JUUN. J

Guest Creative
136
Septiembre-Octubre 2014
Creative Culture
TEXTO: MONGÓMERI
FOTO: JUAN MANUEL MACARRO
MODELO: IRYNA SHATKIVSKA @ Uno Models
PELUQUERÍA: XAVI GARCÍA @ Salon44
MAQUILLAJE: ANITA @ Bobbi Brown
ASISTENTE: JUANKY CUELLAS
GRACIAS: MARIO JIMÉNEZ

Surrealismo: “La inspiración de esta colección es el lenguaje cinematográfico del surrealismo, el cine de Luis Buñuel, Germaine Dulac y Jean Cocteau. Me interesaba destacar la expresión del inconsciente y la manera en la que comunicaban el universo onírico que reside en cada uno de nosotros”. Colección: “La parte surrealista radica en las formas, los volúmenes, las texturas de los tejidos y los colores. Trabajé la idea de trasladar al exterior todo nuestro interior. Por ejemplo, la columna vertebral de cada modelo la conforma un arnés, los botines son el esqueleto del pie, los volúmenes asimétricos simulan músculos, los pliegues se sitúan en órganos vitales, los colores son intensos… Todo es muy simbólico y conceptual”. Fotografía: “En el caso de esta campaña, mi trabajo y mi concepto está bajo la reinterpretación del fotógrafo Macarro. Su propuesta fue realizar una serie de 11 imágenes donde muestra a mujeres con rostros angulados acompañadas de espejos, perchas y vestidos flotantes como símbolos que desarrollan el concepto surrealista de mi colección. Para él, las perchas flotando en medio de la mujer son el reflejo de la parte surrealista de la sociedad alienada en la que vivimos. Pero, ¿qué sucedería si una de las perchas poseyera cabeza?, ¿y si esa cabeza pensara de forma creativa? En la imagen que vemos en Neo2 se muestra un único vestido flotante en medio de un vacío, un vestido sin cuerpo sujeto por una percha con cabeza, resaltando así la cabeza que piensa, crea y se diferencia del resto para entrar de esta manera en el mundo onírico de mi colección”. Moda: “Siempre he tenido muy claro que quería dedicarme al mundo del diseño. Desde niña tuve la suerte de viajar con mi madre a muchísimas ferias internacionales de diseño o visitar ciudades por el mundo en busca de piezas de mobiliario. Mi idea inicial era dedicarme a la decoración, aunque tenía mis dudas con la moda. Me apasionaba imaginarme a mí misma creando. Me daba igual que fuese un vestido, un mueble o un espacio. Pero hubo un momento clave en el que me di cuenta de que lo que realmente me apasionaba era la moda. El interiorismo era lo que vivía más de cerca por la profesión de mi madre, pero ahora soy consciente de que lo utilizaba para canalizar mi verdadera vocación: la moda”. Producción: “Mis prendas se caracterizan por ser trabajadas a través de la técnica del moulage. Hay pocos talleres especializados que trabajen de manera tan artesanal y sobre maniquí. Actualmente mi producción está centralizada en un único taller de Madrid”. Presentaciones: “Cada plataforma, ya sea pasarela, fotografía o vídeo, me permite expresarme de manera distinta. No creo que una sea más adecuada que otra, sino que se complementan. La pasarela me permite mostrar en movimiento toda una colección, mientras que con la imagen de campaña busco captar en una sola imagen el concepto de la colección. Como diseñadora disfruto de igual manera los 2 formatos, ambos me enriquecen. La adrenalina que me produce un desfile me encanta. Pero es igualmente satisfactoria la tranquilidad y dedicación que me aporta una sesión fotográfica. En mi caso, siento que me expreso mejor a través de la imagen, pero es con la pasarela donde consigo mejor mis objetivos. Es una plataforma más mediática y te permite mostrar tu trabajo a un público mucho más amplio, mientras que la imagen de campaña, tal como yo la planteo, es algo más exclusivo enfocado a un público más concreto”. Internacionalización: “La vivo como algo intrínseco a mi profesión. La primera ocasión para mostrar mi trabajo en una pasarela me la ofrecieron en Gaudí. De ahí tuve la oportunidad de estar en la de Milán, y desde el 2009 estoy en la Mercedes-Benz Fashion Week Madrid. Espero continuar en el circuito de las pasarelas y estar en otros calendarios internacionales. La pasarela de Milán me permitió contactar con showrooms internacionales que me abrieron la puerta de mercados como el árabe o el italiano. Durante este tiempo he pasado por etapas en las que he estado en 5 países diferentes a la vez a otras en las que no he estado en ninguno. Siento que la internacionalización es una de las áreas en las que he trabajado bajo ‘prueba y error’, sin estrategia empresarial sólida que me permitiese una continuidad. Ahora me siento más capacitada para afrontar la internacionalización desde una perspectiva empresarial y no solo en función de mis necesidades, o retos, como diseñadora”. Exposición: “La serie de imágenes realizadas para esta campaña invierno 2015, junto con varias instalaciones y una pieza audiovisual, formarán parte de una exposición que estoy preparando junto a Juan Manuel Macarro. Unir moda y arte en un mismo proyecto me está dando la oportunidad de reflexionar y estar en contacto con mi propio trabajo desde otra perspectiva, permitiéndome a la vez adentrarme en un proyecto artístico”.


Texto: María López Fontanals

Hace unos años era impensable encontrarse puestos de comida callejera más allá de los churros, patatas fritas, castañas o helados, y menos fuera de las ferias y fiestas locales.  Pero hoy, salvo porque la legislación y los organismos oficiales no apoyan este reciente movimiento culinario, podríamos estar hablando de una realidad muy sabrosa y apetecible.  Una revolución que más allá de opciones grasientas y convencionales apuesta por bocados sanos y exquisitos. Es hora de valorar el movimiento street food porque los puestos de comida callejera son propuestas cada vez más interesantes y cada vez están más lejos de la típica comida fast food y más cerca de los productos locales y mercados de agricultores. Cocineros y chefs que cocinan en restaurantes móviles y delante del cliente platos frescos a partir de los mejores ingredientes y novedosas técnicas culinarias.

España sigue los pasos de una tradición de puestos callejeros que años atrás tuvo lugar en el Reino Unido y en los países del norte. Un modelo que a su vez se importó de América pero que probablemente nació en países como India, Malasia, Singapur, Corea, Marruecos o Filipinas, donde comer en la calle es más habitual incluso que sentarse a comer en un restaurante. En Estados Unidos, y sobre todo en ciudades como Nueva York, San Francisco o Portland, donde Brett Burmeister colecciona en una guía online toda la información necesaria para disfrutar de los carritos de comida en esta ciudad, la industria del street food se desarrolló rápidamente debido a leyes más permisivas que las europeas y que facilitaron el nacimiento de miles de negocios ambulantes, cambiando para siempre el panorama gastronómico americano. Y prueba de ello son los premios Vendy Awards que desde 2005 se celebran en Nueva York seleccionando al mejor food truck de la ciudad. Aunque hoy el evento tiene lugar también en Filadelfia, Nueva Orleans, Los Ángeles o Chicago.

En Inglaterra, siguiendo un modelo similar que  pretende dar reconocimiento a las iniciativas de street food de mayor calidad y celebrar así la cultura de la comida callejera, se celebran desde 2009 los Street Food Awards impulsados por el crítico gastronómico Richard Johnson.  Richard también es el responsable de British Street Food, entidad que organiza los premios y que trabaja para la promoción de la comida callejera británica, pero también para ayudar a la profesionalización de los nuevos emprendedores ambulantes. Y cuenta incluso con una app colaborativa (los propios usuarios y propietarios pueden subir información) a través de la cual puedes localizar los puestos más cercanos, saber si están o no abiertos y el tipo de comida que ofrecen tanto en el Reino Unido como en el resto del mundo. Donde por cierto, no hay registrados de momento negocios españoles.

“Quizás una razón por la que la comida en la calle ha triunfado en Inglaterra, comenta Richard, es porque no tenemos como Francia, España o Italia, una cocina autóctona tan rica así que los préstamos e influencias internacionales son mucho más evidentes. Es por esta razón, y también por el pasado colonial, que aquí la variedad es muy amplia e internacional. Pero además, pienso que hemos conseguido algo muy importante y es la creatividad, porque un stand o un espacio urbano, como puede ser un aparcamiento de coches, tiene que ambientarse, convertirse en algo atrayente, agradable”. Ayudar a los emprendedores de comida callejera a consolidar su negocio es también uno de los objetivos de Johnson, quien hace unos años participó del proyecto del Borough Market de Londres y hoy apuesta también por el nuevo paraíso de la comida rodante en la capital británica, Trinity Leeds.

Eat Street BCN.
Fotos: LeDezign.
Eat Street BCN.
Fotos: LeDezign.
Eat Street BCN.
Fotos: LeDezign.
Eat Street BCN.
Fotos: LeDezign.
Eat Street BCN.
Fotos: LeDezign.
Eat Street BCN.
Fotos: LeDezign.
Eat Street BCN.
Fotos: LeDezign.
Una ventaja de los puestos de comida en la calle es la relativa  flexibilidad, pueden moverse de un lugar a otro en tan solo horas o días, y los costes son inmensamente más bajos que montar un restaurante con local, por ello muchos chefs y cocineros optan por cocinas móviles como una opción más solvente a sus sueños de restaurante. Aunque algunos de los que empiezan con puestos callejeros consiguen crear su negocio entre cuatro paredes. Es el caso, por ejemplo, de las ganadoras de los premios British Street Awards de 2013, Katie Houston and Kim Glegg, quienes han arrancado hace apenas unos meses su propio restaurante en Bristol, The Katie and Kims Kitchen. O el famoso Pitt Cue, un pequeño restaurante con capacidad para 30 personas, que empezó vendiendo en un food truck bajo el puente Hungerford y hoy sirve clásicos americanos (BBQ) junto con una amplia carta de Bourbons en el Soho de Londres.

En Singapur, por ejemplo, corazón de este movimiento culinario y capital de la comida callejera en el mundo, los vendedores abandonaron las calles hace más de 20 años para trasladarse a almacenes acondicionados con electricidad y agua corriente. Pero allí, los problemas de salubridad y suministro eran una realidad, muy al contrario de la situación de países europeos como España, por mucho que las autoridades utilicen dichos argumentos como excusa a su negativa de promocionar la comida en las calles, como bien apunta Yanet Acosta, directora de The Foodie Studies, organizadora de las reuniones de activismo gastronómico y defensora de la comida en la calle: “En España la situación es en parte una paradoja. Esta cerrazón a la instalación de negocios de comida callejera podría deberse, por un lado, al celo de una Administración preocupada por la seguridad alimentaria que considera que no tiene suficientes herramientas para vigilar lo que se ofrecería en la calle a los ciudadanos, pero por otro lado también podría ser evitarle la supuesta competencia a los negocios de hostelería o, incluso, la búsqueda de sacar una mayor rentabilidad al suelo público con alquileres a empresas o terrazas antes que a carritos callejeros”.

Rollende Keukens.
Fotos: María López Fontanals
Rollende Keukens.
Fotos: María López Fontanals
Rollende Keukens.
Fotos: María López Fontanals
Rollende Keukens.
Fotos: María López Fontanals
La legislación española es una evidencia contra la que muchas instituciones y asociaciones, como de The Foodie Studies, Eat Street Barcelona (BCN Més) o Street Food Madrid, y particulares intentan luchar, aunque en muchos casos se siga haciendo oídos sordos. Marti Buckley Kilpatrick (The Cookie) lo vivió en sus carnes el verano pasado en San Sebastián. Su bicicleta azul cielo en la que vendió durante 2013 galletas de helado en la playa de la Concha, tuvo que refugiarse en una terraza privada para poder llevar a cabo su proyecto de street food. Y de hecho, su última propuesta de proyecto que consiste en un mercado de street food ha sido de momento rechazado por la administración local como ella misma nos explica: “Las normas no están bien definidas. Sólo tienen claro que las patatas fritas de toda la vida sí que se pueden vender, y los chiringuitos de las grandes corporaciones también.  Así que de momento el proyecto está parado porque lo último que quiero son problemas con la Administración”.
En España, la actividad de la venta de comida en la calle está definida o limitada, según se mire, por el Real Decreto 3484/2000 y el Reglamento 852/2004 del Parlamento Europeo y no deja ninguna duda que la venta ambulante de comida preparada en la calle está prohibida por ley en todas las localidades y comunidades autónomas españolas. Aunque la última palabra en el ámbito local corresponde a los Ayuntamientos y es por eso que en algunas ocasiones se aprueban normativas algo menos restrictivas y cada vez es más común encontrarnos con contextos más permisivos, como ha ocurrido recientemente en Madrid, aunque tampoco sea para “tirar cohetes”. El pasado mayo, el Ayuntamiento de Madrid aprobó una ordenanza mediante la que permite cocinar en la calle, siempre en el ámbito de los mercados y alrededores, a aquellas empresas cuyo puesto disponga de recogida de vapores por condensación. Además, amplía el rango de productos envasados aptos para vender en las calles, hasta ahora solo reservado a frutos secos y helados, como son los bocadillos o ensaladas, entre otros. Productos que bien está decirlo, ya se vendían con anterioridad a la aplicación de la ordenanza, aunque fuera de manera irregular, por no decir ilegal.

En general, las leyes fuera de nuestro país son mucho menos restrictivas. En muchos casos, como ocurre en Dinamarca, la regulación de un food truck es exactamente la misma a la de un restaurante convencional. Y por eso proyectos como Copenhagen Street Food, son relativamente sencillos de llevar a cabo. Esta iniciativa callejera que acaba de nacer en la capital danesa, impulsada por Dan Husted y Jesper Møller, consiste en un mercado situado en un antiguo almacén en la isla de Papir (Papirøen), con capacidad para 40 food trucks donde además se organizan conciertos, talleres... O en Amsterdam, donde desde hace 7 años tiene lugar Rollende Keukens, un festival de cocinas rodantes organizado por Mister Kitchen y donde este pasado mayo se concentraron más de 130 food trucks y pop-up bars, y más de 10.000 personas durante los 5 días del evento.

Caravan Made.
Fotos: Alba García Aguado
Caravan Made.
Fotos: Alba García Aguado
Caravan Made.
Fotos: Alba García Aguado
Caravan Made.
Fotos: Alba García Aguado
F/Reina Croqueta
En esta línea, pero por razones bien distintas, porque ni la temperatura ni la vida en la calle son inconvenientes en España, el pasado abril nació Eat Street Barcelona que tal y como explica Linda Silva ha celebrado ya 3 ediciones. En mayo, recibió más de 8000 visitantes y reunió a 22 chefs. O la propuesta a puerta cerrada de Madrid en el antiguo Mercado de San Ildefonso con oferta de tapas, bocadillos y menús variados en stands permanentes.

Propuestas gastronómicas que van desde la alta cocina a la cocina tradicional y a la llamada comida confort (comfort food). Porque la comida en la calle tiene mucho que ver con este otro movimiento, el comfort food, que surgió alrededor de los años 70 en los países anglosajones. La comida sencilla, asociada a nuestra nostalgia culinaria y por lo tanto a la cocina emocional, porque responde a platos tradicionales, ligados a nuestra memoria gastronómica que por norma son elaborados con ingredientes básicos y técnicas sencillas.
En España un caso muy representativo es Reina Croqueta, un carrito ambulante que vende croquetas caseras tradicionales y también versiones más contemporáneas en conos de papel. Lo que empezó siendo un servicio para restaurantes, caterings y eventos, es hoy una cocina móvil que se pasea por festivales y sirve en la calles de Barcelona, sobre todo, platos de comida confort, pura nostalgia de las croquetas de la abuela.
Pero en las calles españolas existen otras versiones menos tradicionales y más sofisticadas como los bocadillos gourmet que Javi y Silvia sirven y preparan en su caravana restaurada de los años 70, y a la que han apodado Caravan Made. Un concepto gastronómico innovador que ellos mismos explican: “Nuestra especialidad son los sándwiches. Entre dos rebanadas de pan elaboramos con productos de temporada y proximidad combinaciones originales y deliciosas. Nuestra carta va variando según la temporada y en este momento ofrecemos, en festivales y mercados, bocadillos como el Ginger Pork (pan redondo, carne de cerdo al estilo Caravan Made y compota de manzana ligeramente picante); el Moustache Roast Beef (pan Mama Sitges 100% ecológico, roast beef, rúcula, brie y salsa de mostaza y miel); el  Fresh Cabra (pan 9 grain seeds 100% ecológico, cremoso de cabra, pepino, rábano, mermelada de fresa y tomillo fresco) o el Veggie Classic (pan redondo, burger vegana de zanahoria, lechuga, pepinillo y ketchup casero)”. Aunque también están especializados en bocados dulces como los Sweet Rolls, un postre que ellos elaboran artesanalmente y que también cambian según temporada.

Hay quien piensa que el movimiento street food nunca llegará a cuajar en nuestras calles, pero a mi entender ya lo está haciendo.  Hay nuevos festivales, mercados, instituciones y organizaciones trabajando para mejorar la calidad de la comida y hacer frente a la estricta legislación. En palabras del gurú del street food KF Seetoh, que son a su vez el eslogan y objetivos del World Street Food Congres en Singapur y del que Seetoh es el máximo responsable, se trata de “preservar, profesionalizar y crear nuevas posibilidades para el mayor fenómeno culinario a nivel mundial...la cultura del confort y street food”.  Un movimiento que en muchos países, tanto gobiernos como instituciones, ven como una opción muy interesante para la regeneración y recuperación de algunos barrios y una vía más para promocionar su gastronomía y legado culinario.
Caravan Made.
Foto: Héctor Hernández
Caravan Made.
Fotos: Alba García Aguado
CAP LAMP de Normann Copenhagen
CAP Es una lámpara de mesa de la firma danesa Normann Copenhagen. El dúo alemán de diseñadores KaschKasch se inspiraron para la forma de su pantalla semicircular en los dibujos animados para niños Calimero, un pollito que lleva una graciosa cáscara de huevo sobre la cabeza a modo de sombrero. A pesar de sus formas geométricas tiene una apariencia muy dulce, como el propio Calimero, especialmente sus versiones en colores desvaídos como este Misty Blue. La pantalla rota permitiendo redireccionar la luz.

CHINOZ es un diseño de Jaime Hayon para la nueva empresa española de iluminación Parachilna. Un modelo de mesa con aires chinescos que combina una base de madera con un cuerpo de cerámica y un difusor de cristal soplado. Esas mezclas de materiales que a Hayon tanto le gusta hacer y que en esta ocasión por su paleta de color casi se funden resultando difíciles de distinguir. La base está disponible en lacado brillante negro, granate u ocre, el cuerpo en negro, rojo, verde pálido o Ming y el difusor en opal mate, blanco o negro brillante. Los tres son combinables así que la elección de los colores queda abierta. El dimmer en la base aporta además un bonito detalle por su interruptor en latón pulido.

CAMPANULE es un pequeño modelo de mesa que toma su inspiración de las flores con el mismo nombre de forma acampanada, sujetadas por un fino tallo que resulta incomprensible cómo puede llegar a aguantar semejante volumen de flor. Está hecha de metal y se puede usar como lámpara de escritorio o de mesilla de noche. Es un diseño del estudio Something, con base entre Londres y Verona e integrado por Daniel Debiasi y Federico Sandri. Esta es su segunda colaboración con la firma francesa Ligne Roset.
CHINOZ de Parachilna
CAMPANULE de Ligne Roset
POR: TACHY MORA EDITOR: JAVIER ABIO,

PENDANT SC6 es una sofisticada revisión de lámparas de estilo marítimo, un diseño del estudio Space Copenhagen para la firma &Tradition, ambos de origen danés. Está repleta de bonitos detalles, desde la forma de la pantalla con ese estiloso recodo hacia el interior en la zona del difusor, hasta las juntas de metal que unen la pantalla con el cordón. Es uno de esos diseños nacido ya para convertirse inmediatamente en un clásico contemporáneo.

MAGNUM es un diseño de los austriacos Patrycja Domanska y Felix Gieselmann que consiste en una barra redondeada y alargada de aluminio más un disco luminoso que se pueden acoplar entre sí en diferentes posiciones o incluso separar. El disco es móvil, puede situarse al principio de la barra o en un punto intermedio, algo muy útil para nivelar la luz cuando está colgada funcionando como lámpara de techo. Pero es un diseño muy versátil que también se puede usar como lámpara de mesa, de suelo y portátil. Es todavía un prototipo en busca de productor. Foto: Paris Tsitsos.


DOMO es una de las últimas propuestas de la firma española de iluminación LZF lamps. Una sencilla lámpara de suspensión con forma de cúpula diseñada por el también estudio español RQR, todos con base en Valencia. Es un guiño a los setenta cuando se pusieron de moda los diseños acampanados, que a tenor de esta recopilación siguen igual o más de moda. Su forma se consigue tan solo con la disposición de cuatro lamas de madera, o para ser más exactos de Polywood que es el material desarrollado y registrado por esta firma, unas finas y veteadas láminas de madera muy flexibles y resistentes que se cortan y montan totalmente a mano en sus instalaciones de Chiva.
MAGNUM de Patrycja Domanska y Felix Gieselmann
DOMO de Lzf Lamps
PENDANT SC6 de &Tradition
PLATEAU un diseño de los suecos Note Design Studio para la firma valenciana Punt. Un pequeño burro con una plataforma en su base, repisas y cajas de almacenaje que puede funcionar en diferentes localizaciones de una casa: como galán en el dormitorio para tener ciertas prendas más a mano; como mueble en el recibidor para los abrigos, ubicar el teléfono fijo o dejar las llaves en su bandeja redonda lateral; y también como organizador y toallero en el baño. Al tener su base levantada evita que las cosas anden rodando por el suelo. Es un gran diseño que, junto con el resto de nuevas piezas que ha presentado en los dos últimos años, posiciona a Punt otra vez en el punto de mira como una de las empresas españolas de mobiliario más interesantes del momento.
PLATEAU de Punt
KNP viene a revisar el diseño arquetípico de los sofás y es una propuesta de Jean Nouvel para la firma italiana Arflex. La colección incluye un sofá, otro con respaldo alto, una butaca y una chaise longue. Esto sería lo único que ha mantenido porque el resto lo ha cambiado todo. El arquitecto francés ha planteado una serie de bases en madera contrachapada para estas cuatro tipologías de asientos a las que se puede sumar cojines de espuma para hacerlos más blanditos, algunos a modo de colchoncillos para que hagan más cómodo el asiento, otros con formas que permiten crear divisiones o apoyos para la cabeza, brazos o piernas. Su disposición es libre, se puede cambiar constantemente. Lo más curioso son sus cubresofás, unas mantas que se pueden unir o separar entre sí mediante cremalleras hechas en un material similar al de los sacos de dormir.

