 3D serán más amplios, más baratos y más accesibles. Por ejemplo, si ahora vas a un centro de impresión 3D en el este de Londres, que está plagado de ellos, verás que la gente está haciendo principalmente elementos decorativos. Estas tecnologías se usan de una manera bastante superficial, pero espero que a largo plazo se usen de una manera más funcional y práctica, no sólo para hacer cosas nuevas, sino para reparar viejas, creando una cultura más sostenible. Si tomamos como ejemplo el escenario micro-económico de los últimos siglos donde cada pequeña población tenía por ejemplo un herrero al que encargaban hacer o reparar cualquier elemento que necesitasen, podríamos también imaginar que en el futuro haya comercios de impresión 3D adoptando ese rol y sirviendo a la comunidad”. 

Algunas de las ediciones internacionales
de “Hello World: Where Design Meets Life”
Cortesía: Alice Rawsthorn

Edición original inglesa de
“Hello World: Where Design Meets
Life”, diseñado por Irma Boom,
publicado por Hamish Hamilton.
Cortesía: Hamish Hamilton/Penguin

OPEN DESIGN: “El Open Design es potencialmente muy beneficioso. Si podemos customizar más y más productos, entonces estos podrán ser más transportables, versátiles y funcionar mejor para su uso. Para ello la producción Open Source y las tecnologías de producción digital deben ser gestionadas de manera inteligente. Uno de los temas que abordo en mi columna en el New York Times y en mi libro Hello World es que el discurso del diseño está centrado en la búsqueda del buen diseño cuando en realidad el mal diseño tiene potencialmente un mayor impacto destructivo y dañino en nuestras vidas. La controversia generada por la plantilla para la impresión 3D de la pistola por Cody Wilson fue muy importante en este sentido. Con esta acción pretendía demostrar que la regulación para el control de las armas inútil y colateralmente abrió todo un debate sobre las posibles consecuencias de la producción 3D”.

BRICOMANÍA: “Normalmente la gente vinculada al diseño ha sido bastante crítica sobre los programas de televisión donde rediseñas tu propia casa. Estos programas han sido muy beneficiosos para que la gente esté más concienciada por el diseño en general y el de sus casas en particular. Soy una gran creyente de la democratización del diseño que estos programas han generado. Una consecuencia colateral de esta democratización es que por ejemplo ahora el Banco de Inglaterra está rediseñando el billete de mayor tráfico, el de veinte libras. Para ello ha habido una votación popular para seleccionar por primera vez a un artista visual que aparecerá en el dorso del billete. Esto supone un gran avance en el reconocimiento de la cultura y las artes visuales y su papel en la sociedad”

CONTROL: “Los sistemas de control digital a nivel doméstico están siendo cada vez más comunes. Por supuesto hay aspectos de los sistemas de control digital útiles que te avisan cuando no te queda leche o apagan automáticamente las luces cuando te las dejas encendidas, pero debemos ser conscientes de la vigilancia tecnológica a la que estamos sometidos. En este sistema capitalista basado en la ley de la oferta y la demanda, si Google quiere crear un producto comercialmente exitoso del termostato de nest, debe hacer sentir a la gente cómoda y segura al usarlo, pero ¿queremos o podemos realmente depender de estos sistemas?”.

ESPAÑA: “Las instituciones vinculadas al diseño tienen una gran responsabilidad en educar y estimular a la gente en materia de diseño a diferentes niveles. Conociendo el valor del diseño como una disciplina fundamental en el sector cultural en España, es sorprendente que los principales museos no tengan un programa dedicado a estudiarlo. Tomando el ejemplo de Reino Unido, aquí la mayoría de instituciones culturales que estaban centradas en pintura, escultura, cine, performance u otras interpretaciones más convencionales del arte contemporáneo ahora también tienen un programa regular dedicado al diseño y la arquitectura, ya sea el V&A, Serpentine Galleries o el Barbican, lo cual es parte de una tendencia global que se expande al MoMA, el Guggenheim, el MET o el New Museum en Nueva York. Incorporar estos programas en las instituciones y las políticas culturales en España es crucial”.

DISEÑADORES A SEGUIR:
“En la última edición del Salone del Mobile de Milán, Gabriel Ann Maher desarrolló un proyecto donde exploraba los estereotipos del género en relación a cómo se sienta la gente y cómo el diseño de mobiliario afecta a esto. Esta diseñadora ha desarrollado un extenso trabajo en relación a la identidad de género, específicamente en el estereotipado de las identidades femenina y masculina, y la transición hacía un entendimiento más fluido de ello desde el diseño. Por otro lado, Loren Brichter es un diseñador de apps de Philadelphia con un inmenso impacto en billones de personas en todo el mundo. Brichter ha diseñado muchas de las innovaciones más exitosas en materia de mejora de experiencia del usuario en interfaces digitales para dispositivos móviles, por ejemplo la acción pull-to-refresh, la acción de deslizar la parte superior de la pantalla para actualizar la aplicación que estés usando, lo cual es algo que usan millones de personas”.
Edición original inglesa de “Hello World
Where Design Meets Life”, diseñado por
Irma Boom, publicado por Hamish Hamilton.
Reseñado en el libro “Irma Boom: The
Architecture of the Book: Books in reverse
chronological order 2013-1996”.
Cortesía: Alice Rawsthorn

Edición inglesa original de “Yves Saint Laurent:
A Biography”, publicado por Harper Collins
en 1996. Cortesía: Alice Rawsthorn

Kendrick Lamar
David Gray
A pesar de haber nacido en Manchester, cuna de grandes de la música como The Smiths, Joy Division, Oasis o The Stone Roses, Alice Rawsthorn no barre para casa y en ningún momento les cita entre sus preferencias musicales. De hecho, cuando le preguntamos cuál es actualmente su grupo o artista favorito nos sorprende con esta contestación: “YouTube en sí mismo”. Pues nada que objetar. Alice suele comprar en iTunes, aunque a veces también se decanta por cedés para el coche: “Siempre escucho música cuando conduzco, me gusta mucho, en cambio no lo hago cuando voy en bici, pero por seguridad”. Conseguimos un nombre concreto cuando le preguntamos cuál es el último disco que ha comprado: “To Pimp a Butterfly”, de Kendrick Lamar. Un disco que se publicó el pasado mes de marzo y que rápidamente fue número 1 en varios países, entre ellos Estados Unidos e Inglaterra. El rapero californiano, que solo tiene 28 años, ha conseguido ya numerosas nominaciones a los Grammy (siete en 2014), ganando finalmente este año en las categorías de Mejor Actuación Rap y Mejor Canción Rap con el single “i”. Le preguntamos ahora a Alice si suele ir a conciertos: “A veces, el último fue en la Chisenhale Gallery de Londres. Polly Staple, directora de la galería, montó un evento con el artista Ahmet Öğüt”. No se puede decir que este artista turco sea exactamente músico, pero es cierto que desarrolla su trabajo a través de disciplinas muy diversas, entre ellas el video, la fotografía o la instalación. El concierto al que se refiere Alice fue “Reverb”, la performance de inauguración de la exposición individual de Ahmet en esta galería inglesa. El último nombre propio que nos da Alice es el de David Gray, asegura que es el músico al que le gustaría conocer en persona si pudiera. David Gray es un cantautor inglés, poco conocido en nuestro país, pero con bastante éxito en las islas británicas. Empezó su carrera en los años 90 aunque tuvo que esperar al año 2000 y a la re-edición de su cuarto disco, White Ladder, para conseguir el éxito. Una de las canciones de ese álbum, “Babylon”, se mantuvo como número 1 en las listas irlandesas durante seis semanas. Su último disco, “Mutineers”, se publicó en 2014. Por último le preguntamos a Alice si conoce a algún grupo o cantante español, y la respuesta es negativa. Habrá que pasarle algunos buenos links de YouTube.
Usa la misma fragancia desde los 17 años, “mi madre me regaló un frasco de Chloé de Karl Lagerfeld y sigo usándola desde entonces. No he probado ninguna otra”. Por lo demás, Alice Rawsthorn no se declara demasiado fan de los productos de cosmética. Lo único realmente importante es que sean productos naturales. “No suelo utilizar demasiado maquillaje, así que no soy fiel a ninguna marca especial, solo procuro que sean productos orgánicos. Suelo decantarme por el champú y el acondicionador del hotel. Y aparte de eso, suelo comprar la marca orgánica Bumble and Humble. Resuelto el tema cosmético, Alice nos habla de la relevancia de la moda: “Estoy muy interesada en la moda. Siempre ha sido una pasión para mí. De pequeña me vestía con ropa de chico, y me preocupaba de los vaqueros y camisetas que usaba. Esa preocupación continuó en la adolescencia, e incluso en la edad adulta. Es algo que siempre me ha gustado y no está vinculado con mi labor profesional.
Thomas Tail. Colección
Otoño Invierno 2015-2016

Fotos: Estrop / Francesc

Thomas Tail. Colección
Otoño Invierno 2015-2016

Fotos: Estrop / Francesc

Thomas Tail. Colección
Otoño Invierno 2015-2016

Fotos: Estrop / Francesc

Thomas Tail. Colección
Otoño Invierno 2015-2016

Fotos: Estrop / Francesc
Sin embargo, las políticas de identidad son absolutamente centrales para el feminismo y esto, sumado a mi condición de mujer, me hace estar completamente concienciada de las implicaciones políticas de construir una identidad personal, siendo la ropa una parte muy importante de ello”. Y como apasionada de la moda la ha vivido acorde a cada momento de su vida: “Cuando estaba en la universidad, y tenía veintipocos, compraba la ropa en tiendas de segunda mano y mercadillos para luego customizarla. Más tarde, en los 80, me interesé por los diseñadores japoneses radicales como Comme des Garçons o Yohji Yamamoto. En los 90 fueron los minimalistas como Helmut Lang o los principios de Prada los que despertaron mi atención -de hecho, parte de su colección de Prada va a ser donada al museo Victoria & Albert de Londres-. Ahora, en mis 50, la moda me sigue apasionando. Me interesa mucho el trabajo de Nicolas Ghesquière, primero en Balenciaga y ahora en Louis Vuitton. También el de Phoebe Philo en Celine, o el de jóvenes talentos como el canadiense asentado en Londres, Thomas Tait”.  Su interés por la moda la lleva también al mundo de las pasarelas… “suelo ir los desfiles de mis amigos, y también voy a un par de desfiles por temporada. Me gustó mucho el del diseñador londinense Giles Deacon en la antigua Central Saint Martins, todo muy teatral”.
Louis Vuitton por
Nicolas Ghesquière.
Otoño Invierno 2015-16
Fotos: Estrop / Francesc

