Enero-Febrero 2015

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Creative Culture
Arantza Ozaeta y Alvaro Martín Fidalgo.
Foto: Miguel de Guzmán 2014

TEXTO: AURORA DOMÍNGUEZ
Jugendzentrum und Jugendhotel (Casa de la juventud y Albergue juvenil). Selb. Alemania. FEIG Fotodesign.
The pop-up House. Madrid 2014.
Imagen Subliminal Miguel de Guzmán, Rocío Romero.
Arquitectura: “Para nosotros es un equilibrio entre investigación, docencia y construcción. Tratamos de alimentar cada una de estas facetas combinando las visitas de obra con el desarrollo de nuestras tesis doctorales y la participación en workshops internacionales como docentes. En nuestros proyectos, diseñamos marcos de trabajo flexibles –sistemas proyectuales- donde los posibles obstáculos no son entendidos como problemas sino como nuevas oportunidades”. Comienzos: “En 2008 ganamos el 1º premio en el Concurso Internacional para Jóvenes Arquitectos Europan 9 en la ciudad alemana de Selb. A partir de este momento nuestra vida profesional se aceleró. La ciudad mostró un gran interés en desarrollar una serie de proyectos y dimos el paso de dejar los trabajos que teníamos y apostar por nuestro taller de arquitectura”. Geografías: “Nuestra práctica profesional se ha desarrollado desde el principio en un ámbito más europeo que nacional, algo común a nuestra generación que nos aporta nuevos protocolos de organización, entornos de trabajo diferentes y desconocidas problemáticas e intereses”. España: “Donde nos hemos formado principalmente, aquí se encuentran nuestros mayores referentes y donde adquirimos grandes lecciones del contacto directo con las obras en construcción”. Alemania: “Procesos de negociación complejos”. Inglaterra: “La persecución de la máxima exploración e innovación”. Italia: “Interés por la re-apropiación de lo existente”.Acupuntura urbana: “Entendemos la ciudad como un organismo vivo, tal y como explica Jaime Lerner, esta estrategia es la realización de una serie de inserciones –rápidas y precisas- en determinados puntos del tejido urbano enfermo, con el objetivo de desencadenar una serie de reacciones positivas que hagan que la ciudad funcione de otro modo y se cure. Hemos aplicado estos principios en nuestra propuesta para regenerar el centro de la ciudad menguante de Selb en Alemania. Proyecto que estamos desarrollando junto con nuestros socios Gutiérrez de la Fuente arquitectos”. Intervención: “Insertamos determinados equipamientos públicos en el tejido urbano existente para desencadenar una completa reactivación de las dinámicas urbanas y sociales de la ciudad”.  Pop up House: “Hicimos una intervención integral en una vivienda de un edificio  de mediados del siglo 20 para un usuario recién emancipado. Es un experimento que investiga el cruce de dos situaciones: La exploración del fenómeno sociológico ligado al número creciente de hogares unipersonales en las metrópolis -denominado “fenómeno single”; y por otro lado, el ensayo de la infiltración cómplice de un (in)mueble aglutinador de infraestructura doméstica.  Este elemento aglutinador no se mueve, se despliega. Queda anclado a las acometidas del edificio dejando un espacio genérico a su alrededor -laboratorio de experiencias, relaciones, tolerancias, superposiciones, multiplicidades. Este espacio se activa al accionar el (in)mueble infraestructural. Al abrirlo y cerrarlo, desplegarlo y contraerlo, deslizarlo y abatirlo la vivienda se reestructura, expande, fragmenta,  conecta, y aísla. La habitación no contiene un armario, el armario contiene una habitación”. MVRDV: “La época de MVRDV fue muy divertida. Allí se pudo poner en práctica la metodología ‘dutch’ aprendida en TU-Delft, muy desprejuiciada y rápida en primeras fases de proyectos. Se hacían muchísimas maquetas y también colaboraban expertos externos de manera habitual con discursos muy diferentes”.  Equipo: “Si diagramáramos cada equipo que formamos para cada trabajo fácilmente nos encontramos que algunos cuentan con sólo 3 personas y otros hasta 53. Una constante es la representación internacional tanto de colaboradores como de lugares de trabajo. Casi todos nuestros amigos ya no viven aquí, esto nos permite tener una red internacional que funciona como un meta-buscador de posibilidades”.

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Texto: MONGÓMERI
Durante esos 7 años he aprendido muchas cosas… a cómo salir de los imprevistos, a luchar por tu sueño, a que no te afecten las críticas…”.Profesor: “Doy clases en FdModa, soy tutor de proyecto. Me gusta tener alumnos con estilos diferentes al mío, y adaptarme a su manera de trabajar. También es una manera de estar siempre informado y poder transmitirles lo que vas aprendido. Yo también aprendo de ellos”. 080 Barcelona: “Desfilo en la pasarela desde 2008. Me gusta su concepto de modernidad y las pasarelas que montan, cada edición son diferentes y en lugares especiales de la ciudad, y eso hace que se cree una magia especial en cada desfile. Para mí es una ayuda tanto en la faceta de imagen como en la parte comercial. Es una manera de presentar mi trabajo con calidad. Las imágenes del desfile también me ayudan a la hora de las ventas. Gané el premio de la pasarela en 2 ediciones consecutivas y eso hizo que las tiendas se interesaran por la marca, que Lady Gaga quisiera una prenda de una colección, que pudiera seguir demostrando mi trabajo y mi vida temporada tras temporada”. Comunicación: “Utilizo redes sociales, pero soy un poco pez para eso. Suerte que tengo gente que me ayuda. Trabajo desde hace un año con Concept Agency que me lleva todo el tema de la comunicación, y algunos eventos durante el año para presentar colaboraciones o trabajos que se van haciendo”. Internacionalización: “Vendemos en algunas tiendas en el extranjero. Hacemos ferias y viajes para presentar las colecciones. Lo de desfilar fuera de España es un sueño que algún día espero que se cumpla. Lo mismo que estar algún día en tiendas como L’Eclaireur en París,  DVS en Amberes, Arrtco en Pekín, Dover Street Market o GR8 en Tokyo…”. Público: “Cubrimos un segmento de público al que le interesan piezas únicas, elaboradas una a una. Mujeres y hombres que escapan de las tendencias y de la uniformidad, que se sientan especiales o que incluso puedan llevar algo exclusivo para ellos. Poco a poco vamos más haciendo más producto de hombre, pero cuesta más que los hombres arriesguen”. Artesanía: “Somos una firma que sigue trabajando con la artesanía e incluso rescatando elementos que ya pocos realizan. Muchas prendas están realizadas a mano y por encargo, y eso hace que 2 prendas iguales sean únicas. Creo que la artesanía se está perdiendo, pero cada vez hay más gente que la demanda”. Producción: “Todo se hace en España, entre Cataluña y Galicia. En Galicia realizamos más la parte artesanal. Y para el género trabajamos con casas francesas, italianas y españolas”. Osos: “Estaba cansado de que me recordasen por ser ‘el de los osos’, así que decidimos sacar unos osos de peluche en cada colección. Ahora ya hay motivos para que digan ‘eres el de los osos’. Los osos ahora ya se están comercializando”. Primavera 2015: “Va de una pequeña bruja enamorada de su mejor amigo al que le encanta la entomología. Viven su historia de amor en los bosques, buscando plantas e insectos. Todo mezclado con esas películas de los 90 como Clueless o The Craft”. Trabajo: “Somos 5: diseñador, patronistas, gráficos y comunicación. Sin contar con la agencia de comunicación y los talleres. No tenemos ningún partner. Todo es con nuestro esfuerzo y las ganas de hacer nuestro trabajo”.

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Gallego-Catalán: “Mi parte gallega es el romanticismo, los recuerdos de la infancia, la pasión por la artesanía, la melancolía… Y la catalana es la disciplina, la modernidad, todo lo que me enseñaron de moda… Es lo que soy, mi carácter, mi forma de ver las cosas”. Formación: “Mi abuela hacía ganchillo, eso me marcó mucho. Estudié en Felicidad Duce. Una vez un profesor me dijo que dormir es una pérdida de tiempo, y tenía razón. Aparte de eso, la escuela me aportó la disciplina y la exigencia que ahora aplico a mi trabajo. Después trabajé en Mango, no llegó a medio año. En ese momento monté mi firma y no eran compatibles. Esta fase me enseñó a tener otro ritmo de trabajo y adaptarme a otro estilo de diseño. Y es algo que me gusta, me puedo adaptar a diferentes estilos olvidándome del mío”.2008: “Creé mi marca ese año. Hasta ese momento quería trabajar en otras empresas y seguir aprendiendo, porque lo de montar mi propia empresa lo veía lejano. Pero me surgió la posibilidad, me presenté a un concurso -Proyecto Bressol- y el premio fue que durante 3 años te ayudaban a crear tu propia marca.
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Texto: MONGÓMERI
Inicios: “Siempre hemos estado en contacto con la cultura de Laos, pero crecimos en un tranquilo pueblo a 77 kilómetros de Londres, Horsham.Nos mudamos a la capital para estudiar en la University of the Arts -Tida se especializó en diseño textil y Lisa en Diseño Gráfico-. Allí nos percatamos de que la joyería podía ser un buen medio para expresar nuestra dualidad, tanto cultural como biológica. Tras graduarnos trabajamos para otras marcas como Burberry, Bora Aksu, Nike, Asos, Vans, Selfridges… Y finalmente creamos nuestra propia firma. Solo lo podíamos haber hecho en Londres. Si nos hubiéramos quedado en Horsham no estaríamos desafiando los límites, ni inspirándonos en nuestro entorno como hacemos ahora”. Dualidad: “Laos es un país tranquilo y exótico. Londres es una ciudad dinámica e intensa. Y nuestra bisutería es una mezcla de nosotras y de esas 2 influencias”. Trabajo: Tida es la directora creativa, y aunque Lisa se ocupa de la parte comercial también aporta un porcentaje de diseños. “Siempre empezamos la jornada laboral con un buen desayuno en nuestra casa de Peckham -barrio al sureste de Londres que comienza a ponerse de moda-. Siempre desayunamos copos de avena con plátanos, miel y chocolate negro. Luego vamos a diseñar al estudio, y cuando estamos en fase de producción nos pasamos por la imprenta a supervisar el packaging o por el taller a controlar los troqueles al láser”. Ocio: “Normalmente voy a yoga 2 veces por semana -comenta Tida- y nos encanta ir a remar en barca al lago Serpentine en Hyde Park. Por la tarde nos gusta empaparnos de arte en alguna galería. Somos adictas a disfrutar del atardecer en la terraza del bar Frank’s que está cerca de casa. Por la noche nos gusta ir de fiesta en algunos de los almacenes de la zona. Lo emocionante de Londres es que todo el rato están abriendo nuevos bares, restaurantes y locales. También nos gusta coger el tren y que nos lleve a cualquier parte de la ciudad. El centro de Londres es un laberinto inmenso y misterioso del que nunca nos cansamos. Nos fascina”. Londres: “Es la fuerza que impulsa nuestro trabajo. Tiene una energía innovadora e inagotable. No hay ningún otro lugar tan icónico y mutante al mismo tiempo. Nuestra relación como hermanas y nuestras ideas han prosperado aquí.  Asumimos más riesgos en todas las facetas de nuestras vidas y lo hacemos todo juntas. Poder vivir aquí y disfrutarlo plenamente junto a tu hermana es lo mejor del mundo. Londres es el epicentro de la moda y la innovación, nos ha brindado la mejor plataforma para expresarnos, la libertad de soñar a lo grande, y las oportunidades para que nuestros sueños se hagan realidad. Diseñamos piezas grandes y audaces que hacen destacar a quien las lleva, es como si dieran fuerza. Y esas son características muy valoradas en Londres. Aquí hay mucho talento en cualquier disciplina. Es increíble. Y todos son los mejores en lo suyo. Eso nos motiva mucho”. Beefeater: “Ha sido increíble colaborar con una de las marcas más cool de Londres. En la campaña My London hemos podido trabajar con los mejores talentos creativos de la ciudad. Ha sido fantástico trabajar con una marca que representa todo lo que nos gusta de la ciudad”. 