STANLEY, ELYSIA Y LAUREL son las tres últimas piezas que el diseñador italiano Luca Nichetto ha realizado para la firma De La Espada. El sofá Stanley y la butaca Elysia son prácticamente una oda al elegantísimo trabajo que realizan los ebanistas de De La Espada, que en lugar de quedar oculto bajo el tapizado ha sido expuesto. Por su parte las mesas auxiliares Laurel fusionan dos formas geométricas en materiales muy distintos, un cilindro de madera con un cono lacado brillante, quedando el segundo como flotando sobre el primero.

DIAPOSITIVE es toda una colección de mobiliario en cristal diseñada por los hermanos Bouroullec para Glas Italia. Comprende un escritorio alto y otro bajo, un banco, un sofá y una estantería. Están hechos con paneles de cristal de diferentes tonos termosoldados a los que después se les añade ciertos detalles en madera o fieltro. La madera se encuentra principalmente en los bordes para darle empaque, así como en el tablero del escritorio. El fieltro por su parte le otorga calidez, sobre todo a los bancos y el sofá. Con la saturación de este tipo de materiales transparentes que hubo en los ochenta, el reto de hacer algo realmente atractivo solo podían abordarlo tan bien los Bouroullec. Atención al cristal, que su actualización en el ámbito del mobiliario va a dar mucho que hablar
KNP de Arflex
KNP de Arflex
KNP de Arflex
STANLEY, ELYSIA Y LAUREL de De la Espada
DIAPOSITIVE de Glas Italia
STUDIO 59 es la casa y estudio de la arquitecta belga Valerie Van der Put. Una vivienda en la que reina la asimetría desde la propia planta hasta incluso la forma de las ventanas. El proyecto se asienta sobre una ladera y la casa se adapta a sus formas sacándole partido para generar las suyas propias, contundentes y brutalistas. La mires por donde la mires te ofrece una cara que no parece corresponderse con el resto, como si fueran independientes. Está dominada por una fachada con un mirador exagerado que se asoma sobre la ladera como si tuviera la capacidad telescópica para asomarse realmente. Se manifiesta como si a ratos pudiera replegarse y no sobresalir tanto. En la cara opuesta sin embargo una abertura que ocupa todo el ancho genera una terraza protegida por los muros. Todas las aberturas tienen el fin de ofrecer unas determinadas vistas desde el interior, no hay ventanas meramente funcionales para ventilación. Como tampoco hay puertas en el interior, que es totalmente fluido. Todas las áreas están conectadas entre sí, de paso y por supuesto visualmente. Las paredes en el interior son también blancas pero en algunos momentos se ha mantenido el hormigón para obtener cierto ritmo, motivo por el que asimismo el pavimento del suelo es de color arena, tres tonalidades que armonizan perfectamente. En lo que ha puesto mayor énfasis es en conseguir que cada estancia estuviera equipada con una pieza de mobiliario que funcionara de manera escultórica, convirtiéndose en el centro de atención sin estropear el equilibrio general, como la impresionante mesa de madera de la cocina. Parece una galería de arte.
Fotos: Frederik Vercruysse.
STUDIO 59 de Valerie Van der Put.
STUDIO 59 de Valerie Van der Put.
STUDIO 59 de Valerie Van der Put.
STUDIO 59 de Valerie Van der Put.
STUDIO 59 de Valerie Van der Put.
STUDIO 59 de Valerie Van der Put.
FORMAT ELF ha diseñado tres cabañas como esta para Hofgut, un resort de vacaciones en la campiña bávara. El estudio de arquitectura alemán ha optado por un formato muy local utilizando la disposición alargada con tejado a dos aguas de los graneros de la zona. El exterior ha sido revestido completamente con madera tintada de negro. Con eso más las enormes puertas correderas y ventanas, algunas rectangulares, otras panorámicas, el proyecto se posiciona claramente en otro estilo con respecto a la arquitectura tradicional circundante, aun teniendo exactamente la misma forma. En el interior han tratado de sacar partido al tejado a dos aguas aprovechando los ángulos interiores que genera. En la de la imagen es la más evidente pues el interior es totalmente blanco y la luz rebota mucho; las otras dos han sido pintadas o revestidas en tonos más oscuros. También se ha aprovechado la altura del tejado para hacer niveles, pero no independientes, sino mediante altillos que permiten seguir teniendo siempre presente el tejado a dos aguas también en el interior. Una cosa curiosa es que la bañera se encuentra situada en el salón, junto a la chimenea y siempre con vistas, ya sea a través de un ventanal o de una claraboya.

SECRET OPERATION 610 es una obra realizada entre RAAAF y Frank Havermans, dos arquitectos holandeses cuyos estudios están especializados en proyectos a medio camino entre el arte y la arquitectura. Este es de hecho una instalación artística que hicieron para el festival de arte Vrede van Utrecht y que ahora se encuentra en una antigua base militar aérea en Soesterberg, un lugar muy apropiado por su apariencia de nave espacial y también porque los arquitectos querían imprimirle un aire como de los años de la guerra fría. Aunque desde luego también recuerda a un extraño bicho gigante. Mide 4,5 metros de alto, 11 de ancho y 8 de largo. No es meramente una obra de arte sino una pieza funcional que por el momento tiene dos usos: uno es que puede hacer un recorrido por la base militar a visitantes, así que efectivamente se mueve con esas inquietantes patas de insecto descomunal ya que tiene ruedas tipo oruga como las de un tanque; y el otro es servir como centro de reclusión para investigadores, así que está disponible para albergar grupos en cónclave de investigación o reuniones similares. Todo en su interior está hecho en madera y puede acoger hasta diez personas. El exterior mezcla acero y madera y ha sido revestido con caucho negro líquido en spray.


SECRET OPERATION 610
de RAAAF y Frank Havermans
HOFGUT de Format ELF
HOFGUT de Format ELF
SECRET OPERATION 610
de RAAAF y Frank Havermans

SECRET OPERATION 610
de RAAAF y Frank Havermans
NUMÉRO 111 es un trío francés de Saint-Étienne formado por un arquitecto y dos diseñadoras: Gregory Peyrache, Sophie Françon y Jennifer Julien (en este orden en la imagen). Esta combinación les permite hacer proyectos de todo tipo, desde arquitectura o escenografía hasta diseño de mobiliario o iluminación. La mayoría de sus primeros diseños han sido producidos por Ligne Roset y la galería Gosserez. Pero gracias a VIA, el ente público francés de apoyo al diseño, este año han llevado a cabo un trabajo muy interesante de exploración que han denominado Insulaire, un encargo incluido dentro de lo que la institución denomina “Programme Ameublement”. El trío escogió revisar el cuarto de estar frente al protagonismo que está ganando la cocina. Su propuesta incluía elementos muy comunes en un salón, como un sofá, una lámpara, una alfombra, cojines, mesas auxiliares o un biombo. Una de sus particularidades era que algunas de estas piezas incluían rattan como material estructural visto y en consecuencia usado a modo decorativo, aun estando destinadas a interior. Otra, la aparición de algunas piezas poco convencionales como una alfombra con un área de rattan y otra de tatami. También idearon unos cojines con base de madera a modo de atril que pueden servir asimismo como asientos en el suelo o como apoyo para recostarse.

SIGRID CALON es una ilustradora especializada en textiles con estudio en Tilburg, Holanda. Realiza unas composiciones geométricas y abstractas muy ricas en colorido que se repiten sobre una rejilla a modo de encaje. En 2012 publicó un libro que fue la culminación de su proceso de trabajo, To the extend of / \ | & -. Las ilustraciones que realizó para este libro estaban limitadas a un patrón restringido de rejilla y a solo ocho colores que combinó a modo de CMYK: rosa fluorescente, azul, naranja, marrón, amarillo, verde, negro y rojo. A pesar de lo limitado de los elementos, resulta impresionante los resultados que obtuvo en cuanto a patrón de dibujo y riqueza cromática, que mezclan de manera incluso hipnótica a veces colores que hasta la fecha parecían totalmente desavenidos. Después de publicar este libro la marca de gafas Oxydo le encargó una colección cápsula. Y este año ha realizado como evolución de este trabajo unos textiles increíbles tipo tapiz que ha denominado “Textile wall-objects”. Sigrid ha trasladado algunas de estas ilustraciones a tejidos jacquard bordados a mano sobre un bastidor, como si fueran cuadros. Ha sido un proceso hecho en colaboración con el laboratorio del museo textil de Tilburg. El resultado final es si cabe mucho más impresionante aún por cómo ha sido capaz de trasladar esa exuberancia cromática a un soporte textil.



NUMÉRO 111
SIGRID CALON
JOA HERRENKNECHT tiene su estudio en Berlín aunque antes de asentarse en Alemania con su propio estudio ha trabajado en Nueva York y Milán para otros diseñadores. Su formación inicial es en diseño de producto pero después estudió también diseño gráfico y packaging en Sidney. Además ha trabajado en una carpintería, algo que se aprecia mucho en los prototipos que suele presentar en el Salone Satellite de Milán o el D3 Contest de Colonia. Lo que hace especial a Joa es que sus trabajos aunque muy diversos entre sí respiran un mismo estilo. Todo resulta muy coherente, un rasgo que probablemente proceda de su formación como diseñadora gráfica. La mezcla de ambas disciplinas se percibe en sus productos en lo detallista que es con la paleta de color, ya se trate de una mesa o un sofá, y por supuesto mucho más en piezas como la alfombra Isla, ya que para diseñar este tipo de piezas casi es más apropiado un diseñador gráfico que de producto. La manera en que cuida su propia dirección de arte es ya en sí misma un signo de confianza.

MARKUS JOHANSSON
es sueco y tiene su estudio en Gothenburg en el que también trabaja mano a mano con Erik Hugo Pajos. Sus piezas se han podido ver en varios festivales de diseño de Europa, en Londres y Estocolmo entre otros, además de dos años seguidos en el Salone Satellite de Milán y aún le queda una edición más por exponer pues fue aceptado para tres años consecutivos. Tiene por eso algún diseño ya producido, como la silla Nest que es una maravilla de barras de madera que se entrelazan entre sí para crear una especie de nido de pájaro y que produce la firma italiana Mogg. La otra es su mejor pieza hasta la fecha y es una fantástica revisión de la silla stick-back nórdica, se llama Colibri y la produce Hansk. Aunque solo hubiera hecho esta pieza en toda su trayectoria sería igualmente un diseñador emergente para tener muy en cuenta. En general tiende a coger inspiración formal de objetos o cosas ya existentes trasladándola a piezas de mobiliario o de iluminación. Lo hace sin usurpar esa inspiración de partida trasladándola al nuevo objeto tal cual, más bien los desvincula dotando al nuevo de una identidad formal propia. Es especialmente bueno diseñando lámparas. En la página 69 puedes ver la Solstice, cuya pantalla se expande ocultando el difusor o dejando todo el globo a la vista. También destacan Carronade y Hello Dude, la primera recuerda a un cañón y la segunda a un gnomo. Todas son aún prototipos.

MARKUS JOHANSSON
JOA HERRENKNECHT
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TEXTO: RAMÓN FANO
FOTOS:  JM
ESTILISMO: SILVIA BIANCHI - BARRIOBAJERO
MAQUILLAJE: SARA. GÓMEZ
PELUQUERIA: ALBERTO LLORET
ASISTENTE ESTILISMO: SORAYA YASMIN
ASISTENTE PRODUCCIÓN: JAIME BERNAL

A Elena la hemos visto en el cine, en la tele y ahora la escuchamos en la radio. Ha hecho de todo en sus prácticamente 20 años de carre-ra, y eso que solo tiene 34. Modelo, presentadora, actriz… y ahora también locutora de radio en un programa presentado y dirigido en equipo con Dani Mateo: “Qué Asco de Verano”, una especie de viaje en el tiempo a la España de los 70, 80 y 90 a través de guiones cáusticos. “El año pasado Dani ya recibió la propuesta de hacer radio, pero no pudo ser por problemas de agenda. Este año fuimos nosotros los que lo propusimos y se hizo realidad. La verdad es que el programa ha tenido muchísima aceptación. Lo medimos por las redes sociales y las descargas desde la web. Y sobre todo por los comentarios que recibimos en la calle. Estamos muy contentos y agradecidos. Hacer radio con Dani es como montarse en una Montaña Rusa”. Tengo que decir que antes de entrevistar a Elena no tenía ni idea de que fuera pareja del presentador de moda, Dani Mateo. Y eso que llevan casados desde 2010. A pesar de mi ignorancia en temas del corazón, o precisamente por ello, el tema despierta mi curiosidad y veo que el programa de radio no es el primer proyecto laboral que comparte la pareja, los 2 se conocieron en 2007 durante el rodaje de la serie “La Familia Mata”, e incluso ahora han montado juntos una productora: The Entertainers, con la cual han presentado el exitoso “PK 2.0, que Dios nos pille confesados”, espectáculo monologuista de Dani. La pareja también tiene pinta de triunfar con su próximo proyecto empresarial: “Wyoming Desencadenado y los insolventes”, obra que se presenta como “el mejor monólogo de la historia”. Una especie de edición limitada del teatro con solo 12 únicas funciones en Madrid entre septiembre y diciembre. Luego, ya veremos. De momento, parece que a Elena le hace ilusión su faceta de empresaria teatral. “Me encantaría que fuera posible. La verdad es que para trabajar de actriz dependes mucho de terceros, y a mí nunca me ha gustado depender tanto de otros. Lo ideal sería seguir produciendo teatro y radio, y compaginarlo con mi faceta de actriz”. De momento parece que lo consigue. Modelo, presentadora, actriz, productora, y ahora también locutora… 13 series de televisión, 11 películas, 2 espectáculos teatrales, un programa de radio… A este carrerón ahora hay que sumarle 2 nuevos estrenos para este otoño. El primero es “Cuéntame un Cuento”, serie de televisión premiada en el Festival de Creaciones Televisivas de Luchon (Francia) que adapta relatos populares de toda la vida a los tiempos mo-dernos. La segunda historia que protagoniza Elena, junto a los actores Iván Hermés, Raúl Mérida y el músico El Chojin, es el film “Reverso”, una especie de thriller psicológico (el trailer al menos tiene muy buena pinta). Precisamente son estos 2 proyectos con los que Elena se siente más realizada como actriz.  “‘En cuéntame un cuento’ porque conocí y pude trabajar con Miguel Ángel Vivas, que es una de las personas más talentosas de este país. Y “Reverso” de Carlos Martín, que, aunque es su primera película, es un director que dará que hablar. En ambos proyectos me he sentido muy libre para expresar lo que pedía cada uno de los personajes. He podido disfrutar de esa libertad creativa que te hace sentir bien”. Iba a decir que solo le falta escribir, pero tampoco.

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Próximos Estrenos de Elena: “Wyoming Desencadenado y los insolventes” como productora, del 26 de septiembre al 14 de diciembre en el Teatro Compac Gran Vía / “Cuéntame un Cuento”, serie de televisión para Antena 3 / “Reverso” película de Carlos Martín.
“Me gusta escribir, como aficionada, sin presión. Aunque me estaba planteando hacer algún curso de escritura creativa, o algo similar, pero por diversión”. Quién sabe, quizás esto le lleve a cumplir su gran objetivo a largo plazo: “producir una obra de teatro que me motive a interpretarla”. Como dice Elena, “la vida es larga e impredecible”, puede que esa obra la escriba ella misma. Pero de momento, está contenta con su vida tal y como es. Ella, al contrario de lo que dice el slogan de la Lotería, no tiene sueños caros: “No necesito soñar con tener un barco o un avión privado, y mucho menos una isla privada. ¿Te imaginas los quebraderos de cabeza que tiene esa gente? ¿Y el miedo que pasarán con la idea de perderlo todo? No, gracias”. Pero que Elena esté contenta con su vida no quiere decir que sea conformista. A poco que le pinches sale su vena reivindicativa. “Es increíble que hoy en día los actores tengamos un sueldo prorrateado que no llegue al sueldo mínimo marcado por la ley. En el sector hay en torno a un 80% de paro y encima suben el IVA al 21%… ¿La solución de la crisis del cine? Por ejemplo, ¿poner precios de taquilla acordes a los gastos de producción? No sé, es muy complicado este tema… Hay tantas cosas que no sabría con cual empezar… Como persona tengo opinión, voz y voto, como todos los ciudadanos de este país, aunque hay veces que nos lo ponen muy difícil. Sigue existiendo el miedo a las listas negras y demás armas políticas para tapar bocas”. Así todo, Elena se lanza con una lista de temas que la indignan: “el cambio de la ley electoral que pretende hacer el Gobierno para seguir dando privilegios al bipartidismo; la privatización de la sanidad; el encarecimiento de la educación, restando oportunidades a los que económicamente tienen menos; el abuso de poder; los ladrones de guante blanco y su impunidad; los desahucios; el radicalismo; el racismo; la deuda externa y las condiciones de pago; el FMI; la Merkel; los falsos solidarios y sus falsas ONG’s; la impunidad de los 4 gatos de siempre; el derecho a manifestarnos… creo que no acabaría nunca. Así que cada uno añada a esta lista lo que más le indigne. Lo más probable es que me indigne a mí también”. 

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TEXTO: MARIANO MAYER
The Kid with the Replaceable Head, 1996. Cortesía del artista y Sadie Coles HQ, Londres. 
Two Shirts, 1996. Aishti Foundation.
Los objetos y materiales cotidianos son para Jim Lambie, antes que elementos biográficos, catalizadores de sensualidad y elementos con los que construir desde esculturas o patterns geométricos hasta teorías de color. Vinculado tanto a la expansión de la pintura como a la activación de la abstracción geométrica, el trabajo de Jim Lambie celebra por partes iguales la euforia adolescente de una superficie brillante y el potencial artístico que poseen los materiales y objetos que rodean nuestra cotidianeidad. Tanto para modificar espacios como para idear obras que se puedan pisar utiliza cintas de vinilo de colores con las que cubre suelos, transformándolos en retículas cromáticas. Para Jim Lambie observar el mundo que nos rodea es algo más que una actitud contemplativa, todas sus obras se basan en algo que ha visto y le ha llamado la atención. Estas obras presentadas muchas veces a modo de “anécdotas visuales” no son necesariamente narrativas, la anécdota radica antes en el uso del material que las constituye que en los elementos biográficos y emocionales que la atraviesan. Tanto las primeras como las últimas piezas tienen una factura muy simple e inmediata y cada una de ellas surge a partir de un objeto. Pero el artista no se detiene en reflexiones sobre ese objeto, su interés radica en el hecho de descubrir las posibilidades creativas que tal objeto ofrece. Así, espejos, zapatos, escaleras y bolsas de supermercado abandonan la función para la que fueron fabricados y se instalan en el universo de los patrones compositivos. Reconvertidos en materialidades artísticas y organizados de modos diferentes, materiales y objetos construyen situaciones sumamente rítmicas. No importa el rango material o el tipo de obra. Todo lo que protagonice un espacio tomado por Jim Lambie adquiere movilidad.

Vista de la instalación,
The Fruitmarket Gallery 2014.
Vista de la instalación,
The Fruitmarket Gallery 2014.
Vista de la instalación,
The Fruitmarket Gallery 2014.

Plaza, 1999/2014. Cortesía del artista y The Modern Institute / Toby Webster Ltd. 
 
Los brillos que rebotan del suelo al techo tienen algo de pista de baile y la paleta de colores que utiliza conecta de inmediato con todo el atrezzo y la decoración de los garitos de música. Jim Lambie es uno de los artistas más reconocidos que trabajan actualmente en Escocia, pero antes de ello era uno de los integrantes de la banda Boy Hairdresser y no fue hasta el momento que firmaron con una discográfica que decidió que quería ser artista. Era el final de los años 90. Para Jim Lambie la música no ocupa solo una parte importante de sus años de formación estética. Al ver sus instalaciones psicodélicas y sus suelos distorsionados descubrimos que el lenguaje musical en ningún momento redujo para Lambie su capacidad expresiva. El artista retoma ciertas cuestiones compositivas características de la música a través de otros medios, como la mezcla de estructuras simples o la relación entre vacío y lleno propias del minimalismo musical. Seguramente por entender la música como un material sumamente plástico el artista reniega del hecho de señalar la música como su influencia principal. Si bien tanto las instalaciones como las pinturas y determinadas piezas escultóricas parecen prestar especial atención a la teoría del color, muchas de sus piezas parten del concepto de sinestesia. Se trata de un canal perceptivo que poseen algunas personas a través del cual asimilan de manera conjunta diferentes sentidos. Esta experiencia de “oír colores y ver sonidos” de manera involuntaria es la que rastrea Lambie, pero no de una manera esotérica sino a través de un surtido de formas y colores con los que se topa de manera natural en su vida cotidiana. Su paleta es el mundo conocido, allí se surte de todo tipo de correspondencias entre sonidos, colores e intensidades. Con la intención no tanto de trasladar meras asociaciones sino de facilitar tales percepciones, los colores y las vibraciones tienen cualidad sonora en el universo de Lambie.
Roadie, 1999.
Stakka, 2000.
Psychedelic Soul Stick 4, 1999.
A partir de intervenciones muy precisas, en las que cubre con glitter y vinilos muros, suelos y todo tipo de objetos reconocibles, el artista nos invita a descubrir una y otra vez cómo el color es una entidad variable cuya percepción visual nunca es pura, sino que depende de las relaciones lumínicas y espaciales donde se proyecte. Todo su trabajo parte de la visión y de los mecanismos que intervienen en la visualidad, por ello el ojo y no el rostro es uno de los elementos que aparecen por cientos en sus pinturas y collages. Son este tipo de variables, donde el color es un elemento móvil que se relaciona con otros de maneras siempre cambiantes, las que emergen en obras como “Zobop” (1999/2014), una de las piezas principales de su actual exposición individual en The Fruitmarket Gallery (Edimburgo) y cuyo título parte de un grafitti que descubrió en una de las paredes de su barrio. Se trata de una de sus intervenciones más celebradas en la que cubre el suelo de diversas salas con cintas de vinilo y lo hace desde los bordes hacia el centro estableciendo circuitos concéntricos de color que adapta en función de las características arquitectónicas de cada lugar. Este único material con el que ocupa una superficie plana trasmite un estado vibratorio tan hipnótico como móvil. El conjunto de líneas ofrece una serie de variables en función del punto de observación, sin embargo, una vez allí las diferencias parecen disolverse, fundiéndose en un paisaje óptico reflectante. De todas sus piezas esta es sin duda la que mejor recoge el efecto transformador y ocupacional de la música, dice el artista: “Cuando escuchas un disco todos los bordes espaciales desaparecen. Te encuentras en un espacio psicológico. No piensas en la música, tampoco te paras a pensar que la estás escuchando en ese preciso momento. Tan solo estás dentro de ese espacio que la música construye para ti”. Las cintas de vinilo aplicadas en líneas continuas construyen un espacio energético y sensorial y, al igual que la música, transportan. La simpleza y repetición de materiales no está presente únicamente en el suelo, hay esculturas realizadas en papel de aluminio que ocupan esquinas, zapatos con inscripciones y escaleras que cuelgan del techo o bolsas de plástico que vierten pintura de interiores y ofrecen la escala de colores primarios y secundarios. Materiales cotidianos cuyas características permiten generar distintos tipos de encadenamientos, correas de bolsos, perchas, imperdibles o cinturones unidos entre sí y que recorren un espacio determinado. Se trata de estructuras escultóricas realizadas a partir de elementos que el artista encuentra en tiendas, mercadillos, o se topa con ellos en las calles próximas a su estudio o a los sitios donde expone. Una actitud azarosa y un tanto alquímica que el artista promueve y un intento de realización no programático, ya que una parte importante de las piezas de sus exposiciones son generadas a partir de los materiales que encuentra y traslada al espacio expositivo. Pero la pesquisa puede fracasar y acotar las posibilidades. Comenta el artista que en una ocasión su estrategia de paseante fracasó, ya que se encontraba en el sur de Francia y dado el alto poder adquisitivo de la zona no le fue posible encontrar ni “basura doméstica”, ni tiendas de segunda mano que se la facilitara. Lo que sí encontró por cientos fueron cigarros libres de impuestos, este hecho es el que lo animó a perforar una de las paredes de la sala con agujeros del tamaño de los cigarros y colocarlos allí, del otro lado del muro el comisario de la exposición los encendía y algunos visitantes los fumaban.
Shaved Ice, 2012/2014. Cortesía del artista y The Modern Institute / Toby Webster Ltd.
Perm and Blow Dry, 2001
Este guiño inclusivo hacia el público es un elemento que recorre cada una de sus exposiciones, y no tanto por la interactividad que las piezas portan, sino por las características cotidianas y simples que ofrecen. “No me interesa hablar de la fabricación o utilización de materiales exóticos”, explica Lambie en el video promocional de la exposición, “lo que intento señalar es la posibilidad que tiene cualquier objeto de ser transformado en obra de arte”. La retrospectiva que presenta The Fruitmarket Gallery arranca en 1996 y culmina en nuestros días. “Cuando digo que la retrospectiva llega hasta hoy, lo digo porque la última pieza que se ha montado la he realizado hace una hora y está hecha específicamente para la exposición”. Lambie alimenta la tradición de realizar esculturas a partir de objetos encontrados, pero sus readymade sufren modificaciones. A partir de pequeñas metamorfosis, gestos intuitivos y decisiones improvisadas, camisetas, puertas, gafas de sol, espejos, altavoces o portadas de discos adquieren una pátina estética. Si bien el artista tiene en cuenta los componentes sensoriales a la hora de establecer sus selecciones de objetos, muchos de ellos abandonados, cada uno de ellos parece adquirir una nueva existencia. Adaptaciones sin mensajes específicos y transfiguraciones cuyo motor es la construcción estética. A través de lo efímero y desechable Jim Lambie elabora un sistema de relaciones que van más allá de lo personal y familiar y nos permiten detectar con claridad la escala cromática de nuestros días, así como la capacidad de transformación de aquello que nos rodea.