Louis Vuitton por
Nicolas Ghesquière.
Otoño Invierno 2015-16
Fotos: Estrop / Francesc
Louis Vuitton por
Nicolas Ghesquière.
Otoño Invierno 2015-16
Fotos: Estrop / Francesc
Celine por Phoebe Philo.
Colección Otoño Invierno 2015-16
Fotos: Estrop/Francesc

Celine por Phoebe Philo.
Colección Otoño Invierno 2015-16
Fotos: Estrop/Francesc
Celine por Phoebe Philo.
Colección Otoño Invierno 2015-16
Fotos: Estrop/Francesc
Celine por Phoebe Philo.
Colección Otoño Invierno 2015-16
Fotos: Estrop/Francesc
Atenta al contexto artístico más próximo, Alice Rawsthorn se decanta por el británico. “Estoy muy interesada en la escena de arte emergente, en particular del Reino Unido. Me interesa el trabajo de artistas asentados aquí como Helen Marten, Ed Atkins, James Richards o Magali Reus”. Todos ellos representantes de un modo de vincular experimentación digital, literatura, vida artificial, automatismo y narración. Ed Atkins tal vez sea el que mejor desarrolle una reflexión activa en relación a la utilización de los soportes que permiten la construcción de diversos tipos de imágenes digitales. El mundo digital para Ed Atkins es líquido, algo similar señaló Brian Eno sobre el potencial de la guitarra eléctrica post Jimi Hendrix, pero con una diferencia, este elemento cambiante y transportador, para Ed Atkins resulta opresivo. El hecho de intentar entender la digitalización de nuestra existencia desde la práctica artística, caracterizada por el desarrollo de distintas narraciones visuales de corte fantasmagórico e hiperrealista, vuelve sus trabajos por momentos en una suerte de declaración existencialista de la era digital. ¿Cómo nos afecta  sensorialmente la relación con nuestras pantallas? ¿Dónde descubrimos más emociones? ¿en el mundo offline o el online? ¿Solo podemos hablar a través de repeticiones soeces y frases cortas? Se preguntan unos personajes cuyo proceso de realización sucede a ojos vista, ya que a Ed Atkins le interesa  equipar en la superficie de la imagen la ingeniería utilizada para su desarrollo. Las multiplicidad de pantallas que protagonizan sus instalaciones desacomodan las nociones de inmaterialidad respecto a los medios digitales y nos presenta otro tipo de mundo corpóreo. A través de películas HD, sonidos tecnológicos, estruendos corporales de todo tipo, repeticiones, poemas y narrativa Ed Atkins construye un mundo habitados por trolls monosilábicos y avatares que hacia el final se desinflan sobre la misma mesa de cocina donde fuman y beben y se descomponen en el mismo líquido del que, según su autor, están compuestos.  
Ed Atkins. Delivery to the Following Recipient
Failed Permanently, 2011. Captura de video HD.
Cortesía del artista y de Cabinet, Londres
Ed Atkins. Delivery to the Following Recipient
Failed Permanently, 2011. Captura de video HD.
Cortesía del artista y de Cabinet, Londres

Ed Atkins. Dead Talk Love. Instalación. Chisenhale Gallery, Londres, 2012.
Cortesía del artista y de Cabinet, Londres. Foto: Andy Keate

Ed Atkins. Warm, Warm, Warm Spring Mouths, 2013.
Captura de película HD. Cortesía del artista y
de Cabinet, Londres

Ed Atkins. Dead Talk Love. Instalación. Chisenhale Gallery, Londres, 2012.
Cortesía del artista y de Cabinet, Londres. Foto: Andy Keate

Au Pied de Cochon, Paris. Foto: Raoul Dobremel
A la gente le ruge el estómago y necesita combustible. ¿A dónde deben dirigir sus pasos estas aves noctámbulas? Cuando la medianoche se queda corta la solución es un horario más laxo para alimentar al personal en cualquier renuncio o en el más envalentonado de su deambular. Pero no es sólo cosa de la clientela ociosa que se ve desorientada cuando el bar o el espectáculo de turno tocan a su fin, sino la voluntad de un público que una vez fuera de la oficina busca prolongar las horas extra con un último bocado. Y es que no se trata de encontrar locales sin el cierre echado, sino que no desilusionen con la odiosa frase: “la cocina está cerrada ya, caballero”. Esta fórmula es pasto de franquicias fast food, pero hay vida más allá si se sabe escarbar la superficie. En zonas de copeo o de cartelera de espectáculos, muchos de estos restaurantes late night apenas se anuncian y como si vivieran una suerte de clandestinidad social son frecuentados por connoisseurs y parroquia fiel. Esta cocina suele ser más reconfortante que refinada, se devora ansiosamente pero con comodidad, sin florituras y muchas veces hasta sin cubiertos. Reconozcámoslo, ha de tener la capacidad de absorber cierta concentración alcohólica tras una noche de ingesta generosa.

Como casi siempre y por muy mediterráneos que nos consideremos, la legislación en España suele ser el incordio con el que se topa cada negocio que intenta estirar su horario. Cada Comunidad Autónoma tiene su propio límite, más el retoque de las consiguientes ordenanzas municipales, establecido en torno a las 2:00-2:30 de la mañana, con media hora de cortesía y otra media de ampliación en fines de semana, con excepciones geoestratégicas urbanas y de formato de negocio, y con la obligación de apagar los fogones sobre la 1:00 de la mañana. Perseguida la libertad horaria, tienen más margen de maniobra los negocios de cadena que los restaurantes familiares y particulares, que han de invertir dinero y ganas en flexibilizar su propuesta. Cada cual busca su propio resquicio legal, su triquiñuela libre de multa, su adaptación al medio hostil. Muchos restaurantes son auténticos camaleones nocturnos.

Extra Fancy, Nueva York
Foto: Mackenzie Anne Smith (Chef Sean Telo)
Au Pied de Cochon, Paris.
Foto: Raoul Dobremel

Au Pied de Cochon, México D.F
En contraste, nada ni nadie obliga a pasar inadvertido al Au Pied de Cochon, institución de la noche parisina abierta de par en par 24/7 desde que se inaugurara en 1947 en el distrito de Les Halles, el “vientre de París” según Émile Zola. La atmósfera de una brasserie clásica y pionera en el horario ininterrumpido pervive más kitsch que nunca para regocijo de los amantes de la cocina tradicional francesa y los que entienden de vivir la bohemia entre taburetes de cuero rojo, grandes espejos, lámparas belle époque y paredes repintadas. El plan es sentarse a las mil y una frente a una ración de ostras y un entrecôte normande. El homenaje se traslada hasta la Colonia Polanco, el más afrancesado de los barrios de México D.F. en un restaurante de idéntico nombre que recrea el mismo ambiente, la misma decoración y la misma apertura horaria. Una sopa de cebolla, un filet mignon y unos ostiones de Bretaña haciendo las américas. Muy cerca, y también como réplica de una leyenda de Saint Germain de Près, la lujosa Brasserie LIPP del hotel J.W. Marriott alarga a su vez el servicio de platos alsacianos hasta las 2:00 am. Otro cantar más informal son las pizzerías, taquerías y hamburgueserías que mantienen la cocina operativa más allá de la medianoche, como Pizza del Perro Negro (hasta la 01:00 am los fines de semana), Cancino (hasta las 3:00 am viernes y sábados) o Partners & Brothers (hasta las 4:00 am de jueves a sábado). O Fonda Margarita, en donde las cazuelas de la recena se solapan con los platillos del desayuno al abrir a las 5:30 de la madrugada.
El gusto mexicano por cenar a deshoras también es propicio en el Buenos Aires querido ahora que Wherever Bar, coctelería de whiskies selectos del barrio de Palermo, ha optado por ampliar su oferta de tapeo para acompañar los tragos hasta las 3:00 am en fin de semana. De costa a costa de los Estados Unidos no faltan restaurantes de todo pelaje cuyos neones apenas se apagan. En Los Ángeles, desde el food truck de Tacos Leo, con colas hasta última hora del día, a las hamburguesas de Stout, hasta las 4:00 am en su local de Hollywood, o las porciones y calzones de Garage Pizza, non stop hasta la misma hora, pasando por las reconfortantes sopas de tufu picante en BCD Tofu House, abierto las 24 horas en Koreatown. La ciudad que nunca duerme ya no es lo que era y ahora es más de madrugar para hacer running, pero en Nueva York todavía quedan reductos para un último bagel que llevarse a la boca. O una última cupcake ya que, como el hipster también tiene derecho a un atracón goloso, algunas tiendas de la panadería Magnolia despachan hasta la campanada final. Mucho perrito caliente (el Gray’s Papaya no cierra), hamburguesa ultrarrápida y bocados finger food, pero hay restaurantes noctívagos más en serio como el Extra Fancy y sus cenas marinas hasta las 2:30, Fel Takashi y su ramen hasta las 2:00, el Jacob’s Pickles y su versión sureña de comfort food hasta las 2:00 y hasta las 4:00 los viernes y sábados, y el más trasnochador Artichoke Basille’s Pizza, hasta las 5:00 am. No duerme mucho tampoco el Katzs Deli, escenario del orgasmo fingido más célebre del cine, sirviendo sin interrupción de noche del viernes a domingo por la mañana sus sándwiches de pastrami kosher style

Mojigata en apariencia con sus horarios, Londres reserva a la high class escondites en los que seguir pecando y picando. Hasta las 6:00 am se puede pedir en el Balans del Soho un curry rojo, unas costillas de cerdo, unos linguini con cangrejo o el desayuno de unos huevos fritos con chorizo. Sofisticado, british cien por cien y gay-friendly. Pero nada comparable a la experiencia de subir al Duck & Waffle para ver amanecer mientras se da cuenta de unas albóndigas de abadejo. En el restaurante a más altura del Reino Unido se brinda desde el piso 40.