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www.facebook.com/BeefeaterGinSpain #mylondon

Apenas llevan 3 temporadas. Desde el minuto 1 enamoraron a editores, estilistas, bloggers y celebrities de todo el mundo. Todas están colgadas de sus creaciones: FKA Twigs, Beyoncé, Rita Ora, Florence Welch, Lianne La Havas, M.I.A, Rhianna, Ashanti… Incluso han diseñado piezas para la película Jupiter Ascending, en concreto para el vestuario de la protagonista, Mila Kunis. Muy pronto en los mejores cines. Y por si fuera poco, estas 2 gemelas originarias de Laos, Lisa y Tida, se han convertido, a través de la nueva campaña de Beefeater en embajadoras del Londres más moderno. Un ejemplo de lo cosmopolita y abierta que es la capital inglesa. Sin duda, es esta mezcla de culturas lo que hace que tanto Londres como Finchittida Finch sean tan atractivas e interesantes. En el caso de las diseñadoras ellas combinan con maestría la elegancia de la tradición barroca oriental con la descarada frescura del pop occidental. Una combinación estrambótica que siempre es bien recibida entre la modernidad londinense, y así lo han vivido ellas desde su llegada a la capital de la moda.
TEXTO: SERGIO DEL AMO   FOTO: ALICE  MOITIÉ
 

Sin duda, queríamos darle una vuelta de tuerca a nuestro universo sonoro y explorar otros terrenos variando la base de nuestra instrumentación. En ningún momento tuvimos dudas ni miedos acerca de ello: sólo nos dejamos llevar y nos metimos ficticiamente en la piel de Rihanna o Beyoncé  para construir canciones desde una perspectiva más pop”. Proceso: “La primera etapa de la composición es del todo individual. Tanto Dan como yo trabajamos por nuestra cuenta y nos enviamos un sinfín de mails con archivos de arreglos, melodías y partes incompletas de las canciones. A su manera es como una partida de ping-pong. Una vez los temas están mínimamente perfilados entonces sí que nos metemos en el estudio de grabación, nos armamos de valor y sacamos lo mejor de nosotros. El estudio que utilizamos es algo así como una antigua torre de agua del siglo 18 a las afueras de París, en medio del campo. Un lugar muy bucólico e inspirador en el que en invierno puedes encender la chimenea y desconectar de prácticamente todo”. Sisu: “En Finlandia existe un término ancestral llamado ‘Sisu’ que se utiliza cuando alguien debe adaptarse y seguir su propio camino pese a encontrarse con obstáculos. Esa idea, precisamente, es la que nos guió en todo momento desde que decidimos trabajar en el álbum. Aun pasando por momentos difíciles, como la mayoría de la población europea, la persistencia y la lucha es algo a lo que nadie puede renunciar nunca. Es una actitud muy finlandesa ante la vida que nos ha acompañado a lo largo de los últimos meses”. Inspiración: “Durante la gestación del disco nos hemos empapado de un sinfín de géneros musicales. Aunque, sobre todo, nos hemos dejado llevar por el espíritu de la noche y la música de baile porque esa energía nos iba como anillo al dedo para la ocasión. En el estudio y en nuestras propias casas ha sonado muchísimo hip hop, techno y artistas como LCD Soundsystem o Erol Alkan a los que hasta ahora no habíamos prestado la atención que se merecían. Más vale tarde que nunca, pero ellos dos han sido unos músicos que nos han ayudado a romper nuestras cadenas creativas y explorar otros terrenos que ni nosotros mismos nos imaginábamos hace unos años”. Expectación: “Semanas antes de lanzar nuestro trabajo a las calles no solemos pensar mucho en cómo las canciones serán recibidas. Siempre hay esa duda acerca de si acabarán calando hondo entre nuestros seguidores, pero lo divertido del asunto es cogerles desprevenidos y sorprenderles con algo que no esperan. Ahora que el disco ya se ha publicado nuestra mente está puesta en la estresante promoción y los conciertos cerrados para los próximos meses”. Directo: “De momento no tenemos ninguna fecha programada en España, aunque tenemos muchas ganas de volver en algún momento el próximo año. Volver a la carretera es algo muy estimulante. Y más ahora que nos presentamos con un show que fusiona lo orgánico con lo electrónico”. Futuro: “Obviamente, pase lo que pase, seguiremos experimentando con nuestra propia música porque nunca hay que ser conformista y los retos siempre son positivos para cualquiera. De cara a este 2015, aparte de España, nos encantaría tener ocasión de actuar en Japón, ya que es un país que nos fascina y no lo hemos visitado de momento. Toda nuestra energía la focalizaremos en la gira. Hay mucho que hacer aún sobre el escenario y estamos rompiéndonos la cabeza para ofrecer un espectáculo que sorprenda tanto a los que durante estos años nos han seguido como a aquellos que recientemente nos han descubierto”.  

“Shake, Shook, Shaken” está editado por Get Down! y distribuido por Everlasting.
Giro electrónico: “A mediados de 2012 empezamos a trabajar en las primeras demos, pero no fue hasta 2013 que nos centramos todo el año seriamente en los temas que acabarían formando parte de ‘Shake, Shook, Shaken’. Lo único que teníamos claro desde el principio es que estas nuevas canciones debían sonar más luminosas que de costumbre. Por primera vez hemos utilizado cajas de ritmo y otros elementos electrónicos en los que hasta ahora nunca habíamos profundizado, pese a que el proceso de composición no ha variado mucho que digamos respecto a nuestros dos discos anteriores.
TEXTO: MARÍA LÓPEZ FONTANALS    
 EENMAAL Ámsterdam.
Plato EENMAAL Ámsterdam.
Marina ha creado un restaurante pensado para comensales individuales en un ambiente de desconexión y tranquilidad. Un restaurante en formato pop-up que une sociedad y diseño. EENMAAL, que en holandés significa “una vez”, “una comida”, lleva seis ediciones en Ámsterdam y una en Amberes. En enero tiene previsto aterrizar en Londres y a lo largo de 2015 en Nueva York y Melbourne. Inicios: “Hace 4 años fundé M V G C A, una oficina especializada en diseño social. Trabajamos creando proyectos que resuelvan problemas de la sociedad contemporánea, haciéndolos más accesibles. Antes ejercía de abogada, derecho corporativo, en una multinacional. Decidí cambiar de profesión, estudié en la Gerrit Rietveld Academy y me gradué en Diseño”. Diseño social: “Podemos trabajar con marcas comerciales, galerías, diseñadores de moda o de mobiliario, con productos alimenticios u organizaciones sin ánimo de lucro. Y diseñar desde interiores, una campaña, una marca, un evento o incluso un negocio como EENMAAL, el primer restaurante del mundo pensado exclusivamente para comensales individuales”. La idea:  “EENMAAL surge porque queríamos crear un espacio atractivo que permitiera la desconexión temporal, un lugar donde sentarse solo fuera algo agradable y no estuviera mal visto. Nos dimos cuenta de que la desconexión es algo cada vez más necesario en nuestra sociedad hiperconectada. Pero también que no existían lugares públicos donde poder desconectar. La sociedad en la que vivimos nos exige estar todo el tiempo conectados y disponibles. Se espera que estemos siempre rodeados de familia y amigos, y solemos pensar que si estamos solos en público nos van a juzgar y a estigmatizar como individuos solitarios y tristes. Con EENMAAL, la idea es enseñar que la desconexión que nos brinda comer solos puede ser algo atractivo. Comunicar que sentarse o salir a comer solo puede tener una connotación positiva”. Sartre: “Exactamente, EENMAAL surgió de la cita de Sartre, ‘Si vous vous sentez seul quand vous êtes seul, vous êtes en mauvaise compagnie’, que en cierta manera viene a decir que si cuando estamos solos nos sentimos bien con nosotros mismos, significa que no necesitamos estar siempre  en compañía o en contacto con los demás. De hecho, queremos que el concepto EENMAAL sea el detonante para hablar de temas como la soledad, el hecho de estar solo en público o de la necesidad de desconectar de vez en cuando, y la verdad es que es muy interesante. Se trata de hacer que estos aspectos sociales sean más accesibles y que se reflexione sobre ellos”. Restaurante: “En la mayoría de culturas comer es algo que ocurre en compañía y seguramente sea ‘una de las formas más extremas de unidad’. El tabú que rodea al acto de comer solo en público, en nuestra propia compañía, creo que es muy evidente, así que nos pareció interesante intentar transformar esta connotación negativa en positiva y por eso se nos ocurrió la idea del restaurante”. Comer solo: “Pienso que comer solo en público sigue siendo un estigma y sabemos que es algo que no cambiará de hoy a mañana. Sin embargo, a través de EENMAAL estamos ofreciendo contenido sobre el que reflexionar. Además, hemos tenido repercusión a nivel internacional, muchos medios han prestado atención al proyecto,  así que pensamos que hemos conseguido poner en el mapa un tema delicado”. Futuro: “Tenemos previstas ediciones pop-up en diferentes ciudades y hemos puesto en marcha colaboraciones con una marca de champagne y con un supermercado ecológico. En 2015 nos gustaría globalizar la idea y desarrollar nuevos conceptos, una marca que contemple nuevas ‘Experiencias EENMAAL’.”

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Cartel del restaurante Muta.
Concepto temporal: Norte.
Diseño gráfico de Joan Chito

Cartel del restaurante Muta.
Concepto temporal: Norte.
Diseño gráfico de Joan Chito
Plano axonométrico del restaurante Yakitoro.
Proyecto de interiorismo de Picado de Blas

Plano axonométrico del restaurante Yakitoro.
Proyecto de interiorismo de Picado de Blas
Interior del hotel Siete Islas.
Un proyecto de Kike Keler

Interior del hotel Siete Islas.
Un proyecto de Kike Keler
Parecía que no iba a llegar el día, pero ha llegado. Madrid ha despertado. La ciudad que huía de los interiorismos bien diseñados y en la que podías contar con los dedos de las manos proyectos de restauración de calidad, se ha transformado. Los empresarios se han dado cuenta que detrás de un negocio tiene que haber un buen concepto original y un buen diseñador. No hay día que no encuentres en el centro de Madrid un nuevo local, relacionado con la gastronomía, que no esté especialmente diseñado. El diseño interior ha pasado de ser algo sin valor a ser un valor fundamental. Un kebak, un ultramarinos, una carnicería, una panadería… todos quieren tener un espacio impactante y con una estética propia. En el artículo que tienes en tus manos publicamos solo tres ejemplos donde es tan bueno el contenido como el continente.
POR: JAVIER ABIO

Restaurante Yakitoro.
Un proyecto de Picado de Blas

Restaurante Yakitoro.
Un proyecto de Picado de Blas
 IEl chef Alberto Chicote se reunió con el estudio de arquitectura Picado de Blas en octubre de 2013 para encargarles el interiorismo de Yakitoro, un nuevo proyecto de restauración. Alberto es conocido hace tiempo por los aficionados a la gastronomía por su trabajo en Nodo y más tarde en Pan de Lujo, para el resto de los mortales por presentar programas de televisión como Pesadilla en la Cocina o Top Chef.
Picado de Blas es un estudio de arquitectura con oficina en Madrid que tiene en su currículum varios trabajos de restauración para algunos de los grandes de la cocina como Sergi Arola (La Broche) o Francis Paniego (Echaurren). 
Chicote no quería un restaurante ni un bar, tampoco una tapería o una cafetería, el encargo se acercaba más a una taberna japonesa. El concepto gastronómico giraba en torno a la brocheta japonesa “yakitori” con una libre actualización castiza del chef.  El fuego y el hielo eran palabras clave en el briefing, quedando reflejado en el resultado final con el calor del carbón de las 3 parrillas-barras situadas en el centro del restaurante y el frío de las cubiteras incrustadas en cada una de las mesas.
El local ya seleccionado se sitúa cerca de la Gran Vía madrileña y tiene una gran fachada curva acristalada que está protegida por el ayuntamiento.
El presupuesto, muy ajustado como es habitual en los tiempos que corren, se lo lleva en gran parte los extractores de humo para las parrillas. Picado de Blas decide diseñar un mobiliario a medida para darle al local un aspecto totalmente único. Se trabaja con artesanos locales, un ebanista de Vallecas y un herrero de Valdetorres. Se proyecta una nueva tipología de mesa con cubitera de hielo incorporada. Chapa plegada de acero plegada y madera de roble español macizo son los dos materiales utilizados en el mobiliario. “Alberto tenía claro que tenía que haber en la mesa un espacio con hielo para la cerveza y nosotros le dimos forma. Este planteamiento generaba muchos más problemas técnicos de los que parecía,  pero se trataba de algo que daba carácter a la sala y había que resolverlo.” Nos aclara Picado.
Otro aspecto al que se le presta especial atención es la absorción acústica, algo muy olvidado y muy necesario en la restauración madrileña. El aislamiento acústico cobra vital importancia en este trabajo ya que los grandes ventanales de cristal provocan una gran reverberación. Rubén Picado y Mª José de Blas deciden probar un producto basado en el reciclado de algodón, material que una vez ignífugo y prensado se cuelga en el techo a modo de bambalinas.
El aseo le da un punto de ruptura al proyecto, Rubén explica así su intervención: “Se intenta dar más amplitud espacial con una serie de recursos como el del color, incorporarle un pequeño patio, la continuidad del techo de la cocina o rebajar mucho la escala para contrastar con la sala”
Yakitoro se inauguró en mayo de 2014 y está situado en la calle Reina 41 de Madrid.