Hasta el 19 de octubre, The Fruitmarket Gallery, Edimburgo.
 Por: RAMON FANO, JAVIER ABIO, RUBÉN MANRIQUE & TERE VAQUERIZO   Entrevista: MONGÓMERI
Fotografía: JANG HYUN HONG
Producción: SASAH PARK
Estilista moda: PARK JONG HA
Asistente fotógrafo: JARED CHRISTENSEN
JR producer: COLLEEN CULLEN
Model Editorial: NOMA HAN

Wookjuun Jung, a partir de ahora Juun.J, aparenta muchos menos años de los que tiene, 47. Nació el 1 de marzo del 67. En el horóscopo occidental es piscis, y en el coreano es la oveja. Uno se rige por los días del mes en que hayas nacido, y el otro por los años. Y ambas culturas coinciden en la interpretación de la personalidad del diseñador: creativos, tranquilos, afortunados… pero también son cambiantes y dubitativos, con tendencia, como piscis, a la doble personalidad. Sin embargo, Juun.J parece que todo lo tiene muy claro. Al menos eso es lo que nos transmite en esta entrevista que realizamos, al igual que las fotos, pocos días después de su desfile de París. Ya en Seúl, en su estudio, en el barrio más trendy de la ciudad, Juun.J nos habla de su pasado, presente y futuro, 3 tiempos que definen conjuntamente su trabajo.
FAMILIA: “Mis padres tenían un negocio de ropa. Desde muy joven y de una forma natural me he sentido muy influenciado por ellos. Tal vez esa sea la razón por la que siempre he sentido un gran interés por la ropa. Desde niño quise especializarme en Diseño de Moda. De todas formas, mis padres me sugirieron que me matriculase en Bellas Artes puras. Y así lo hice, aunque el interés por el textil jamás decayó. Nada más cumplir el servicio militar obligatorio me enteré de que el famoso instituto francés de moda, la escuela Esmod, estaba abriendo una sede en Seúl y al instante supe que ese era mi destino”.

ESMOD:
“En comparación con el resto de mis compañeros yo era mayor, ya que me matriculé más tarde que ellos, después de terminar la universidad y cumplir con el servicio militar obligatorio -2 años en Corea del Sur-. Esa diferencia de edad incluso me motivó mucho más a la hora de trabajar duro. Durante ese tiempo prácticamente vivía en la escuela, dedicaba mi tiempo a hacer proyectos y trabajos escolares. Mi asignatura preferida era Patronaje, fue la que más me influyó. Además pasé mucho tiempo en solitario, estudiando y profundizando en la adaptación de los patrones de la sastrería clásica”.

HOMBRE:
“Escogí moda masculina porque soy un hombre, y lo que mejor se me da es hacer ropa que gusta a otros hombres. Por otro lado, recrear determinadas piezas y elementos del vestuario masculino clásico me proporciona un placer incomparable”.

PROFESOR: “Comencé a enseñar hace 3 años en un instituto de moda de Seúl que se llama Sadi. La enseñanza requiere mucha dedicación, y tienes que regular tu tiempo de una forma muy prudente. Así todo son horas muy significativas. A mis alumnos, futuros diseñadores de moda, el principal consejo que les doy es que piensen globalmente, que se visualicen como diseñadores capaces de enfrentarse a los retos que les presenta el mercado global, y que trabajen para conseguirlo. También les digo que al principio no piensen en el dinero. Yo les sugiero que inviertan, inviertan e inviertan en ellos mismos”.

INICIOS: “Tras graduarme en Esmod, cobré mi primer salario como diseñador en 1992. Ya había terminado los estudios en Esmod y  trabajaba para una marca de moda masculina que se llama Chiffon. El sueldo era excesivamente bajo si lo comparo con el de los becarios y aprendices actuales. Después de Chiffon, trabajé como diseñador jefe para Club Monaco y NIx en Corea. Aprendí muchas cosas durante estos años en los que pasé de aprendiz a diseñador jefe, pero los 2 temas cruciales que jamás olvidaré son la búsqueda del equilibrio entre lo creativo y lo comercial, y la importancia del branding”.

1999:“Yo quería crear una marca de moda masculina que fuera única y especial, y también que fuera rara como el concepto de Couture. Y con esa idea cree en 1999 Lone Costume. Los matices y las connotaciones de su lectura eran geniales, y la secuencia fonética también era muy buena. Hice el lanzamiento de la marca por mi cuenta. También estaba la gente que me apoyaba y todo eso me dio mucha energía. Obtuve algunos premios de fondos dedicados al diseño que me permitieron gestionar económicamente el tema de las ventas”.

2007: “Fue el año en el que debuté con mi colección en París, y quise que mi nombre fuera mi marca. La razón de este cambio fue que quería que la marca fuera un retrato de mi propia identidad. Quería crear una marca con mi propio diseño y mi propio nombre. Juun.J es mi nombre realmente, mi nombre coreano es Wookjuun Jung. Así que tomé Juun más la primera letra del apellido, J, y se quedó en Juun.J”.

EMPRESA: “Actualmente el equipo de Juun.J está formado por 25 personas. Entre diseñadores y patronistas somos 15 profesionales… Y 10 personas están dedicadas al marketing, relaciones públicas, producción, ventas e imagen”.

Juun.J Colección Otoño Invierno 2014-15
Juun.J Colección Otoño Invierno 2014-15
TIENDAS: “En marzo de 2014, Juun.J abre su primera tienda en Séul, en Galleria Department Store. Y abriremos otra nueva en septiembre. Galleria Store tiene una identidad muy sofisticada con fondos blancos. La segunda tienda, la de septiembre, será mucho más Juun.J. Actualmente -es finales de julio cuando entrevistamos a Juun.J- estoy diseñando la imagen de la tienda con la idea de que encarne a la perfección la identidad de la marca. Quiero hacer algo que refleje la esencia de Juun.J incluso dentro de 100 años. Y la tienda de París siempre está dando vueltas en mi cabeza”.

PARíS:
“París es una ciudad que amo profundamente y espero vivir. Tanto París como Seúl tienen sus propios atractivos. París es una ciudad muy de moda, que respeta la sensibilidad artística y tiene un ambiente que es completamente diferente al de cualquier otra ciudad en el mundo. En cambio, Seúl es una ciudad centrada en la tecnología, con un ritmo frenético. Ambas ciudades me inspiran y me cargan de energía positiva. Después de todo, para trabajar y diseñar, todavía quiero seguir viajando de Seúl a París, o de París a Seúl. En realidad es como viajar del pasado al futuro constantemente, y llevar una vida que se mueve todo el rato entre la autenticidad y la modernidad”.

SEÚL:
“A los lectores de Neo2 les recomendaría Cheongdam-dong y Hannam-dong. Cheongdam es el barrio en el que vivo. Es el sitio perfecto para los amantes de la moda, un montón de marcas tienen aquí sus flagship stores. Por ejemplo, 10 Corso Como o Beaker. Hannam es un vecindario donde coexisten muchas culturas. En sus calles está floreciendo una nueva cultura hip, con muchas pequeñas tiendas de diseñadores, cafés, restaurantes…”.

BARCELONA: “Es una ciudad donde realmente me gustaría volver con el equipo Juun.J para desfilar. Fue genial cuando lo hice anteriormente. La ciudad es preciosa y la gente que acude a la pasarela realmente aprecia el arte. Su actitud es genial. Lo mejor de la ciudad es su gente, es fantástica y su corazón aun lo es más. Las veces que he estado allí me he sentido muy relajado y feliz”.

ESPAÑA: “El diseño español es muy creativo y práctico. Expresa con acierto el ingenio de los españoles. Quizás todo esto se debe a la pasión de su gente. Yo siempre he sido muy fan de la arquitectura española, y también de su gastronomía, su moda… e incluso de su diseño de interiores. Presentan sistemáticamente líneas inspiradas en el minimalismo, pero jamás resultan aburridas ni tediosas. Moda, arte, sillas y luces se disponen de forma ingeniosa y sencilla. Bueno, parece simple pero tiene muchos toques de ingenio muy impactantes. En cuanto a los jóvenes diseñadores de moda, tengo la sensación de que son muy apasionados y muy receptivos a la hora de enfrentarse a nuevos conceptos. Tienen una energía muy fuerte. Y la semana de la moda de Barcelona está siempre progresando. Un editor me comentó que tanto España como Corea eran 2 países con una industria de la moda creciente”.

COREA DEL SUR: “La moda y el diseño coreanos se están moviendo hacia el mercado global. Creo que la fuerza del diseño de moda coreano reside en partir de un estilo internacional u occidental, y no de las vanguardias orientales. Eso sí, la moda coreana tiene la precisión y la técnica oriental. Todo eso se traduce en colecciones contemporáneas muy bien hechas. Es probable que la fuerza del diseño coreano sea un reflejo del carácter de su pueblo. Los coreanos están muy seguros de su moda y sus tendencias. Y a diferencia del pasado, ahora pueden encontrar sin problema marcas de todas las partes del mundo. El desarrollo tecnológico en Corea, y la conexión de alta velocidad a internet también afectan al diseño de moda”.

JUUN.J: “Un concepto que define a la marca es el de ‘Diversion of Classics’. Tanto mi filosofía de diseño como la identidad de marca se basa en la creación de algo nuevo a partir de la interpretación de algo que ya existe, aplicando nuevos y modernos métodos. El proceso de aplicación de esta metodología debería mostrarse siempre bajo el concepto de la marca. Otra de las señas de identidad de Juun.J es la de ‘street tailoring’, que para mí es mezclar piezas clásicas de sastrería con camisetas de cortes meticulosos en largos y anchos de las mangas con la idea de crear un nuevo look más fresco”.

MUJER: “Las colecciones de Juun.J contienen tanto masculinidad como feminidad. No diseño específicamente para mujeres, pero a muchas les gusta mi marca y la llevan. Por ejemplo, Rihanna. De todas formas, ahora ya no me conformo con diseñar ropa solo para hombres. Tengo planes para hacer ropa de mujer en un futuro relativamente próximo. Ropa que no será solo unisex, y que contendrá toda la esencia de Juun.J. Seguro que a las mujeres les resultará mucho más atractiva que las colecciones actuales de hombre”.

SAMSUNG: “Gané 3 veces el SFDF -acrónimo de Samsung Fashion & Design Fund- y consiste en un patrocinio para promocionar nuevos diseñadores coreanos. Al ganarlo 3 veces pensamos que podíamos establecer una relación entre ambos. El premio consiste en apoyo financiero y técnico. Fue el medio que me permitió mejorar mis colecciones y presentarlas en París, además de aportarme estabilidad”.

PRODUCCIÓN:
“Producimos todo en Corea. Aquí hay muchos talleres con artesanos buenísimos. Son la base para crear la escena de la moda coreana. Tienen una gran capacidad para entender y realizar con precisión todo lo que diseña el equipo Juun.J. Sus conocimientos sobre todos los aspectos técnicos de la producción son un gran activo”.

LICENCIA: “Mi objetivo es convertir a Juun.J en una marca de diseñador con éxito global. Por supuesto, el éxito del negocio tiene que construirse sobre la base de la propia cultura de Juun.J. En otras palabras, no puede ser solo una marca que desfile en pasarelas. Yo quiero introducir elementos de lifestyle para llegar a ser una marca con la cultura que tiene el lifestyle en moda. De momento ya he hecho colaboraciones con marcas de moda, y la fragancia Juun.J ha sido utilizada para hacer velas… A partir de ahora, gradualmente, se desarrollarán licencias relacionadas con elementos de lifestyle”.

COLABORACIONES: “Yo creo que, ahora mismo, el deporte es la relación más importante que tiene la moda. Además, como siempre digo, estoy enamorado de la cultura de la calle y sus estilismos, siempre son una inspiración para mí. Por eso Adidas es mi marca preferida para aplicar mi visión. Siempre me han encantado las zapatillas Adidas Superstar, un clásico que lo será siempre. Y sorprendentemente, Adidas me propuso hacer una colaboración con este modelo para la colección primavera verano 2015. Justo pude realizar mi sueño y con uno de los clásicos del deporte y la cultura street. Esta colaboración ha sido un placer, siempre lo es cuando puedes trabajar sobre algo que realmente te gusta”. 

ARTISTAS:
“He colaborado con artistas como Josh Luke, Oleg Dou, Greg Craola Simkins, AlexanFelix… Siempre trabajo con artistas que realmente admiro y respeto. Mientras contemplo el concepto de la temporada, también presto atención al trabajo de diversos artistas. Finalmente escribo al que mas me gusta y le hago una propuesta sincera de colaboración. Es algo que funciona en moda. Ambas partes sugieren su diseño e intentan alcanzar un punto final en el que estén de acuerdo. Todos los artistas son creativos y poseen ideas únicas, por lo que es crucial encontrar un lugar donde ambas partes confluyan. El colaborador elegido para la colección primavera verano 2015 es Rob Ryan. Su trabajo es único y creo que encaja muy bien con el concepto de la colección: Oxford. Estaba muy motivado al tener 3 piezas de arte con las que trabajar los 10 estilos que salieron al final del desfile. Al igual que en esta ocasión, las colaboraciones se reencarnan con más belleza cuando me inspiro en el trabajo de otros artistas y uso la ropa como si fuera un lienzo”.

Juun.J Colección Otoño Invierno 2014-15
Juun.J Colección Otoño Invierno 2014-15
HISTORIA: “Estoy interesado e influenciado en los años 20, tanto del siglo 20 como del siglo 21. Es el pasado y el futuro. La reinterpretación y recreación de diseños que ya existían para convertirlos en algo totalmente nuevo con la visión de Juun.J es algo que adoro. La primera vez que presenté las camisas oversized me dijeron que era muy futurista. Hoy en día son una tendencia comercial. Es el momento de diseñar otra cosa del pasado con un estilo futurista. Es apasionante ver el desarrollo de Juun.J como una marca que puede abarcar tanto el pasado como el futuro”.

ZOOTSUIT: “Es la palabra clave de la colección otoño-invierno 2014-15. Una tendencia en Nueva York durante los años 40 que trabaje con la esencia de Juun.J, cruzando la frontera entre materiales y sastrería, y enfatizando la belleza de combinar cuero y lana. Acentúe especialmente la sastrería que es algo muy propio de mí. Destacaría las piezas de cuero estilo motorista, cazadoras, pantalones y la unión de ambas hecha mono. La mezcla de siluetas no puede pasar desapercibida en esta colección. Quería mostrar la dramática belleza de combinar prendas oversized con otras totalmente ajustadas”.

OXFORD: “Es el tema de la colección primavera-verano 2015. Está inspirada por los líderes de estilo de la Universidad de Oxford allá por 1920. Una palabra que tiene numerosas evocaciones como pantalones anchos, camisas, color azul marino, etc. Yo me concentré en derrocar los límites entre los trajes clásicos y el deporte, un ejercicio elaborado desde la perspectiva propia de Juun.J: moderna y chic. El reto de esta colección es la frontera que hay entre las piezas y los materiales. Por ejemplo, hacer un abrigo con el tejido propio de una camisa, o una cazadora que también es una camisa. También quise mostrar una silueta confortable que a la vez fuera tendencia y chic”.

RIHANNA: “Es una artista, y también fashionista, que interpreta el estilo Juun.J de una manera maravillosa. Lo interpreta muy bien y también demuestra su conocimiento. Le agradezco su apoyo y creo que es fantástico que alguien con tanto talento defienda tan bien mi ropa. Kanye West es otro artista al que también le gusta. Muchas celebrities de Corea y China llevan Juun.J, incluyendo a G-Dragon y Taeyang de Big Bang. Pero espero que gente interesante de todo el mundo lleve y experimente la firma, no solo fashionistas famosos o celebrities”.

REDES: “Estoy activo en Facebook e Instagram como Juun.J. Es una maravilla poder compartir ideas y noticias con gente de todo el mundo a través de las redes. La idea de actualizar noticias y obtener un feedback global al instante antes era inimaginable para muchos. Ahora es la norma y trato de usarlo correctamente. El Facebook lo dedico más a lo profesional y en el Instagram actualizo cosas más personales. Por favor, venid a visitarme cuando queráis y así veis qué está pasando en Juun.J”. www.facebook.com/mirrorJUUNJ
www.instagram.com/juun_j

PLANES: “Mi plan a corto plazo es preparar la línea femenina, y a medio plazo es expandir el negocio como marca lifestyle. Mi objetivo ahora es alcanzar el éxito global como marca, así que estoy muy concentrado en la identidad y en la coherencia de la firma, no solo en el diseño de las colecciones. No dudo del éxito a corto o medio plazo si continúo trabajando así y lo reflejo en las presentaciones de las colecciones. Para mí es muy excitante pensar en lo lejos que puede llegar Juun.J si sigue creciendo en la progresión que lo está haciendo hasta ahora. Como digo siempre, lo más importante ahora mismo es tener consistencia”.
Texto: TEREVISIÓN RUIZ
Taeyang (Big Bang)
G-Dragon
G-Dragon en el desfile
primavera-verano 2013 de Juun.J.
Foto: Rainer Torrado
Boy George
Demdike Stare
Big Bang
“Normalmente compro música digital y compact discs. Soy una persona que tiene que viajar mucho, así que suelo comprar mucha música digital para guardarla en mi smartphone y poder así escucharla mientras viajo. La música digital me parece genial porque no pesa y no ocupa espacio. Además, es muy fácil hacer playlists con mi música favorita”. Esto es lo primero que nos cuenta Juun. J sobre sus hábitos musicales así que le preguntamos qué smartphone usa y qué es lo que suena en el mismo: “Utilizo un Galaxy Note 3 para escuchar música. Tengo guardado un poco de todo: jazz, blues, pop, hip hop... No me suelo centrar en un artista o un tipo de música concreto, me divierte escuchar todo tipo de música. Dependiendo de la situación o de mi estado de ánimo la música puede ayudarme a encontrar inspiración o incluso aliviarme el stress”. Ya que es un habitual comprador de discos le preguntamos cuál ha sido su última adquisición: “El último disco que he comprado es ‘Primitive Equations’ de Demdike Stare. Además utilicé esta canción para el desfile de mi colección Primavera/Verano 2015”. Demdike Stare son un dúo formado por Miles Whittaker (Dj MLZ) y Sean Canty, organizador de eventos y coleccionista de discos. Hacen música electrónica que va desde el tecno, hasta el noise o el jungle. “Primitive Equations”
es la cara B del 12” Testpressing#002
(Modern Love). Cuando le preguntamos a
Juun. J si hay algún grupo que le haya influido especialmente nos habla de Culture Club y Boy George: “La voz de Boy George era, es y será siempre única y fantástica. En cuanto a su estilo siempre me ha resultado muy inspirador”. Culture Club fue uno de los grandes grupos de los ochenta. Se formaron en 1981 y se separaron en el 86, debido, principalmente a los problemas de adicciones varias de Boy George. Tras la separación continuó con su carrera en solitario, obteniendo también bastante
éxito como Dj. El grupo se reunió de nuevo el mes de julio pasado para dar su primer concierto en 15 años en el Castillo de Edimburgo, en un evento de la BBC, y se rumorea que están preparando nuevo disco y gira mundial para 2015.
Cuando le preguntamos a Juun. J por su grupo favorito en este momento, responde sin dudarlo: “Big Bang, un grupo de Corea del Sur. Su música se dirige a todo tipo de público, aglutinando un montón de tendencias, y creo que están marcando un nuevo rumbo en la industria musical. A todos los componentes de Big Bang les encanta la moda y tienen además un gusto fantástico. G-Dragon y Taeyang, dos de sus miembros, a los que conozco personalmente, son realmente profesionales y se esfuerzan siempre al máximo”. El grupo al que se refiere Juun. J es todo un fenómeno, sobre todo en Asia. Se trata de una boy band, o más concretamente de una K-pop band, que es como se denomina a los grupos de pop coreano cuya música es una amalgama de electrónica, pop, hip hop y R&B, principalmente. Big Bang se formó en el año 2006, está compuesta por cinco veinteañeros y se convirtió en muy poco tiempo en una de las bandas más famosas de K-pop, que además ha realizado ya giras internacionales. Han ganado numerosos premios y lo normal es que sus videoclips reciban en tiempo récord millones de visitas. En 2009 y 2010 el grupo se tomó un break y algunos de sus componentes, como su líder, G-Dragon, quien además compone y escribe la mayoría de las canciones, editaron también discos en solitario con gran éxito. Otros miembros de la banda actuaron en musicales e incluso uno de ellos hizo sus pinitos en el cine. 2013 también fue un año en el que los chicos de Big Bang se dedicaron a sus proyectos personales. Según las noticias parece que será 2014 el año en que Big Bang publicará nuevo disco, algo que sus fans, a los que denominan Vip’s, están esperando como agua de mayo.