Duck & Waffle, Londres
Extra Fancy, Nueva York
Foto: Mackenzie Anne Smith
Extra Fancy, Nueva York
Foto: Mackenzie Anne Smith
Casa Carolo, Madrid
Le Cabrera, Madrid
Makkila, Madrid
La Carmencita, Madrid
Fotos: María Gorbeña

La Carmencita, Madrid
Fotos: María Gorbeña

Bueno, y en España ¿qué? Madrid y Barcelona encabezan la resistencia casi underground de unos restaurantes sabedores de que aquí no gusta la esclavitud horaria ni se es de recogerse pronto. Cuestión de costumbres. En la capital, nombres como Caripén y La Recoba son ilustres referentes de la insumisión nocturna. El bistró, antiguo tablao de Lola Flores y ahora entregado a los manjares franceses, se recoge a las 3:00 am en su íntima cueva de ambiente flamenco, tanguero y jazzy. El italo-argentino, por su parte, sigue al pie del cañón como carne también del artisteo y demás fauna hasta las 6:00, con cocina abierta hasta las 2:30. Aunque para nido de almas errantes dos templos de la recena como el Lady Pepa, piano-bar de vocación after y sótano freak en donde se engullen espagueti, y hasta el Iberia, cuya clientela walking dead desfila al amanecer para consumir su dosis hipercalórica de fritanga. Otras propuestas menos extremas son las de los locales Makkila, con pinchos y raciones informales hasta las 3:00 am, la de la coctelería Casa Carolo con platos más trabajados servidos hasta la 1:30 am, o la todavía más cosmopolita de Le Cabrera, gastrobar detallista, con decoración artificiosa, cócteles profesionales y medias raciones disponibles hasta las 2:30 am. La Carmencita, taberna noctámbula con chulería castiza, riza el rizo hasta las 2:00 am gracias a sus cenas con nocturnidad y alevosía, una carta de presentación a base de huevos fritos eco y maganos con arroz.
La inspiración de los elegantes antros parisinos tiene frente al Mercado del Born un preciosista representante barcelonés de nombre Café Kafka. Diseño años cincuenta, bullicio en torno a la barra y cocina de mercado hasta las 0:30. Por el Eixample, el Gurqui es restaurante en toda regla, con producto de primera hasta la 1:30 am y afición por la tertulia de sobremesa. Esta charleta sin prisas se sigue practicando en El Velódromo, recuerdo del café literario de la calle Muntaner y que Cervezas Moritz recuperó con toda la esencia de su patrimonio art decó. Partidas de billar, cócteles anti-resaca y carta reducida según la hora. Mucho más que un clásico insomne con pulso frenético de 6:00 am a 3:00 am. También en Lolita Tapería se trasiega Moritz, aunque con la hora bruja no se aparca el picoteo rápido de Joan Martínez hasta las 2:30 am. Más seria es la cena en la marisquería Botafumeiro, abierta 365 días al año hasta la 1:00 am, otra vez informal en el pionero Flash Flash, especializado en servir tortillas hasta la 1:30 am y con local exportado a Madrid, y veloz en las hamburgueserías Bacoa, con varios de sus locales despiertos hasta la 1:00 y las 2:00 am.

Algunas mesas también se reservan en fin de semana para la noche canalla de Valencia, como las del italiano La Lambrusquería, hasta las 2:00 am en el barrio de Cánovas, o las muy caseras de María Mandiles, de horario parecido en pleno barrio del Carmen. Pasada la medianoche, el Bar Barbería de A Coruña muta de casa de comidas retro a bar indie de copiñas en el que digerir el fideo chino con guiso vietnamita, el tataki de bonito o el pad thai de pollo. Mundano y alérgico al madrugón. Lo dicho, cuestión de costumbres.

Bar Barbería, A Coruña
Foto: Daniel Mato
Café Kafka, Barcelona
El Velódromo, Barcelona
Tipografía gratuita del mes: ESSAY POSTER

Tipografía diseñada por NOEM9STUDIO
Puedes descargártela gratis desde nuestra web www.neo2.es/magazine
Una vez allí entra en tipografía de regalo e introduce el CÓDIGO DE DESCARGA: 0026-0004-14c
 TEXTO: MARIANO MAYER

Desde siempre el color ha sido motivo de análisis, no solo por ser el elemento que interrumpía el acceso al conocimiento de los filósofos sino por intentar descubrir cómo se produce. Fue Platón el que indicó que la acción que permite ver el color está compuesta por tres fenómenos que se suceden en simultáneo: las llamas que emanan del objeto, las que producen nuestros ojos al ver algo y la influencia que emite la luz diurna. Según el filósofo el hecho de poder coexistir tales elementos en la atmósfera es lo que nos permite ver los colores. Isaac Newton hacia 1664, en pleno período no especulativo, logró exponer una teoría sostenida en sus investigaciones con prismas y luz. Newton demostró que la luz blanca se puede descomponer en varios colores y que por lo tanto cada uno de los siete colores del arco iris forman parte de la luz blanca. A principios del siglo 19 un escritor de procedencia romántica como Goethe desplazó tales hallazgos hacia una teoría perceptiva y subjetiva, subordinando el color a la experiencia individual. Para el escritor nuestra posibilidad de ver el color no se basa solo en la luz sino también en la percepción psicológica de este color. El hecho de que tales sensaciones físicas sean compartidas por la mayoría de los individuos le permitió desarrollar un compendio de significados y efectos psicológicos que fue retomado a lo largo de todo el siglo 20.  En efecto, Paul Klee proponía utilizar los colores en relación a su peso, a fin de configurar el equilibrio en el plano, pero también en el espacio. “El color me posee. No tengo que tratar de capturarlo”, escribía. Josef Albers hablaba de que en realidad no existe un color feo,  ya que cualquier color es capaz de “redimirse” a partir de la proximidad de otro.  Los colores rivalizan, se atraen o se alejan y nunca son independientes. Estudios sobre el color hay muchos, sin embargo, a pesar de sus diferencias nos permiten concluir que el color no es un elemento constante. Tampoco algo tangible ya que el color es una percepción producida en el músculo del observador. A la vez el color es lo que reviste al mundo tal como lo experimentamos.
Roman Schramm. Tripe and Pink Wall,
2014. Cortesía del artista.

Roman Schramm. Ohne Titel (Italien),
2013. Cortesía del artista.

Las piezas recientes producidas por Roman Schramm se sirven del color asignado a determinados cuerpos o parte de los mismos para cuestionar con misterio y sentido del humor la función representativa que la fotografía ostenta en los tiempos de las imágenes construidas digitalmente. El uso invertido del color que hace Schramm para construir sus imágenes  es lo que nos permite ingresar en una lógica de apariencias y a la vez es el conducto que vuelve táctil una imagen que en un principio no lo es. La alteración cromática de Roman Schramm, donde los huesos de una cadera son azules y unas piernas enfundadas en unos leotardos iridiscentes se convierten en una trama abstracta, son a la vez el modo de establecer una continuidad entre una  imagen y un cuerpo. La artista y escritora Tauba Auerbach se centra en el color y en las teorías sensoriales que lo atraviesan. Y lo hace con la intención de descubrir otros soportes donde alojar la pintura. Por ejemplo, en un libro en forma de cubo de 3.632 páginas, entendido  como una versión tridimensional del selector de color de Photoshop. Cada una de estas páginas presenta una de la combinaciones posibles, capaces de ser asimiladas por el ojo, de los colores RGB (rojo, verde y azul). El color despierta connotaciones narrativas, todos somos capaces de proyectar algún tipo de situación de reconstrucción a partir del color. En ocasiones lo que a simple vista se presenta como una composición pura, en realidad está precedida por una historia. El efecto del color, al igual que un perfume, promueve lo inefable. Pero el relato entendido como elemento de referencia no siempre aparece como un interés hacia el acontecimiento en sí. Las fotografías a todo color de Miguel Mitlag suspenden toda evocación específica y nos ubican en espacios interiores reconocibles, cuya acción aún no ha acontecido. El color aquí es el elemento capaz de evocar ambientes y objetos: una lámpara psicodélica, una moqueta convertida en un rollo durante una jornada de pintura hogareña o una serie de bolsas de papel colocadas en orden. Prestar atención a estos objetos y escenarios permite descubrir más de un relato posible. Miguel Mitlag los presenta a modo de situaciones donde la acción se pueda desarrollar y sabe tan poco de lo que allí ocurre como nosotros al observar estas fotografías. A Mitlag le interesa manipular la neutralidad que pueden asumir ciertos objetos, alejándolos de sus entornos habituales o permitiendo que sus colores no se correspondan con sus funciones. El color se encuentra en un estado de variación constante y va a ser la luz la que gobierne tal cambio. El ojo se adapta velozmente a los cambios de luz y hace del color un estado tan variable como constructivo. Los rayos lumínicos conducen el color y trasmiten la información. La luz transporta color y esta iguala o acentúa todo lo que atrapa, esto lo saben muy bien pintores del detalle doméstico como Chardin, para huir del estatuto de lo representado.
Tauba Auerbach. RGB Colorspace
Atlas Volume 1, 2011. Cortesía de
la artista. Foto: Vegard Kleven.

Miguel Mitlag. Sensibilidad
y sentimiento . 2014.

Miguel Mitlag.
Tv set 2. 2010-13.

Kiko Pérez, Sin título. 
Kiko Pérez, Sin título. 
Pieter Vermeersch. Untitled. 2013.
Kiko Pérez, Sin título.
 Karina Peisajovich, “Cada vez
que veo un arco iris”,  2015.

Karina Peisajovich, “Cada vez
que veo un arco iris”,  2011.

Karina Peisajovich. Máquina
de hacer color. Suite para
8 movimientos 2010.

También lo ponen en práctica aquellos pintores que como Pieter Vermeersch, a fin de expandir las estructuras perceptivas, realiza intervenciones espaciales. Los leves degradados que realiza sobre el muro se convierten a su vez en el soporte donde ubicar pinturas o fotografías de apariencia monocromática. Pero esta dimensión abstracta, donde el color se presenta como un canal de luz en plena transformación, surge de observar y replicar una impresión del espacio circundante que nos rodea. La pregunta sobre cómo comunicar lo inexacto de un conjunto de sensaciones reaparece también en el trabajo de Kiko Pérez. Cada una de sus piezas, tan pictóricas como gestuales, surgen de reconocer en experiencias cotidianas algún centro de atención. Pero su traslación devuelve composiciones de color apenas reconocibles, sin embargo, una vez inmersos en esa dinámica de relaciones entre rectángulos, líneas, rotos y superposiciones, determinadas lógicas compositivas regresan como si el artista las imprimiera en negativo. Un escaparate atestado de productos en el que la paleta cromática dibuja líneas horizontales y verticales o los juegos ópticos de un tejido que produce curvas sobre una superficie en un principio recta. Kiko Pérez parece proclamar una utilización total del cuerpo y no sólo la que guía y coordina el campo visual. Las texturas artesanales que el artista compone a partir de barnices y yuxtaposiciones, donde el efecto cromático de un mismo papel es modificado a partir de su uso, coinciden con una de las “Observaciones sobre los colores” de Wittgenstein: –Es fácil ver que no todos los conceptos de color son lógicamente homogéneos. La diferencia entre los conceptos ‘el color del oro’ o ‘el color de la plata’ y ‘amarillo’ o ‘gris’–. Investigar la percepción y las propiedades de la luz es  también un modo de renovar  soportes y técnicas. En este tipo de conversiones el color resulta tangible. Karina Peisajovich proclama un situación visual desprovista de toda especulación narrativa. Podríamos decir que pinta con luz, convocando otro tipo de tactilidad. El color se vuelve sustancia generativa y experiencia temporal. Cada una de las máquinas de iluminación que proyectan zonas de color en ambientes de baja intensidad lumínica de Karina Peisajovich, se convierten en entornos sensoriales susceptibles de ser experimentados por el público. Activando recursos ilusionistas y no ocultando el mecanismo que permite la construcción, cada pieza induce al músculo retiniano a experimentar una situación perceptiva particular. Y es esta nueva intensidad meditativa la que nos enfrenta con nuestros propios mecanismos de construcción visual. Estos mecanismos hacen de la luz y el color una materia envolvente, próximos a las cápsulas visuales, también tangibles, del escritor Juan José Saer:  “Las dos manchas vivas, roja y amarilla, que se mueven en el espacio gris verdoso, parecen un collage de papel satinado sobre el fondo de aguada monocroma, de la que el aire sería la superficie más diluida, y las nubes, la tierra y los árboles, las masas más concentradas de gris”. La reconfiguración de la experiencia sensible, desarrollada por diversos artistas, propone un más allá del hecho óptico y transforma la visión ocular externa en un lugar de introspección.