Restaurante Yakitoro.
Un proyecto de Picado de Blas
Restaurante Yakitoro.
Un proyecto de Picado de Blas
Restaurante Yakitoro.
Un proyecto de Picado de Blas
Aseos del restaurante Yakitoro.
Un proyecto de Picado de Blas
Interior del hotel Siete Islas.
Un proyecto de Kike Keler
Tres hermanas, Mónica, Luz y Kira Salces, son las directoras del hotel Siete Islas ubicado en la zona de Triball de Madrid. El hotel lo fundó su abuelo en 1993 y el nombre hace referencia a las Islas Canarias, ya que toda la familia nació en la isla de Lanzarote. El hotel se sitúa a 100 metros de la Gran Vía madrileña en una zona que se ha reconvertido en los últimos años, pasando de ser un área muy degradada a ser una de las zonas más cool de la ciudad. El proyecto que nos ocupa es parte de un proyecto de restauración global de un hotel de 6 plantas y 80 habitaciones. El encargo ha ido a parar al estudio de diseño e interiorismo Kike Keler, cuyo showroom se sitúa en una de las calles paralelas al hotel.
Lo que se puede ver en estas imágenes es el lobby, el bar, la recepción y el patio, en total unos 400 metros cuadrados y todo en un espacio diáfano. Cuando leas este artículo ya se estará trabajando en una habitación piloto y poco a poco se irán transformando diferentes plantas hasta tenerlo todo transformado en febrero de 2016. Un trabajo que se afrontará por fases para que el hotel pueda funcionar con normalidad.
¿Pero quién es o quienes son Kike Keler?  Kike Keler está formado por el madrileño Enrique Keler y la malagueña Celia Montoya. Enrique, o Kike para los amigos, antes de montar el estudio trabajó como atrezzista para el mundo del teatro y el cine con una formación autodidacta. Celia en cambio había trabajado más de 15 años como auxiliar de vuelo. Los dos son pareja laboral y sentimental.

Interior del hotel Siete Islas.
Un proyecto de Kike Keler
Interior del hotel Siete Islas.
Un proyecto de Kike Keler
Interior del hotel Siete Islas.
Un proyecto de Kike Keler
Interior del hotel Siete Islas.
Un proyecto de Kike Keler
Interior del hotel Siete Islas.
Un proyecto de Kike Keler
En 2001, con el atentado a las torres gemelas, Celia decide dejar el mundo de la aviación. Es en ese momento cuando montan Kike Keler como empresa. Crean un híbrido entre galería de arte, estudio de diseño y showroom que al cabo de unos años también se complementa con un bar. El local en un principio fue cedido por un precio muy bajo con el plan de Triball de recuperación del barrio con negocios cool. Celia nos cuenta: “Al principio lo pasamos mal ya que se nos colaban heroinómanos y nos intentaban robar obras de la galería. Pero ahora el barrio ha cambiado mucho y Corredera Baja de San Pablo está en plena transformación, no hay mes que no descubras un lugar nuevo y cada vez más moderno y cuidado. Microteatro por dinero, Teatro Lara, Mariacastaña, El circo de Tapas, o Aio son negocios que están revitalizando esta zona de Triball”.  Al preguntarle por su pequeño bar, Celia nos dice: “El montar un bar dentro de una galería fue por un tema de licencias, al principio no me hizo ninguna ilusión pero con el tiempo nos hemos dado cuenta que el bar de la galería nos ha servido como punto de encuentro y de relaciones publicas, de ahí han salido muchos de nuestros clientes.” Le pregunto por un vídeo que tienen en su web en el que se ve a Kike trabajando en un espacio que parece una fábrica… “Kike Keler viene de una familia que distribuía productos relacionados con la cerámica y además tenían una fábrica de hornos de cerámica en Fuenlabrada. El mundo de la cerámica fue a menos y al final Kike le dio un uso nuevo. Ahora es la fábrica que utiliza Kike para producir todas sus piezas, es un espacio de 1000 m2. Aunque parezca enorme, en el momento que se trabaja en un proyecto como en el que estamos ahora no te sobra nada de espacio”
Para el que no conozca el trabajo de Kike Keler hay que decir que es un diseñador con un estilo muy personal, trabaja mucho el metal y la soldadura, utiliza el retro futurismo, es un cruce entre un diseñador, un escultor y un artista. Sus piezas son industriales, robustas y parecen transmitir una historia, quizá por algunos de los componentes reciclados que utiliza. Kike Keler  seguramente hubiera disfrutado muchísimo, por ejemplo, trabajando en la construcción del Nautilus de Julio Verne.
Volviendo a su último proyecto de interiorismo para el hotel Siete Islas, este es sin duda el proyecto más grande al que se ha enfrentado el estudio. Para los 400m2 del lobby se han creado 3 grandes piezas que son: la barra del bar, la mesa de recepción y la chimenea central. Además se han trabajado un montón de piezas de mobiliario como mesas, taburetes o lámparas. Se han incorporado también algunas piezas extra que le dan un toque escandinavo, como sillas de Børge Mogensen o de Tapiovaara, tambien butacas y sofás daneses de los años 50 y 60, todo de segunda mano comprado en la tienda Reno de Madrid.  Han incorporado también algunas lámparas de madera de Ángel Tausía, que por cierto, ahora también trabaja en su estudio. Se han mantenido algunos elementos del hotel como las columnas recubiertas de piedra volcánica.  Hay que prestar especial atención a lo baños del lobby en los que Kike Keler ha creado un mueble que incorpora el espejo, lavabo, toallero e iluminación, todo con una estructura tubular.
Tendremos que esperar un año para ver el trabajo completo, pero creemos que va a merecer la pena.

Interior del hotel Siete Islas.
Un proyecto de Kike Keler
Interior del hotel Siete Islas.
Un proyecto de Kike Keler
Interior del hotel Siete Islas.
Un proyecto de Kike Keler
Fachada del restaurante Muta.
Diseño interior de Martí Guixé

Interior del restaurante Muta.
Diseño de Martí Guixé
Javier Bonet o Sr. Bonet, según su tarjeta de visita, es el propietario de este restaurante o bar situado en el barrio madrileño de Chamberí, concretamente en la calle Ponzano, conocida por su tapeo castizo.
Justo al otro lado de la calle, unos metros arriba nos encontramos con otro de sus restaurantes: Sala de Despiece. Bonet no es nuevo en estos asuntos gastro-empresariales, en su currículum hay toda una vida relacionada con la gastronomía, pero en los últimos años se ha centrado como asesor gastronómico y creador de conceptos propios llevados a espacios muy diferentes entre sí como cafetería HD, Patrón Lunares, Sala De Despiece, Muta, y muy pronto Academia de despiece.
En estas páginas nos centraremos en Muta.
Javier nos cuenta que quería una cantina, bar o restaurante informal que fuera cambiante, casi como un espacio pop up, que su interiorismo se transformara. Un sistema mutante en el que los cocineros van cambiando y el tipo de comida también.
Para desarrollar este espacio el señor Bonet, echó mano del conocido diseñador industrial Martí Guixé, generador de proyectos gastronómicos muy innovadores. Ellos dos ya habían coincidido trabajando para Camper y Javier había organizado algún catering para Martí hace ya muchos años.

Cartel del restaurante Muta.
Concepto temporal: Brasil.
Diseño gráfico de Joan Chito
Cartel del restaurante Muta.
Concepto temporal: Brasil.
Diseño gráfico de Joan Chito
Interior del restaurante Muta.
Diseño de Martí Guixé
Interior del restaurante Muta.
Diseño de Martí Guixé
El local de unos 57 m2, sala y cocina, es un reto por sí mismo con el que trabajar. Martí afronta el interiorismo de Muta a partir de la evolución de dos proyectos que había hecho en los últimos años y los fusiona, el Fahrradschrank y The Trojan Bar. El primero es un contenedor de bicicleta creado en 2011 y el segundo, una gran caja que se transforma en bar, comisionado por el chef finlandés Antto Melasniemi durante el evento GMBH en 2012. Ambos proyectos juegan con cajas de transporte y en ellos se trabaja con la temporalidad y la movilidad.
Guixé en Muta crea también unos elementos con forma de cajas de madera donde está oculto todo lo necesario para crear una taberna o bar: Plancha, cafetera, neveras, lavavajillas, etc. Se diseñan cinco grandes cajas que se pueden abrir y cerrar: la de cócteles, la de café, el bar, la cocina y el baño. Aparte hay una serie de estrechas cajas, que sirven de pequeñas barras, pero que también son las que contienen las mesas y las sillas plegables. Todas estas piezas con un aspecto de contenedores de obras de arte parecen preparadas para viajar, pero en este caso a otro concepto.
Martí comenta: “Lo más interesante de este proyecto es la interacción con los elementos, una especie de caos que Javier intenta potenciar porque intuye que la gente disfruta más la experiencia” Sí, en los últimos proyectos de Javier hemos comprobado que le gusta trabajar con espacios pequeños y donde no sabes por donde va a llegar el camarero. No sabes si tú estás delante de la barra o detrás. “El proyecto se resolvió en unos cuatro meses de trabajo, aunque hubo algunos parones por tema de licencias. Quizá lo más difícil fue encajar todos los elementos necesarios en este espacio limitado para que funcionase” añade Guixé. Un elemento también muy importante a la hora de mutar el espacio es la gráfica del local diseñada por Joan Chito, un diseñador gráfico e ilustrador con el que Bonet se siente muy identificado.
Muta empezó como “Bar brasileño” el pasado verano y ahora el concepto es “Norte”, donde la cocina viaja por el norte de España.

Taverna del Suculent (Barcelona)
Taverna del Suculent (Barcelona)
Barra Central Bar (Valencia)
Texto: Miguel Á. Palomo
Si el momento gastro en España está adquiriendo tintes épicos puede tener que ver con la variedad de formatos que se están atreviendo a introducir. Alta cocina, cocina de autor, cocina de mercado, de fusión… Etiquetas válidas pero que conviven junto a otras que tienen que ver con la versatilidad de un mismo espacio, las apariciones pop up, el modelo street food, el caro –bueno, mejor dicho, lujo- pero informal, el picoteo y el tapeo con estrella – con E mayúscula a ser posible-, o el universo oriental pasado por la túrmix cañí. Pero en este contexto efervescente, muchos restaurantes no se la juegan. O, al menos, quieren jugar a otra cosa. David Muñoz, nuestra celebrity más mediática, harto de perder mesas –y dinero- decidió apostar con el aterrizaje de DiverXO en el hotel NH Eurobuilding con el cobro de un adelanto en las reservas, una decisión emulada por otros chefs de campanillas pero que no está exenta de debate. Menos drástica, pero igualmente efectiva y a distinta escala, fue la estrategia impulsada en algunos locales de Nueva York y Londres de no dar opción a la reserva para centrar la afluencia en la espera in situ. Surgió así la llamada No reservation generation, un modelo que ha ido exportándose a todo el mundo por chefs de nueva hornada con el que condenan a su amado público a la disciplina de la urbe y a la lista de espera. Los “no show”, por tanto, suponen la excusa perfecta para que empiece a proliferar en los nuevos restaurantes la –vieja- fórmula de hacer cola. Nace también en España la generación del No booking.
Al tratarse de propuestas más informales y diarias, y no ocupar puestos top, estos establecimientos han sorteado la polémica que salpica a la decisión del boss de DiverXO, pero sí han tenido que valerse de cierta psicología para explicar y convencer a sus fieles de las bondades de su planteamiento. No hay que olvidar que la clientela entra con el estómago rugiente, pero tampoco se podría decir que este sea un escenario del todo novedoso en nuestra piel de toro. Al fin y al cabo el bar de toda la vida no deja de funcionar bajo el mismo patrón y todo el mundo lo decodifica a destajo.
Boletus con huevo en Muta (Madrid)
Txangurro “4 pinchos” en Muta (Madrid)
Barra Central Bar (Valencia)
Puede justificarse cierta pereza, de acuerdo, pero también se crea alrededor del restaurante cierto sentimiento de pertenencia, de exclusividad, además de inducir a la sociabilización con otros clientes y obtener el refuerzo de alcanzar una meta, la de ser servido de una vez por todas. La expresión “orden de llegada” cobra ahora un significado definitivo, por lo que la paciencia y la anticipación son valores al alza para triunfar como comensal en este fenómeno urbano. No queda otra: a la cola o a pedir la vez, como en la carnicería.

En julio de 2012, una crítica de Adam Platt en el New York Magazine sobre el Pok Pok NY estableció el primer precedente escrito del término que nos ocupa. Era la época de la explosión noodle en la Gran Manzana y ya sabemos que en cuestión de tendencias un par de años equivale a un par de centurias. Es casi como remontarse a la prehistoria, al momento en el que David Chang se coronaba como maestro creador fundacional del concepto en su olimpo restaurador llamado Momokufu, grupo que incluye el Noodle Bar y el Ssäm Bar, entre otros icónicos comedores. A partir de ese instante, la mecha estaba prendida y se apoderaba de la rumorología la disputa del dudoso honor de haber batido tal o cual récord de espera. Es lo que tienen las tendencias.
Tras el impacto social de esta batería de restaurantes asiáticos y el paso del movimiento por sofisticados locales del Soho londinense, como el Bubbles and Dogs –un champán bar de éxito rotundo que en vez de caviar sirve perritos calientes para acompañar las burbujas- el aterrizaje en España del No reservation era cuestión de tiempo. Si al manejo en modo experto del concepto bar tradicional le añadimos un contexto de crisis económica que hace que se replanteen los formatos, una cultura gastronómica única y una vitalidad imparable del sector, el resultado no puede sino definirse por un triunfo aplastante. De triunfo saben mucho en Nakeima, y de largas colas de espera todos aquellos privilegiados que han tenido la suerte de hacerse con uno de sus codiciados veinte taburetes. Si hemos mencionado que restaurantes de todo pelaje se devanan los sesos para dar con el mejor sistema de reservas posible, ninguno más eficaz que el que impuso la muchachada de este restaurante medio japonés medio peruano, aunque en realidad podría pasar por un gallego camuflado, casi anónimo, en el madrileño barrio de Argüelles si no fuera por la gente que desde la una, o las siete de la tarde, forma escrupulosa fila ante su puerta. La mejor manera de evitar las cancelaciones y los temidos “no show” es pasar de admitir reservas. Inútil intentar contactar con ellos mediante móvil o correo electrónico. Desde la cresta de la ola, atraen al personal con el nulo glamour de su barra de dumplings y su local castizo, pero con todo el desparpajo de un recetario oriental en versión freestyle que no se priva en guiños ibéricos de pura cepa.