Texto: JAVIER ABIO
Interiores del libro Jean Prouvé,
Muebles y Objetos. Editorial Polígrafa.

Interior del restaurante Jaleo.
Fotografía de Ken Wyner.
Interiores del libro Jean Prouvé,
Muebles y Objetos. Editorial Polígrafa.
Portada del libro Jean Prouvé,
Muebles y Objetos. Editorial Polígrafa.
Casa Celma. Fotografía de Rafael Vargas.
Interior del hotel Omm. Fotografía de Rafael Vargas.
A Juun.J le gusta la coexistencia de lo moderno y lo clásico en lo que al diseño de interiores se refiere. Su casa de paredes blancas y con retratos de Robert Knoke tiene unas fantásticas vistas al río Han. “Paso mucho tiempo en casa y mi vivienda ideal es un sitio donde pueda meditar, ver películas, leer libros y poner la música bien alta algunas veces, también un sitio donde desconectar del trabajo y rodearme de gente que quiero”. Su diseñador favorito es Jean Prouvé: “Sus piezas potentes y sencillas me dejan sin palabras. Es la filosofía de la simplicidad y la elegancia”.
Jean Prouvé es uno de los diseñadores industriales mejor reconocidos del siglo 20. Al poco de abrir un taller de forja en Nacy (Francia), en 1923 atrajo la atención de arquitectos como Le Corbusier que le fue encargando trabajos. En 1929 ingresó en la nueva Unión de Artistes Modernes, un grupo de artistas y diseñadores que abanderaban el Movimiento Moderno.  Aquí podéis ver algunas páginas del libro “Jean Prouvé, Muebles y objetos”. Un libro publicado por la editorial Polígrafa e incluido en la colección By Architects. Una edición que firman Sandra Dachs, Patricia de Muga y Lara García Hintze. Disponible en inglés y  español. Sobre diseñadores que ejerzan actualmente nos habla de Christopher Guy: “Su trabajo es una mezcla de clasicismo y modernidad, un trabajo muy internacional con gran sensibilidad. Para mí un objeto debe poseer significado, practicidad y belleza.”A Juun.J le ha interesado el diseño y la arquitectura española durante bastante tiempo. “Juli Capella es un diseñador y arquitecto que respeto, por el que tengo interés. Me gustan sus hoteles boutique. Nada más ver el hotel Omm me quedé impresionado por su singularidad y creatividad, te atrae inmediatamente aunque no estés interesado en el arte o el diseño.  Cuando investigué más sobre el autor, descubrí que Juli no solo es arquitecto y diseñador, sino que es
un gurú del diseño español”.

Juli Capella Estamos totalmente de acuerdo con los comentarios de Juun.J sobre Juli, es una mente inquieta que aborda el mundo del diseño desde múltiples perspectivas: como periodista, editor, comisario, diseñador y arquitecto. Fue el fundador de míticas revistas sobre diseño como De Diseño y Ardi. También ha escrito y comisariado numerosos trabajos relacionados con el diseño español. En estas páginas te mostramos tres de sus trabajos como arquitecto.
1/ Casa Celma (2004) Una vivienda unifamiliar ubicada en una urbanización de Barcelona. 424 m2 distribuidos en tres plantas sobre parcela en pendiente.
2/ Hotel Omm (2003) Se inserta en el Ensanche de Barcelona. Es un hotel de 59 habitaciones que pertenece al grupo Tragaluz. Un total de 9.701 m2 distribuidos en 7 plantas. La fachada principal da a la calle Rosselló y genera una original epidermis al edificio, unas aperturas que generan intimidad y luminosidad a las habitaciones. 3/ Minibar (2012) Un restaurante de 214 m2 que juega a ser el anti-restaurante en una de las calles de Washington DC. El cliente es el conocido cocinero español José Andrés. Según Juli Capella “Minibar es una mezcla entre asistir a una sesión de laboratorio experimental y comer en casa de un buen amigo.”

Juun.J Colección Otoño Invierno 2014-15
Juun.J Colección Otoño Invierno 2014-15
Juun.J Colección Otoño Invierno 2014-15
Texto: MARIANO MAYER
Izquierda: Juun.J. Colección
Spring-Summer 2015.
Fotos: Estrop/Francesc Ten.
Derecha: Juun.J. Colección
Spring-Summer 2014.
Fotos: Estrop/Francesc Ten.
Rob Ryan.
Just the beginning
Hugh Kelly.
Oleg Dou. Goat. De la serie the Cubs. 2010.
Rob Ryan. Why not us too? Hugh Kelly.
Oleg Dou. Pig. De la serie the Cubs. 2010.
“El arte es lo que permite demostrar la identidad y la consistencia de su creador. No se le puede dar un valor monetario, si no muestra consistencia, se trata de técnica y no de arte”. Bajo este principio Juun. J establece una relación sumamente próxima con el arte,  siendo no solo una de las zonas a la que presta una especial atención sino un territorio que ha decidido explorar en primera persona más de una vez. Una aventura perceptiva que le ha permitido definir, en términos muy personales, las colaboraciones entre arte y moda. “La colaboración para mí tiene un significado mucho más profundo de lo que la palabra pueda indicar. Me encanta el trabajo individual de cada uno de los artistas con los que he colaborado, sin embargo, cada una de ellas ha sido un acto de fusión entre  sus obras y la colección, ya que lo que me interesa es poder mostrar el  universo de Juun.J a través de cada colaboración”. Oleg Dou y Rob Ryan son algunos de los artistas cuyo trabajo ha permitido definir algunas de sus propuestas. Los niños albinos de rostro cibernético del joven artista ruso Oleg Dou (1983), cuya estética se nutre tanto del mundo del retoque digital como de la provocación de unas imágenes poderosamente bellas, generan un efecto hipnótico similar al que producen los rostros bizantinos. Una de las consecuencias de tal atracción es que sus imágenes se ubican entre el dibujo hiperrealista y la fotografía. Los protagonistas del limbo infantil de Oleg Dou tienen rasgos interraciales y las partes de sus rostros poseen características del mundo animal. A través de la zoología y de la infancia Oleg Dou lanza misivas sobre el extraño borde que separa la belleza de la repulsión. Rob Ryan nació en Chipre (1962), pero desde que se desplazó a Londres para estudiar Grabado en la Royal College allí ha permanecido. Conocido especialmente por sus serigrafías y obras en papel, en las cuales a través de diversos cortes el artista narra una serie de historias fragmentadas de carácter biográfico y melancólico. Son obras muy directas e intimistas, que requieren un grado de precisión importante, cada corte es realizado con un escalpelo que permite dibujar todo tipo de detalles. Esta escritura bucólica, autobiográfica y confesional en la que Rob Ryan utiliza imágenes, símbolos y palabras es la que cautivó e inspiró, en parte,  la última colección primavera/verano del 2015 de Junn. J. “Cuando descubrí en Colette su trabajo, romántico y brillante a la vez, algo se movió en mí y deseé poder trabajar con él. Imaginaba lo asombroso que podría llegar a ser ver a las modelos en el cierre del desfile, todas vistiendo prendas con piezas de Rob Ryan. Cuando esto ocurrió en el desfile de París, quedé realmente emocionado. La inspiración puede llegar en cualquier momento, en cualquier lugar, sin esperar que aparezca. Creo que cuando se materializa la conjunción de imaginaciones en un trabajo colaborativo, es una potencia que puede afectar a muchas personas, entre las que me incluyo”.

Adidas Originals Superstar x Juun.J
Colección Primavera Verano 2015
Adidas Originals Superstar x Juun.J
Colección Primavera Verano 2015
Crema hidratante de La Mer
y loción Ren

Gafas Ray-Ban
Esta es la lista de los principales ítems cotidianos que definen el estilo personal de Juun.J a día de hoy:
Smartphone: Samsung Galaxy Note 3.
Tablet: Samsung Galaxy Tablet 10.1.
Ordenador: Samsung.
Gafas: Llevo Ray-Ban.
Calzado: Me encanta Adidas.
Deporte: No hago deporte en el sentido convencional, pero me gusta mucho caminar, me aclaro las ideas y adoro la sensación de frescor después de dar un buen paseo.
Medio de Transporte: Por la ciudad me muevo
siempre en taxi.
Perros: Tengo un pekinés negro que se llama Junny.
Cosmética: Me pongo la crema hidratante de La Mer y Ren como loción. Ambas las recomendaría a vuestros lectores.
Fragancia: Mi favorita es Juun.J, pero todavía está en proceso de desarrollo y perfeccionamiento. En este momento yo soy la única persona que la usa. Pero próximamente podrás usarla tú también. Por favor, estad atentos.

MOOOI Sofá Taffeta.
Diseño de Alvin Tjitrowirjo.
www.moooi.com

PROSTORIA   Sofá
Segment un diseño
de Numen/ForUse.

El que un niño juegue es una conducta absolutamente espontánea. Tan importante es para un pequeño hacerlo como para un adulto trabajar, y es que a través del juego conocen, experimentan y van descubriendo tanto a las personas como a los objetos. Tantos juegos hay como profesiones existen y la importancia de fomentar esta actividad sentará las bases de las motivaciones que nos muevan ya de adultos, tanto en la vida laboral como en nuestros momentos de ocio. ¿Cuántas veces hemos escuchado a un amigo decir que ha perdido la motivación?, ¿en cuántas ocasiones hemos notado la pérdida de ese encanto que sentíamos por nuestro oficio o simplemente por la vida social que llevamos? La motivación es nuestro motor y su pérdida, el punto de partida de nuestro nuevo profesional: el Gamification Designer. Individuo encargado de devolvernos ese interés por lo que hacemos y por cómo actuamos, a través de un enfoque basado en el juego y de una serie de experiencias que transformarán lo gris y aburrido en divertido y atractivo. Wanna play?
 COS Otoño Invierno 2014-15 Hombre y Mujer
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LOEWE Bolso Triangle Colección
Cápsula de Jonathan Anderson. SS15

LACOSTE L!VE
Fragancia Masculina

POR: RUBÉN MANRIQUE, JAVIER ABIO,
RAMÓN FANO, TERE VAQUERIZO Y JOSÉ BELLO
TEXTO: MANU ROMERO

LACOSTE Otoño Invierno 2014-15
 STUDIO MEIKE LANGER Prototipo de colgador de ropa Blanche.                    
DIESEL Otoño Invierno 2014-15                    
La industria del juego, pese a lo que creamos de otros sectores como la moda, la música o el cine, domina el mundo. Sí, lo que oyen. Mientras estos últimos, y dada la situación actual, ven mermado el interés hacia ellos, en España la industria del juego acumula ya un crecimiento del 12% entre 2011 y 2015. Datos que no solo la convierten en abanderada del ocio actual sino que la configuran como inspiración absoluta, herramienta necesaria para prácticas que no necesariamente tienen que buscar el entretenimiento puro y duro y sí la búsqueda de esa motivación perdida de la que hablábamos. Nuestro Gamification Designer plantea la ‘ludificación’ a través del empleo de técnicas y dinámicas propias de cualquier juego, en actividades que nada tienen que ver con el ocio y esparcimiento. Una nueva profesión a través de la cual introducir estructuras que provienen de esos juegos de toda la vida que nos han rodeado desde que nos dejaban en la guardería, con la intención de transformar una actividad, en principio nada interesante, en otra que motive a la persona a emplearse en ella. Una ocupación que se ha visto potenciada por el entorno digital, los videojuegos y los recientes estudios en ludología, como base de las nuevas corrientes pedagógicas, pediátricas e incluso neurológicas. El nuevo oficio que planteamos pretende introducir estructuras totalmente seductoras basadas en juegos para que esas pobres almas en desgracia, cuya motivación vira a la deriva, disfruten de esa simple tarea que les quema hasta el punto de querer continuar con ella. Todo un logro con el que nuestro profesional revoluciona los nuevos retos empresariales y de impacto social, a golpe de técnicas disuasorias de cualquier elemento negativo y en pro del positivismo profesional y personal. Una nueva y divertida manera de ganarse el pan de cada día con el juego por bandera, adaptado a la recuperación de aquello que nos motive, manejando nuestras propias aficiones, incentivando con premios (puntos), fomentando el sentir competitivo sometiendo al paciente (o usuario) a un sistema de clasificaciones o niveles en función de su participación y reforzándole positivamente con su particular feedback. Técnicas que poco a poco irán motivando al desganado usuario para que vea la luz al final del túnel.
ADIDAS Originals ZX Flux 000 OG
Weave Pack www.adidas.com

REEBOK Nuevo modelo
The Pump Otoño Invierno 2014-15:
Reebok Pump Omni Lite
 
Concha Jerez Paisaje de interferencias, 1993-2014.
Obra InterMedia. Cortesía de la artista. Esta exposición
se puede visitar en el MUSAC de León hasta
el 6 de enero, 2015.

EARNEST STUDIO Mesa auxiliar prototipo Face Value.
Emmeline, Christabel y Sylvia Pankhurst Plato
y taza de té con el emblema de la Unión Social y Política
de  Mujeres. Creado en 1903.  Foto: © Victoria and Albert
Museum, Londres. Esta imagen forma parte  de la
exposición “Disobedient Objects” que se puede visitar
estos días en el Victoria and Albert Museum.        

MARNI Colección Resort 2015
MARNI Colección Resort 2015
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NOKIA LUMIA 635
Smartphone 4G con
procesador de 4 núcleos,
Sistema Operativo
Windows Phone 8.1
con nuevas funciones
y Pantalla de 4,5''

Los más jóvenes de la casa pasarán una media de 10.000 horas jugando cuando lleguen a la veintena. Un tiempo más que suficiente para llegar a aprender una disciplina y dominarla, pero que nos descubre una real falta de compromiso con otras actividades para las que ya se debería tener un hábito. Aunque sea un dato de lo más irreal, el 65% de la población está perdida en el más oscuro de los mares de la desmotivación. Problemas en el ambiente de trabajo, la escasa interactuación o agradecimiento por parte de los jefes, el bajo salario, la limitada autonomía en nuestro cometido o la presión innecesaria, en ocasiones, provocan que, como buenos humanos, perdamos el interés o no nos empleemos al máximo en nuestros quehaceres. Un malestar que se recicla de la mano de este nuevo profesional que utiliza todo tipo de recursos, ligados al juego, para la recuperación de esa actitud positiva que es necesaria para desarrollar el sentido de pertenencia a un medio. Una labor especialmente pensada para aquellos estudiantes de carreras como Psicología, Psiquiatría, Marketing, Publicidad, Informática…, que ven implementada su labor social como sujetos imprescindibles para eliminar ese negativismo de la sociedad que viaja más rápido de lo que puede realmente asimilar. Una profesión altamente reclamada tanto por empresarios como por educadores, y con la que profundizar en el maravilloso mundo del juego como herramienta que concilia la inteligencia, tanto racional como emocional, que guía nuestra conducta. Un trabajo que plantea necesarias y divertidas experiencias con las que poder recuperar la ilusión perdida y así responder mejor a la rutina diaria, a nuestros superiores en la vida laboral y a nosotros mismos en la personal. Un nuevo contexto en el que jugar no está prohibido ni es una pérdida de tiempo, sino el soporte en el que apoyarse y coger impulso para que recuperemos el interés que un día pusimos en aquello para lo que creíamos valer, para aquello que nos nutre como persona y que elimina de un plumazo esa extraña sensación de ‘¿qué hace un tío/a como yo con una vida como esta?’ cuando suena el despertador. ¿Movemos ficha?
Álbum Jenny Lewis 
The Voyager (Warner Bros)

MARKUS JOHANSSON
Lámpara prototipo Solstice.

 Álbum Late Night Tales
presents After Dark: Nightshift
(Late Night Tales)       

 OPSOBJECTS Anillo Ops!Rock
de policarbonato con cristal
Swarovski de 10 mm

Álbum Spoon They Want My Soul.
 Merete Rasmussen
Lime wall loop, 2013. Cerámic.

TEXTO: MONGÓMERI
Silla Tupu x Joel Blanco:
Silla Tubo Pululante de acero continuo
en la que solo se apoyan nalgas
y omoplatos, diseño seleccionado 
por el jurado  de Audi Innovative Design Talent
Vovo x Angelica Eriksson:
Cuna de flores de Angelica Eriksoon,
presentada en la feria del mueble de
Milán 2013 y en la exposición
“Entre dos épocas” en el Museo Nacional
de Artes Decorativas
¿Qué es un Total Designer? Es una persona capaz de adaptarse como un camaleón a diferentes escenarios del diseño, donde prima la creatividad y la versatilidad para convertir cualquier idea en un producto final, sea un objeto, una estrategia, un logotipo, un accesorio, o lo que sea. El Total Designer tiene un ADN muy particular. Es un diseñador que por lo general tiene una formación previa en campos ajenos al diseño, con una aptitud innata que les permite enfocar y afrontar proyectos de otra manera, con mucha carga conceptual, generalmente rompedores y sin fronteras para actuar entre las diferentes disciplinas del diseño, de ahí su nombre, Total Designers. ¿El mercado demanda Total Designers? Sin duda, porque el diseño y el diseñador ya dejaron de ser un plus dentro de las empresas y han pasado a ser un factor activo dentro del organigrama y estrategias de negocio. El Total Designer tiene algo característico y es la capacidad de idear y proponer conceptos que sirven de base para cualquier tipo de empresa, colectivo o iniciativa. ¿A quién recomendarías el Curso One Year de Total Design? Directamente a personas que les guste el diseño y quieran aprender a diseñar y a pensar como diseñadores. Tanto para poner en práctica estos conocimientos dentro del ámbito laboral o como vocación libre. Por un lado, al ser un curso de un año es perfecto para todos lo que siempre se han sentido atraídos por el diseño pero, por la razón que fuera, decidieron estudiar otra carrera y ahora tienen la posibilidad de retomar su vocación. Por otro lado, también está dirigido a todos aquellos que tienen claro que el diseño es lo suyo, pero o les interesa en su totalidad o aun no se han decantado por una especialidad. Y, por supuesto, a todos los que quieran entrar en el mundo del diseño bajo nuestra filosofía y método transversal, marca IED. ¿Qué es lo que se va a encontrar un alumno que se matricule en estos cursos? Nuestro sello diferenciador: la multidisciplinaridad. El alumno podrá experimentar en los cuatro principales campos del diseño: producto, gráfico, moda e interiores. Y lo hará de una forma muy amplia y flexible, de manera que cada uno podrá identificar cuál o cuáles son los campos con los que más se identifica. Previamente, y en paralelo a esas experiencias, se enseñan las herramientas básicas para pensar, proyectar y comunicar como un diseñador. Al finalizar, el alumno, si así lo desea, puede continuar su formación en el IED Madrid en cualquiera de las escuelas de manera más específica. ¿Qué hay de teoría y qué de práctica en los cursos? La teoría es indispensable porque todo diseñador debe comenzar por una reflexión, y eso requiere un ejercicio mental que sin bases teóricas no tienen ningún sustento. La práctica es entrenar los músculos, la creatividad. Allí es donde, mediante workshops y concursos, comienza la colaboración plena de los alumnos con diseñadores profesionales, estudios de diseño y todo tipo de empresas de referencia. Estos proyectos se presentan en eventos muy mediáticos, con gran visibilidad, donde además de presentar el resultado final también se muestra todo el proceso. Para las empresas colaboradoras es muy útil porque descubren nuevos conceptos, aplicaciones e incluso mercados. Algunos de estos proyectos se han hecho realidad y muchos de ellos aparecen publicados en revistas. Y lo más importante es que es un escenario perfecto para establecer buenas relaciones profesionales de cara al futuro. ¿Con qué marcas habéis trabajado recientemente? Glendfiddich, Vans, Muji, Skunfunk… y la más reciente con Velcro bajo la dirección del diseñador Luis Eslava. ¿Cuáles son las principales diferencias que ves en los alumnos antes y después de hacer el curso? El curso desarrolla su talento innato, y además potencia su seguridad, reafirmando su capacidad de diseñar. Porque en definitiva, en el curso aprenden herramientas, técnicas y métodos de trabajo que probablemente antes no conocían. ¿Hay algún alumno que te haya llamado especialmente la atención? Muchos, generalmente por la procedencia de los alumnos, ya sea geográfica o profesional. Por ejemplo, Angélica Eriksson. Ella es sueco-brasileña y decidió venir a Madrid a estudiar Total Design. Nada más empezar el curso comienza a participar en proyectos y concursos donde destaca su manera particular de unir el diseño a conceptos muy poéticos y sensibles. Aquí conoce a Juliana, también de Total Design, con quien al cabo del tiempo crean el estudio Escandinavo Tropical. Y al poco tiempo ya tienen presencia en eventos como Decoracción y Casa Decor, y son invitadas a intervenir espacios en una cadena de hoteles de Madrid. Un trabajo muy gráfico y sencillo, pero muy efectista. Y la historia continúa. A continuación os presentamos la historia de Angélica y también la de Joel Blanco, 2 Total Designers.