Total Look: Dior Homme Spring 2016 Collection www.dior.com
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Nos adentramos de lleno en la recién inaugurada temporada, haciendo camino al andar con las nuevas SneakerBoots de Nike. La colección tanto para hombre como para mujer juega con la interpretación más rugosa de sus suelas y la comodidad de su revestimiento interno. Una vuelta de tuerca a los modelos más clásicos y un paso hacia delante en su adaptación al medio. “Me paso mucho tiempo en el taller pintando. Necesito un calzado manejable cuya horma se ajuste al pie tanto cuando estoy trabajando como cuando salgo a pasear para cambiar de aires” explica Rebeca. El modelo que calza (Air Max 1 Mid) posee un forro térmico que proporciona el calor necesario en cada momento y un cuero resistente al agua lo que mantiene el pie a resguardo de las inclemencias temporales y los cambios de temperatura.
Rebeca: Leggings NIKE www.nike.com
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Las temperaturas han bajado. Los días ya no clarean con la misma intensidad de semanas atrás y las lluvias se precipitan intermitentes del mismo modo que los gatos suben y bajan por las ajetreadas callejuelas de la capital. Tomándose unas horas “libres” y apostando por looks que ofrezcan comodidad y diseño en un tecnológico 2x1, ponemos rumbo a ninguna parte esperando que sea la ciudad la que nos sorprenda. “A veces vamos por la calle sin disfrutar del paseo y se nos escapan detalles que pueden robarnos una sonrisa o tienen mucho de crítica social” afirma Mario Moros, especializado en mirar a su alrededor mejor que el resto de los mortales. Un narrador de historias mínimas (@historias_minimas) aficionado a captar esa magia que pasa inadvertida y que provoca que un elemento móvil pase delante de otro fijo, cambiando su significado. Entre disparo y disparo, perdemos a Rebeca, una “monkey painter” (@rebecakhamlichi), según su propia cuenta de Instagram, cuya proyección social la ha convertido en un icono entre las carpeteras más jóvenes de las redes virtuales. Que se cambie el color de pelo, maquille o no según el día o se plante unas Air Max 1 Mid, en vez de unas Dunk Sky High 2.0 no responde a una simple moda o tendencia sino “a mi particular interés por sentirme confortable a cada paso” explica Khamlichi sin ninguna intención de venderte la moto. “Soy madrileña, él es aragonés y nos gusta patearnos Lavapiés, donde vivimos, o cualquier otro barrio donde podamos encontrar antigüedades, viejas librerías, pequeños comercios como los de antes o restaurantes de 6 mesas, pero siempre donde nos dejen entrar con nuestros galgos, si no, no nos interesan”. De repente un olor a pintura asalta nuestro olfato. “Este olor, junto al del barniz o el aguarrás es lo que me recuerda a mi infancia. Mis padres eran pintores y aunque durante mucho tiempo no me interesó su profesión como opción laboral, mi carácter antisocial provocó que esa idea cambiara y que los lienzos y perros de mi taller, sustituyeran a las personas en mi día a día” sonríe Khamlichi.
Rebeca: Pantalón DIESEL www.diesel.com
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Cuando estoy grabando cualquiera de mis reportajes, necesito una pisada todoterreno que me haga olvidar las horas que paso de pie, los cambios de suelo y sobre todo esa variabilidad térmica que puede ser mi peor enemiga. Un 3 en 1 en el que encuentre la comodidad de una zapatilla para su uso en suelo urbano y la permeabilidad y durabilidad de una bota para zonas más irregulares o escarpadas” explica Moros. Todos estos requisitos quedan atendidos con sus FlyKnit Trainer Chukka donde la tecnología estrella de Nike para esta temporada, se mezcla con la lana para mejorar en calidez, se completa con un acabado en spray que resiste las humedades y se ajusta como un guante. Además la tracción y agarre de las renovadas suelas se adapta a las nuevas necesidades de sujeción del usuario, mientras que los cordones y parches reflectantes en talón y dedos convierten a la zapatilla en la más indicada para calzarse a cualquier hora del día.
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Una opción que en el caso de Moros tuvo sus vaivenes al formarse en ciencias puras, posteriormente empresariales y que por un capricho del destino le hizo enfrentarse a las letras del master de periodismo de El País, en 2003. “Siempre he pensado que para que tu vida cambie has de coger el segundo taxi, en vez del primero. A ella la conocí durante la grabación de un reportaje a una hora en la que no debía estar, en un lugar en el que no tenía que encontrarme. Desde el primer momento nos sentimos pareja. Un día pasó por mi calle y ella preguntó: “¿vives ahí arriba?”, a lo que yo contesté: “tú también pero todavía no lo sabes”, explica Moros sonriente mientras se ajusta los cordones de sus Flyknit Trainer Chukka que nos conducen hacia otro de los puntos que más les gusta a la pareja: los cines Ideal. “Somos consumidores de cultura y solemos pagar por ella. De la misma manera que no me gustaría ver mis cuadros sobre una sábana, no estamos de acuerdo con las descargas ilegales de películas o series. Vivimos en la incierta frontera del spoiler. En gustos podemos pagar por ver una indie, de la misma manera que disfrutamos con las películas de monstruos grandes rompiendo ciudades” grita la pareja al unísono. Un plan que les hace igual de felices que trabajar en lo que les gusta, esforzarse para jamás caer en la mediocridad, no forzar la belleza que les rodea a base de filtro y sacar hueco para hacer ejercicio. “El deporte es una rutina más como el dormir o el comer. Nos gusta salir a correr periódicamente e ir al gimnasio. Elegimos muy bien nuestras zapas. Nos gustan aquellas que han sido icónicas o nos traen recuerdos. Si eres un sneaker freaker es lo que toca. Además ya no solo sirven para hacer deporte, sólo hace falta echar un vistazo a las que calzamos” explican. Nuestro paseo termina. “Madrid siempre inspira y nos gusta disfrutar de ella. Dicen que hogar es donde cuelgas el sombrero. Nosotros añadimos que es donde estén nuestros perros, los pinceles y la cámara y, desde hoy, nuestras SneakerBoots”.

FOTÓGRAFO BEAUTIES: JOSÉ MORRAJA
ESTILISTA: JAVIER DE JUANAS
FOTÓGRAFO MAKING OF: ALEJANDRO RODRÍGUEZ
MAQUILLAJE: LOLITA + TANIA MARTÍN BERMEJO
para URBAN DECAY
PELUQUERÍA: SERGIO OVEJERO para PCONPELO
ASISTENTE PELUQUERÍA: FANY TRISTÁN para PCONPELO
RETOQUE DIGITAL: LA RETOCADORA
MODELO: POLY KONOVALOVA @ TREND MODELS
TEXTO: LILU DIAZ DE QUIJANO


Maquillaje Total Look URBAN DECAY
www.urbandecay.com + Vestido LOEWE
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Vice4: Puro vicio, una nueva versión de la paleta más adictiva, Vice. Se trata de una edición limitada que no puedes dejar que vuele. 20 tonos y acabados flipantes de sombra Eyeshadow: luminosos intensos, neutros ahumados, mates increíbles, metalizados deslumbrantes, tonos salpicados de micro-purpurina… Todo un despliegue cromático inspirado en un histórico de Urban Decay, el tono vintage Oil-Slick. Es decir, la increíble gama de colores que se encuentran en una simple mancha de combustible. Y es que Vice4 es una paleta muy creativa, y también muy tecnológica. Todos los tonos cuentan con Pigment Infusión System™, una fórmula exclusiva que aporta una fijación de locura, tanto en color como brillo, además de un tacto sedoso y maleable. Todo en un estuche ultrafino con una tapa cuyo diseño emula gráficamente los matices de una mancha de combustible. En el interior, además de los 20 tonos, descubrirás un enorme espejo y un pincel de doble punta. Para proteger este tesoro, UD te ofrece una bolsa especial a juego con el estuche. Todo un chollo por 53 euros.
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24/7 Waterline Eye Pencil: Es el lápiz de ojos definitivo. Aunque se puede aplicar también entre pestañas, ha sido creado especialmente para la línea interna del ojo, tanto la inferior como la superior, muchas veces ignorada. Súper-cremoso y semi-mate, 24/7 Waterline Eye Pencil aporta un color waterproof que dura todo el día. Totalmente inocuo, no contiene aceites, minerales, parafina ni conservantes. Está disponible en 5 tonos: negro, azul marino, marrón, carbón y verde… porque chica, tampoco te vas a hacer durante toda la vida la línea del ojo en negro. La Navidad es buena época para experimentar, puedes probar otras opciones por solo 18 euros.

24/7 Glide-On Lip Pencil:
Coincidiendo con el lanzamiento del labial Matte Revolution Lipstick, Urban Decay presenta 5 nuevos tonos de este cremoso perfilador de labios que aguanta todo, literalmente, ponlo a prueba en las fiestas navideñas :) Con estos nuevos colores (uva tinta intenso, rojo intenso, morado vivo, marrón medio y nude suave) elijas el Revolution Lipstick que elijas ya tienes un perfilador 24/7 que combina a la perfección para conseguir una fijación prolongada totalmente waterproof. Lo puedes usar para tener unos labios muy definidos o para cubrir los labios y aportar duración al color. Fliparás con su facilidad de deslizamiento, además no se reseca ni deja sensación de máscara. Es lo más, y su precio es lo menos: 18 euros.