Tapas 24 (Barcelona)
Carles Abellán (Tapas 24, Barcelona)
Un hallazgo refrescante que promete evolucionar con menús servidos en una mesa única escondida en el piso superior. La barra triunfa, como dicha mesa única, en esta tipología de nuevos restaurantes sin reserva protagonizados por rabiosa juventud, hilo musical de alto octanaje, dosis de tecnología y calidad insobornable que ya anticipara el mismo David Muñoz en StreetXO, su interpretación más canalla inspirada en la comida callejera oriental, aunque también asentada en suelo anglosajón y que desde el rincón Gourmet Experience de unos céntricos grandes almacenes de Madrid confirma por fin la llegada a Londres de un local hermano todavía más de diseño. Por supuesto, si de street food se trata, no cabe la reserva anticipada y sí los codazos y el pringue picante de su inolvidable chilli crab a ritmo de música house. Singapur, tan lejos, tan cerca. Pero si hablamos de pioneros, quien tuvo la clave de todo esto fue Albert Adrià cuando desde su añorado Inopia Classic Bar de Barcelona –y antes de embarcarse en proyectos como Tickets, 41º, Bodega 1900 o Pakta- hizo sufrir de lo lindo a los que lograban acceder a cualquiera de sus cuatro inflexibles turnos. Aquella divertida iniciativa ahora lleva por nombre Lolita Tapería y en manos de su ex socio Joan Martínez funciona más o menos con el mismo ritual salvo por una única mesa, que, si no se comparte, sí puede ser bloqueada bajo reserva para grupos.

Sin salir de la Ciudad Condal, esta vez en el barrio de Gràcia, hay que mencionar otro gastrobar siempre atestado como La Pepita y su barra vermutera tan de bodega, con Sergio Andreu y Sofia Boixet al mando, así como los locales informales de Carles Abellán, como su famoso Tapas 24, de nuevo en Gràcia, y La Taverna del Suculent, en El Raval, de la que también es socio. Fuera del primero se sigue agolpando la gente para después seguir agolpada dentro en la misma barra o sentada en mesas altas. Simplemente el ambiente ya alimenta. En el segundo, complemento perfecto de la casa de comidas que termina por conformar el “universo Suculent”, el vermut de grifo y la caña “bien tirá” es religión. Bebidas a granel, como antes, en torno a una larga barra de madera en la que practicar el noble arte del acodamiento. Tan de antes es el emblemático Bar Velódromo, con cocina non stop, platos cerveceros y tarifa plana de cócteles. Ahora bien, para invocar a Baco casi mejor acudir a la llamada del “mejor bar de vinos del mundo” –así se atrevió a catalogarlo el Wall Street Journal en el año 2010-. Nos referimos a ese templo enológico en el Eixample que es Monvínic. Sólo hay que hacerse con una de las tabletas en las que el equipo sumiller capitaneado por Isabelle Brunet registra más de cincuenta referencias por copa o media copa.
Punto MX, Mezcal Lab (Madrid)
Sala de Despiece (Madrid)
Tampoco hay opción de reserva en el bar de tapas asiáticas Dos Palillos, otro clásico instalado en los bajos del hotel Casa Camper Barcelona. Cuenta con otro espacio de barra que funciona en realidad como mesa única con un par de menús degustación bajo reserva, y es que el de Albert Raurich –antiguo jefe de cocina de elBulli- es otro ejemplo más de restaurante que se apunta a hacer más flexibles las posibilidades de sus locales, a hacer una especie de mixto como lo que Alberto Chicote practica en su taberna oriental madrileña Yakitoro –una parte para reservas y un porcentaje menor de acceso libre por orden de llegada- o lo que el mexicano Punto MX de Roberto Ruiz –con su flamante primera estrella Michelin recién estrenada- predica en su Mezcal Lab nada más entrar en este fino establecimiento del Barrio de Salamanca de Madrid. Con una demanda cada vez más abrumadora, si uno se encomienda a la diosa fortuna es posible acceder a un piscolabis –perdón, unas botanas- a base de guacamole, tacos del pastor o palomitas de langostino con salsa de tamarindo pero, sobre todo, bien cargado de mezcales Premium.

No podía faltar en Madrid y, dentro de esta generación de nuevos restaurantes sin reserva, una mención al fenómeno Ponzaning –el reciente desarrollo de múltiples proyectos gastronómicos en torno a la calle Ponzano del barrio de Chamberí- en el que Javier Bonet dirige sus operaciones con Sala de Despiece como principal aval y desde septiembre también con Muta, algo así como un centro de restauración mutante al estilo de la tendencia pop up y que según el concepto culinario que se adapte en cada momento admite o no reserva. El espacio ocurrente ha pasado ya por recrear un bar brasileiro en el que se encargaba la comanda en máquinas vending, y tiene en el Cantábrico –Muta Norte- su segunda reencarnación. El asunto de la mesa única se la “reserva” para su Academia del Despiece, penúltimo juego de magia marca de la casa y puerta con puerta con la bulliciosa barra de Sala de Despiece. Esta última, toda una reinvención de la tasca donde los platos se sirven sobre papeles de carnicería antes de darles el último toque de soplete, mientras las raciones sobrevuelan las cabezas entre cestas de cubiertos y tomates. No apto para comodones, aunque sí para paladares exigentes.

También desde hace tiempo sigue siendo un hervidero inflexible a las reservas el Txirimiri de la calle Humilladero, en pleno barrio de La Latina, y empieza a serlo escenarios multi-experiencia como el Platea Madrid o los mercados de proyección delicatesen como el Mercado de San Antón, el Mercat Princesa de Barcelona o el Mercado Central de Valencia, donde Ricard Camarena tiene su barra de tapas, el Central Bar. En todos, y en muchos otros más, la misma pauta obligada: hacer cola para luego hacer barra. Paciencia y al tajo. Es lo que toca, sacar todo el jugo a esta nueva generación de restaurantes que rechaza la reserva. 

FOTÓGRAFO: MARKUS RICO

EQUIPO LONDRES 1

ESTILISMO: ROBERTO PIQUERAS
MAQUILLAJE: AMMY DRAMMEH
PARA BOBBI BROWN
PELOS: ROSS COSGROVE CON BUMBLE BUMBLE
ASISTENTE MAQUILLAJE: AINHOA BEITIA
MODELOS: DUNKA PYKE @ ELITE MODELS BARCELONA
+ ALEX KELLY @ MODELS 1

EQUIPO LONDRES 2

ESTILISMO: CÉSAR DARIO
ASISTENTE ESTILISMO: LUCÍA NOEL OLIVER
MODELO: ADRIÁN BERNAL @ UNO MODELSt

EQUIPO MADRID
ESTILISTA: LETICIA ORUE
MAQUILLAJE & PELOS: RICARDO CALERO
@ TALENTS PARA CHANEL Y BUMBLE BUMBLE
ASISTENTE ESTILISMO: PAOLA TORRE
ASISTENTE PELUQUERÍA: VANESA SUÁREZ
ESTUDIO: BACKGROUND STUDIO
MODELOS: ASIER GOÑI @ UNO MODELS
+ JAVIER CASARES @ SUCCESS MODELS PARIS
+ LEYVA @ UNO MODELS

EQUIPO BARCELONA
ESTILISMO: ANA MENÉNDEZ
MAQUILLAJE & PELOS: ALIZIA MORENO
MODELO: MARINA ALONSO @ UNO MODELS
Abrigo TOMMY HILFIGER es.tommy.com
+ Camisa DIOR Homme www.dior.com
+ Pantalón CARLOS DIEZ www.carlosdiezdiez.com
+ Zapatos DIOR Homme www.dior.com
+ Accesorio Calcetines SAMPEDRO sampedroaccesories.tumblr.com
Abrigo SILVINA MAROTTI www.silvinamarotti.com
+ Pantalón DIOR Homme www.dior.com
+ Camisa RELIGION religionclothing.com
+ Gafas G-STAR www.g-star.com
Total Look LOEWE www.loewe.com
Pantalón FRANKLIN & MARSHALL www.franklinandmarshall.com 
+ Manta ANTONY MORATO www.morato.it
+ Chaqueta ANTONY MORATO www.morato.it
+ Botas ART www.the-art-company.com
Mochila LOUIS VUITTON www.louisvuitton.com
+ Chaleco ANTONY MORATO www.morato.it
+ Pantalón LEVI’S www.levi.com
+ Reloj SWATCH www.swatch.com
Camisa FRANKLIN & MARSHALL www.franklinandmarshall.com
+ Pantalón FRANKLIN & MARSHALL www.franklinandmarshall.com
+ Jersey CARLOS DIEZ www.carlosdiezdiez.com
+ Zapatillas NEW BALANCE www.newbalance.es
Top, Pantalón y Redecilla GIVENCHY www.givenchy.com
+ Auriculares NIXON www.nixon.com
+ Reloj NIXON www.nixon.com
Abrigo LOUIS VUITTON www.louisvuitton.com
+ Sudadera ANTONI MORATO www.morato.it
Gorra CARHARTT WIP www.carhartt-wip
+ Jersey G-STAR www.g-star.com
+ Bomber LACOSTE L!VE www.lacoste.com
+ Pantalón CARHARTT WIP www.carhatt-wip.com + Zapatillas VANS www.vans.com
+ Reloj DIESEL www.diesel.com
Jersey CLOSED www.closed.com
+ Pantalón ANTONY MORATO www.morato.it
+ Zapatillas REEBOK Insta Pump www.reebok.es
+ Cazadora de almohada DIESEL www.diesel.com
Mono ROBERTO PIQUERAS www.robertopiqueras.com
Cazadora DIESEL www.diesel.com
+ Pantalón ERMENEGILDO ZEGNA www.zegna.com
FOTÓGRAFO: MARKUS RICO

EQUIPO LONDRES 1

ESTILISMO: ROBERTO PIQUERAS
MAQUILLAJE: AMMY DRAMMEH
PARA BOBBI BROWN
PELOS: ROSS COSGROVE CON BUMBLE BUMBLE
ASISTENTE MAQUILLAJE: AINHOA BEITIA
MODELOS: DUNKA PYKE @ ELITE MODELS BARCELONA
+ ALEX KELLY @ MODELS 1

EQUIPO LONDRES 2

ESTILISMO: CÉSAR DARIO
ASISTENTE ESTILISMO: LUCÍA NOEL OLIVER
MODELO: ADRIÁN BERNAL @ UNO MODELSt

EQUIPO MADRID
ESTILISTA: LETICIA ORUE
MAQUILLAJE & PELOS: RICARDO CALERO
@ TALENTS PARA CHANEL Y BUMBLE BUMBLE
ASISTENTE ESTILISMO: PAOLA TORRE
ASISTENTE PELUQUERÍA: VANESA SUÁREZ
ESTUDIO: BACKGROUND STUDIO
MODELOS: ASIER GOÑI @ UNO MODELS
+ JAVIER CASARES @ SUCCESS MODELS PARIS
+ LEYVA @ UNO MODELS

EQUIPO BARCELONA
ESTILISMO: ANA MENÉNDEZ
MAQUILLAJE & PELOS: ALIZIA MORENO
MODELO: MARINA ALONSO @ UNO MODELS
Top LEYRE VALIENTE www.leyrevaliente.com
+ Falda CHEAP MONDAY www.cheapmonday.com
+ Bolso KLING www.kling.es
+ Reloj SWATCH www.swatch.com
Polo NIKE www.nike.com
Abrigo TOMMY HILFIGER es.tommy.com
+ Pendiente ALDAZABAL www.aldazabal.es
+ Camisa RELIGION religionclothing.com
 + Falda MANE MANE manemane.es + Bolso LOUIS VUITTON www.louisvuitton.com
+ Zapatillas VANS www.vans.com
Gorra NEW ERA www.neweracap.com
+ Chaqueta LEVI’S www.levi.com
Camisa CARHARTT WIP www.carhartt-wip.com
+ Abrigo KOOKAI www.kookai.com
+ Leggins CHANEL www.chanel.com
+ Gafas DIOR www.dior.com
+ Zapatillas ONITSUKA TIGER www.onitsukatiger.com
Mono KOOKAI www.kookai.com
+ Chaqueta FAY www.fay.com
+ Esclavas CHANEL www.chanel.com
Falda COS www.cosstores.com
+ Polo LACOSTE www.lacoste.com
+ Abrigo BURBERRY www.burberry.com

Instalaciones específicas para la Fundación.
Olafur Eliasson. Inside the horizon. 
© 2014 Olafur  Eliasson. Foto: Iwan Baan.

interiores de Fondation Louis Vuitton. Foto: Iwan Baan.
Interior Fundación Louis Vuitton.
Foto: Iwan Baan.