Studiola x Angelica Eriksson: Tocador
de cuerpo entero de haya que
permite diseccionar nuestra
anatomía a través de un
sistema de espejos movible

Studiola x Angelica Eriksson: Tocador
de cuerpo entero de haya que
permite diseccionar nuestra
anatomía a través de un
sistema de espejos movible

Studiola x Angelica Eriksson: Tocador
de cuerpo entero de haya que
permite diseccionar nuestra
anatomía a través de un
sistema de espejos movible

¿Cómo ha cambiado tu vida el curso Total Design? Fue el comienzo de lo que ahora es mi vida. El año de Total Design ha influido mucho en mi manera de diseñar. Al haber tocado las diferentes ramas del diseño durante el curso, siento que tengo total libertad a la hora de proyectar, y me siento libre de mezclar las diferentes especialidades. ¿En qué especialidad del diseño te mueves más ahora mismo? Al terminar Total Design continué la carrera especializándome en diseño de producto. Me parece el mejor vehículo para aprender a proyectar, se trabaja con escalas muy manejables, y se pueden llegar a hacer cosas que se parecen mucho al producto final que se comercializará. Con las herramientas de Product Design y Total Design he podido moverme libremente en todas las especialidades del diseño, tanto en el mundo del interiorismo, con proyectos grandes para Casa Decor y Room Mate Hotels, como en el diseño gráfico, e incluso moda. ¿Qué es lo que habías estudiado antes? Antes de Total Design había estudiado comunicación,  filología sueca y portuguesa, formándome en literatura comparada. Pensaba que iba a ser escritora pero, al descubrir que también podía contar historias con objetos, imágenes y ambientes, cambié de opinión. Me enamoré del diseño. Fue todo un descubrimiento. ¿A quién recomendarías el curso? A todos, pero principalmente a aquellos que no pueden decidirse entre hacer una especialidad u otra. ¿Cuál ha sido tu mejor experiencia en Total Design? Ganar el concurso de escaparatismo para la tienda Vans de la calle Montera. Lo gané en equipo con Juliana de Luca, mi socia en Escandinavo Tropical, y Joel Blanco. El proceso de ver cómo una idea cobra vida, desde el pensamiento hasta el resultado final, pasando por la ejecución, es magia. ¡Me enganché! ¿Cuál es tu último proyecto? Justo estoy terminando una colaboración con una marca de zapatillas, y también estoy trabajando en mi propia marca de objetos. La quiero presentar este otoño. Puede que se llame Antropofagia Objects. ¡Atentos!

angelicaeriksson.com

Joel Blanco: Proyecto para
aprender a dormir en compañía,
o para acostumbrarse a dormir solo.
Joel Blanco: Proyecto para
aprender a dormir en compañía,
o para acostumbrarse a dormir solo.
¿Cómo ha cambiado tu vida el diseño y el curso Total Design? La verdad es que el diseño te cambia por completo la manera de ver las cosas, y te hace cuestionar la realidad en muchos sentidos. Lejos de responder a mis preguntas del porqué de las cosas y de sus formas, de la cultura y de las costumbres… lo que ha hecho es cuestionármelo todo aún más. Esto en un plano intelectual y profundo, en el plano físico sigo comiendo las mismas latas de albóndigas que cuando no me dedicaba al diseño. El curso de Total Design ha influido en mi manera de afrontar todos los proyectos, aunque después de terminar el curso haya continuado mis estudios en diseño de producto, creo que me ha dado las herramientas para poder afrontar cualquier tipología de proyecto sin importar el ámbito del mismo. ¿Cuál es tu especialidad de diseño actualmente? Me muevo sobre todo en el diseño de producto y en el interiorismo, pero también he hecho proyectos relacionados con la moda. Siendo honestos, me muevo donde me pidan que me mueva. ¿Qué hacías antes del curso Total Design? El bachillerato y pensar en qué hacer al terminarlo, jugar a videojuegos de manera desmedida y tocar todo lo que podía con mi grupo de música Alarido. ¿A quién recomendarías hacer Total Design? A Mickey Rourke y a todo el que vaya a estudiar una carrera de diseño, sin importar la disciplina. Creo que una visión transversal de los proyectos es más que necesaria para poder entenderte con otros profesionales, o simplemente para añadir riqueza a tu trabajo. ¿Tu mejor experiencia durante el año que dura el curso? Se aprende mucho de los profesores, y sobre todo de los compañeros. En este curso la gente tiene intereses muy variados, y eso te enriquece. Mi mejor experiencia fue realizar mi primer proyecto real. Fue gracias a un concurso de escaparatismo que organizó la escuela con Vans Madrid. Lo hice junto a Angelica Katrina y Juliana de Luca. Verlo hecho fue algo impagable. ¿En qué estás metido ahora? Trabajo como diseñador freelance, sobre todo haciendo producto e interiorismo, aunque acepto cualquier proyecto que se me ponga por delante. Lo último que estoy haciendo está relacionado con el diseño de moda, espero que salga a la calle en unos meses. Y, con todo, sigo jugando a videojuegos de manera desmedida… pero solo cuando tengo tiempo.

industroll.tumblr.com

FOTÓGRAFO: SEBASTIÁN CANEDO @ GRISAT ESCOLA SUPERIOR DE FOTOGRAFÍA
ESTILISTA: YVONNE GRANADA @ ESDI ESCOLA SUPERIOR DE DISSENY
MAQUILLAJE + PELOS: DAVID LÓPEZ
ASISTENTE ESTILISTA: ÁNGEL BENÍTEZ
MODELO: NOELIA CASTRO @ ELITE MODEL MANGEMENT SPAIN
COLABORADORES:
REDKEN + M·A·C Cosmetics + TOP Studios
ROPA DISENADORES: SELIM DE SOMAVILLA
+ BRAIN & BEAST + GEORGINA VENDRELL

¿Cuáles han sido vuestros referentes a la hora de disparar esta historia? ¶ (Sebastián) Visualicé desde un principio una imagen seria y sofisticada que resaltara el producto por sí solo, dando protagonismo a los colores y las formas. Entre los referentes para esta sesión se encuentra la campaña otoño invierno 2013-14 de Prada, Avedo, y, claro, Neo2. ¶ (Yvonne) Respecto al estilismo, las prendas me daban un aire ochentas: volúmenes, colores con carácter, estampados con elementos gráficos muy marcados como las cadenas doradas o el leopardo… Pero, sin embargo, no me apetecía tratar de forma barroca esa década. Y preferí optar por la sobriedad y la pulcritud. La actitud de la modelo también fue fundamental, tenemos que agradecer a la modelo que nos dio la fuerza y la masculinidad que necesitábamos para enriquecer nuestra historia. ¶ ¿Cuáles son vuestros proyectos a corto plazo? ¶ (Sebastián) Continuar mi carrera como fotógrafo de moda con base en Barcelona, estaré cubriendo los desfiles en la Semana de la Moda de Milán, París y Nueva York para una agencia italiana. ¶ (Yvonne) Tengo planeado irme a finales de este año a Londres para continuar mi camino como estilista.
TEXTO: HÉCTOR LLANOS MARTÍNEZ
De disco a película: “Primero necesité grabar un disco, también titulado ‘Gold Help the Girl’, editado en 2009, y luego, tiempo más tarde, hice esta  película. Por supuesto que Catherine Iterton, quien fue la que puso voz a las canciones en su día, era una de las opciones para protagonizar la cinta. Es en realidad algo injusto que no haya sido Eve también en el cine. Ella estuvo allí cuando el proyecto musical nació, hicimos una gira juntos y sobre el escenario ella interpretaba a Eve. Ella era Eve”. ¿Autobiográfica? “Aunque no es una cinta autobiográfica hay parte de mí en los dos personajes principales, tanto en Eve (Emily Browning) como en Jim (Olly Alexander), el cantautor que se cruza en su camino. En mi juventud he vivido experiencias similares a ellos en lo personal y en lo musical, aunque ocurrió hace mucho tiempo... El paso de los años me ha ayudado. Cuando yo sufrí la enfermedad de Eve era 1998 y no hubiera sido capaz de escribir el guión de una película sobre ello, ni siquiera la letra de una canción”. Personaje femenino: “Fundamentar toda la historia en un personaje femenino, aunque no lo parezca, fue lo más sencillo del mundo. De hecho me libera de muchas cosas a la hora de plasmar ciertas experiencias. También me resultó estimulante. Fue uno de los retos por los que decidí probar a hacer cine”. ¿Musical? “Los personajes hacen música e interpretan canciones, pero ‘God help the girl’ no es un musical. Cuando presentamos la película la definimos como ‘un musical para gente a la que no le gustan los musicales’. Creo que es un buen slogan”. Balance: “Invertí mucho tiempo escribiendo y rodando esta película, pero una vez que terminamos el montaje intenté no pensar mucho en el resultado, no obsesionarme hasta que se presentara la película ante el público. Ocurrió el pasado mes de enero, en Sundance. Fue en ese momento cuando hice balance y pensé: ‘Está bien. Quizá no sea una película espectacular, pero estoy orgulloso de ella’. Frase clave: “En la cinta James dice ‘tú no haces un grupo, sino que un grupo te hace a ti’, y estoy bastante de acuerdo”. Belle and Sebastian: “Adoro a mi grupo. Lo que soy es gracias a ellos. Siempre me ha gustado estar en una banda. Considero que en ella está la fuerza. Aunque creo que hay algo que no debe ocurrir: nunca deberías salir con la gente con la que compartes un grupo. No es una buena idea”. Repetir:  “Estoy deseando volver a hacer cine. Entre músicos solo hay resacas. Los cineastas, en cambio, se levantan pronto y son creativos. En su mundo las posibilidades son infinitas, puedes explorar la naturaleza humana y abrirte a otros campos. De hecho, si hiciera otra película, no sería necesariamente musical”.

“God Help The Girl” se estrena en España el 19 de septiembre.
TEXTO: TEREVISIÓN RUIZ FOTOS: JASON EVANS

Nuevo disco: “La verdadera razón de que haya tardado cuatro años en publicar un nuevo trabajo es que estuvimos de gira sin parar durante un año después de la publicación de Swim. Poco después edité el disco de Daphni, mi otro proyecto, y seguí viajando un montón porque además hice muchos bolos como dj. Además, tuve una hija y después nos fuimos de nuevo de gira con Radiohead.  Cuando pude por fin meterme en el estudio para empezar a trabajar en el nuevo disco de Caribou fue ya a finales de 2012”. Grabación: “Creo que habré empezado alrededor de 800 temas con diferentes ideas. Una cosa en particular que era nueva para mí eran los sonidos muy limpios e hiper-digitales. El tipo de cosa que escuchas en una producción de Usher o Drake, ese tipo de sonido brillante que es la columna vertebral de las producciones de RnB contemporáneo. Al final, han quedado algunos rastros de esto en el disco, mezclados con otros sonidos”. ¿800 temas? “Sí, era apabullante, así que una de las cosas más útiles que hice fue pedirle a Kieran  (Four Tet) que escuchara un buen montón de estas canciones medio terminadas para ver cuáles le gustaban. Creo que nunca habría podido terminar el disco de no ser por él”. Sónar: “Me encanta. Fue uno de los primeros festivales europeos donde actué en el año 2002 y me pareció fantástico. Lo que más me ha gustado de este año ha sido el soundsystem de Despacio y el directo de James Holden”. Matemáticas: “Sí, es verdad que tengo un doctorado en Matemáticas. Y obviamente hay una conexión entre la música y las matemáticas, pero en realidad yo amo la música por la misma razón que todo el mundo: porque te hace sentir algo. Cuando hago o escucho música siempre busco lo mismo: una respuesta emocional y visceral”. Redes Sociales: “No puedo dedicarles mucho tiempo, pero me gusta que la gente pueda hablar conmigo directamente. Suelo mirar mi Twitter a menudo y si alguien pregunta alguna cosa que puedo responder intento hacerlo”. Dj Sets: “Aunque parezca extraño, a veces pinchar solo una hora se me puede hacer más largo que si pincho cuatro, y es que si tienes más tiempo te puedes relajar más y entonces el tiempo pasa muy rápido. Uno de los temas que no me puedo resistir a pinchar últimamente es el ‘Over and Over’ de Sylvester”. Sorpresa musical: “Me gusta mucho FKA Twigs. Su disco es increíble”. ¿Lo próximo? “No tengo proyectos a largo plazo. Solo me apetece pasármelo bien, que es lo que estoy haciendo. No necesito mucho más”.
“Our Love” está editado por City Slang y distribuido por Music As Usual.
TEXTO: MARCOS MOLINERO  IMÁGEN: JASON EVANS
Inicios: “Empecé a hacer música con 10 años. Mis amigos en la escuela querían formar una banda y necesitaban un batería y así es como empecé a tocar este instrumento. Un año más tarde dimos nuestro primer concierto en un club local. Ahí me di cuenta de que eso era lo que quería hacer el resto de mi vida. Y en ello estoy”. Influencias: “En aquella época me gustaba la música soul clásica de los 60’s, el R’n’B… Sly Stone, Funkadelic, James Gang. También bandas de Krautrock como Can. ¿Actual? Janelle Monae ha sacado mi disco preferido del año. Aunque la gran mayoría del tiempo escucho música antigua”. Mean Love: “Para la grabación de este disco pasé muchas horas delante de mi ordenador. Enviando las demos a mi amigo Greg Lofaro, que acabó produciendo el disco. Nos íbamos respondiendo hasta que le dimos la forma a los temas. Con las canciones hechas fuimos al estudio, donde Albert Ayler lo mezcló y donde acabé de grabar cosas como las baterías”. Conceptual: “El disco es un compendio de cosas que suceden en la vida real. En la mía y en la tuya. Amor, tristeza, felicidad... El disco suena como se vive”. Estilo: “Me gusta definir mi música como ‘Souvenir Music’. Me gusta hacer música que te haga disfrutar, bailar, pasar un buen rato. En definitiva, que deje un buen recuerdo en el público. Que olvide sus frustraciones diarias”. Hardcore/Punk: “Tengo el mismo espíritu que las bandas pioneras del punk y el hardcore. La filosofía del ‘Do It Yourself’. Black Flag, Minor Threat... Crecí con ellas y soy lo que soy gracias a ellas también”. Naturaleza: “La naturaleza es algo muy importante. Necesito sentir cosas reales y eso no es habitual en la música electrónica. No se siente su alma, es demasiado sintética y artificial. Es muy importante para mí que la gente sienta la energía de la naturaleza en mi música”. Soul: “La música soul nunca morirá. Me gusta la música electrónica pero no tiene la fuerza del soul”. Directo: “Es mucho más enérgico, subversivo y psicodélico que el disco”. Gira: “En septiembre iré a tocar a Europa. Ya toqué en Madrid y Barcelona y fue fantástico. Espero volver. En Europa el público es más honesto”.

“Mean Love” está editado por DFA Records y distribuido por Music As Usual.
TEXTO:SOFÍA DOS SANTOS
Las reglas básicas para triunfar en un festival podrían ser estas: ir pintón pero cómodo, arreglado pero informal, raruno pero a la moda. Parece fácil, pero todos sabemos que no lo es. Así que te vamos a dar unos cuantos consejos para que consigas el look perfecto. Ese con el que todo el mundo te hará esas fotos que luego aparecerán en los posts de los mejores looks festivaleros. Primero, apuesta por la mezcla de estilos, sin miedo, olvídate de si esto pega con lo otro, mal, lo importante es que no pegue. Lleva siempre algo vintage, porque así tendrás muchas menos posibilidades de ver tu modelito repetido por doquier. El look militar o leather es siempre apuesta segura, como puedes ver en estas imágenes de la nueva colección de Nicola Formichetti para Diesel. Una colección perfecta para un look Dcode que además te aportará mogollón de ideas de estilismo. Una vez que tengas el look lo demás ya es pan comido. Solo te queda disfrutar de La Roux, Beck, Band of Skulls, Royal Blood, Francisca Valenzuela, Chvrches, Vetusta Morla, Anna Calvi, Russian Red, Wild Beasts… y todos los grupazos que pasarán por allí. ¡Ah! Y el festival ha hecho caso de vuestras peticiones, así que en esta edición se amplía el recinto en casi 2000 m2 para darle también más espacio a la zona de restauración y baños.¶ Deberías tener ya tu entrada, pero si todavía no la has comprado te proponemos una cosa: envíanos una foto con tu look Dcode a subscribe@neo2.es
antes del 10 de septiembre y entrarás en el sorteo de una entrada doble para asistir al festival. Publicaremos el look ganador en nuestra página web. ¡Corre al armario!



Colección Otoño
/ Invierno 2014-15 
www.diesel.com
Colección Otoño
/ Invierno 2014-15 
www.diesel.com
TEXTO: SOFÍA DOS SANTOS

Mientras escribimos estas líneas lo más seguro es que te encuentres disfrutando del verano como si no hubiera mañana. Si has elegido Ibiza como destino vacacional es 100% seguro que has pisado uno de sus clubs míticos: Space Ibiza. Un club que este verano dio el pistoletazo de salida con un gran Opening el 25 de mayo y que además celebró por todo lo alto sus 25 años de vida el pasado 13 de julio, con una fiesta espectacular donde reunieron a grandes artistas internacionales y nacionales. Pero, por desgracia, el verano tiene un principio… y un final. Y en Space Ibiza ya se están preparando para despedirlo como se merece. El próximo 5 de octubre tendrá lugar el Space Closing Fiesta más especial de los últimos tiempos. Será la clausura oficial del verano ibicenco, pero, ¿quién dijo que las despedidas son tristes? Este gran evento hará que tu bajón se convierta en subidón porque ya han anunciado que están preparando uno de los carteles más sorprendentes del 2014. De momento sabemos que la fiesta tendrá como eje principal el espíritu ibicenco en lo que será todo un homenaje a la gente de la isla, a sus tradiciones y a su historia. A las cinco salas habituales de Space Ibiza se añadirá el escenario favorito de los asistentes, el Flight Club Area. Una zona al aire libre de la que solo se puede disfrutar en ocasiones muy especiales, como son los Openings y Closings, o, excepcionalmente en la pasada fiesta de celebración de sus 25 años de existencia. Como siempre, el sonido será también protagonista, con el exclusivo sistema Funktion One. El line-up se conocerá en las próximas semanas, pero ya han adelantado que consistirá en una representativa muestra de las principales figuras que han pasado por Space Ibiza este verano. Te recomendamos que estés atento a su web y redes sociales, y también que vayas comprando ya tu entrada, porque, sea cual sea el cartel, tratándose de Space Ibiza tienes la seguridad de que no va a ser bueno, sino muy bueno. Hay cosas que se deberían experimentar al menos una vez en la vida, y un fiestón de estas características en Space Ibiza es una de ellas. Nunca una despedida será tan divertida. We promise.


TEXTO: SERGIO DEL AMO FOTO: PHIL SHARP

Grabación: “Cuando acabamos de editar nuestro disco de versiones con la Metropol Orkest nos tomamos un pequeño descanso antes de volver a componer. Estas nuevas canciones empezaron a nacer hace cosa de dos años y medio y teníamos muy claro que tenían que ser divertidas, tanto en su versión de estudio como en directo. Hemos estado trabajando en unos cincuenta temas, por lo que la inmensa mayoría se han quedado fuera del álbum. Esta hiperactividad, en parte, se la debemos a nuestro nuevo estudio londinense. Es mucho más grande, inspirador y luminoso. Y, además, tiene un gran ventanal desde el que nos pasamos horas cotilleando lo que ocurre en la calle”. Extraterrestres: “Pocos se lo creen, pero estaba en el estudio con mi chica y vimos una extrañísima luz brillante en el centro de Londres que no paraba de moverse. ¡Fue increíble! Desde entonces ando bastante obsesionado con todo lo referente a la ufología. Ha habido personas que hasta se han enfadado conmigo porque cuando les he contado la historia se pensaban que les estaba mintiendo en su cara. A veces es mejor no ser del todo sincero porque te pueden tomar por loco”. Junto: “El título del disco, teniendo en cuenta los momentos que ahora mismo vivimos, es un mensaje de paz para todo el mundo. Sin duda, tenemos que pensar que todos somos iguales y como tales debemos actuar juntos. El poder de la música puede contribuir a ello”. Vocalistas: “Cuando estamos trabajando en una canción no solemos pensar quién la va a interpretar. Principalmente, lo que solemos hacer es dejar que alguien la cante y ver qué ocurre. Por ejemplo, ‘Never Say Never’ queríamos que la cantara una chica, pero al comprobar lo bien que quedaba en boca de Elliott Marshall (aka ETML) no lo dudamos ni un instante. Asimismo, en el largo no hemos querido especificar ninguno de los invitados vocales porque pensamos que se perdería la esencia: la canción en sí”. EDM: “Es exactamente lo mismo que ocurrió con el Happy Hardcore a principios de los noventa. Los jóvenes sólo quieren gritar y pasarlo bien, por lo que esta puede ser una buena forma  de que investiguen y se adentren en la electrónica”. Gira: “Será muy colorida y vibrante. La defino como un mix entre un espectáculo de rock y una sesión de dj. Para que os hagáis una idea, iremos con una banda al completo y cinco cantantes sobre el escenario. Va a ser inolvidable”.

“Junto” está editado por Atlantic Jaxx y distribuido por [PIAS] Iberia & Latin América. Basement Jaxx, además, lo presentaran en directo a finales de octubre en la segunda edición del BIME en Bilbao.
TEXTO: COVADONGA GARCÍA
“Disobedient Objects” es una exposición transgresora y valiente que hace un guiño a millones de ciudadanos de todo el mundo que en las últimas décadas han salido a la calle para defender sus derechos y exigir cambios. Los objetos exhibidos han sido diseñados principalmente por activistas, de manera colectiva y con recursos limitados, y sirven para dar una respuesta eficaz a situaciones complejas. Todos estos diseños demuestran cómo el activismo político impulsa un caudal de ingenio y creatividad. Muchas de las piezas han sido prestadas directamente por grupos activistas de todo el mundo y reunidas por primera vez en un museo. Cada diseño está acompañado por una declaración de su creador para explicar cómo y por qué razón se creó el objeto. La exposición viaja desde finales de los años 70 hasta nuestros días y concede también un espacio a las nuevas tecnologías y a los desafíos sociales y políticos emergentes.¶ En la primera parte de la muestra se ven diseños relacionados con cuatro formas distintas de protestar: la acción directa, la difusión, la elaboración de un mapa teórico colectivo y la solidaridad. Los objetos de protesta expuestos incluyen un robot grafitero que pinta el suelo, máscaras, marionetas gigantes, videojuegos políticos y pancartas. La infraestructura de las acampadas se examina a través de una estructura de ensamblaje inflable llamada asamblea general e ideada por 123 Occupy.¶ Las protestas en España también tienen un hueco en la muestra. El hartazgo de la ciudadanía por la crisis económica y ética, la corrupción, la poca credibilidad de la clase política, el perpetuo enchufismo, el robo de las arcas públicas, las chapuzas y los chanchullos han generado un descontento colectivo al que la ciudadanía ha dado respuesta protestando en la calle. Así que con este panorama no es raro que los responsables de la exposición se fijaran en nuestro país. Bajo el título “Banners and the 2011 Madrid Protest Camp: Reading the Signs of Revolt”, Julia Ramírez Blanco analiza la creatividad, organización y semiótica de la acampada en la Puerta del Sol en la página web del museo. También forma parte de la exposición “el reflectocubo“, un cubo gigante que impide las cargas policiales de forma pacífica, diseñado por el grupo Enmedio.