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Todos los productos Urban Decay
están disponibles en Sephora

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Maquillaje Total Look URBAN DECAY
www.urbandecay.com + Vestido TETE
by ODETTE www.tetebyodette.com
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Bolso Go-14 Malletage de cuero con
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Cruise 2016 de LOUIS VUITTON
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Mochila Palm Spring en lona Monogram
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LOUIS VUITTON www.louisvuitton.com

Bota Desert con plataforma en ante
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FOTÓGRAFO: DANNIEL ROJAS
ESTILISMO: JAVIER DE JUANAS
PELUQUERÍA & MAQUILLAJE: SERGIO OVEJERO para PCONPELO
ASISTENTE PELUQUERIA: Mª ÁNGELES GARCÍA para PCONPELO
AYUDANTE FOTÓGRAFO:
ALEJANDRO VICUÑA
AYUDANTE ESTILISMO: CARMEN BENA
EDICIÓN DIGITAL: EDUARDO MOTA


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ACTRIZ: “De niña quería ser inventora, luego todo fue cambiando hacia el mundo artístico. Parecía que me iba a dedicar a la música, pero enseguida empecé a leer y me gustaba el cine. Mis padres han sido muy permisivos a la hora de dejarme ver películas que quizá no correspondían para mi edad. A los 13 años, ‘El Club de la Lucha’ y ‘American Beauty’ me hicieron sentir tanto que me propuse producir ese sentimiento en otros. Fue una gran estimulación a nivel emocional y racional”. PREPARACIÓN: “Cuando tenía esa edad justo empezaban en el estudio de Juan Carlos Corazza a impartir un curso para adolescentes. Después de varios años, me pasé al regular hasta completar allí la formación. Luego he evolucionado con nuevos profesores y técnicas que me han ido estimulando. No hay un único método para ser actor”. PROS/CONTRAS: “Lo que menos me gusta de la profesión es que empiezo a ser más conocida y el tema de las redes sociales lo tienes que llevar al día, incluso a nivel profesional. Me cuesta porque no soy nada dada a este tipo de cosas. Quizá es poco cool decirlo, pero no entiendo el interés que tienen apps como Instagram. Para eso no hay ningún curso. Por otro lado, lo mejor es poder aceptar los retos que vengan. Nunca le he dicho que no a ningún trabajo”. RACIAL: “Estamos en un momento de transición y apertura mental. Venimos de una tradición arquetípica y ahora tenemos más soltura, pasando por encima de clichés. Hacer de mora, de india o gitana no es lo mismo. Desde los ojos del occidental parece que todo es igual y no, no hay encasillamiento que valga”. VIS A VIS: “Hice prueba para el papel de Zulema, pero ellos tenían pensado otro muy parecido al que es hoy Saray, mi papel. Cuando me vieron reescribieron el background de mi personaje, que en vez de ser gitana creo que iba a ser polaca. Con Najwa Nimri existe mucha química. No nos conocíamos. ¿Hoy? Uña y carne”.  TEATRO: “Lo que más me gusta es hacer teatro. Está vivo, me encanta el feedback, disfruto con el aplauso. Cine y tele son más fríos porque no tienes la energía de vuelta, bueno sí, por las opiniones que leas en Twitter o por la audiencia que hagas, pero no es tan humano”. ASIGNATURA PENDIENTE: “El cine es lo que me queda por hacer. Me da igual donde ruede, desde Hollywood a Bollywood”. MODA: “Me paso todo el día del ensayo al gimnasio y no me quito el chándal, aunque me están convenciendo de que una puede ir en chándal e ir moderna y mona a la vez. Progreso adecuadamente. Cuando me arreglo no me gusta lo mainstream, soy más de currármelo. Me encantan los zapatos, pero no los de tacón”. LO PRÓXIMO: “La segunda temporada de ‘Vis a Vis’ se estrenará en febrero y en abril estrenaré en el María Guerrero ‘La Rosa Tatuada’ de Tennessee Williams, con Aitana Sanchez Gijón. Posiblemente también haya un proyecto con Najwa…”. SUEÑO: “Lo que más me gustaría es que el teatro off que hago con la pequeña compañía con la que experimento lo pudiera ver gente y prosperase. Llevo la perseverancia en la sangre. Cada vez me parezco más a los míos”. ALBA GONZÁLEZ VILLA: “Es lo más yo, auténticamente yo, que puedo ser”.
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El perfume Chloé fue para Mar Moseguí. La artista interpreta a modo de retablo navideño la personalidad
de esta fragancia moderna, fresca y ligera. Un proceso creativo similar al que siguieron los perfumistas de
Robertet, Michel Almairac y Amandine Marie, para transformar con gracia la clásica rosa. El resultado de salida
es una combinación de notas florales, con vivaces toques de peonia y lichi, aderezados con fresa primaveral.
Efecto que se desvanece con la entrada de una sensual rosa acompañada de magnolia, lirios del valle y sutiles
toques de ámbar y madera de cedro. www.chloe.com
A Pablo Thecuadro le dimos Knot Eau Florale de Bottega Veneta. Una fragancia creada por Tomas Maier y
Daniela Andrier con personalidad floral. Rosas y peonías se extienden con la suavidad del almizcle hasta encontrar
las notas de mandarina, neroli y lavanda, acentuadas por madera de cedro y habas tonka. El frasco, inspirado
en el vidrio veneciano y en las garrafas tradicionales, es interpretado por Pablo como adorno navideño
en un juego de dorados que contrastan con la elegancia cromática de una gama de grises. www.bottegaveneta.com
Lauro Samblás se dejó llevar por Euphoria de Calvin Klein, fragancia que desata fantasías e invita a realizar
un viaje sin límites. En este sentido, Lauro nos propone una navidad futurista con explosión cromática incluida,
donde las estrellas son nuestros sueños. Un viaje incitado por el frasco, una silueta futurista y aerodinámica
envuelta en molde de aluminio, un diseño de Fabian Baron que esconde un cóctel de jengibre y pimienta con
gotas de lluvia fresca. Salida que se apacigua hacia el corazón con albahaca negra, hoja de cedro
y salvia hidropónica, dando paso a un exótico fondo cremoso de ante y pachulí. www.calvinklein.com
La fijación por el vintage y la capacidad de convertirlo en algo nuevo es algo que comparten
Marc Jacobs y Leticia Jiménez. Y por ello le adjudicamos Decadence, un lujoso y sensual aroma creado por la
perfumista Annie Buzantian, en colaboración con Marc Jacobs y Ann Gottlieb. Seductor a la vista, su frasco
está inspirado en uno de los míticos bolsos de la firma. Dentro, una fragancia que cautiva desde su inicio
con ciruela italiana, azafrán e iris. Rosa de Bulgaria, Jazmín Sambac y Lirio conforman su corazón embriagador,
dando paso a un sofisticado fondo de ámbar líquido, vetiver y madera de papiro. www.marcjacobs.com
El amor incondicional que profesan Miu Miu y Cless a las mujeres nos han hecho unirles en este proyecto,
donde con toque navideño se expresan las contradicciones de una mujer inteligentemente frívola, vital, femenina
y feminista. El mismo ejercicio creativo que ha realizado Daniela Andrier para crear este perfume. Su propuesta
empieza con un elegante muguete sensual y floral compuesto por jazmín, absoluto de rosas y notas verdes
sintéticas; esencia que descansa sobre un fondo misterioso de pachuli, madera y pimienta del Akiwalawood.
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Crisis de los 50: “Grey tickles es el término islandés para referirse a la ‘crisis de la mediana edad’. Es una broma sobre ese sentimiento que he tenido desde que salí de la vagina de mi madre”. Amor bíblico: “El disco empieza y acaba con una cita bíblica sobre el amor. Es un contraste entre lo que me contaron de pequeño que se suponía que era el amor y lo que yo he experimentado en el planeta Tierra. Al principio hay varias voces en distintos idiomas, representando el caos del mundo, diciéndote siempre cómo se supone que deben ser las cosas. Al final una niña pequeña repite el versículo, pero suena diferente; representa un nuevo comienzo”. Avanzando: “Si el anterior disco fue el de la aceptación, este es el de dejarlo pasar y seguir adelante”. Voz propia: “El sonido de este disco es una combinación entre toda la música que me gusta y la búsqueda de mi propio sonido. Trato de expresar las distintas caras de mi personalidad mediante estilos diferentes, pero aún estoy buscando la mejor manera de ponerlos todos juntos”. Entre amigos: “Amanda Palmer vino al estudio porque se encontraba en Texas en ese momento, y pasamos un buen rato juntos. Además, es muy fácil trabajar con ella. Tracey Thorn hizo todo a distancia. Es uno de mis ídolos, así que fue un gran honor tenerla en el disco, porque he estado escuchando su preciosa voz desde los 80. A Budgie lo conocí de gira y nos hicimos amigos, así que le pregunté si quería estar en la grabación y aceptó. Fue una progresión muy natural”. Portada: “Quería que fuera muy diferente a lo que es la música. La ropa con la que salgo vestido representa lo que se supone que alguien como yo debería ser: burgués, bien educado, conservador. Pero en los ojos se puede ver que algo muy diferente ocurre en mi interior: es mi verdadera personalidad ardiendo. Es una mezcla entre hacer una declaración de intenciones y las cosas que me gustan, como los búhos. El resultado final podría pertenecer a una película de David Lynch, del que soy muy fan”.

‘Grey Tickles, Black Pressure’ está editado por Bella Union y distribuido por [PIAS] Iberia & Latin America.
Londres: Punto de referencia de la cultura contemporánea, ha visto nacer los más importantes movimientos juveniles de las últimas décadas. Dentro de ese contexto, en la efervescencia de los años 70, en Portobello, surge Pepe Jeans London, la marca que siempre mira a su ciudad natal como punto de partida para su creatividad. Lo volvemos a ver en su nueva campaña otoño invierno 2015-16: “Always London”. Campaña: Fotos en blanco y negro que reflejan con realismo ese nihilismo tan atractivo del “morning after the night before”. La credibilidad de la escena es fruto del equipo. Por un lado tenemos a Spring Studios, agencia creativa de Londres, la visión del fotógrafo británico Glen Luchford y el toque de la estilista Charlotte Stockdale. Y por otro, un casting que resulta de lo más creíble: Matt Hitt, líder del grupo Drowners, el skater profesional Darius Trabalza y modelos que arrasan en pasarelas, revistas e instagram: Jourdan Dunn, Sam Rollinson, Flo Klosky, Hollie-May Saker, Jake Love y Matthew Holt. Y sobrevolando toda la producción, la irreverencia chic que caracteriza a Pepe Jeans. Matt Hitt: El líder británico de la banda neoyorquina Drowners posa con naturalidad en la campaña de Pepe Jeans. Fan de Joe Strummer, entre disparo y disparo comenta que le hubiera encantado tocar con la banda británica de punk The Clash, coetáneos de Pepe Jeans y hasta vecinos de barrio: Notting Hill, Portobello… “Las vibraciones de este barrio son muy musicales. Toda esta área tiene una herencia pop-rock que aun es tangible. Nunca hemos tocado aquí, pero he estado en algunos conciertos memorables en la zona oeste de Londres”.