Fachada Fundación Louis Vuitton.
Foto: Iwan Baan.
LA HISTORIA: Han sido varias las fechas clave en la creación de la Fundación Louis  Vuitton. Fue en 1990 cuando surgió la idea, durante una cena en la que coincidieron Bernard Arnault, y Jean-Paul Claverie, entonces consejero del ministro francés de cultura, que meses más tarde entraría a formar parte de LVMH, también como consejero. Con su ayuda, la idea de consolidar un programa artístico, cultural y educacional fue tomando forma, y así nació la Fundación, que no perdió el tiempo y rápidamente se embarcó en una serie de exposiciones, unas 40 en total a lo largo de los años, que también incluían publicaciones y encargos de diversa índole. En 2001 Bernard Arnault, algunos dicen que impresionado tras visitar el Guggenheim de Bilbao, se encuentra con Frank Gehry. El presidente de la firma le propone una colaboración con la intención de proporcionar un espacio físico a la Fundación, un espacio dedicado a la cultura y el arte. Gehry, por supuesto, acepta, y viaja a París en 2002 para visitar el lugar elegido para su construcción. Hay que recordar que el arquitecto norteamericano había vivido en su juventud en la capital francesa, y para él suponía todo un reto regresar a esta ciudad y construir allí una de sus imponentes obras. Rápidamente comenzó a hacer diseños y pronto el edificio fue definiéndose. En el año 2006 el proyecto se pone por fin en marcha en París, en un terreno adyacente al Bois de Boulogne y al Jardin d’Acclimatation. En 2008 comienza su construcción y en 2013 se pone la última piedra del edificio, aunque no fue hasta finales de octubre de 2014 cuando la Fundación abrió por fin sus puertas al público.

POR: SOFÍA DOS SANTOS

Ellsworth Kelly. Color Panels (Red Yellow Blue Green Purple).
® Fondation Louis Vuitton Marc Domage.

Bertrand Lavier. Empress of India.
® Fondation Louis Vuitton - Marc Domage.

Oliver Beer. Composition for a new museum.
® Fondation Louis Vuitton Marc Domage.
Obra pertenecientes a la segunda fase de
la programación inaugural que pueden
verse hasta el próximo 30 de marzo.

Pierre Huyghe. A journey that wasn't.
® Louis Vuitton - Malletier.

EL EDIFICIO: El impresionante edificio de Ghery, “similar a un iceberg vestido con una nube”, según la definición de Jean-Paul Claverie, ocupa una extensión de 11.000 metros cuadrados (3.850 dedicados a espacio expositivo). Gehry se inspiró, ya en sus primeros diseños, en la memoria de su admirado Proust, quien de niño jugaba en esos jardines donde un siglo más tarde el arquitecto daría vida a este colosal proyecto. Influido también por este gran pulmón verde parisino, y por la arquitectura de finales del 19 de la ciudad, Gehry diseñó un edificio de cristal donde el volumen, el movimiento y los reflejos de la naturaleza circundante son protagonistas. El edificio mide unos 40 metros de alto por 150 de largo y más que un iceberg su forma se asemeja a la de un barco con las velas infladas por el viento. La Fundación cuenta con su propio estanque, bautizado como el grotto; unas terrazas con unas vistas privilegiadas de París; un restaurante circular rodeado de vidrio, solo para 50 comensales; 11 salas de exposición de diversos tamaños, y un auditorio de diseño modular con capacidad para 350 personas. La idea es que la Fundación atraiga tanto al público local como al turismo nacional e internacional. Un público interesado en la arquitectura y el arte contemporáneo, aunque hay que matizar que solo se expondrán obras desde la segunda mitad del siglo 20.
Olafur Eliasson. Experiment for
Big Bang Fountain, 2014. © Studio Olafur Eliasson.
Obra perteneciente a la segunda fase de
la programación inaugural que pueden
verse hasta el próximo 30 de marzo.

Thomas Schutte. Mann im Matsch.
® Fondation Louis Vuitton
- Marc Domage 2014.

Wolfgang Tillmans. Torso, 2013.
© Wolfgang Tillmans. Cortesía Maureen
Paley Gallery + Galerie Chantal Crousel.
Obra perteneciente a la segunda fase de
la programación inaugural que pueden
verse hasta el próximo 30 de marzo.

LA PROGRAMACIÓN: Además de la colección permanente, la Fundación Louis Vuitton alberga exposiciones temporales, debates, simposios, actividades educativas y espectáculos multidisciplinares, entre los que se incluyen performances, poesía, danza o conciertos, como por ejemplo, el de Lang Lang, uno de los pianistas contemporáneos más reputados del momento que interpretó clásicos de Mozart, Chopin o Tchaikovsky en el concierto inaugural. Pero también Kraftwerk, pioneros de la electrónica, han pasado ya por la Fundación, lo que indica cuán ecléctica puede ser la programación aún tratándose de artistas contemporáneos. Suzanne Pagé, directora artística de la Fundación Louis Vuitton, ha estructurado la programación inaugural en tres etapas. Cada una de ellas incluye una exposición temporal, una exposición donde podrá verse parte de la Colección, que comprende obras pertenecientes a la Fundación y también a la colección personal de Bernard Arnault, y eventos multidisciplinares. Si la primera fase expositiva del programa inaugural estuvo más centrada en la arquitectura, y concretamente en el propio edificio y en la obra de Frank Gehry, la segunda fase, que comenzó el pasado 17 de diciembre y estará activa hasta el 30 de marzo, focaliza en la obra de grandes artistas contemporáneos como el artista danés Olafur Eliasson, a quien se le dedica una de las exposiciones principales. La Colección de la Fundación presenta además una selección de unos 15 artistas de diferentes nacionalidades y generaciones entre los que se encuentran Wolfgang Tillmans, Isa Genzken, Ed Atkins, Annette Messager, Alberto Giacometti, Tacita Dean o Mona Hatoum. También hay que destacar las obras que numerosos artistas contemporáneos han realizado específicamente para la Fundación. Instalaciones que el visitante encontrará a lo largo de su recorrido por las distintas partes de este edificio que fue un sueño y hoy es una apasionante realidad.

www.fondationlouisvuitton.fr

Annette Messager. Mes transports (N°7), 
2012-2013. © Adagp Paris 2014.
Obra perteneciente a la segunda fase de
la programación inaugural que pueden
verse hasta el próximo 30 de marzo.

Frank Gehry frente a Fondation LVMH.
Foto: Todd Eberle.

Vista Aerea de la Fundación Louis Vuitton.
Foto: Iwan Baan.
Vista de la instalación. © El artista;
cortesía Lisson Gallery, Londres.
Foto: Ken Adlard. 

Senza Titolo V, 2012.
© El artista; cortesía Lisson Gallery, Londres.

Senza Titolo V, 2012.
© El artista; cortesía Lisson Gallery, Londres.
Senza Titolo V, 2012.
© El artista; cortesía Lisson Gallery, Londres.
El interés en la vida de los artistas, o mejor dicho, en las partículas de vida cotidiana que acompañan la elaboración de ciertas obras, es algo que para Jonathan Monk (Leicester, Reino Unido, 1969) parece no dar señales de vencimiento. Extraer de la propia vida aquellos elementos capaces de incorporarse a las circunstancias que rodean la elaboración de ciertas obras históricas es parte de su procedimiento. Obras y gestos artísticos son tanto un cúmulo de influencias personales, como un extenso programa de formación profesional con los que llega incluso a incluir pasajes de pura autobiografía, como cuando desgarra y enmarca fotografías de antiguas parejas y las coloca en espacios separados. Jonathan Monk observa, comprende, disfruta y continua algunas obras, en el mismo punto donde sus autores las concluyeron. Sus homenajes y continuidades incluyen a artistas como Lawrence Weiner, On Kawara, Sol Lewitt, Robert Morris o Gilbert and George, sin embargo, su modo de convocarlos huye de cualquier mitificación y le baja el volumen a todo gesto de glorificación. Nombres, piezas y autobiografía asisten a una suerte de juego de cajas chinas, donde una pista solo conduce a la siguiente, nunca al final del juego. En su conversión Monk realiza versiones materiales en las que la técnica ha cambiado aunque el resultado se aproxime al original, como ese conejo de Jeff Koons que Monk ideó un tanto más mustio. A partir del conejo original de Jeff Koons (Rabbit,1986) ideó una secuencia de cinco esculturas de acero inoxidable, donde el conejo se va desinflando casi por capítulos. A través de tales estados progresivos el conejo se inclina ligeramente, se apoya contra la pared de la sala de exposiciones, se dobla y se derrumba hasta convertirse en una forma que ya no podemos reconocer. Pero como cada gesto en Monk, este contiene múltiples referencias y no es difícil descubrir aquí una alusión en clave sólida a las esculturas blandas de Claes Oldenburg. A la idea de la originalidad como cualidad constitutiva del arte Monk agrega el caso de la copia y la continuación de ese original. En una de sus declaraciones, cuya claridad tiene algo de statement artístico, así lo explicaba: “La apropiación es algo que he utilizado desde mis inicios en 1987 en la escuela de arte. En ese momento, y todavía hoy, me di cuenta de que convertirme en un artista original era algo casi imposible, así que traté de utilizar lo que ya estaba disponible como un material de partida para mi propio trabajo. De esta manera creo que también he creado algo original y sin duda, algo muy diferente. Siempre he pensado que el arte es sobre ideas, y seguramente la idea de un original y una copia de un original son dos cosas muy diferentes”. Entrenado en todo tipo de versatilidades formales cada presentación incluye desde pintura y fotografía, hasta performance, proyección de diapositivas, escultura y filmes en 16 mm.

TEXTO: MARIANO MAYER

Vista de la instalación. © El artista;
cortesía Lisson Gallery, Londres. Foto: Ken Adlard.

Vista de la instalación. © El artista;
cortesía Lisson Gallery, Londres. Foto: Ken Adlard. 
My life within the lives
of others II (detalle), 2014. 

Con motivo de su primera retrospectiva en ICA Londres en 2005 (Continuous Project Altered Daily) decidió llevar a cabo diversas formas de exposición, es decir, distintos montajes para las mismas obras. Cada día el artista dispuso alguna de las piezas almacenadas en la parte inferior del edificio a fin de evitar una lectura lineal de su actividad, algo que este tipo de exposiciones, la mayoría de las veces, suele comunicar. Sus acciones no hacen de la transformación y las versiones una lógica de perfeccionismo. Para el artista el interés radica en el hecho de cuestionar la validez de ciertos métodos tradicionales y de quitar la pátina de seriedad que poseen determinadas obras, vinculadas al arte conceptual. Seguramente bajo tales impulsos llegó a cargar un carrusel con una sola fotografía y la proyectó, siguiendo una estrategia típicamente conceptual. Pero la imagen en cuestión no es la síntesis de una reflexión, sino la instantánea de un familiar disfrutando de un resort turístico. En otras ocasiones el señalamiento tiene que ver con reivindicaciones de orden formal. En una ocasión, con la intención de acompañar la documentación de una serie escultórica, el artista decidió realizar un conjunto de pinturas hiperrealistas, a fin de registrar el proceso de fabricación de unas obras realizadas en acero inoxidable. La decisión de reemplazar la documentación fotográfica por la pintura es el modo con el que Jonathan Monk se ocupa de desmitificar la autonomía que recae sobre la escultura.  El artista no solo desacomoda patrones establecidos, sino que se dedica a jugar con ellos. Sus Meeting Piece son una prueba de ello. Cada una de ellas es una frase–instru-cción en forma de cita cuya lectura plantea un encuentro hipotético: “Fuente de Canaletas Las Ramblas Barcelona, 22 de Enero de 2022 a mediodía” (Meeting piece #32, 2007). El propio artista la explicaba así en una entrevista: “Cuando vivía en Los Ángeles quise hacer un trabajo textual que fuera una simple instrucción. Sentía Los Ángeles como una ciudad muy distinta y lejana al lugar de donde yo vengo, y no sólo físicamente. Allí es necesario planificar las cosas con antelación, nada sucede de forma espontánea. Quizás esto me llevó a planificar estos trabajos de encuentros. También me interesa cómo estos trabajos funcionan en tres niveles:  el texto de invitación, el encuentro propiamente dicho y la memoria de ese encuentro. Hasta el momento, sólo ha tenido lugar uno de ellos: y fue tal como uno se puede imaginar que es el encuentro entre un coleccionista y un artista, un encuentro que a su vez es la propia obra”. Jonathan Monk se interesa tanto por el futuro como por el pasado, sus preguntas pueden ser contestadas y las asociaciones que realizamos al leer estas citas a ciegas nos dicen más sobre nuestras aspiraciones y proyecciones que sobre nuestro presente.
La exposición I ♥ 1984, que estos días se puede visitar en Lisoon Gallery Londres, puede ser vista como un sistema tentacular de autorías desdobladas. Los nombres propios entran y salen y es tan autor el padre del propio artista como Gilberto Zorio. Sin embargo, la melancolía anunciada en clave pop en el título también tiene su entrada aquí. Un cerdo de cerámica blanca de tamaño natural (Pig, 2012) es a la vez una versión a escala de la hucha de su infancia y una escultura imaginada por Jonathan Monk, cuya autoría imaginaria recae sobre Jeff Koons. La vida familiar sigue presente en varias obras, una presentación de diapositivas que aumenta hasta 80 veces un cuadro de familia vacacional (Searching for My Father in My Sister’s Eyes, 2002) o los paños de cocina donde el artista recorre sus 46 años, marcando los hechos significativos desde su nacimiento hasta la actualidad (My Life Within the Lives of Others II, 2014). Junto a estas piezas las esculturas de corte más monumental también encuentran su lugar. Una fila de distintas estructuras metálicas de corte minimalista, pintada cada una con los colores significativos de diferentes territorios en disputa, contienen diversos cargamentos de rocas recopiladas de siete zonas en conflicto bélico. Entre los guiños más explícitos a la historia del arte aparecen unas imponentes rejillas fotográficas en blanco y negro, donde la pareja de artistas alemanes Bernd y Hilla Becher ofrecen su procedimiento. Monk imita sus estudios monocromáticos de arquitectura industrial, pero lo aplica a torres de refrigeración en plena implosión. Así, entre una herencia familiar concentrada en una serie de objetos –una cubierta de piano, una cortina o una caja de luz de neón que agoniza– y una herencia artística de corte histórico, Jonathan Monk entreteje sus visiones. Entre tales dispositivos imaginarios se instala un autorretrato en forma de busto, con el que atiende al arte greco-romano. Su rostro adusto emula la pose de una gran figura, pero su nariz, al igual que en muchas de las esculturas de este período aparece rota. Monk invitó a diferentes artistas de la generación del Arte Povera, como Jannis Kounellis, Gilberto Zorio o Emilio Prini, a romper su nariz a golpe de martillo. Un análisis entre apasionado y despreocupado de obras y artistas pertenecientes a las décadas del 60 y 70 y un modo siempre activo de señalar cómo en los lugares más anodinos de una cotidianeidad compartida con todo tipo de objetos y materiales de poca calidad, es posible alojar partículas de poder estético. Jonathan Monk nos alerta sobre la capacidad artística de ciertos elementos de corte biográfico y los coloca en un loop de relaciones, siempre iguales y siempre distintas, entre arte y vida.