Disobedient Objects
Victoria & Albert Museum, Londres
Hasta el 1 de febrero de 2015
Ff the Zapatista Revolution,
The Zapatista, Mexico
 Credit line: Photo
© Victoria and Albert Musem,
London  Special terms: None
“Inflatable cobblestone”,
acción del colectivo Eclectic Electric
en cooperación con el colectivo
Enmedio durante la huelga general
en Barcelona. 2012.
© Oriana Eli/ßabe/Enmedio.
L J Roberts, Gaybashers,
Come and Get It, USA Date: 2011
 Credit line: Courtesy of Blanca Garcia
 Special terms: None
Bone china with transfers printed
in green, bearing the emblem
of the Women's Social
and Political Union (WSPU)
 Credit line: Photo © Victoria and Albert Musem,
London  Special terms: None
Occupy London Stock Exchange,
Capitalism is Crisis banner 
Date: Used 2009-12
Credit line: © Immo Klink
Special terms: None
Guerrilla Girls. © George Lange.
Away. 2008
“Lillie,” 2010
You And Me (2009)
Untitled (Ponytail). 2010.
Untitled (Breeze) 2010
Home (2009)
Untitled (Mood Swings) 2009
TEXTO: SOFÍA DOS SANTOS
Dice Olivia, que hace apenas unos meses cumplió 20 años, que está un poco cansada de que todo el mundo se fije tanto en su edad. Ella solo quiere que presten atención a su trabajo. Lo de su edad, le guste o no, es algo irremediable, porque que alguien tan joven haya trabajado ya para marcas como Converse, Cacharel, Fiat, Adidas o Hermès, llama, cuando menos, la atención. Y no, no tiene ni padres ni padrinos famosos. A los once años esta chica de Portland, residente en Nueva York, cogió una cámara y empezó a fotografiar lo que tenía alrededor. Flickr se encargó de mostrar su talento al mundo.¶ Con su cámara inmortaliza lo que tiene más a mano: sus amigos, su vida, sus sueños, sus problemas, sus alegrías... Hasta aquí puede resultar poco novedoso, seguramente haya muchos adolescentes por el mundo haciendo lo mismo. La diferencia es que Olivia retrata sin pudor su día a día y el de sus amigos (no en vano una de sus fotógrafas favoritas es Nan Goldin), pero aportándole un toque onírico, naif y romántico. Un mundo adolescente real, bello y complejo que difícilmente sería interpretado de igual manera por un adulto.¶ El próximo 10 de septiembre presenta en la Galería Bernal Espacio de Madrid la que será su primera exposición individual en Europa. Titulada “Enveloped in a Dream”, Olivia traerá a nuestro país una serie de fotografías, 20 en total, donde los protagonistas son lugares desérticos a los que se enfrenta con su cámara para “capturar lo ordinario de un modo extraordinario”. Un objetivo más que cumplido.

“Enveloped in a Dream”.
Galería Bernal Espacio. c/Orense, 32. Planta 5. Madrid. Del 10 al 27 de septiembre.


TEXTO: SOFÍA DOS SANTOS
Una contraseña de acceso y ganas de pasarlo bien es lo único que necesitas para disfrutar de uno de estos eventos clandestinos de Alhambra Reserva 1925, cuya localización es siempre secreta, lo que le da ese punto misterioso que tanto nos gusta.  Un misterio que evoca también su nombre, porque no hay nada más mágico que La Alhambra o la ciudad de Granada en sí misma. Alejandro Dumas dijo de ella: “Hay un placer mayor que el de ver Granada, y es el de volver a verla”. Pues la misma frase se puede aplicar a esta cerveza, porque es un placer saborearla por primera vez, pero mejor todavía es saborearla de nuevo. Y eso es lo que podrás hacer en este exclusivo evento que ya ha pasado por Madrid, Barcelona y Sevilla, y muy pronto llegará a Valencia, Bilbao, Granada y repetirá además en Madrid y Barcelona. Música, gastronomía y el sabor inconfundible de una Alhambra Reserva 1925 son los pilares de estos afterworks tan especiales. Una fiesta donde el color verde siempre será el protagonista, porque verde es el vidrio de la botella de esta cerveza que se enorgullece de aunar tradición y modernidad.¶ Con estas fiestas clandestinas Alhambra Reserva 1925 rinde homenaje a todos los artesanos que convierten su trabajo en arte. Por ello, su nueva campaña, “Arte por Descubrir”, recoge profesiones artesanales que han sobrevivido al paso de los años y son valoradas ahora como se merecen, como la de Diego Rodríguez, Maestro Soplador de la Real Fábrica de Cristales de La Granja en San Ildefonso (Segovia), que ha sido elegido como embajador de la marca. Oficios como el soplado y la talla de vidrio son todo un arte, como también lo es esta cerveza artesanal que nació en los años noventa con una pequeña producción que creyeron anual, pero que se agotó en solo unas semanas. El resto ya es historia. Si quieres formar parte de ella y asistir a alguna de sus fiestas clandestinas tendrás que estar atento al Facebook y Twitter de la marca, porque allí pondrán en marcha un concurso para que podáis acudir a las mismas. 



*Cervezas Alhambra recomienda el consumo
responsable, 6,4º
Carlo Giordanetti,
Director Creativo de Swatch.
Pieza de Virginia Burlina,
ganadora de ITS Artwork 2014.
TEXTO: JAIME BERNAL


“A menudo me encuentro soñando despierto e imaginando cómo uno u otro concepto podría convertirse en uno de nuestros productos”, dice Carlo Giordanetti, director creativo de Swatch desde hace más de 20 años. Y esto probablemente fue lo que motivó a la célebre marca de relojes suizos a involucrarse en esta aventura tan fantástica que es ITS (International Talent Support). Una plataforma internacional para nuevos talentos que se pasa la mayor parte del año en contacto con las mejores escuelas de diseño del mundo buscando al próximo gran diseñador. Suelen enfocarse en el mundo de la moda, pero este año Swatch les ha propuesto enriquecer la experiencia visual con un elemento más artístico, así nace la nueva categoría del evento, ITS Artwork.¶ “Swatch se basa en la ligereza de cuerpo y mente, en la transparencia, el color y el movimiento”, explica Carlo. Rasgos potenciados por la gran sensibilidad de la marca hacia el arte. Su participación en ITS 2014 promocionando los premios Artwork para jóvenes creadores así lo demuestra. “El briefing para los participantes era muy claro: imagina el universo Swatch con total libertad, hazlo en 3D, añádele un mensaje y enamóranos”, argumenta el director creativo de la firma, quien a la hora de votar nos confiesa que “he valorado mucho la búsqueda de la perfección”. La ganadora de esta primera edición 2014 ha sido la italiana de 28 años Virginia Burlina, recién graduada por la Royal Academy of Fine Arts de Amberes. “Estoy impresionado con su energía positiva, su actitud realista, la belleza de sus sentimientos y su clase innata”, así habla Carlo de la ganadora del primer premio ITS Artwork, 10.000 euros más la beca para trabajar en la sede de Swatch durante 6 meses. Su obra, una gran moldura de madera que enmarca una delicada pieza de tul bordada con abalorios, cuenta una historia romántica y sensual, obsesiva y tóxica. Así lo traduce su autora: “Me imaginé una historia de amor entre fantasmas y la obra que hice era un souvenir de amor. Si alguien mira con atención, hay mucha melancolía en las imágenes que dibujo”.


Derecha: Seduction.
Izquierda: Diego Barrera
TEXTO: CARMEN COCINA
Ying/Yang: “En el ser humano convergen luz y oscuridad, lo femenino y lo masculino. Contrariamente a lo que plantean algunas religiones hoy en decadencia, es saludable aceptar esta dualidad, y por eso reflejo ambas en mi obra. La oscuridad es una crítica a nuestra sociedad: vivimos una época contradictoria resultante de la manipulación de la Historia”. Androginia: “Es inseparable de la metamorfosis. Los indígenas tenían rituales de transformación: el hermafroditismo, el travestismo y la unión de los opuestos (los ‘Dos espíritus’, o personas que viven entre lo Femenino y lo Masculino) eran conceptos sagrados en culturas que se vieron atacadas por el ‘descubrimiento’ de América y la moral de culturas más poderosas a nivel bélico, pero no a nivel espiritual. “A Knife In The Sun”: “Este videoclip para Xiu Xiu se basa en un rito indígena donde el ‘hombre’ realiza un corte en su entrepierna como símbolo para habitar en un cuerpo de mujer, es decir, vivir en medio de los dos sexos que nos han impuesto. Una castración simbólica con la que invito al ‘hombre’ a reflexionar sobre su feminidad. El otro personaje encarna la rebelión a través del arte, criticando la religión que pretende controlar el alma, Jarmusch & Van Wissem: “Realicé este otro videoclip, ‘The Sun of the Natural World is Pure Fire’ para la canción homónima de Jim Jarmusch y Jozef Van Wissem. Relata el mito griego de Hermafrodito, en el que la ninfa del agua se une al efebo por medio de un abrazo y el favor de los dioses. Desde el pensamiento queer, la androginia de mis personajes intenta romper el determinismo social de los patrones masculino/femenino”. Referentes: “Oscar Wilde, Virginia Woolf, James Joyce, Baudelaire, Goethe, Poe, Pasolini, Cocteau, Shuji Terayama, Glauber Rocha, Robert Bresson, Matthew Barney, Dreyer, Delia Derbyshire, Cocteau Twins, Nina Simone, Yellow Magic Orchestra, Brian Eno, Julee Cruise, Kazuo Ohno, Foucault y muchos más”. Proyectos: “El Festival Celestial, que combina identidad de género, videoarte y música experimental, para el que contaré con artistas a los que admiro. Un cineclub junto a mi pareja y colaborador Michel J. Beauvais: trabajar con él es un aprendizaje constante, pues como militante comunista me ha ayudado a comprender la situación actual chilena y global y actuar por el cambio. Y estoy escribiendo nuevos guiones, es una época de inspiración y lucha”.
Colección Primavera Verano 2015
Co-Director: Aurelio Sinagra
Fotos: Federico Mauro
& Wrong Studio
Modelo: João Zavaski
Asistentes: Matilde Sammartano
& Isabella Conticello
Colección Primavera Verano 2015
Co-Director: Aurelio Sinagra
Fotos: Federico Mauro
& Wrong Studio
Modelo: João Zavaski
Asistentes: Matilde Sammartano
& Isabella Conticello
Colección Primavera Verano 2015
Co-Director: Aurelio Sinagra
Fotos: Federico Mauro
& Wrong Studio
Modelo: João Zavaski
Asistentes: Matilde Sammartano
& Isabella Conticello
Colección Primavera Verano 2015
Co-Director: Aurelio Sinagra
Fotos: Federico Mauro
& Wrong Studio
Modelo: João Zavaski
Asistentes: Matilde Sammartano
& Isabella Conticello
TEXTO: MONGÓMERI
La primera colección de Sandro Gaeta tiene sus raíces en una pequeña isla del mediterráneo de solo 5,8 kilómetros: Levanzo. “Nací y crecí allí, casi salvaje. En vacaciones siempre iba con mi familia. Luego por estudios también pasé inviernos en Trapani (Sicilia). Finalmente me matriculé en la especialidad de Decoración de la Accademia di Belle Arti de Palermo, pero al segundo año lo sustituí por la carrera de Diseño de Moda”. Actualmente, Sandro vive y trabaja al otro extremo de Italia, en el norte, en Como, cerca de Milán. Allí diseña estampados textiles para Menta Collezioni, muchos de los cuales los vemos en ferias como Premier Vision en París y otros sobre la pasarela bajo el nombre de cualquier otra firma de moda que quiera un diseño exclusivo. 2 mundos, cada uno con su propia lírica: el sur, más cálido, orgánico y pasional; y el norte, más frío, geométrico y funcional. Ambos se fusionan en la mente de Sandro Gaeta con una visión contemporánea de la estética masculina. De momento ya ha cumplido su primer sueño: crear su propia colección. Ahora le toca el siguiente. “Me gustaría formar parte de Pitti Uomo, me gusta su estilo y creo que es el sitio correcto para arrancar en el sector de la moda masculina. Pero si tuviera la oportunidad de elegir, mi sueño sería formar parte de la Camera Nazionale della Moda y presentar en el Palazzo dell’Arengario”. La banda sonora de esta colección hubiera sido CocoRosie. “Creo que tienen la acústica perfecta para esta colección y en muchas ocasiones la trabajé escuchando y cantando sus canciones”. De momento, el equipo Sandro Gaeta comenzará a producir en octubre, también folulards y bufandas con sus maravillosos estampados. “Pero es una sorpresa”.


TEXTO: ZOEY GOTO
En un mundo lleno de colaboraciones puntuales, tu trabajo con G-Star ha durado 10 años. ¿A qué crees que se debe? Porque ambos respetamos las opiniones y el espacio del otro. G-Star no intenta influir en mis ideas, y yo soy capaz de hacer mi trabajo en un relativo aislamiento. ¿Dirías que tienes plena libertad creativa? Sí, porque G-Star ha reconocido la importancia de permitir al diseñador hacer lo que mejor sabe hacer. Pero dicho esto, yo no soy un diseñador de moda, así que necesito mucha ayuda en determinados temas técnicos para hacer la colección. En un nivel práctico, ¿cómo funciona el proceso de diseño entre tú y G-Star? Es un método bastante convencional, al menos como yo lo entiendo. Nos vemos un cierto número de veces al año, yo les presento los bocetos y la máquina de G-Star los hace realidad. ¿Cuál fue tu inspiración para la colección de esta temporada? Se trataba de encontrar ideas adecuadas para el décimo aniversario -en ese momento, Marc coge una cazadora bombee decorada con una serie de parches gráficos, es una de las piezas conmemorativas del aniversario, y continua-. Quizás esto solo significa algo para mí, pero cada uno de estos parches representa a una colección que he diseñado para G-Star en estos 10 años. Me gusta la iconografía de la misma, y también la idea de los uniformes, como recurso para no tener que pensar demasiado en lo que llevas puesto. Pero siempre he estado interesado en la moda, ya que te ofrece una ventana al mundo de la cultura contemporánea. En realidad estoy muy expuesto a la industria de la moda, por mi esposa -la estilista Charlotte Stockdale- y por vivir en las 3 principales capitales de la moda en el mundo: París, Tokio y Londres. Para la colección otoño invierno 2014 has diseñado el traje “7-Day”, un traje formal que puede ser tratado como unos jeans, y lavarse solo una vez a la semana. ¿Es este diseño una respuesta a la eliminación de fronteras entre la ropa formal de trabajo y el casualwear? Sí, totalmente, va de eso. Yo viajo mucho por trabajo, pero también quiero mezclarlo con placer. En muchos niveles, mi profesión es una mezcla de trabajo y ocio. Diseño cosas que me gustan, pero también hago las cosas aburridas, como tener que ir a una oficina. Y esa dicotomía también se percibe en los diseños. Como puedes ver en la colección, siempre hay un nivel subyacente de ironía. Me gustan las cosas cuando tienen algo de humor. Haciendo una retrospectiva de tu carrera parece que hay un flujo constante de ideas innovadoras. ¿Sufres alguna vez bloqueos creativos? Soy como un francotirador, un psicólogo industrial, y he alcanzado un punto en el que puedo producir ideas porque simplemente tengo que hacerlo. Tengo un sistema y rara vez me quedo sin ideas porque mi trabajo se basa en seguir un briefing detallado y un proceso lógico. ¿Diseñas en función de la demanda de un cliente o, al revés, primero diseñas y luego se lo intentas vender a alguien? Por lo general se trata de una respuesta a un pedido concreto de un cliente. De todas formas, mi trabajo tiene mucho que ver con la observación. Por eso es muy importante viajar, y por el camino ver cómo las diferentes culturas intentan resolver un mismo problema. Visitar ciudades como Tokio es muy inspirador, en muchos niveles, pero sobre todo desde la perspectiva de la moda. ¿Cómo equilibras la balanza entre arte y comercio? ¿Es preferible la evolución creativa o que el cliente esté satisfecho? El diseño es una cuestión de compromiso, y eso no tiene que ser necesariamente una cuestión negativa. En última instancia, hay que ser inteligente a la hora de interpretar un briefing y práctico a la hora de buscar soluciones. Todo gira en torno a la comprensión: comprender al cliente, comprender el mercado y comprender las posibilidades. ¿Crees que una de las cualidades de un buen diseñador es mantener su ego bajo control y mirarlo todo a través de los ojos del cliente? Sí, yo no estoy diseñando cosas para promocionar mi propio ego. Por ejemplo, yo he estado trabajando mucho en el sector del lujo, y esas marcas tienen un sentido muy fuerte de lo que es su propio ADN, y si lo obvias será tu responsabilidad. Tienes que tomar referencias de diseño de sus propios archivos y entonces intentar hacer algo nuevo pero que tenga conexión con lo que ya existe. Ello no será totalmente revolucionario, o de lo contrario no funcionará. Equilibrar todas estas cuestiones forman parte de mi habilidad profesional.



Imágenes colección 10 Aniversario G-Star + Marc Newson.
Imágenes colección 10 Aniversario G-Star + Marc Newson.
Imágenes colección 10 Aniversario G-Star + Marc Newson.
TEXTO: ZOEY GOTO
En un mundo lleno de colaboraciones puntuales, tu trabajo con G-Star ha durado 10 años. ¿A qué crees que se debe? Porque ambos respetamos las opiniones y el espacio del otro. G-Star no intenta influir en mis ideas, y yo soy capaz de hacer mi trabajo en un relativo aislamiento. ¿Dirías que tienes plena libertad creativa? Sí, porque G-Star ha reconocido la importancia de permitir al diseñador hacer lo que mejor sabe hacer. Pero dicho esto, yo no soy un diseñador de moda, así que necesito mucha ayuda en determinados temas técnicos para hacer la colección. En un nivel práctico, ¿cómo funciona el proceso de diseño entre tú y G-Star? Es un método bastante convencional, al menos como yo lo entiendo. Nos vemos un cierto número de veces al año, yo les presento los bocetos y la máquina de G-Star los hace realidad. ¿Cuál fue tu inspiración para la colección de esta temporada? Se trataba de encontrar ideas adecuadas para el décimo aniversario -en ese momento, Marc coge una cazadora bombee decorada con una serie de parches gráficos, es una de las piezas conmemorativas del aniversario, y continua-. Quizás esto solo significa algo para mí, pero cada uno de estos parches representa a una colección que he diseñado para G-Star en estos 10 años. Me gusta la iconografía de la misma, y también la idea de los uniformes, como recurso para no tener que pensar demasiado en lo que llevas puesto. Pero siempre he estado interesado en la moda, ya que te ofrece una ventana al mundo de la cultura contemporánea. En realidad estoy muy expuesto a la industria de la moda, por mi esposa -la estilista Charlotte Stockdale- y por vivir en las 3 principales capitales de la moda en el mundo: París, Tokio y Londres. Para la colección otoño invierno 2014 has diseñado el traje “7-Day”, un traje formal que puede ser tratado como unos jeans, y lavarse solo una vez a la semana. ¿Es este diseño una respuesta a la eliminación de fronteras entre la ropa formal de trabajo y el casualwear? Sí, totalmente, va de eso. Yo viajo mucho por trabajo, pero también quiero mezclarlo con placer. En muchos niveles, mi profesión es una mezcla de trabajo y ocio. Diseño cosas que me gustan, pero también hago las cosas aburridas, como tener que ir a una oficina. Y esa dicotomía también se percibe en los diseños. Como puedes ver en la colección, siempre hay un nivel subyacente de ironía. Me gustan las cosas cuando tienen algo de humor. Haciendo una retrospectiva de tu carrera parece que hay un flujo constante de ideas innovadoras. ¿Sufres alguna vez bloqueos creativos? Soy como un francotirador, un psicólogo industrial, y he alcanzado un punto en el que puedo producir ideas porque simplemente tengo que hacerlo. Tengo un sistema y rara vez me quedo sin ideas porque mi trabajo se basa en seguir un briefing detallado y un proceso lógico. ¿Diseñas en función de la demanda de un cliente o, al revés, primero diseñas y luego se lo intentas vender a alguien? Por lo general se trata de una respuesta a un pedido concreto de un cliente. De todas formas, mi trabajo tiene mucho que ver con la observación. Por eso es muy importante viajar, y por el camino ver cómo las diferentes culturas intentan resolver un mismo problema. Visitar ciudades como Tokio es muy inspirador, en muchos niveles, pero sobre todo desde la perspectiva de la moda. ¿Cómo equilibras la balanza entre arte y comercio? ¿Es preferible la evolución creativa o que el cliente esté satisfecho? El diseño es una cuestión de compromiso, y eso no tiene que ser necesariamente una cuestión negativa. En última instancia, hay que ser inteligente a la hora de interpretar un briefing y práctico a la hora de buscar soluciones. Todo gira en torno a la comprensión: comprender al cliente, comprender el mercado y comprender las posibilidades. ¿Crees que una de las cualidades de un buen diseñador es mantener su ego bajo control y mirarlo todo a través de los ojos del cliente? Sí, yo no estoy diseñando cosas para promocionar mi propio ego. Por ejemplo, yo he estado trabajando mucho en el sector del lujo, y esas marcas tienen un sentido muy fuerte de lo que es su propio ADN, y si lo obvias será tu responsabilidad. Tienes que tomar referencias de diseño de sus propios archivos y entonces intentar hacer algo nuevo pero que tenga conexión con lo que ya existe. Ello no será totalmente revolucionario, o de lo contrario no funcionará. Equilibrar todas estas cuestiones forman parte de mi habilidad profesional.



Harandia MT
Curreo
Shaw Runner
TEXTO: JOE MADRAZO
Onitsuka Tiger es uno de esos iconos de origen japonés que ha triunfado en la cultura contemporánea occidental. Una marca fundada en 1949 por Kihachiro Onitsuka. Al igual que él en su momento, actualmente hay otros muchos creativos emprendedores de origen japonés triunfando en todo el mundo, entendiendo el éxito como sinónimo de felicidad y simple realización personal. Y es precisamente de esta fusión de culturas de lo que trata la campaña “My Town My Tracks” de Onitsuka Tiger. Para esta temporada otoño invierno, al igual que en ediciones anteriores, Onitsuka Tiger nos lleva a una ciudad europea, en este caso Amsterdam, donde un carismático personaje de origen japonés nos presenta su barrio favorito. El guía de esta temporada es el inquieto Tosao, un joven emprendedor con un explosivo árbol genealógico donde se funde la cultura japonesa con la alemana. Él, con sus colegas, nos sumerge en la zona de De Jordaan, al noreste de Amsterdam, un laberinto de calles y canales, donde se cuece la movida amsterdamés.¶  La idea de la campaña es de la agencia holandesa Blast Radius. Y aparte de enseñarnos lo más neo de Amsterdam, también se las ingenia para mostrarnos con estilo, y naturalidad, la nueva colección Onitsuka Tiger para este otoño invierno 2014-15, donde, como siempre, además de la funcionalidad y comodidad del textil, destacan las propuestas de zapas. En esta ocasión los modelos que más nos han flipado son estos 3: (A) Harandia MT: una bota impermeable de nubuck con suela de running que incluye el famoso material Gel de Asics; (B) Shaw Runner: una zapa con marcada herencia running e impresionantes combinaciones cromáticas, muchos de ellos pensados especialmente para chicas; (C) Curreo: un modelo de inspiración ochentera pero que se nota que es muy de ahora.¶ Si entras en la web de Onitsuka Tiger ya puedes darte una vuelta por Amsterdam y de paso ver toda la propuesta de la marca: zapas, bombers, sudaderas, camisetas, polos, mochilas, weekender bags, bandoleras…


TEXTO: JOE MADRAZO
Ian Berry es conocido como el artista que pinta con trozos de denim. De hecho, esta particularidad le motivó en su momento a rebautizarse artísticamente con el nombre de Denimu. Tiene 30 años y en su taller acumula toneladas de pantalones vaqueros usados. Lo que para los demás son solo un montón de jeans, para Ian es una impresionante paleta de tonalidades azules con la que reproducir cualquier cosa que se le ponga delante, desde un retrato a un paisaje o una situación. Casi siempre juega con los azules, pero a medida que la industria textil introduce nuevos colores, Denimu también los incorpora a su paleta.¶ Uno de sus últimos trabajos es un retrato de la mítica cantante de Blondie, Debbie Harry, que también fuera musa de Andy Warhol. En esta ocasión, Debbie aparece retratada micrófono en mano y luciendo unas gafas Ray-Ban Wayfarer. Una obra que refleja el trinomio de la cultura pop rock: denim + rock star + Wayfarer.¶ La pieza también celebra el lanzamiento del nuevo invento de Ray-Ban: las primeras Wayfarer en denim con montura de tela vaquera ultra-resistente e hilado extra-grueso cubierto con hasta 4 capas de polipropileno y acetato fundidos a 200º, todo acabado a mano. Una pasada.¶ Además del denim, en la nueva colección Ray-Ban encontrarás más materiales inéditos, tipo: terciopelo, cuero, acero o titanio. La idea es que, independientemente de lo que estés hecho, siempre encuentres tu reflejo en Ray-Ban. Así que… “never hide what you’re made of”.