www.pepejeans.com

Bradford Cox, el carismático líder de Deerhunter, fue atropellado a finales de 2014, y, aunque tuvo una dolorosa recuperación, podemos decir eso de que “todo quedó en un susto”. Gracias a ello podemos disfrutar ahora del séptimo disco del grupo de Atlanta, Fading Frontier (4AD / Everlasting) donde han vuelto a contar en la producción con Ben H. Allen, con quien ya trabajaron en anteriores ocasiones. En este nuevo disco colaboran además James Cargill de Broadcast y Tim Gane de Stereolab. El álbum contiene 9 temas impecables,  donde destacan esa maravillosa canción pop que abre el disco, “Living My Life”; “Breaker”, donde los dos compositores de la banda hacen por primera vez un dueto; o la bailable y personal “Snakeskin”.  El único “pero” que se le puede poner es que nos deja con ganas de más.  

deerhuntermusic.com
Enma Wolukau-Wanambwa,
Von Eingeborenen Beschädigt, 2015
Dierk Schmidt, “ Broken windows,
3.1 (Prototypen), 2014-2015

¿Es posible plantar bandera a la colonización visual? ¿Cómo hacer para que aquellas imágenes y objetos que en un momento lograron dar voz a historias y acontecimientos continúen su función? Objetos Frontera, la exposición comisariada por Sophie Goltz, presentada previamente en la Kunsthaus Dresden y que actualmente expone el CA2M, lanza tales preguntas con la intención de obtener una serie de respuestas. Para ello cuenta con un conjunto de artistas internacionales como Kader Attia, Mariana Castillo Deball, Peju Layiwola, Burning Museum, Paulo Nazareth, Michelle Monareng, Dierk Schmidt o Jorge Satorre, cuya preocupación radica en los modos de hacer del museo un espacio inclusivo que permita desarrollar herramientas para asimilar y acompañar historias de segregación cultural. Pero no de una manera hegemónica y sin recurrir necesariamente a lecturas etnográficas para su asimilación. “Apelando al concepto de ‘Objetos frontera’, la exposición se centra en el potencial de los objetos para trascender los contextos y significados establecidos”. Y nos presenta una serie de elementos capaces de introducir narraciones que van mucho más allá de los parámetros (históricos, geográficos, políticos) que los sustentan. Involucrarnos de una manera porosa con tales conmemoraciones nos permite descubrir relatos de carácter transcultural y a la vez atisbar posibles modos de vinculación actual. Los collages de Kader Attia (Le Corps Reconstruit) nos ofrecen un cuerpo liberado de las contingencias aportadas por el territorio de nacimiento. Los fragmentos de estos cuerpos corresponden a transexuales argelinos que viven en París y que el artista fotografió con anterioridad. Son cuerpos de resistencia, pero también de amenaza y supervivencia, por tal motivo Attia
los presenta liberados de toda amenaza, inmiscuidos entre géneros y culturas. Jorge Satorre investiga la manipulación de objetos etnológicos que se da en México, donde desde 1970 la ley proclama que todos los objetos precolombinos encontrados pertenecen al Estado y por lo tanto al Museo de Antropología en la Ciudad de México.Y lo hace a través de los objetos etnográficos clasificados por una pequeña comunidad del Valle de Chalco Solidaridad. Estos elementos son conservados en un museo construido con tales motivos, desatendiendo todo tipo de categorías.  

www.ca2m.org
TEXTO: JOE MADRAZO

Comienza la cuenta atrás para adquirir la colección Balmain x H&M. 100 piezas diseñadas por Olivier Rousteing. Muchas de ellas inspiradas directamente en las últimas colecciones de la mítica casa francesa. Los precios oscilan entre los 14,99 euros hasta los 499 euros. Después de más de 10 años de colaboraciones con grandes firmas de moda, esta es la primera vez que una marca con tanta historia como Balmain, nada menos que 70 años, colabora con el proyecto de H&M para acercar la alta moda al gran público. A la venta a partir del próximo 5 de noviembre.

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No concepto: “Es curioso porque, a pesar de haber trabajado en los temas del mismo modo que en mis discos anteriores, esta vez me ha sido algo más difícil. Al igual que ocurrió en ‘Ekstasis’, en esta ocasión no hay ningún elemento conceptual en el disco. En ‘Loud City Song’ me inspiré en el musical ‘Gigi’ y ahora los temas van por libre, son algo así como pequeñas historias individuales que no siguen en realidad ningún hilo conductor. Sinceramente, lo difícil en esta ocasión ha sido darle un empaque al conjunto, que estas micro historias tuvieran un sentido verdadero. Me he visto obligada a grabar y regrabar las canciones varias veces hasta que he visto que tenían una personalidad propia. Ha sido un proceso de prueba-error. Siempre parto la composición desde el piano. No obstante, una vez la melodía y las letras empiezan a florecer es cuando pienso qué pide de más la pieza”. Temática: “A primeras puede parecer que se trata principalmente de un álbum sobre rupturas amorosas, pero verlo de esta forma es superficial. No es más que un trabajo que habla sobre las relaciones humanas y cómo en muchas ocasiones no nos mostramos realmente como somos por miedo a crear un vínculo con otra persona. También hay aquí diversas historias de gente anónima que he ido conociendo en los últimos años pero, sin duda, este es un álbum sobre amores no felices ni correspondidos”. Voz: “Mi productor, Cole M. Greif-Neill, tuvo la idea de dar algo más de brillo a mi voz y ponerla en primer plano, lo cual es algo nuevo para mí. Hasta ahora siempre me escondía en efectos y reverbs y, ciertamente, al principio me mostraba algo reticente a este cambio. Sin embargo, con el disco acabado, le he terminado dando la razón a Cole porque sonoramente queda mucho mejor. Ha sido una buena idea no esconder mis palabras”. Planes inmediatos: “En breve pasaré por Europa y me encantaría volver a España. Pero más allá de la gira, en estos momentos estoy trabajando en la banda sonora de una película que tratará sobre la historia del boxeador italoamericano Vinny Pazienza. Es un buen reto para mí porque las canciones que estoy preparando expresamente para el filme difieren bastante de lo que he hecho hasta ahora. Me limitaré a poner música a las imágenes, no a seguir propiamente lo que he estado haciendo estos años”.

“Have You In My Wilderness” ya está a la venta a través de Domino/Music As Usual.




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Chris Woebken & Kenichi Okada,
Animal Superpowers

Nanotecnología, hologramas, reprogramación celular… Lo que antes era solo ciencia ficción hoy día es una realidad. La ciencia y la tecnología avanzan hacia un futuro que no deja de plantearnos interrogantes: ¿nos convertiremos en hombres-máquina?, ¿tendremos clones?, ¿conseguiremos la fórmula de la eterna juventud? Un tema apasionante que ha dado pie a una interesante exposición que puede verse hasta el mes de abril del próximo año en el CCCB de Barcelona. La muestra se realiza en colaboración con la Science Gallery del Trinity College de Dublin, una entidad que nació en 2008 y que organiza desde entonces un interesante programa de exposiciones, actividades y experimentos donde confluyen la ciencia y el arte. La exposición que podemos ver estos meses en Barcelona, comisariada por la artista Cathrine Kramer, es una versión ampliada de una muestra realizada en la Science Gallery hace unos tres años. En el CCCB podemos ver la obra de unos cincuenta artistas y además descubrir diferentes vías de investigación sobre el futuro de nuestra especie. + Humanos está estructurada en cuatro apartados diferentes: Capacidades aumentadas, Encuentro con otros, Diseñando el entorno y La vida en sus límites. El primero está dedicado a un tema tan peliagudo como los métodos para potenciar o transformar nuestra mente y nuestro cuerpo. En Encuentro con otros nos sumergiremos en un tema que nos es muy familiar ya hoy día, y es la nueva forma de comunicarnos con nuestros semejantes, analizando esos cambios tecnológicos que afectan a las relaciones humanas y sociales. Diseñando el entorno plantea uno de los problemas más graves a los que nos enfrentamos: la preservación de nuestro planeta y de todos esos complejos medios naturales que permiten que todavía hoy estemos por aquí divagando sobre nuestro futuro. Por último, La vida en sus límites debate sobre el alargamiento de nuestra vida y ese anhelo por ser inmortal que siempre ha ansiado el ser humano. ¿Hasta dónde llegaremos o hasta dónde deberíamos llegar? That is the question.
The Alternative Limb Project
Anatomical leg. © Omkaar Kotedia
Lorenz Potthast, Decelerator Helmet
Marc Owens, Avatar Machine
Cambios: “Tanto en ‘North’ como en ‘News From Nowhere’ nos acompañó James Buttery como vocalista principal, pero tan pronto nos pusimos a trabajar en este nuevo álbum decidió desvincularse porque teníamos en mente otras ideas diferentes a las suyas. Al final Aiden Whalley, mi compañero, es quien ha tomado el relevo cantando en todos los temas. Teniéndole a él en ningún momento nos planteamos buscar a otra persona para esa labor. Con Aiden las canciones han ganado en calidez y tienen un toque mucho más pop que en nuestro disco anterior. Siempre hemos tenido diversas paletas sonoras, pero ahora nos apetecía explorar esta vertiente más accesible, algo más parecido a lo que hacíamos en nuestros inicios”. Política: “El título del largo es una metáfora de las grandes divisiones que actualmente hay en el Reino Unido. Aunque vivimos en Londres, en realidad somos del norte. Por ello decidimos volver a nuestras raíces y, antes de ponernos a grabar estas canciones, fuimos decenas de veces hasta Huddersfield para hablar con los jóvenes que ahí residen, para que nos contasen cuáles son sus principales reclamaciones. Nadie les escucha y se merecen todo el respeto, por mucho que nuestros políticos actuales no lo vean así. Tristemente sigue habiendo grandes diferencias entre el norte y el sur, y la gente cada vez anda más desesperada porque no hay ninguna voluntad de cambiar las cosas. Hay graves problemas de transporte, mucho desempleo, resulta casi imposible que uno pueda tener una propiedad donde vivir dignamente… Ese es el motivo por el que en el disco incluimos muchos de los testimonios de todas esas personas con las que nos cruzamos y que, mágicamente, han acabado convirtiéndose en amigos nuestros”. Jeremy Corbyn: “Es un buen momento para que entre en el juego de la política estatal. Es un hombre muy honesto, cuya filosofía política es por y para la gente. Me resulta muy inspirador lo que pueda hacer como nuevo líder del Partido Laborista. Está por ver si en las próximas elecciones va a poder conquistar a los votantes más jóvenes, quienes han sido los más silenciados durante años”. Gira: “Nos encantaría poder actuar en Primavera Sound o Sónar el próximo año. De cara a 2016 tenemos pensado lanzar un EP, ya que se nos ha quedado mucho material en el tintero. Sin embargo, antes de ello, estamos trabajando en un directo que cautive a nuestros seguidores y les haga pensar”. 