Hasta el 17 enero, www.lissongallery.com

Same Time In A Different Place No. X, 2012.
© El artista; cortesía Lisson Gallery, Londres.

Pig (white), 2012. © El artista; cortesía Lisson Gallery, Londres.
¿HOMBRE O MÁQUINA?
¿El futuro es del hombre o de las máquinas?
Esta inquietante imagen pertenece al artista inglés
Roger Hiorns, nominado al Turner Prize en 2009.
La obra podrá verse a partir del 19 de febrero en
el Thyssen-Bornemisza Art Contemporary
de Viena, dentro de la exposición
colectiva Rare Earth.


Sin título, 2012. Foto: GJ van Rooij.
Cortesía Annet Gelink Gallery, Amsterdam.

Texto: Sofía Dos Santos + Rubén Manrique
FROM & ALPINE
Ojo al joven estudio From Industrial Design formado
por 3 graduados de la ECAL. Llega un italiano, un portugués
y un alemán y hacen cosas como esta silla de madera
curvada. Toda una virguería visual.
www.fromindustrialdesign.com

Foto: Daniel Delang
Texto: Javier Abio

FROM & ALPINE
Ojo al joven estudio From Industrial Design formado
por 3 graduados de la ECAL. Llega un italiano, un portugués
y un alemán y hacen cosas como esta silla de madera
curvada. Toda una virguería visual.
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Foto: Daniel Delang
Texto: Javier Abio
FROM & ALPINE
Ojo al joven estudio From Industrial Design formado
por 3 graduados de la ECAL. Llega un italiano, un portugués
y un alemán y hacen cosas como esta silla de madera
curvada. Toda una virguería visual.
www.fromindustrialdesign.com

Foto: Daniel Delang
Texto: Javier Abio
FROM & ALPINE
Ojo al joven estudio From Industrial Design formado
por 3 graduados de la ECAL. Llega un italiano, un portugués
y un alemán y hacen cosas como esta silla de madera
curvada. Toda una virguería visual.
www.fromindustrialdesign.com

Foto: Daniel Delang
Texto: Javier Abio
TEN WALLS
Marijus Adomaitis es el verdadero nombre de este
músico lituano que figura ya en el cartel de Sónar 2015.
Su último single hasta la fecha “Walking with Elephants”
ha llegado a los primeros puestos de las listas de éxitos
en Reino Unido.

Texto: Tere Vaquerizo


LA ESTÉTICA DEL MOVIMIENTO
Un buen artista nunca pasa de moda. Ese es el caso de
Jesús Rafael Soto, artista venezolano que fue una de las
figuras clave del arte cinético. La prestigiosa Galerie
Perrotin de París y Nueva York le dedica ahora una
exposición simultánea titulada “Chronochrome”.


“Ambivalencia en el espacio color n°12”,
1981. © Jesús Rafael Soto
/ Artists Rights Society (ARS), New York
/ADAGP, París, 2015. Cortesía Galerie Perrotin

Texto: Sofía Dos Santos + Rubén Manrique
CENTURION STREET
Solo Marjan Pejoski sería capaz de encontrar el eslabón
perdido que conecta la estética del ejército de la antigua
Roma con la cultura del hip hop. Y lo hizo. La prueba la
tenemos en su colección estival para KTZ.


Foto: Estrop - Francesc Tent
Texto: Mongómeri
PERIGALLO
En la huerta levantina se denomina así a una
escalera de tres patas que se usa para la recolección.
Sancal lo ha recuperado y rediseñado para convertirlo
en un taburete sexy plegable que también sirve como
galán de noche. www.sancal.com


Texto: Javier Abio
PERIGALLO
En la huerta levantina se denomina así a una
escalera de tres patas que se usa para la recolección.
Sancal lo ha recuperado y rediseñado para convertirlo
en un taburete sexy plegable que también sirve como
galán de noche. www.sancal.com


Texto: Javier Abio
CRISTOBAL AND THE SEA
El grupo formado por el español Alejandro Romero,
el portugués João Seixas, la francesa Leïla Séguin y
el inglés Josh Oldershaw, acaba de editar en vinilo
su EP debut “Peach Bells”. El temazo con el que
se han dado a conocer se titula “My Love (Ay Ay Ay)”.


Texto: Tere Vaquerizo


CORBATAS OFF-SITE
Y ahora que hasta los políticos empiezan a
repudiar la corbata como símbolo de respetabilidad,
llega J.W. Anderson y las descoloca, a las corbatas,
y también a los políticos. Pues muy bien.

Foto: Estrop - Francesc Tent
Texto: Mongómeri
LOOK PEREGRINO
Llevamos un año hablando
de hacer el Camino de Santiago,
y va el joven diseñador inglés
Liam Hodges y nos propone
para esta primavera el look
de un peregrino urbano
que camina por tierras
extrañas.

Foto: Estrop - Francesc Tent
Texto: Mongómeri

ARTE VIVO
Esta obra del artista Carsten Höller podría parecer
parte del interiorismo de un hotel de diseño, pero no,
aunque casi sí, porque precisamente esta cama también
se pudo reservar para pasar una noche en ella hace solo
unos meses, cuando estuvo expuesta en el
TBA21-Aurgarten de Viena. Esto es vivir
el arte y lo demás es tontería.

Elevator Bed, 2010. Foto: Attilio
Maranzano © Carsten Höller / Bildrecht
Wien, 2014.

Texto: Sofía Dos Santos + Rubén Manrique
SOMBRERO CORDOBÉS
Se lo puso David Bowie para su álbum “Diamond Dog”,
la marca francesa April77 lo recuperó en 2012, y ahora para
esta temporada se lo apropia Saint Laurent Paris .
¿Tiene que venir Hedi Slimane a decirte que
mola el sombrero cordobés?



Foto: Estrop - Francesc Tent
Texto: Mongómeri
ALL WE ARE
Un trío que puede ser una de las sorpresas del año.
Residentes en Liverpool, el grupo está formado por una
noruega, un irlandés y un brasileño. Dicen que su música
es “como si los Bee Gees hubieran tomado Diazepam”.
Publicarán disco homónimo en febrero.

Texto: Tere Vaquerizo


PLANTAS COLGANTES
En los 70 era imprescindible en cualquier interiorismo.
Ahora en el 2015 volverá a serlo y si le pones un helecho
ya ni te cuento. Aquí un ejemplo diseñado por el estudio
multidisplinar Wrk-Shp con base en L.A. Su nombre:
Concrete Hanging Vessel 
www.wrk-shp.com



Texto: Javier Abio
PLANTAS COLGANTES
En los 70 era imprescindible en cualquier interiorismo.
Ahora en el 2015 volverá a serlo y si le pones un helecho
ya ni te cuento. Aquí un ejemplo diseñado por el estudio
multidisplinar Wrk-Shp con base en L.A. Su nombre:
Concrete Hanging Vessel 
www.wrk-shp.com



Texto: Javier Abio
PLANTAS COLGANTES
En los 70 era imprescindible en cualquier interiorismo.
Ahora en el 2015 volverá a serlo y si le pones un helecho
ya ni te cuento. Aquí un ejemplo diseñado por el estudio
multidisplinar Wrk-Shp con base en L.A. Su nombre:
Concrete Hanging Vessel 
www.wrk-shp.com



Texto: Javier Abio
BUSTOS DEL SIGLO 21
Lo de reinterpretar el pasado no es nuevo,
pero nos gusta cómo lo hace al artista Oliver Laric
con sus coloridas esculturas de poliuretano.
En este caso representando al general y estratega
militar chino Sun Tzu como el dios romano de dos
caras Jano. La obra puede verse en la exposición
colectiva Rare Earth, en el TBA21 de Viena.


Sun Tzu Janus, 2012. Única.

Texto: Sofía Dos Santos
+ Rubén Manrique
LONELADY
2015 puede que sea el año de Julie Ann Campbell,
aka LoneLady. Publicará nuevo disco con Warp, grabado
en su casa con un 8 pistas y producido por ella misma,
del cual hemos podido ya escuchar un adelanto,
la bailable “Groove It Out”.


Texto: Tere Vaquerizo


ESPEJOS EVERYWHERE
Es el complemento, dentro del mundo
del mobiliario, favorito de los design makers.
Es barato, es útil y alimenta el ego. 2014 ha dado
buenos ejemplos pero 2015 te apuesto que dará
mejores.  www.objekten.com


Diseño: Sylvain Willenz @ Objekten
Texto: Javier Abio

El germen de esta entrevista tuvo lugar en la Sala Joy Eslava, en marzo del año pasado, la última vez que Rinôçérôse actuó en Madrid… Tuvimos la oportunidad de charlar con ellos tras el concierto, y de ahí a proponerles que fueran nuestros Guest Creative solo hubo un paso. Patou (Patrice) nos abrió las puertas de la casa parisina donde vive, separada ahora sentimentalmente de Jean-Philippe. La pareja sigue disfrutando, sin embargo, del placer de componer música, y el estudio casero de Patou se ha convertido en su base de operaciones. Tras su último EP, “Angels & Demons”, parece ser que en 2015 llegará por fin un nuevo disco de la banda.
Aunque Rinôçérôse no ha tenido una carrera especialmente prolífica, seis discos en 20 años de vida musical no parece gran cosa, hay que tener en cuenta que algunos de esos discos, como “Installation Sonore” supusieron toda una revolución en el mundo de la música. El rock y la electrónica hacían piña bajo la batuta de dos psicólogos franceses con la suficiente dosis de locura como para atreverse a mezclar dos estilos musicales que parecían no tener nada en común. “Los locos abren los caminos que más tarde recorren los sabios”, decía el escritor italiano Carlo Dossi, y sabios o no, muchos grupos y artistas seguirían después el ejemplo de Rinôçérôse. Pero la historia continua, porque este año editan un nuevo trabajo y por lo que nos cuentan en esta entrevista volverán a sorprendernos. Una vez más.  

EVOLUCIÓN: (Patou & JP) “Podríamos hablar de 3 periodos bien diferenciados en Rinôçérôse: los primeros años, cuando publicamos con Elefant y hacíamos algo así como trip hop instrumental;  la segunda etapa, un periodo más inspirado por el house hacia 1999, cuando publicamos con V2 los discos ‘Installation Sonore” y “Music Kills Me”; y por último, de 2005 a 2009, la fase más electro rock, con el single ‘Cubicle’ y discos como Schizophonia y Futurinô”.

¿HOBBY?: (Patou & JP) “No lo llamaría hobby, Rinôçérôse es parte de nuestras vidas, hemos ganado dinero con el grupo, no tanto como para hacernos ricos, pero hemos ganado algo, aunque es cierto
que hacemos también otras cosas.
Jean-Philippe sigue trabajando de psicólogo, y Patou ejerce como A&R en un sello de música de biblioteca para audiovisuales (Cezame Music Agency)”.

“PSICOLOGÍA": (JP) “Sí, sigo trabajando como psicólogo. Lo hago por dinero, claro, pero también porque me gusta. Además, no creo que me gustara vivir de ser solo artista… Hago música, arte (pinto de vez en cuando) y estas actividades creativas son las principales motivaciones de mi vida, pero no me siento cómodo con todos los estereotipos que hay alrededor de la figura del artista. Además, también me llenan otras cosas… desde hace un par de años, por ejemplo, estoy trabajando en problemas de seguridad en las carreteras, es algo que me parece muy interesante y es un campo muy amplio en el que investigar”.