TEXTO: JOE MADRAZO
Juan Gassó, fundador de Kaleos, y Claudia Brotons, directora creativa de la marca, se conocieron en la Universidad Pompeu Fabra de Barcelona. Los 2 se licenciaron en económicas. Pero mientras Juan continuó su vocación empresarial y marketiniana, Claudia se fue desviando hacia el mundo de la moda completando su formación en Felicidad Duce, Istituto Marangoni de Milano y Central St Martins. Él entró en el Grupo Gaes, multinacional líder en el sector corrector auditivo en España, compañía fundada precisamente por su abuelo, que también creó varias ópticas a lo largo de su vida. Y ella fue fichada por Inditex como Buyer Plana. La carrera de ambos se vuelve a unir en 2013. Justo con la presentación de Kaleos, marca de gafas creada por Juan Gassó con el apoyo del Grupo Gaes y la dirección creativa de Claudia Brotons. Todo parece encajar para que el sueño de crear la primera marca de gafas fast fashion se haga realidad. Una aventura en la que no se han metido a lo loco. Primero montaron una tienda en Barcelona donde vendían una sola marca de gafas: Kaleos (bueno, y alguna otra que les caía bien). La idea era estudiar muy bien al cliente antes de ponerse a diseñar una gran colección. Vamos, un laboratorio. Las pruebas fueron todas positivas. Y finalmente esta temporada Kaleos se lanza a lo grande, con una gran colección que plasma todo el abanico de tendencias que flota ante nuestros ojos. Y lo más importante, a un precio asequible que oscila entre los 75 y 150 euros. La clave de todo es que la gente pueda tener más de un par de gafas, lo mismo que tiene más de un par de zapas o de cualquier otra prenda. Y que las gafas se conviertan de verdad en un complemento de moda y podamos jugar con ellas en función del estilismo del día. De momento, a corto plazo, no van a abrir más tiendas. Solo la de Barcelona, un showroom donde mensualmente aparecerán nuevos modelos, más una boutique online con un revolucionario servicio de “prueba en casa” que, sin gastos de devolución ni compromisos de compra, te permite probarte hasta 4 modelos frente a tu espejo y junto a tu armario, para que veas todas las posibilidades. Y lo próximo será una gafa auditiva, ya veréis, u oiréis, o todo a la vez.


TEXTO: CARMEN COCINA
“Fue al dejar mi país para instalarme en Milán cuando me di cuenta de mi vocación por el Diseño de Moda. Al terminar el instituto quedé la segunda en las pruebas de acceso a la mejor escuela de moda de Taiwán, pero mis padres no me apoyaron y terminé por estudiar Publicidad. Ya licenciada, no podía dejar de pensar en ello y decidí sacarme la espina y enviar mi currículum al Istituto Marangoni. Gané el concurso de becas y fui la única alumna que pudo estudiar allí gratis. Ahora acabo de graduarme y estoy trabajando para lanzar mi propia marca”. El título de su colección debut es “Eternity is a long time”. “En ella todo gira en torno a las diferentes percepciones del mundo y el universo. El nombre viene de una cita de Woody Allen. Me atraía la paradoja que encierra, y al mismo tiempo quería resaltar que nunca entenderemos la magnitud de la eternidad. La idea surge el verano pasado en un pueblo italiano donde celebraban la ascensión de la Virgen a los cielos. En este caso el cielo tiene una acepción metafísica, Dios. Pero también es algo físico, el espacio. Una dualidad que terminé interpretando con las figuras de la Virgen y el astronauta. 2 seres que suben al cielo, cada uno a su manera”. Un ejercicio donde confluyen el deconstructivismo de Rei Kawakubo, la exuberante extravagancia de Viktor&Rolf y la pureza de los pliegues de Issey Miyake. Un equilibrio magistral entre sencillez y sofisticación, tradición y modernidad. “La colección toma elementos de la Ascensión, como estatuas sagradas o arte folk, y las combina con looks rebeldes y siluetas oversize, como las de los trajes de los astronautas. Usé materiales industriales (silicona, plástico) y naturales (lana, algodón). Es muy divertido trabajar con materiales inusuales, me encanta experimentar con ellos”. Tsu Yao Wang disfruta con estos juegos de contrastes, por eso le gusta Milán. “Me encanta su fusión de tradición y modernidad. Como capital de la moda, las tendencias tienen gran calado: la gente va en bici al trabajo con trajes y zapatos bonitos o se toma un helado con un outfit molón. Han incorporado la moda a sus vidas”. Ahora es Tsu la que tiene que incorporarse a la industria de la moda. “Estoy desarrollando la web y la tienda online. Espero lanzar pronto mi marca y también trabajar en alguna firma para adquirir experiencia e ingresos”.
TEXTO: LILU DIAZ DE QUIJANO
Son los años 70 del siglo pasado, y mientras unos reivindican libertad, otros la celebran, en Ibiza. Son los años del hipismo, un movimiento que se tiñe de blanco en la isla con el nombre de moda Adlib, el sello del estilo ibicenco hasta hace muy poco. Justo hasta que un buen día, allá por 2004, aterriza en Ibiza una azafata de Air Europa y revoluciona la moda con denominación de origen Ibiza. Ella es Laura Barrado Estebaranz, una apasionada de la moda con un claro perfil emprendedor y una positiva visión comercial. Primero lanza con éxito su marca ByLu, después Pennylane, y finalmente en 2013, en equipo con Ushuaïa Ibiza Beach Hotel, de la cadena hotelera Palladium Group, crea la marca que de una manera definitiva, y a placer, devuelve el color a la moda de Ibiza, del blanco al negro, pasando por un arco iris total. Y es en ese cielo lleno de colores, donde Laura presenta su nueva colección. Y no es una metáfora, ocurrió de verdad. La nueva colección de Ushuaïa Ibiza se presentó en un vuelo de Air Europa con destino Ibiza, probablemente un homenaje a las raíces de la diseñadora como azafata. Una propuesta que a través de sus 6 líneas abarca todas las posibilidades lúdicas que ofrece la isla y su hotel más especial, el Ushuaïa Ibiza: 24 horas de puro estilo ad libitum, donde el color y la gráfica son las señas de identidad de la casa, tanto para chica como para chico. Además, la moda de Ushuaïa Ibiza se complementa con ediciones limitadas realizadas en equipo con marcas de referencia como Puma, Carrera, Buddha to Buddha, Patricia Nicolas o Es Collection. Moda, fiesta e Ibiza, 3 conceptos unidos en una misma marca: Ushuaïa Ibiza.


Los estampados y colores vivos es lo que funciona si vas un paso por delante del resto de la humanidad. Dentro de poco, en las zapaterías comenzarán a preguntarnos por el color de pie que calzamos. Ya verás. Entre los responsables de tanta cromatología en el calzado están United Nude, marca de calzado creativo que acostumbra a dejarnos boquiabiertos con sus colaboraciones con, por ejemplo, Iris Van Herpen o Zaha Hadid. Aparte de nuevos tacones, esta temporada nos sorprende con un ejercicio de creatividad funcional aplicado a su variada línea de runners unisex donde el color es el rey. Estampados digitales geométricos sobre tejidos técnicos que podríamos bautizar como cromatoshoes.

Info: 932 687 362

 
Nuevos Levi’s® que hubieran encantado
al Rosendo de finales de los 70, muy Leño.
- Levi’s 501®: renovados con parches
en denim o twill militar, desgarros,
acabados claros y lavados oscuros.
- Levi’s 511®: silueta fit slim con nuevos
acabados oscuros o en tonos grises.
Nuevos Levi’s® que hubieran encantado
al Rosendo de finales de los 70, muy Leño.
- Levi’s 501®: renovados con parches
en denim o twill militar, desgarros,
acabados claros y lavados oscuros.
- Levi’s 511®: silueta fit slim con nuevos
acabados oscuros o en tonos grises.
TEXTO: JOE MADRAZO IMÁGENES: JASON NOCITO


La campaña se presentó este verano a todo volumen y en vivo en el Brooklyn Bridge Park de Nueva York con un concierto de las hermanas Haim y la banda Sleigh Bell. Insisto, hubiera sido genial haber visto a Rosendo sobre el escenario cantando eso de “no pienses que estoy muy triste si no me ves sonreír, es simplemente despiste, maneras de vivir… No sé si estoy en lo cierto, lo cierto es que estoy aquí, otros por menos se han muerto, maneras de vivir”… y todo el mundo haciéndole coros y agitando la cabeza, claro. Alguien tenía que haber dicho a los creativos de Foote Cone & Belding y The House Worldwide, los responsables de la campaña, que Rosendo es como los Ramones, pero en España, y que esta canción refleja a la perfección el concepto y el espíritu de la nueva campaña de Levi’s®. Es decir, los millones de maneras en los que todos vivimos nuestras vidas y nuestros Levi’s®. Porque ¿quién no tiene unos Levi’s®? Y si tienes unos Levi’s® es que tienes una vida. ¿Quién no tiene una o mil movidas que contar sobre sus jeans? Ay si los Levi’s® hablasen…  Pero como de momento no hablan, tienes que ser tú quien las cuente… Ya sabes lo que dice la canción… “voy cruzando el calendario con igual velocidad, subrayando en mi diario muchas páginas… descuélgate del estante y si te quieres venir tengo una plaza vacante, maneras de vivir”… Ya ves, Levi’s® tiene una plaza para ti en su nueva campaña, solo tienes que compartir tus vivencias Levi’s® en las redes con el hashtag #LiveInLevis. Seguro que algo maravilloso ocurrirá.


TEXTO: JOE MADRAZO

No fue casualidad que fuera Venecia el escenario escogido para presentar al mundo la primera colección íntegra de Nicola Formichetti para Diesel. Este es un lugar único donde se fusiona el mar y la tierra, la decadencia y la emergencia, lo clásico y lo moderno, el arte y el souvenir… La ciudad del carnaval, el disfraz y el uniforme. Y al fin y al cabo la moda es todo eso, y mucho más. Un arte, el del vestir, que entiende muy bien el que antes que fraile fuera estilista, el señor Formichetti. El estilismo al igual que la cocina requiere un buen conocimiento de los ingredientes, motivo por el que Renzo Rosso no dudó en abrir los archivos de la casa Diesel, 35 años de historia, al nuevo y gran alquimista del mundo de las tendencias.  Formichetti ha cogido todos esos componentes y los ha mezclado con su particular gracia y visión. Nadie como él sabe seleccionar elementos del pasado y transformarlos en piezas imprescindibles del presente. Y la creatividad, en cualquier disciplina, va de eso. Lo curioso es que en todo este devenir de corrientes y flujos estéticos, como muy bien puedes observar en la colección otoño invierno de Diesel, hay tres universos que nos acompañan desde el origen de los tiempos: el rollo leather-rock ’n’ roll, el denim y el military-utility. Son apuestas seguras para un look radical.


Tipografía gratuita del mes: AQUA GROTESQUE

Tipografía diseñada por LAURA POL pol2527@gmail.com www.poldesigns.com
Puedes descargártela gratis desde nuestra web: www.neo2.es/magazine
Una vez allí entra en tipografía de regalo e introduce el
CÓDIGO DE DESCARGA: 003S-009B-29A
TEXTO: ANA DOMÍNGUEZ

En el restaurante de Baku (Azerbaijan) donde estamos cenando nos han servido ya un incontable número de platos pero la comida no para de llegar. Seyhan Ozdemir, sentada a mi lado me comenta: “El sentido de la hospitalidad de este pueblo no tiene precedentes, es por eso que ésta ha sido el eje central de nuestro proyecto para la nueva terminal internacional del aeropuerto Heydar Aliyev.” Seyhan es parte de Autoban, un estudio multidisciplinar que abarca arquitectura, interiorismo, mobiliario, etc., con base en Estambul. El estudio lo fundó en 2003 junto a Sefer Caglar. Ella había estudiado arquitectura y él se licenció en arquitectura de interiores y juntos, que no revueltos (su relación nunca fue sentimental) emprendieron carrera con un estudio que ha sido celebrado, sobre todo por el interiorismo de sus hoteles y restaurantes. Sefer recuerda su proyecto en Madrid: “¡Ah, Madrid, qué belleza las persianas colgando por fuera de los balcones! Estuvimos allí cuando hicimos el restaurante ‘Las Tres Encinas’ para un cliente que conocía nuestros cafés en Estambul y se enamoró de su ambiente cálido y de esa sensación de que llevaban ahí toda la vida. Ojalá nos encargasen otro para poder volver.” La manera de diseñar de Autoban siempre está basada en contar historias con conexión al lugar donde se realizan: “Es el modo que tenemos de crear experiencias únicas. En el caso de este aeropuerto, por el que se espera que pasen seis millones de personas al año, se trataba de hacer que la escala sea más humana, y que la gente no pase por él sin que le deje huella, que la experiencia no sea impersonal, que disfrute de ella.”
El edificio de la terminal ha sido realizado por un estudio de ingenieros, a Autoban se le encargó el diseño del interior. Así que para empezar decidieron adaptarse y tomar inspiración del diseño existente: “La estructura del edificio es una retícula de triángulos, así que decidimos replicar ese diseño en el suelo y las paredes de mármol o la moqueta (realizada por Kvadrat) de modo que funcionara como un conjunto coherente.” Además, en su idea de lograr un espacio que aportara una sensación humana en la que la gente se sintiese cómoda: “Decidimos utilizar materiales cálidos como la madera y la piedra o el metal, que nos conectan más con nuestra memoria y nuestras emociones y añadimos un tipo de luz muy cálida para reforzar esa impresión.” La zona de salidas refuerza esta idea a partir de una especie de “cocoons”, estructuras de madera más o menos cerradas que reducen la escala de grandes espacios y altos techos del aeropuerto y permiten que deambular por la zona sea una experiencia más doméstica. Esos recintos de madera albergan distintas funciones, desde tiendas a bares, spa, guardería o centro de internet. El trabajo en madera entrelazada recuerda las labores tradicionales de cestería: “En realidad los ‘cocoons’ llevan un trabajo de alta tecnología, los diseñamos con ordenador en 3D y se realizaron cortándolos a láser y después doblando uno a uno cada listón para obtener la curvatura necesaria para cada lugar. Todo el trabajo se hizo en Turquía y después se montó ‘in situ’”. También en Turquía se fabricaron los muebles destinados al interior del aeropuerto, un total de tres mil piezas de veinte tipologías diferentes, muchas adaptadas de diseños anteriores del estudio. El resultado es ciertamente acogedor y alejado de los espacios fríos e impersonales a los que los aeropuertos nos tienen acostumbrados. Una muy interesante puerta de entrada al Cáucaso.
Museo Camargo Iberê de Alvaro Siza.
Porto Alegre, Brasil. 1998—2008.
Fotografía: Fernando Guerra
Michael Maltzan Architecture.
Didier Faustino.
Double Happiness. 2009.
MOS Architects.
Museum of Outdoor Arts Element House,
Las Vegas, New Mexico. 2008-13. 
TEXTO: CARMEN COCINA
En un arte milenario como es la arquitectura, no deja de sorprender que el debate en torno a la creación espacial perviva entre los expertos contemporáneos. Con esta realidad como base, la exposición Conceptions of Space acoge las adquisiciones más recientes del neoyorquino Museum of Modern Art revelando cómo, más allá de atributos formales y necesidades funcionales, la concepción y articulación del espacio confirma a la arquitectura como un esfuerzo artístico y una respuesta a cuestiones culturales más amplias. Frente a previas consideraciones de la arquitectura como una progresión de estilos, durante la primera mitad del siglo 20 la investigación sobre el espacio se convertía en la misión prioritaria de la práctica arquitectónica moderna, en un debate en el que la coherencia entre el interior y el exterior de los edificios se erigía como valor fundamental. Con el tiempo, artistas, geógrafos, sociólogos y filósofos trataron de apropiarse de esta reflexión. En palabras de Michel Foucault, “nuestra es la era del espacio, un campo expandido provisto de complejos significados”. Ese “campo expandido” es ahora el objeto de reflexión de los veinte proyectos internacionales que conforman Conceptions of Space, desde modelos a gran escala hasta dibujos, fotografías, vídeos e instalaciones. La esencia del espacio abarca desde el “ensamblaje” y el espacio “envolvente” hasta el “ficticio” y “conductual” a través de las aportaciones de veteranos como Herzog & de Meuron, Álvaro Siza o Kengo Kuma, y nuevos talentos como Pezo von Ellrichshausen, Ryue Nishizawa o los españoles Ensamble Studio.

Conceptions of Space: Recent Acquisitions in Contemporary Architecture. Hasta el 19 de octubre en MoMA. 11 W 53rd St. Nueva York.
La presentación en Ámsterdam:
Max Barenbrug  junto al Bee3 y
el prototipo con el que se graduó.
El nuevo modelo Bee3 en versión silla
y con la capota extensible.
El Bee3 plegado, en dos segundos.
 En Bugaboo trabajan
con impresoras 3D para los prototipos.
TEXTO: TACHY MORA
Bugaboo acaba de lanzar al mercado la última versión de su modelo Bee. Su presentación tuvo lugar en Ámsterdam en un evento en el que la firma holandesa repasó sus veinte años de trayectoria y en el que Neo2 pudo hablar con uno de sus fundadores y diseñador del primer cochecito Bugaboo, Max Barenbrug. De hecho todo surgió a partir de su proyecto de graduación en la academia de diseño de Eindhoven, donde a principios de los noventa Max estudiaba la especialización de Movilidad. En un entorno educativo muy enfocado a la automoción, él decidió optar por un proyecto orientado a mejorar la libertad de acción de los padres. Y lo hizo a través de un diseño con un chasis nada convencional y ultramoderno que cumplía también con las expectativas de estilo y uso de un padre, no sólo de la madre.¶ Su propuesta le llevó a graduarse con mención honorífica, sin embargo eso no le ayudó a conseguir que ninguna firma en el mercado se interesara por producir su diseño, pues su aspecto era demasiado radical. Convencido de que era un buen producto que aportaba una interesante alternativa en un mercado saturado de surtido cursi, lo sacó adelante haciendo equipo con Eduard Zanen. Cinco años después consiguieron hacerlo realidad e introducirlo en el mercado.¶ Hoy aquella idea radical que nadie quería producir se vende internacionalmente y Bugaboo se ha posicionado como la firma más innovadora de coches para niños en lo que a su diseño y prestaciones se refiere. Algunos de sus modelos han sido concebidos literalmente como todoterrenos, como el Buffalo. Otros, como el convertible Donkey se adaptan a una plaza, a dos, o a una plaza más una cesta para la compra. Luego está el Cameleon que introdujo la posibilidad de ser usado con capazo y silla para cuando el niño va creciendo, además de tener ruedas para todo tipo de terrenos. Ahora su modelo urbano denominado Bee ha integrado algunas de las mejores funciones de otros cochecitos Bugaboo. El Bee fue lanzado por primera vez en 2007 como una sillita de paseo para ciudad, muy ligera, compacta y con alta movilidad en sus ruedas. Como la mayoría de los modelos de Bugaboo se ha ido actualizando para introducir mejoras, por eso va ya por la tercera generación, Bee3.¶ La gran diferencia con sus predecesores es que ahora a su chasis ya se le puede acoplar un capazo o una silla. Esta mutación le viene del Cameleon, que por ese motivo ha sido uno de los cochecitos que más éxito han tenido. El capazo se extrae en tan sólo dos clics y se puede utilizar de manera independiente pues se mantiene de pie. Además, su cesta inferior de almacenaje ha sido ampliada de 16 a 22 litros y su capota es extensible, que se introdujo por primera vez en el modelo Buffalo, con una posición extra que protege mucho más al bebé para dormir o cuando hace mucho sol. Se puede comprar solo con silla o con capazo más silla. Para quienes ya tengan un modelo de Bee anterior pueden también comprar el capazo aparte en caso de estar ampliando la familia.¶ El Bee3 fue presentado en un evento que tuvo lugar en unas grandes naves industriales que en breve serán sus nuevas oficinas en la zona de Oostenburgereiland. Max Barenbrug nos contó que cada uno de los desarrollos de producto que se hacen en Bugaboo llevan entre cinco y seis años, de los cuales la mitad son destinados al proceso de investigación y creativo, incluyendo desde el feed-back de los usuarios hasta última tecnología, como el uso de impresoras 3D para sus prototipos. Según Barenbrug si no le dedicas tanto tiempo “puedes acabar haciendo algo muy obvio o predecible”.
Max Barenbrug, fundador y director de diseño de Bugaboo.
TEXTO: JOE MADRAZO
Conocida como la Gran Dama del Champagne, Madame Clicquot fue una auténtica adelantada a su tiempo. No solo fue la primera mujer en hacerse cargo de una casa de vinos espumosos, una de las más prestigiosas del siglo 18, sino que además lo hizo con 27 años, en 1805. Pero en realidad eso no es lo relevante, lo importante es que creó nuevas y revolucionarias técnicas, como el “remuage” para la obtención de un producto premium, y que ese arte aun sigue vigente. Y es ese mismo sentimiento creativo el que sigue burbujeando dentro del que se considera el primer champagne moderno. Un producto inmejorable, al que solo se le puede vestir mejor. Y por eso la casa ha colaborado siempre con importantes diseñadores para crear originales y distintivas champaneras, estuches o fundas isotérmicas. El primero fue Christophe Pillet, luego Pucci, Andrée Putman, Karim Rashid, Tom Dixon, Front Design, 5.5 Designers o los Hermanos Campana. Y ahora la Maison da un paso más al convocar los primeros Premios Diseño Veuve Clicquot. Un concurso abierto a cualquier mente creativa que quiera rediseñar el estuche Mailbox, una de las últimas ediciones de la casa. Los 20 finalistas internacionales, 2 por cada uno de los 10 países participantes, uno elegido por el público y otro por un jurado profesional, todos, verán su diseño hecho realidad en 3D. Y finalmente, el diseño ganador, elegido por un jurado encabezado por los diseñadores Ferruccio Laviani y Pablo Reinoso, obtendrá 10.000 euros. Pero lo realmente bueno es que la idea que triunfe se presentará en la Milán Design Week 2015, se imprimirá en la revista Wallpaper y se comercializará en todo el mundo. Aun hay tiempo. El plazo para enviar diseños comienza el 1 de octubre y termina el 15 de noviembre. Empieza por recoger el briefing en la web de los premios Veuve Clicquot.   