“Foam Island” está editado por Warp y distribuido por Music As Usual.
Mientras nuestra mente está abierta a todo lo nuevo que nos pueda ofrecer la tecnología, hay algo en nuestro corazón que aun se aferra a ciertos símbolos tradicionales. Es en ese equilibrio de contrastes donde precisamente habita la modernidad. El mejor ejemplo lo encontramos en la conexión del mundo de la relojería con el de los wearables. Por un lado nos atrae la simbología y familiaridad de los diseños clásicos, al más puro estilo suizo; y por otro, deseamos la funcionalidad de las últimas innovaciones tecnológicas. Huawei Watch se encuentra justo en ese punto de encuentro. Se trata del primer Android Wear con cristal de zafiro, un wearable de última generación con la presencia de un reloj suizo. Su esfera es una caja de acero inoxidable de 42 mm de diámetro, totalmente circular, e interpretada en color acero, dorado y negro. Las correas, intercambiables, se presentan en cuero marrón o negro, malla de acero y eslabones de acero, las 3 en un ancho de 18 mm. Hasta ahí, un elegante reloj fiel a la tradición helvética. Pero sus 75 gramos esconden un auténtico ordenador con sistema operativo Android Wear, compatible con iOS. Su CPU es Qualcomm SD 400. 4x1. 2GHz, 512 Mb de Ram y 4 GB de Rom. La pantalla tiene una resolución de 400x400, con posibilidad de personalizar la esfera con más de 40 diseños precargados. Un dispositivo con conexión Bluetooth 4.0/4.1 Low Energy, WiFi 802.11, conector de carga Pogo pin, batería 300mAh con autonomía de 36 horas y tiempo de carga de 90 minutos. Más todos los extras que esperas encontrar en un wearable: Acelerómetro, Giroscopio, Barómetro, Sensor Ritmo Cardiaco PPG, Motor Vibración y Micrófono integrado. Y, por supuesto, es resistente al agua.
 
www.huaweispain.com
VANS MOUNTAIN
Colección de calzado y ropa específica para el frío con el sello de Vans Classics. 

Para los pies, Vans nos propone las Old Skool MTE y las SK8-Hi MTE, 2 modelos inspirados en el calzado de montaña, con capa de retención de calor entre plantilla y suela, más una innovadora suela vulcanizada de máxima tracción. Las prendas textiles de abrigo tienen tratamiento hidrófugo prolongado: chaquetas. camisas y forros polares, más alguna pieza extra con aislamiento ligero de fibras PrimaLoft® que ofrece calor, impermeabilidad y transpirabilidad. Una colección que nos hará disfrutar del invierno. 

www.vans.es
SISLEY WINTER
La marca italiana nos propone mucho denim y mucha lana para este invierno. 

Sisley nos descubre las infinitas posibilidades en la combinación de denim y lana. Una relación muy enriquecedora para ambos tejidos. Por un lado tenemos el índigo en distintos lavados, y por otro una gama de colores glacé como el crudo, el azul hielo y el suede rose en lanas cocidas cepilladas, brushed o cortadas al vivo como en la cazadora perfecto. Una nueva idea de confort contemporáneo donde contrastan modernas siluetas de la cultura rock con el alma tradicional de clásicos tejidos invernales de alta calidad. La lana y el denim jamás se habían llevado tan bien. 

es.sisley.com

OAKLEY LATCH
Estéticas y funcionales, las Oakley Latch son gafas de sol diseñadas por y para skaters. 


Eric Koston, Sean Malto, Curren Caples, 3 figuras del skate profesional junto a Atiba Jefferson, fotógrafo y fundador de la revista The Skateboard Mag, más el equipo de diseño de Oakley. Entre todos han diseñado las gafas Latch, un modelo ligero y resistente, con un ingenioso mecanismo “latch”, o de pinzamiento, que convierte a estas gafas en una especie de pinza para que se queden perfectamente prendidas a la camiseta, sin posibilidad de que se caigan, se rompan o se pierdan. Además tienen protección UV, almohadillas en varillas y puente con ajuste seguro de 3 puntos para una alineación óptica perfecta.

es.oakley.com
Imagen: José Morraja + Ipsum Planet
Diseño & Publicidad — www.ipsumplanet.com







MODA
ARQUITECTURA
Texto: JOAN OLIÁ también conocido como CHIC. Ex-style entertainment marketing en Nike durante más de 10 años, actualmente socio y co-director del showroom Muy Personal Comunicación.
Texto: MARCOS PARGA. Arquitecto y Profesor en la E.T.S.A. Madrid, fundador del Estudio MAPAA y editor de la revista 115Días. Tras 15 años de actividad su trabajo ha sido premiado, expuesto y publicado internacionalmente. www.mapaa.es
Me confieso consumidor habitual de revistas de moda, desde hace años, muchos años. A finales de los 80 eran para mí como un manual de modernidad. Sus páginas me han inspirado durante décadas. He crecido con ellas, no sólo a nivel profesional, también personal. Se convirtieron en mi Biblia particular, no en vano llaman en América “the Bible” (por su grosor y contenido) al ejemplar que inaugura cada temporada de la revista Vogue. Actualmente mi consumo se ciñe a las necesidades del trabajo. Soy codirector de “Muy Personal Comunicación”, un gabinete de comunicación en el que con mi socio Matías Rodríguez represento a más de catorce firmas de moda. Al movernos en las relaciones con los medios especializados, cada mes, compramos todas las publicaciones de moda para valorar el espacio publicitario de las marcas que representamos. Desde que empezó la dichosa crisis, que parece ha decidido instalarse entre nosotros, lo que prima en los medios es la moda low cost. Y, en su defecto, el lujo. Entonces, ¿dónde quedan las marcas, diseñadores y pequeñas empresas de moda que tienen como target al comprador medio? ¿Qué ha sido de las producciones de moda con identidad? Y la diversidad... ¿Alguien ha vuelto a saber de ella? Suerte que podemos dar las gracias porque no todos los medios siguen la misma política... En los últimos cinco años muchas cabeceras de moda solo han apoyado incondicionalmente lo barato o lo caro. Lo barato quizá por tener infraestructuras más accesibles para la prensa, inalcanzables para la pequeña industria o el diseño artesanal. Aunque las firmas clásicas invierten en publicidad en nuestro país desde hace muchos años hay un sinfín de firmas extranjeras que no lo hacen y se benefician como las que más. En detrimento, insisto, de los productos medios que pagan el pato.  De sobras sé que la publicidad impera y que gracias a ella las revistas ven la luz. Pero ¿no podríamos ser un poco más generosos con las colecciones que tienen un gran potencial y carecen de padrinos..? Con este texto pretendo transmitir mi testimonio en una sola dirección; pero sin dejar de gritarlo a los cuatro vientos ya que, quizá, pueda aportar así mi granito de arena para que la globalización no asfixie un mercado que debería ser mucho más creativo y romántico, en lugar de un catálogo costeado por grandes holdings. Un lema “moda accesible para todos” cuando compro una revista quisiera que me aportara un poco de todo... ¿Vosotros no?
Aún a riesgo de sonar recurrente, confieso que últimamente me ha dado, como a muchos otros, por remover el pasado en busca de posibles claves con las que procesar un presente empeñado en mostrar su invariable carácter cíclico, al festejar la novedad de cuestiones como la promiscuidad tecnológica, la militancia adisciplinar e incluso el compromiso social y político vinculadas a la práctica arquitectónica.¶ En estos casos suelo sumergirme con especial fruición y garantía de éxito en los descarados y descaradamente revisitados años 60, rescatando en esta ocasión el manifiesto irreverente Alles ist Architektur (Todo es Arquitectura. BAU 1/2), publicado por un joven e inquieto Hans Hollein en 1968.¶ En este collage mental ilustrado Hollein cuestionaba de forma radical los límites de las disciplinas sobre las que él mismo trabajaba (como artista, arquitecto, comisario, diseñador, editor, etc.) apostando por subrayar las transiciones fluidas entre ellas para sugerir finalmente la disolución de la arquitectura en una “habilidad” general para diseñar un entorno tecnológico, entendida como un intento por avanzar el impacto de la nueva sociedad de la información proclamada previamente por McLuhan desde su Galaxia Gutenberg.¶ En un ejercicio provocador y estimulante, Hollein redefinía la disciplina extendiéndola mucho más allá del medio construido, al confrontarla inesperadamente con conceptos dispares nunca antes asociados a ella como clima artificial, transporte, ropa, medioambiente, comunidad, control corporal, desarrollo científico, arquitectura simulada e inflable, la háptica, la óptica, la acústica, la expresión de las necesidades emocionales, e incluso la estrategia militar.¶ Del mismo modo fragmentario incor-poraba las imágenes que acompañaban al texto, bajo las que escribía insistentemente la sentencia “todo es arquitectura”: una píldora, un bote de espray, un pintalabios, una fotografía de Sergei Eisenstein, del Che, de Niki de Saint Phalle saliendo de la entrepierna de su mujer gigante para el Moderna Museet, el observatorio de Jaipur, astronautas, una burbuja (de Frei Otto), una obra de Oldenburg, etc., todo ello para “deformar” la definición de arquitectura hasta el límite, contaminándola con los elementos más vibrantes de la cultura contemporánea como la sexualidad, la protesta, la simulación, la transitoriedad, la violencia, la desinhibición, lo cool, lo no convencional, la sátira política…, vamos, un filón para todos aquellos operadores radicales contemporáneos dispuestos a demoler la disciplina heredada para ampliar indefinidamente sus dominios y dar paso a un periodo de reflexión total.¶ ¿Quién da más?
ARTE
MÚSICA
Texto: ESCIF. Además de pintar en la calle, le gusta cocinar e ir a la playa. Amigo de sus amigos. De pequeño jugaba a la videoconsola, pero tuvo que dejarlo por una lesión menor. Su abuela sigue pensando que habría hecho mejor en jugar al baloncesto. También toca el piano... pero no sabe tocarlo.
Texto: THE NEW RAEMON. Ramón Rodríguez lleva en el mundo de la música desde los años 90 y al frente de su proyecto The New Raemon desde 2008. A principios de 2015 publicó su quinto disco, “Oh, Rompehielos” (BCore), complementado con un reciente EP titulado “El Yeti”.
A la fiesta neo-liberal están todos invitados. Habrá futbolistas, cantantes de ópera, modelos y publicistas, gente alta y bien vestida, pequeñas y hermosas damas, banqueros de ojos grandes y hasta grandes escritores. Será una fiesta libre y liberadora, con drogas, muy divertida. Una fiesta ecléctica y muy moderna. Muy moderna, de vanguardia. Habrá música del futuro e instrumentos del pasado. Antiguo y nuevo todo junto, sin prejuicios ni contemplaciones. Algo muy salvaje, pero limpio. Desgarrador y aterciopelado. Todo gratis, TODO GRATIS.¶ A la fiesta neo-liberal están todos invitados. Será eterna todo el rato y nunca terminará. Un clímax sin paréntesis, ni preámbulos, ni efectos secundarios. Un orgasmo colectivo y muy bien estructurado. Será perverso y escatológico, tierno y dulce al mismo tiempo. Cuerpos desnudos y bien aceitados, hacinados los unos contra los otros, pero con espacio, mucho espacio. Una coreografía perfecta de caricias imposibles. No habrá dolor, solo placer. Mucho placer todo el rato.¶ A la fiesta neo-liberal están todos invitados. No habrá entrada ni salida, ni pasillos laterales. El cuarto de baño estará siempre ocupado con el amor y la felicidad. Todos juntos en el baño entonaremos grandes estribillos. Grandes estribillos de canciones mínimas y volátiles. En la barra, siempre libre, nos conoceremos todos. Futbolistas, cantantes de ópera, modelos y publicistas, gente alta y bien vestida, pequeñas y hermosas damas, banqueros de ojos grandes y hasta grandes escritores. Todos juntos y muy unidos por la libre libertad de ser felices todo el rato, sin parar. Nadie estará triste nunca, eso no pasará.¶ De repente... el silencio. Los actores salen de escena. Las luces voltean al patio de butacas. Policías vestidos de acomodadores nos invitan a salir. Son las doce de la noche. Desde megafonía, una voz confirma la secuencia.¶ A la fiesta neo-liberal están todos invitados. Todos menos los feos, los pobres, los zurdos, los locos, los refugiados, los lentos, los ancianos, los tristes, los tontos, los minusválidos, los artesanos, los viajeros, los calvos, los inmigrantes, los obreros, los vagabundos, los gordos, los enfermos, los vendedores de rosas, los parados, los paranoicos, los raros, los niños, los enamorados, los adolescentes, los indecentes, los estudiantes, los retardados, los ilegales, los cantautores, los introvertidos, los drogadictos, los marginados, los alarmistas, los perdedores, los absurdos, los intransigentes, los comunistas, los escépticos, los paranoicos, los que sudan, los que lloran, los que gritan y los otros, todos los otros.¶ Y es que alguien tendrá que pagar.
Uno no suele acertar imaginando lo que sus hijos van a estar haciendo a los diecinueve años. Eso pensaba hace un instante, cuando encontré a mi hija mayor sentada en el suelo de la buhardilla, rodeada de libretas, bolígrafos, una Gibson Les Paul Special y un móvil reproduciendo grabaciones de audio. Hace exactamente veinticinco años me apunté a unas clases de guitarra que ofrecían en mi pueblo, y desde entonces dedico mi tiempo a escribir canciones y a publicar discos. Gracias a esa obsesión tengo la suerte de poder ganarme modestamente la vida con mis canciones. Lo cierto es que no ha sido un trayecto sencillo, sobre todo por lo que rodea a los discos: esa industria rancia y sus intermediarios, la mayoría tan corruptos como el peor charlatán metido a concejal o algo peor. Durante mi viaje musical jamás pensé que mis dos hijas fueran a montar un grupo con un par de amigos, publicar sus discos en un prestigioso  sello de Nueva York y girar por el mundo entero. Imaginaba a la mayor dibujando cómics para alguna editorial y a la pequeña de ayudante de chef en un restaurante calcado al de la película Ratatouille. Esa imagen comenzó a transformarse el día que la más joven se presentó en casa con un flyer de una “escuela de rock” que unos músicos de la comarca habían montado en Cabrils. ¿Qué instrumento quieres tocar? “El bajo” - contestó rápidamente. ¡Vaya si lo tenía claro la niña! Nunca quise darles la brasa con tomar clases de música (error frecuente de algunos padres bienintencionados), en cualquier caso opté por hacer de prescriptor de discos o canciones antes que obligar a nadie a tomar clases de piano por la fuerza. Si los niños tienen real interés y talento para la música llegarán a ella de forma inevitable. El trabajo de un padre aquí es el de transmitir cierto criterio e intentar llamar la atención de los niños con una selección musical y muy pronto ellos mismos sabrán si algo es bueno por su cuenta. Mis hijas odiaban a sus amigos cuando pinchaban “High school musical”, “La Oreja de Van Gogh” o “Hannah Montana” sin que yo tomara partido alguno, preferían escuchar a Ramones o The Clash pese a que ningún compañero de clase tuviera idea alguna sobre aquellos grupos, para esos chavales era música “antigua”, para ellas el Santo Grial.
GASTRONOMÍA
TEATRO
Texto: MARCOS MORÁN. Jefe de cocina de Casa Gerardo, restaurante familiar que ha cumplido 130 años. Chef ejecutivo de Hispania London, espacio dedicado a la gastronomía española. En 2014, junto a Pepe Solla y Paco Roncero, crea Sinergias, dentro de Platea Madrid.