SINGLES: (Patou & JP) “Publicar singles, en vez de un nuevo disco, ha sido fantástico, muy divertido, y seguramente repitamos de nuevo, publicando uno más, una gran canción, muy rockera, que habla sobre revolución, se titula ‘Fighting the machine’ y Bnaan es el cantante invitado”.

COMPONER VS ACTUAR:
(Patou & JP) “No podríamos elegir. Nos gusta todo el proceso. Además, nosotros componemos y grabamos casi al mismo tiempo, como hacen muchos artistas de música electrónica. Es el trabajo básico, pero después, si quieres saber si tu música funciona, tienes que comprobarlo tocando en directo frente al público. Es fantástico porque tienes un feedback inmediato, aunque tocar en directo es muy, muy difícil. Quiero decir, si de verdad quieres hacer algo sorprendente hace falta mucha práctica, experiencia y también dinero. Ir de gira es muy, muy caro, seguramente la gente no tiene ni idea de cuánto”


Retrospective (1997)
MOTIVACIÓN: (Patou & JP) “Bueno, cuando más componemos es cuando tenemos un proyecto de álbum en mente, es una buena motivación para escribir, ¡tienes que espabilar!”. 

RELACIONES:
(JP) “La banda con la que tocamos normalmente, Rémi Saboul (guitarra), Fred Pace (batería y pecusión), Florian Brinker (guitarra) y Jean-Louis Palumbo (ingeniero de sonido), son ya parte de nuestra familia, son nuestros amigos y nos encanta ir con ellos de gira. Patou y yo hemos pasado por crisis muy grandes en nuestra relación de pareja. Pasó tiempo hasta que logramos estabilizarnos. Hoy día ya no vivimos juntos, aunque seguimos quedando para hacer música porque nos encanta. Patou vive en París, tiene un estudio en su piso y trabajamos allí. Nos sentimos muy bien cuando hacemos música juntos, es una buena manera de continuar nuestra relación, pero de una forma creativa”. 

MARCAS:
(Patou & JP) “Las marcas ayudan a los grupos indies, muchas veces más incluso que las emisoras de radio. La mayoría de las veces las emisoras no arriesgan, mientras que las marcas no tienen problema en escoger una canción underground para un gran spot publicitario. A nosotros nos pasó en el año 2005 con Apple, utilizaron nuestra canción ‘Cubicle’ para anunciar el iPod, y fue muy beneficioso para nosotros. Eso sí, hay cosas que nunca haríamos, como por ejemplo colaborar con políticos”.

REDES SOCIALES: (Patou) “Las utilizo un montón. Me parece fascinante estar en contacto con la nueva escena musical y poder descubrir cosas nuevas”.
Installation Sonore (1999)
Schizophonia (2005)
FANS: (Patou & JP) “Hombre, agobiados por los fans nunca nos hemos sentido… bueno, sí, en otra vida, en 1965, cuando éramos The Beatles (risas)”.

CRÍTICAS: (Patou & JP) “Sí, la verdad es que no podemos evitar leerlas. Una de las que más nos gustó se publicó en ‘Les Inrockuptibles’, justo acabábamos de publicar Installation Sonore en 1999, y ellos dijeron algo así, ‘Rinôçérôse, un grupo que hace house con guitarras, una idea tan simple y tan obvia que no entendemos como no se le había ocurrido antes a nadie’. Aunque, por supuesto, también las hay malas, como una que apareció en un periódico, no recuerdo cual, que decía que en vez de hacer house con guitarras deberíamos hacerlo con ukelele”.

MÚSICA AHORA: (Patou) “Hay un montón de cosas que nos gustan, grupos que recuperan la escena de los sesenta, como Allah-las o Tame Impala, o rollo más indie como Mac de Marco y Unknown Mortal Orchestra… y siempre, por supuesto, la escena electrónica con gente como Moscoman, Pantha du Prince, Todd Terje… De los grupos franceses actuales me interesa los que se inspiran también en los sesenta como The Liminanas, Volage, Etienne Jaumet, Paradis…”

CONCIERTOS: (Patou & JP) “Hemos actuado en grandes festivales y la verdad es que es muy, muy divertido, pero ahora mismo preferimos los sitios pequeños. En los festivales suelen programarnos a las 3 o las 4 de la mañana, probablemente porque nos consideran un grupo con el que la gente va a bailar, ¡pero es muy tarde para nosotros! Preferimos un horario más normal, como las 10 o las 11 de la noche, así además, cuando acaba el concierto, tenemos tiempo de irnos de fiesta si nos apetece. La última vez que actuamos en Madrid, en la Sala Joy Eslava, para unas 800 personas, nos lo pasamos genial”.
EL MEJOR: (Patou) “Uno de los mejores conciertos que recuerdo fue en el Fuji Rock Festival, en Japón, en agosto de 2006. Era la primera vez que actuábamos en Japón y nos programaron para las 2 de la tarde, así que pensábamos que habría poca gente, pero estaba hasta arriba. Era un público muy entusiasta con una actitud muy diferente a la europea. Fue un concierto muy emocionante. Después pasamos la tarde bebiendo vodka y sake y viendo a otros grupos fantásticos como The Strokes o los Happy Mondays… ¡y todo en una montaña en Japón! Era mágico. La verdad es que somos muy fans de la música, y nos encanta ir a conciertos y ver a otros grupos, ser parte del público, en vez de ser los protagonistas en el escenario. Por eso también nos encanta el FIB, ¡hay tantos grupos para ver! No recuerdo malos conciertos, no quiero recordarlos, esos solo aparecen en mis peores pesadillas, cuando nada funciona después de 2 minutos tocando o cuando me doy cuenta de que estamos desnudos en el escenario”.

VISUALES:
(Patou & JP) “A lo largo del tiempo hemos hecho un poco de todo. Los primeros años era Fred Ladoué, un amigo nuestro, quien se encargaba de los visuales, lo hacía de una forma muy intuitiva, seleccionando imágenes de viejas películas… La verdad es que podríamos haber tenido problemas legales por eso, pero era divertido y quedaba muy bien. Después empezamos a colaborar con Electronic Shadows, una pareja de arquitectos y diseñadores parisinos con los que hicimos las cinco grandes torres para el disco Futurinô, proyectando las imágenes digitales en ellas. Quedaba muy profesional, aunque a veces también resultaba un poco frío”.

ENSAYOS: (Patou & JP) “Antes de salir de gira ensayamos todos los días al menos durante un mes. No somos un grupo al que le guste improvisar, así que la gente que nos ve varias veces sabe que las canciones son muy similares noche tras noche. Es como Warhol y sus retratos de Elvis, que son prácticamente iguales. La banda que gira con nosotros es la misma desde que empezamos en 1996 y somos muy afortunados porque ninguno de ellos ha perdido el pelo o ha engordado demasiado… ¡el show debe continuar!”.

RITUALES:
(Patou & JP) “Sí, tenemos algunas costumbres antes de salir al escenario. Nunca tomamos drogas antes del concierto, tampoco comemos nada 3 horas antes de salir a tocar. Diez minutos antes de salir cada uno de los miembros de la banda se viste de blanco, menos Patou, que lo hace de negro. Después Jean Philippe y Florian beben un Jack Daniel’s (solo 4 centilitros). Luego todo el mundo choca las manos y allá vamos…”.
PAÍSES: (Patou & JP) “Hemos actuado en un montón de países a lo largo de todos estos años. Noruega nos sorprendió mucho porque se parece a la Costa Brava pero con el aire mucho más frío… y además allí es todo carísimo: si compras una hamburguesa, una cerveza y cinco cigarrillos ¡estás arruinado!”.

MODAS: (Patou & JP) “Estar o no de moda es algo que no encaja con Rinôçérôse”.

NUEVO PÚBLICO: (Patou & JP) “Hay mucha gente joven que puede que no nos conozca mucho pero flipa cuando nos ve sobre el escenario. Eso es algo muy gratificante. Todos los amigos de nuestra hija adoran el grupo desde que ella tenía 14 años… y ahora tiene 20, ¡podemos cantar incluso Satisfaction!”.

ESPAÑA:
(Patou & JP) “La escena electrónica española es increíble. Nos encantan John Talabot, Marc Piñol, Pional…”. Colaboraciones: (Patou & JP) “Hay mucha gente con la que nos gustaría colaborar… ahora mismo nos viene a la cabeza Daniel Buren, el hombre de las rayas… es un pintor francés fantástico, un escenario creado por él sería una pasada”.

FUTURO:
(JP) “Si todavía estamos vivos dentro de 10 o 20 años sé que seguiremos haciendo música y grabando canciones. Ahora, ¿puede un viejo artista ser todavía creativo ? Esa es una cuestión interesante, pero creo que podemos encontrar las respuestas en las increíbles obras que hizo Picasso en sus últimos años, cuando tenía alrededor de 80… también Matisse pintó grandes cosas al final de su vida… aunque evidentemente no tiene nada que ver, porque el negocio de la música pop está orientado a gente joven, yo incluso diría que está obsesionado por llegar a la gente joven… pero poniendo otros ejemplos, esta vez musicales, podríamos fijarnos en los dos últimos discos de Johnny Cash, sin duda los mejores de su carrera”.

UN DESEO:
(Patou & JP) “Una mejor distribución de la riqueza en el planeta”.

PROYECTOS: (Patou & JP) “Este año por fin publicaremos nuevo disco, pero será un álbum muy especial, serán diez canciones de música funky, pero funky interpretado a nuestra manera, claro. Supuestamente será la música para una película imaginaria. Es un gran ejercicio escribir música teniendo una imagen en mente. Nos gustaría mucho encontrar un sello que nos lo editara en España. Y para 2016 estamos trabajando en otro proyecto, Metropolis: The Birmingham of the Imagination, un gran festival que celebra Birmingham como ciudad, un espectáculo al aire libre donde habrá lugar para la innovación y la imaginación con baile, circo, música, cine, tecnología digital, graffiti… Nosotros cerraremos el festival, el tema del show será la ciudad misma, su futuro y su pasado. Será una visión moderna de la ciudad, celebrando su reputación como ‘taller del mundo’ y ‘ciudad de los mil oficios’.”

www.rinocerose.com
 Jeans April 77 para J.P
Gafas Barton Perreira para Patou
Fragancia Private Collection
de Estée Lauder para Patou
Fragancia Egoiste de Chanel para J.P
Nissan X Trail para J.P
Jack Daniel’s para Jean Philippe
GET27 para Patou
TEXTO: MONGÓMERI
Jean Philippe vive en Montpellier, a 748 kilómetros de París. La cita es en París, en casa de Patou. Los 2 han quedado a través de su iPhone 4. Le preguntamos a él cómo ha venido. “En tren de alta velocidad, el TGV es rápido. 3 horas y media desde Montpellier a 350 km/h. Mientras, bebes vino tinto francés en el vagón bar. Si necesito traer cosas grandes, como un amplificador o cosas así, entonces vengo con mi Nissan X Trail”. Allí ha dejado a su gato, al de su hija. “Lo adoro, es de mi hija, pero ella se ha venido a estudiar a París. Es un bonito gato mediterráneo, gris con ojos naranjas”. Los 2, Patou y Jean-Philippe, se definieron hace 20 años como “psicólogos de día y músicos de noche”. En Neo2 están por su faceta musical, pero queremos aprovechar también su psicología profesional, al menos la de J.P, para que cada uno describa el estilo del otro, y así de paso nos ahorramos hacerlo nosotros. Jean-Philipe ve a Patou como “una especie de indie disco girl. Un cruce entre Nico, Amanda Lear y Kim Gordon de Sonic Youth”. No está mal. Y Patou así describe a Jean-Philippe: “Toca la guitarra como Keith Richards, tiene el mismo buen aspecto de Liam Gallagher, y… ¿conoces a Pedrum Siadatian de Allah-Las? Pues básicamente llevan el mismo peinado”. Está claro que tienen bien estudiada su estética. “Durante 6 o 7 años nos hemos subido al escenario de riguroso blanco, excepto Patou que lleva un mono de cuero que es una réplica del de Emma Peel -la chica espía de Los Vengadores, la serie de los 60, claro-. Lo de ir de blanco es para cuando estás sobre el gran escenario de un festival, así el público te puede ver a cualquier distancia. Sin embargo, en el día a día nos gusta ser más discretos y para eso el negro funciona mejor. De todas formas, la coherencia entre ambas circunstancias es una especie de sobrio estilo clásico propio de mod. La verdad es que podríamos ir a trabajar con el mismo traje con el que tocamos en el escenario”. Y si hablamos de marcas… esto es lo que nos encontramos en el armario de Jean-Phillipe: Americana de Agnes B; jeans de April 77, APC, Edwin… botas de cuero de Paul Smith… y algún traje vintage sin marca comprado en alguna tienda de ropa de segunda mano. Y en el de Patou: “Tacones altos, vaqueros negros slim y camisa negra… Nada más”. Los 2 son muy de gafas. Ahora mismo Jean Philippe es muy fan de los diseños de Oliver People, mientras que Patou elige los modelos de Barton Perreira. Y casualidades de la vida, los fundadores de esta última, Patty Perreira y Bill Barton, también trabajaron en Oliver People. En cuanto a gafas vemos que Rinôçerôse opta por el diseño californiano. Pero como buenos franceses, les presuponemos un poco chovinistas. “Sí, nos gusta el Made in France, pero es raro. Agnès B es casi todo hecho en Francia, y la calidad es máxima”. Sus fragancias sí que tienen al menos acento francés: Egoiste de Chanel para Jean-Philippe, y Private Collection de Estée Lauder para Patou. Los 2 utilizan cosmética infantil: Mustela de Laboratoires Expanscience. A la hora de ir de tiendas por París, sus espacios preferidos son: Sessun, Barbara Bui, APC, LA Panoplie, Maje, Sandro… Y si les da por una copa… un Jack Daniel’s con hielo para Jean-Philippe, y un GET27 con agua gaseada para Patou. A su salud. Un placer.