TEXTO: SOFÍA DOS SANTOS

Estas imágenes que podéis ver aquí pertenecen al nuevo hotel de la cadena hotelera en Estambul: Room Mate Kerem. Un hotel de diseño abierto este verano, situado en el centro de la ciudad turca, en el animado barrio de Beyoglu, muy cerca de la famosa plaza Taksim y de la Torre de Gálata. El hotel cuenta con 60 habitaciones a elegir entre: individuales, superiores, executive, deluxe, familiares y suites dúplex. Cada una de ellas tiene alguna particularidad, como baños que evocan al típico hammam, recubiertos de mármol y cerámica esmaltada en color turquesa, característico de las cúpulas de la antigua Constantinopla, o vestidores y entrada privada. El nuevo Room Mate ha sido decorado por Lázaro Rosa-Violán, todo un especialista en la decoración de hoteles, restaurantes y tiendas de todo el mundo. El hotel cuenta con terraza lounge bar en la azotea, gimnasio, piscina cubierta, spa, centro de bienestar con todo tipo de masajes y tratamientos… Un verdadero peligro, porque vas a estar tan a gusto que lo mismo no quieres abandonar el establecimiento para ver las maravillas de Estambul. Precisamente en esta ciudad la cadena hotelera prevé dos próximas aperturas más. Aperturas que se sumarán a las de otras ciudades como Rotterdam, Roma, Milán o Bogotá. Y repetirá con nuevos hoteles en Nueva York y Barcelona. Una expansión imparable con la que muy pronto Room Mate gestionará 29 hoteles en todo el mundo. Lejos queda ya aquel 2005 en el que abrieron su primera criatura, de nombre Mario. Y la familia seguirá creciendo. Estamos seguros. Larga vida a Room Mate.


TEXTO: SOFÍA DOS SANTOS
Para el que no esté muy puesto en estos temas, aclararemos que un Crossover es un vehículo que parte de un turismo normal pero incorpora las características de un todoterreno compacto, como, por ejemplo, una mejor suspensión. No es tan aparatoso como un 4x4 pero tiene muchas de sus ventajas. Nissan es líder mundial en el segmento Crossover y ahora demuestra una vez más por qué con el lanzamiento del nuevo X-Trail. Un poderoso y elegante vehículo que combina la herencia 4x4 de Nissan con tecnologías inspiradas en otros revolucionarios crossover de la marca, como el Qashqai o el Juke. Construido sobre la nueva plataforma Common Module Family (CMF) desarrollada por la Alianza Renault-Nissan, el nuevo X-Trail es un vehículo moderno y funcional, con un diseño muy cuidado y la tecnología más innovadora. Dispone de nuevos faros tipo LED (en las versiones más equipadas), portón trasero de apertura con cierre eléctrico y techo panorámico practicable. En su interior incorpora una novedad, y es que caben hasta siete ocupantes ya que puede acoger una tercera fila opcional, además los asientos están dispuestos como en un teatro para asegurar la visibilidad de todos los pasajeros. También, gracias a su sistema NissanConnect permite la integración de smartphones y hasta se puede contar con una serie de Apps específicas para aumentar la experiencia de conducción conectada. El nuevo X-Trail tiene un motor potente y económico dCi de 130CV que reduce el consumo en un 18% con respecto a la generación anterior. Estará disponible en tres acabados: Visia, Acenta y Tekna. Todas las versiones tendrán aire acondicionado, llantas de aleación, seis airbags, pantalla de 5 pulgadas en la instrumentación, asistente de arranque en pendiente… Y mucho, mucho más. Si estás buscando el vehículo perfecto prueba el X-Trail. Te va a enamorar.

www.nissan.es



Fotos: MAREEEA VEGAS www.mareeavegas.com
Estilismo:  DYLAN RICHARDS
+SEBASTIAN MCGIRR HUNT www.sebastianhuntanddylanrichards.com
Pelos: MAGGIE P de STEPHEN MARR www.stephenmarr.co.nz
Maquillaje: KATH GOULD using MAC www.kmgould.com
Asistente y vídeo: KEN XUN CAO 
Estudio: KINGSIZE STUDIOS www.kingsizestudios.com
Modelos: ELLA CORBIN + WILLIAM BOWMAN @ Red11NZ

Ella: Vestido ZAMBESI (Worn Backwards) www.zambesi.co.nz
















Camiseta TOPMAN www.topman.com
Will: Chaleco STOLEN GIRLFRIENDS CLUB www.stolengirlfriendsclub.com
+cinturón del estilista Dylan Richards + pantalones ZAMBESI www.zambesi.co.nz

Top MAURIE AND EVE www.maurieandeve.com
Top OPENING CEREMONY www.openingceremony.us + sweater cuello vuelto ZAMBESI www.zambesi.co.nz
Chaleco STOLEN GIRLFRIENDS CLUB www.stolengirlfriendsclub.com +
Top GREGORY www.gregory.net.nz
Camisa TOPMAN www.topman.com
DISEÑO
ESTILO
Texto: XAVI CALVO. Fundador y diseñador gráfico en Estudio Menta comprometido con la divulgación del diseño. Escribe una columna quincenal sobre diseño en culturplaza.com
Texto: POPY BLASCO. Periodista y analista de tendencias sociales. Y sobre todo contributor, ya sea con su blog (PopyB), ensayos publicados (Yo fui teen en los 90), cortometrajes
(Mar y Montaña) o Radio (Radioshock)
Para lo que nos gustan las fuentes y la tipografía a los diseñadores, qué poco dados somos a usar la letra fuera de proyectos que no estén diseñados. Me explico, ¿por qué somos tan reacios a escribir sobre diseño? Si nos encanta hablar sobre diseño, si de hecho no hablamos de otra cosa cuando nos juntamos con nuestros amigos (sean diseñadores o, simplemente, pacientes amigos) y podemos pasarnos horas comentando en redes esa última campaña de aquella agencia que parece haberse inspirado en aquél otro diseñador... Pero nos cuesta ponermos a escribir sobre ello (al menos más de 140 caracteres), a posicionarnos cogiendo alguna bandera, no sé si será por pereza, o porque pensamos que no será de interés lo que tengamos que decir, pero cuando un diseñador se hace con un espacio para comunicar, es cierto que antes recurre a la gráfica que a la palabra. Al fin y al cabo es su entorno, su hábitat natural.¶ El diseño es parte del día a día de las personas (sí, de todas, incluso de los no-diseñadores), y, como tal, cada vez debería aparecer más en medios de interés general, sabiendo enfocar y desde la didáctica, sin entrar en tecnicismos o en obsesiones extremas, y los diseñadores deberíamos hacer más ruido sobre la importancia de nuestra profesión, nosotros, que tenemos en nuestra mano cambiar ese día a día aportando legibilidad a la señalización de un hospital, mejorando la comunicación de un ayuntamiento o incluso poniendo orden a los valores de una empresa con su marca, y somos los más idóneos para explicar un poco por qué es tan importante, insisto, nuestro trabajo (fase 1: dejémonos de falsas modestias y asumamos que el diseño es importante y, parafraseando a Don Norman y a Stefan Sagmeister, el buen diseño puede hacer más feliz a la gente).¶ Escribir sobre diseño, como decía Adrian Shaughnessy, puede parecerse a estar solo en una habitación con eco, que está bien si te gusta tu propia voz, pero, por lo general, lo haces esperando que al menos te oiga alguien. Pero rompamos algunos tabúes que vengo comprobando desde hace no mucho tiempo; no sólo los diseñadores sí leen, sino que al público general sí le interesa el diseño. Le interesa, como todo, siempre que lo hagamos inteligible y del modo más didáctico posible. Reconozcamos la labor de los diseñadores que vienen ya tiempo escribiendo para llevar el diseño a la calle, y la de los medios que han confiado en esta temática para ofrecerla a su público, empuñemos el boli, la tablet o el teclado y (fase 2) escribamos.¶ En nuestros foros endogámicos se ha hablado mucho del valor que tiene la labor del diseñador en la empresa como ventaja competitiva pero, sobre todo, el (buen) diseño es cultura, interesa a la gente y además les hace más felices.

La primera vez que vi un Neo2 se llamaba Neomanía, filia por la contemporaneidad suprema. Lo encontré en casa de Samantha, club kid que bailaba en el House of Devotion que organizaba Dani Pannullo en el Morocco de Alaska (de cuando Alaska era más de guantes de Freddy Krueger que de bolsos de Louis Vuitton). Pannullo fue el agitador nocturno que trajo la cultura clubber del Nueva York de Michael Alig al Madrid de la resaca post-Movida y Neomanía, que enseguida creció como Neo2, era a la escena madrileña lo que el fanzine Project X a la neoyorquina, o el AB a la noche de Barna.¶ Un quién es quién de la cultura underground del momento, la música, los locales, el arte y los happening de los que todos queríamos formar parte.¶ La revista era de formato pequeño, muy zine. Era trimestral, cada vez que aparecía era un acontecimiento entre los que frecuentábamos el desaparecido Bali-Hai tiki donde pinchaba Panic. No existían las redes sociales, mucho antes de Instagram, Twitter y Facebook, mucho antes aún de MySpace y del Fotolog, los club kids nos conocíamos de vernos las caras, de cruzarnos por la calle Fuencarral cuando íbamos a comprar trapos a No Comment o a Glam, o en el Marmota del Rastro. Los más populares salían en Neo2.¶ Eran los días del éxtasis, de empalmar el jueves en el Nature con el domingo en el Midday, los años de los primeros discos de Daft Punk, de los Propellerheads. Las tardes eran del trip-hop. La musa era Bjork, pero también P.J. Harvey. En Flip cogías flyers y alucinabas con los del Bocaccio Dance y entonces el dependiente te decía que los diseñaban los mismos que hacían el Neo2… Cada nuevo número se celebraba con una fiesta donde todos nos contábamos cosas sin que nadie pudiese darle al Me Gusta. Un guiño era un like.¶ Recuerdo especialmente aquella fiesta que hizo Neo en la azotea de un rascacielos de Azca con piscina. La gente con collares de Locking Shocking. Al final acabé escribiendo en mi revista favorita. Estuve unos cuantos años llevando la sección de cine y viviendo al lado del Neo el boom español del arte contemporáneo con efervescentes artistas como Carles Congost y Ana Laura Aláez, el empuje de la moda española con Carlos Diez Diez y su vestido de pelo para Absolut o las primeras colecciones de David Delfín con Bimba desfilando y la rancia crítica periodística confundiendo las caras tapadas de Magritte con burkas. Todo era un espejismo del que despertamos hace tiempo. Neo2 ha ido creciendo y cambiando conmigo, a mi lado. Me quité el pelo rojo y Neo2 se hizo bimestral, me quité los piercings y la revista se hizo más grande, me rapé y pasó a ser mensual, dejé la androginia apuntándome al gimnasio y la revista pasó de radiografiar únicamente a artistas españoles a abrir su abanico internacional. Ya me he dejado barba y Neo2 sigue ahí, sobreviviendo a crisis económicas y existenciales. Del lujo a la austeridad y de la austeridad a lo que venga, ojalá 20 años más. ¿Cuál será la red social?
MÚSICA
ARTE
Texto: ACUARIO. Leo Mateos, el líder de Nudozurdo, es ahora Acuario, su proyecto en solitario con el que se estrena el próximo 15 de septiembre publicando su primer disco, “Cassette para los niños”, editado por Marxophone
Texto: GRIP FACE . Artista gráfico / Urbano / Ilustrador / Vive y trabaja en Palma de Mallorca. Es el fundador del proyecto colectivo “SUA RUA” con el que colabora con diversos artistas. Es el coeditor de la editorial Rua ediciones
Se murió y todavía me parece mentira.  Me sorprendió que el mundo no se parara.¶ No sé qué pasó cuando Shakespeare se murió.  Me imagino que el mundo tampoco se paró. Una de las cosas que hacían único a Lou Reed (en este mundo que te empuja hacia la superespecialización) eran sus limitaciones. No sé si nunca fue capaz de cantar y tocar la guitarra mejor porque no podía o porque no quería. Me inclino, como buen desconfiado, a lo primero. Pero fue eso lo que le hizo grande. Nunca quiso ser algo que no era. Suelo desconfiar de los que saben mucha teoría musical porque, salvando alguna excepción, se empeñan en ponerla en práctica todo el rato, arruinando la canción. Hay un umbral de teoría musical que me da miedo atravesar. Lo más difícil de entender de Lou Reed es que su técnica no era buena, ni con la guitarra, ni con la voz. Lo difícil de entender es que todo en su conjunto era lo apasionante. Cuando alguien le preguntaba si estaba trabajando en algún disco nuevo decía “No, estoy pensando”. Y eso es lo que pasa detrás de cada canción de Lou Reed. Hay mucho pensamiento, muchos conceptos. Por eso inventó el sonido de la música underground. Detrás de sus canciones hay mucho corazón, pero también mucha cabeza. Eso es lo que echo infinitamente de menos en muchas bandas. Que detrás haya algo más que música. Todo esta interconectado. Solo hay que buscar la manera de expresarlo. Sus canciones tienen mil millones de matices en sus fraseados, siempre obsesionado por la realidad y por contarla. Sabía que esa era la única manera de conectar con el corazón de los demás. Hacer discos tan buenos durante tanto tiempo, con tres acordes, y contar tantas cosas diferentes durante todo ese tiempo sólo puede sucederle a alguien que sabe que escarbar en las cosas, tener un punto de vista y expresarlo, es la única manera de seguir interesándose a uno mismo y por tanto a los demás. Esa es la razón por la cual el disco de Acuario está plagado de pequeñas historias que hacen referencia a los discos de Lou Reed. Guiños que me han hecho disfrutar. Pequeños tesoros escondidos. Una pequeña ofrenda a los dioses de la inspiración.¶ Tengo unos 500 fragmentos de sus letras almacenados desde la adolescencia que una vez a la semana salen a flote  para hacer un comentario involuntario sobre lo que está pasando. Y son como viejos refranes llenos de sencillez y verdad.

Hablando de gráfica, de mensajes o ambas cosas a la vez, me pregunto si tal vez la funcionalidad comunicativa de la cartelería urbana tiene a día de hoy un impacto real. En las calles de nuestras ciudades seguimos viendo carteles publicitarios con diversos contenidos gráficos de mayor o menor calidad, vigentes en escaparates, kioscos, encolados en puertas, incluso en grandes vallas publicitarias o opis. Pero el escaparate comunicativo actual se encuentra en la red y no tanto en el espacio público.“Si tu evento no está en la red es que no existe”¶ Los smartphones han substituido el ojo ajeno, es preferible focalizar la mirada hacia estos que tomarse el tiempo necesario para curiosear nuestro entorno con detenimiento. No digo que algunos medios como las grandes vallas publicitarias no mantengan aún su efecto de captar nuestra atención para el consumo, pero en la actualidad esas grandes amalgamas publicita¬rias que invaden el entramado urbano están siendo substituidas por miles de microanuncios expansivos que aparecen en apps o dispositivos digitales que la mayoría de ciudadanos usamos a diario y de forma compulsiva.¶ Posicionando mi opinión hacia los “intervencionistas urbanos”, individuos que aún mantienen los ojos abiertos en nuestro entorno y dan un paso más allá para intentar captar de nuevo el ojo ajeno. Usando mecanismos raptados de la publicidad, el urbanismo y el espacio para redirigir estas miradas públicas tan contaminadas por el exceso de información digital.¶ En los días en que vivimos vemos de manera cotidiana que palabras como “crisis” están ya arraigadas en nuestra vida diaria, pero esta no solo va destinada a un hecho meramente económico, si no a una gran cantidad de factores que nos rodean en la actualidad. Y en estos tiempos que corren la vía pública se convierte en una “pizarra comunicativa”, ya sea en acciones ciudadanas reivindicativas o en intervenciones con lenguaje artístico. Pero cada vez resulta más difícil poder realizar dichas acciones ya que los gobernantes han generado leyes “cívicas” para privar estos métodos comunicativos en el entorno urbano, limitando los lugares o espacios donde poder ver estos focos de grafismo público, substituyendolos por apps que funcionan como vías subcutáneas para delimitar nuestra atención y desviándola a una pasividad social e individual.
CINE
GASTRONOMÍA
Texto: DANIEL MONZÓN. Director y
guionista de cine. Ganó ocho premios Goya con Celda 211. Ahora regresa de nuevo a la dirección con “El Niño”, su nueva película, protagonizada, entre otros, por Luis Tosar, Bárbara Lennie y Sergi López.


Texto: TXABER ALLUÉ. Profesor universitario y autor del videoblog El Cocinero Fiel, que puso en marcha en el año 2007. En 2010 publicó “De los platos tradicionales a la tortilla 2.0”,
su primer libro.
Rodar una película es como el arranque de “En busca del Arca Perdida”, donde Indiana Jones corre como un poseso tratando de evitar que un pedrusco gigante le aplaste. Esa es la sensación que tiene el director ante el advenimiento de un rodaje, con su enorme carga de responsabilidad, angustia e intensidad. Siento la proximidad del inicio de rodaje cuando me asalta una pesadilla recurrente: estoy dormido y suena repentinamente el teléfono. Es mi ayudante de dirección que me pregunta molesto dónde demonios me he metido. Es el primer día de rodaje y aún no he acudido al set, lleva toda la mañana cubriendo mi ausencia pero considera que ya va siendo hora de que me decida a aparecer por allí. Me doy cuenta de que me he quedado dormido y, al borde mismo del pánico, salto desnudo de la cama y salgo a correr por una concurrida autopista esquivando coches que me rebasan a velocidad mortal. Consigo llegar al set justo cuando finaliza la jornada. El equipo está recogiendo y me mira con ojos de reprobación. Mi ayudante me explica que ya no es necesario que vaya al día siguiente. Se las han apañado muy bien sin mí, mi presencia no es necesaria… No hace falta ser Freud para desentrañar todos los miedos atávicos que contiene la pesadilla. Pero cuando se manifiesta es el indicativo emocional que me asegura que ya tengo el nivel de tensión requerida para embarcarme de nuevo en el proceso. Saber canalizar esa tensión de manera que se convierta en algo creativo y no paralizante es en gran medida en lo que consiste tu trabajo. Llegar al final de la carrera sin que te arrolle esa maldita piedra es tu primer triunfo, porque el hecho de terminar el rodaje sin que te haya estallado ningún órgano –corazón, cerebro, o incluso vejiga, por lo mucho que la aguantas en aras de aprovechar el tiempo- es un éxito en sí mismo. En la sala de montaje comienza otra nueva lucha: darle sentido a todo el material obtenido. La piedra, sin embargo, puede volver a aparecer ante la proximidad del estreno. Quizá ahora sea minúscula y decida alojarse en tu riñón. No sería la primera vez que a un director le asalte un cólico ante la expectación de comprobar que todo lo que lleva años soñando que le va a gustar al público, en efecto, al final le complace. En el fondo es por el afán de agradar por lo que nos ponemos a tiro de piedra… Es posible que todo esto de rodar tenga un curioso componente masoquista, pero la respuesta es otra: hacer cine, tal como decía Sidney Lumet, es el mejor oficio del mundo.
Comemos mal. Cada vez peor. Y nos gusta. O mejor, coméis mal. Cada vez peor. Y os gusta. De vez en cuando, para hacerme una idea de lo que coméis, me paso por una de las cinco o seis franquicias populares de comida rápida. O pruebo un take away en una fiesta. O compro un precocinado en el Super. Es horrible. En general, todo sabe igual. Es salado y está más cocinado de lo que debería. Han mejorado los precocinados, todo hay que decirlo. Sigo hundiéndome en la miseria cuando entro en un bar y la tortilla de patatas es de bolsa, pero veo salir las raciones como si nada. Hacer una tortilla de patata requiere cierta técnica y, sobre todo, tiempo. Abrir una bolsa no requiere ni tiempo ni talento. Sin clientes exigentes, el hostelero ni se lo piensa. Está claro que esto va a ir a más y no pasa sólo en bares y restaurantes, en casa la quinta gama (precocinados o preelaborados) gana espacio en las despensas a pasos agigantados. Y es que es mucho más eficiente una organización que planta, cuida, recoge, pela y fríe unas patatas y luego las mezcla con huevina (derivado del huevo), que un individuo haciéndolo todo en su casita. Así que no hay vuelta atrás. Se va a cocinar cada vez menos. Acabaremos cocinando sólo para entretenernos, como una afición. Algo para los fines de semana. Nos saldrá más caro que ir a un restaurante y mucho más que comprar un precocinado.  ¶ Las cocinas perderán espacio en nuestras casas. Una nevera, un microondas y poco más. La alimentación se llevará una parte menor de nuestros ingresos, lo que está muy bien porque nos permitirá comprar aplicaciones que nos enseñen a cocinar o pagar un curso para aprender a hacer cupcakes, que es lo que mola. Y el progreso está bien. Es bueno para todos. También es inevitable. Hay un pequeño inconveniente. Esas organizaciones que son más eficientes que los individuos, han demostrado una y otra vez que no son de fiar. Los conglomerados empresariales que controlan o pretenden controlar la producción y comercialización de materias primas no son de fiar. Los fabricantes de precocinados no son de fiar. Los grandes distribuidores no son de fiar. Y las cadenas de restaurantes tampoco lo son. Tengo la certeza de que le irá mejor a una mayoría de gente en el mundo. Menos hambre, mayor esperanza de vida global. Comeremos peor. Eso sí. Y, con el tiempo, olvidaremos cocinar. Eso quedará en manos de un puñado de organizaciones que irán adaptando nuestros gustos en función de sus intereses. Mi resistencia a este cambio es ridícula, pero la disfruto mucho.



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MAQUILLAJE & PELOS: NOEMÍ NOHALES @ Kaastel Agent
para M·A·C Cosmetics y Schwarzkopf Professional
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ESTILISTA: SOFÍA MARIÑO
MAQUILLAJE & PELOS: SERGIO ESCHE para OCC & Tigi
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