Texto: MARIO ALBERTO DÍEZ. Actor. Licenciado en Arte Dramático en Murcia y diplomado por la Escuela de Teatro y Movimiento de Mar Navarro. Trabaja en televisión, teatro y publicidad y produce espectáculos propios. Actualmente en la serie Seis Hermanas y en la función Lavar, Marcar y Enterrar.
Roses, aderezo de Manowar, una buena dosis de Miguel Bosé y, siempre a mano, El Canto del Loco… Como decía Emilio Aragón: “Cacao Maravillao”. Y como siempre, aunque llueva, haga sol, diluvie o nos estemos achicharrando, las fabes salen por doquier y el servicio sigue su curso. Algunos comensales vienen a saludar a la cocina, espero haber quedado bien porque la mitad de las veces ni me entero de lo que digo. Llega la mesa que va a comer en la cocina. Dani viene por detrás con cara de circunstancias, se me acerca y me fusila con un “son dos más”. ¿Cómo que dos más?, si ya son 8 y van justitos. 10 van a estar petaos. Mételos como puedas y empecemos. La intensidad del servicio está llegando a match 5, es la guerra. Control, control, control… Estamos llegando a ese momento que la carga de adrenalina te hace dudar si estás en el cielo o en el infierno. Estamos en el alambre, pero con equilibrio, eso significa que el motor funciona y que las piezas están súper engrasadas. Sigue el partido, me llaman de una mesa, se va el doctor Muñiz. El cliente se acerca a la cocina, agradece el almuerzo recibido y me dice: Cocinar se parece cada vez más a operar. Sí, pero a corazón abierto y entre dos líneas de guerrilleros del Vietcom – respondo viendo salir platos y más platos a gran velocidad. Llega un punto crítico, es importante que la gente no se despiste en el momento del café, ya que tras 3 horas de servicio tendemos a relajarnos, pero por fin va aflojando. Rubén, Borja y yo pre-paramos la lista de la compra para mañana mientras los demás van limpiando la cocina. Rubén me pasa la lista del pescado, Pablo mira la fruta, Andrea el congelador... cada uno a su bola pero todos con su bola. Me meto a consultar los mails, reviso la mise en place de mañana y las mesas con menú ya cerrado. Los últimos clientes pasan a ver la cocina, en 3 horas y media, desde las 14:00h hasta las 17:30h, todo limpio y para casa. Hoy es jueves, no toca turno de noche. Ha sido un buen día.
La siempre convulsa escena teatral madrileña ha vivido en los últimos tiempos un verdadero terremoto. Las grietas que ha dejado el seísmo (llámelo usted crisis si quiere) han permitido que afloren multitud de espacios para la representación, nuevas posibilidades de explotación como el teatro breve (¡cómo no se nos había ocurrido antes!), jóvenes dramaturgos no reconocidos que han sacado sus textos del cajón para mostrarlos en cafeterías, carnicerías, librerías y cualquier rincón susceptible de instalar una tarima flotante… En fin, un paraíso.¶ Por fin hemos despertado, nos hemos liberado de las instituciones. Los actores podemos mirar a la cara a la escena argentina, La Meca de los artistas en busca de respuestas, del verdadero talento. Es que en Argentina hacen teatro en cualquier parte, ¿sabes? No les importa la falta de recursos, de dinero o de espacio. Te hacen una performance en el salón de tu casa con cuatro palos y bien de acento.¶ La burbuja del llamado teatro off, el otrora conocido como circuito de salas independientes o, más en familia, teatro pobre (permiso, Jerzy), va a explotar más pronto que nunca. Como todas las burbujas.¶ Y es que quizá el jabón con el que hemos creado este microcosmos no es de la mejor calidad. La burbuja destroza estructuras a su paso, deja un reguero de salas semivacías y espectadores removiéndose incómodos en sillas de Ikea. Además, me pregunto si no estaremos perdiendo una ocasión única de agitar los cimientos de nuestros escenarios, si no estaremos apostando por la cantidad por encima de la calidad, por formas de expresión encorsetadas por la sobreprogramación y los horarios asfixiantes que no nos permiten tomarnos el tiempo y mostrar nuestros textos de la mejor manera posible. O si no nos creeremos vanguardia solo porque estamos en todas partes, aunque no vayamos por delante de nadie.¶ Quizá una mirada desde la distancia del teatro on pueda darnos respuestas.¶ ¿Queda alguien en EL ON?¶ Siendo autocrítico, quizá tenía que haber enfocado estas líneas de otro modo: haber titulado el artículo “Survive in the Bubble”, enlazar a una web en la que habría colgado unas piezas de música dodecafónica desarrolladas a partir de la pirámide de Maslow, montar una exposición autobiográfica y un espectáculo en streaming. Todo muy moderno y muy global. Se hubiese entendido mucho mejor, la ironía hubiese quedado perfectamente encajada.¶ Pero el camino es lo de menos. Estamos obligados a buscar poesía en la burbuja, en la selva de los medios sueldos y el arte sin medios.
Sombrero HERMÈS
spain.hermes.com
+ Bomber DIESEL
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+ Jersey PULL&BEAR
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+ Gafas EMPORIO
ARMANI
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+ Collar & Pendientes
ARISTOCRAZY
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Total Look Maquillaje
URBAN DECAY
www.urbandecay.com
+ Blusa GUCCI
www.gucci.com
+ Chaleco Zorro
SILVINA MAROTTI
www.silvinamarotti.com
+ Pendientes Diamantes
Negros MARQUISE
(Tel: 914 357 906)