Red Axex
Unknown Mortal Orchestra.
Foto: Neil Krug
Jhon talabot
Wooden Shjips. Foto: Anna Ignatenko
TEXTO: TEREVISIÓN RUIZ
Siempre es curioso profundizar en los gustos musicales de otros músicos, y más si se trata de un grupo como Rinôçérôse. Empezamos preguntándoles por sus hábitos consumistas, y tanto Patou como Jean-Philippe prefieren el formato analógico a la hora de comprar música, aunque Patou también se deja seducir por lo digital: (JP) “A mí me gustan los cedés. Hoy día puedes encontrar en cedé discos antiguos y también de nuevos grupos, claro, por un precio muy barato. Me gusta que el formato sea físico, poder leer las letras de las canciones y sentir que tienes un ‘objeto’ entre las manos. Prefiero esto a lo digital, aunque tiene un inconveniente: ocupa espacio”. (Patou) “A mí no me gusta el cedé, prefiero los vinilos. En cuanto al formato digital también me gusta, reconozco que es genial poder tener toda tu colección de música allí donde estés”. El último disco que ha comprado Jean-Philippe ha sido “Essential” de John Lee Hooker y también el último de Tahiti 80, “Ballroom”. Patou reconoce que compra música prácticamente todos los días, el último disco ha sido el de Wooden Shjips, “Back to Land”, aunque la mayoría del tiempo compra canciones sueltas o remixes. (Patou): “Cuando viajo o me muevo por la ciudad me gusta hacer diferentes playlists dependiendo del sitio a donde vaya. Por ejemplo, si voy a nadar elijo algo de rock californiano y si voy a practicar algún otro deporte más cañero me pongo algo de hard rock como AC/DC o también música electrónica. Para dormir siempre tengo una cita con Erik Satie”. En la entrevista ya nos comentaban que además de estar sobre el escenario les gusta estar enfrente de él, como público, así que les preguntamos por algún concierto que les haya impresionado últimamente: (JP) “El verano pasado, en un festival español en el que tocamos vimos a un grupo, The Struts, un grupo de veinteañeros ingleses. Nada nuevo musicalmente hablando pero tocaban increíblemente bien, me impresionaron mucho. Hace poco en Montpellier vi también a Unknown Mortal Orchestra, soy muy fan”. (Patou) “Hace poco estuve viendo a Kraftwerk en la Fundación Louis Vuitton, en París, aunque la verdad es que la mayoría del tiempo voy a sesiones de diyéis. Hace poco también he visto a John Talabot y a Andrew Weatherall y fue fantástico”. De hecho Patou insiste en que le gusta mucho la escena electrónica de nuestro país y nombra de nuevo a Talabot, pero también a Pional y Marc Piñol. Les preguntamos si hay algún grupo que les haya sorprendido últimamente y los dos nos hablan de Red Axes, un dúo de productores y diyéis de Tel Aviv formado por Niv Arzi y Dori Sadovnik. Este año han publicado su álbum debut, “Ballad of the Ice”.

Panda Bear
Panda Bear
TEXTO: NADIA LEAL
FOTOS: FERNANDA PEREIRA

PANDA BEAR


Cuando les damos a elegir entre unos cuantos nombres de músicos que publican discos por estas fechas Jean-Philippe se queda con Kitty, Daisy & Lewis, a quienes también entrevistamos en este número, y Patou escoge a Panda Bear. Noah Lennox, conocido como Panda Bear, o también por ser uno de los fundadores de Animal Collective, publica ahora su nuevo y quinto álbum titulado “Panda Bear Meets The Grim Reaper”. Aprovechamos la buena elección de Patou y hablamos con Noah sobre su último disco. 

INICIOS: “Me metí en el mundo de la música casi sin darme cuenta. No fue hasta mucho después que me percaté de que la música era mi trabajo. Durante mucho tiempo hice música yo solo y después empecé a dar cintas a la gente, a amigos, después comencé a tocar, a irme de gira... Nunca pensé en mí mismo como músico y después me vi capaz de pagar el alquiler y comprar comida. Tuve suerte.”

NOMBRE:
“Cuando comencé a grabar las cintas para mis amigos dibujaba un oso panda en cada una de ellas, no recuerdo muy bien por qué, pero pensé que eran dibujos guays y que los osos panda eran guays. Me gusta cuando las cosas pasan sin haberlas pensado demasiado. Son más auténticas y puras. Creo que podemos perdernos a nosotros mismos en las decisiones y en pensar demasiado”.

PRIMER ÁLBUM: “No sabía muy bien de qué iba eso de hacer un disco. No tenía la conciencia de que un álbum era una consecución lógica de canciones. El primer álbum era en realidad algo así como una mixtape. Me gustaba una canción y la ponía, me gustaba otra y la ponía a continuación. La idea de que puedes llevar al oyente a través de un viaje no era algo obvio para mí.”

PAUSAS: “La verdad es que no trabajo muy rápido. No escribo muchas canciones por año. Por eso me tomo mi tiempo para hacer cosas que me gusten.”

NUEVO DISCO:
“El título de este disco está inspirado en discos de reggae de los 70, donde un artista conoce a un productor musical, donde las colaboraciones surgen de una forma natural. Me gusta la idea de las referencias de la música, sobre todo en dub. La forma en la que el título muestra algo oscuro, pero divertido.”

CANCIÓN FAVORITA: “Creo que Mr. Noah es la mejor canción que he hecho hasta ahora. Es rock y agresiva.”

VÍDEO MR.NOAH:
“Los videoclips me parecen demasiado cortos para poder explicar una mini historia. Aunque siempre recuerdo un anuncio que vi hace años de un perfume que duraba 37 segundos y me impresionó porque parecía una película. Para mí el vídeo perfecto es D.A.N.C.E de Justice. Me gustan los vídeos que usan un truco sencillo y los chicos franceses que  hicieron Mr. Noah me propusieron la idea de hacer un vídeo en bucle y me gustó mucho para la canción, porque tiene momentos repetitivos”.

ANIMAL COLLECTIVE:
“No me gusta compaginar las dos cosas, prefiero hacer una y después otra, porque lo que aprendo de una la vuelco en otra y viceversa. Hago una, paro, y hago otra. A veces he probado a combinarlas y siento que empeora todo.”

LISBOA: “Me siento muy bien allí, me encanta. Es una ciudad grande que parece muy pequeña. Vivo en el centro, me gusta la comida, el ritmo de vida, el tiempo, la sensación de historia, de los valores tradicionales.”

INFLUENCIAS MUSICALES: “Música africana, bossa nova, música clásica, hip-hop, los 90, Wu Tang Clan, P-Rock, George Michael, techno de Detroit… Nunca he sido una persona a la que sólo le gusta un estilo musical”.

PLANES:
“El disco sale ahora en enero, tocaré en Estados Unidos, iré de gira en primavera, haré festivales… y Animal Collective grabará algo en algún momento, pero no puedo adelantar nada.”

“Panda Bear Meets The Grim Reaper”, está editado por Domino y distribuido por Music As Usual.

Butaca Ferdinand
Butaca Longwave

Lámpara mesa Metafísica
Lámpara colgante Noon
TEXTO: JAVIER ABIO
Frank Gehry y Jean Nouvel son los arquitectos favoritos de Jean-Philippe. También admira el trabajo de los diseñadores Bertjan Pot y de Marcel Wanders, de este último sobre todo su silla Carbon Chair. Patou se queda con el arquitecto Francois Roche que es el que ha diseñado su casa en París. Para ella es el arquitecto francés más audaz. A los dos componentes de Rinôçérôse les gustan marcas de mobiliario como Knoll, B&B Italia y diseñadores clásicos como Charles Eames. Hablando de casas del futuro para J.P. es cualquiera de las “Californian Case Study Houses”, proyectos residenciales que patrocinó la revista Arts & Architecture entre los años 1945 y 1966. Si él se tuviera que quedar con una de ellas sería con la número 21 de Pierre Koening (1958). Les pedimos que nos recomienden un lugar en su ciudad, en Montpellier nos recomiendan la tienda Lluck. Les mostramos una gran cantidad de piezas de mobiliario y nos seleccionan estas que encontrarás a continuación.

a/LONGWAVE Es una colaboración entre Diesel Living y Moroso. Inspirado en las formas de los años 60, este sillón orejero está pensado para la relajación y la lectura. Diesel Living ha creado un curioso sistema de colaboración con marcas punteras del hábitat italiano: Foscarini para la iluminación, Zucchi para tejidos del hogar, Scavolini para las cocinas, Seletti para los pequeños objetos y Moroso para el mobiliario. Fotografía: Alessandro Paderni

b/NOON 5 La empresa alemana Zeitraum apuesta claramente por el diseñador EL Schmid en lo que a luminarias se refiere. Diferentes colecciones con variaciones en brazos y todas creadas por el diseñador EL Schmid, instalado en Sevilla desde 1992, y que se define así mismo como “espanófilo” aunque su lugar de nacimiento es Austria.

c/FERDINAND La butaca Ferdinand es un ejemplo de como unir tradición y modernidad. Es el fruto de la unión del estudio de diseño OeO, creado en Copenhague en 2003, y la empresa danesa Brdr. Krüger, creada en 1886. El torneado de madera nos transporta al siglo 20, a los orígenes de esta empresa familiar, mientras que la sofisticación de su estructura nos recuerda que estamos en el siglo 21 equipados con máquinas de control numérico.

d/METAFÍSICA Otro ejemplo de colaboración de Diesel Living, en este caso con Foscarini. Una lámpara de mesa que funciona como una pequeña escultura cuando está apagada y que proyecta una luz cálida y envolvente cuando se ilumina. La suspensión de su difusor crea un efecto de levitación misteriosa cuando está encendida.

 James Turrell. Twilight Epiphany, 2012.
James Turrell. Raemar Pink White, 1969.
Imágenes: Florian Holzerr.
James Turrell.
A Retrospective, 2013/14.
Imágenes:  Florian Holzerr.
James Turrell. Light Reignfall, 2011.
 Imágenes: Florian Holzerr.

James Turrell. Breathing Light, 2013.
Imágenes: Florian Holzerr.
James Turrell. Breathing Light, 2013.
Imágenes: Florian Holzerr.
TEXTO: MARIANO MAYER
Prestar atención a los primeros comentarios sobre las últimas exposiciones que tanto Patou como Jean-Philippe recuerdan haber visitado últimamente, nos permite descubrir que lo suyo con el arte tiene más que ver con la emoción estética y la pulsión corporal inmediata que con el universo de las reflexiones a largo plazo. Así lo cuenta Patou: “París está lleno de cultura y de exposiciones, la última que visité fue Sade en el Museo de Orsay y fue maravilloso” y Jean-Philippe agrega: “yo fui a ver los cuadros de Marcel Duchamp en Beaubourg y no me gustó mucho. Marcel Duchamp es el pionero del arte contemporáneo y un gran teórico, pero cuando ves su trabajo, no se producen muchas emociones, ¡todo sucede más en la cabeza que en el corazón!” Una vez definido el interés de ambos surge el nombre de James Turrell. Desde la década del 6O el artista americano James Turrell parte de la luz y del espacio para dar forma a una de las obras de mayor carga experiencial que se han desarrollado. Es un arte perceptivo en toda regla, que tiene muy en cuenta a las matemáticas y a la psicología de la percepción. Color, espacio, silencio, habitad, intangibilidad son palabras que se acoplan con facilidad a su trabajo, en especial porque son obras que hacen de la luz un objeto tangible capaz de ser manipulado. Su afán por intervenir en la percepción lo llevó, entre otras cosas, a utilizar la luz a modo de material. Bajo tales impulsos construyó su “Roden Crater”, un cráter volcánico de 4,8 km de extensión, ubicado en Arizona, que James Turrell adquirió en 1977. Desde esos años y hasta la actualidad el cráter se ha convertido en un observatorio natural, donde es posible contemplar los efectos de la luz y el cielo abierto, sin necesidad de utilizar ningún tipo de tecnología de observación. Ideas como esta son las que tanto Patou como Jean-Philippe celebran del arte contemporáneo: “las obras de Turrell, como las pinturas de Peter Doig, Marc Grotjahn, André Butzer, Cecili Brown, Elysabeth Peyton o Robert Combas, son una fuente de inspiración, especialmente para los títulos de las canciones y el diseño de nuestras portadas”.

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+ Maquillaje URBAN DECAY www.urbandecay.com
FOTO: MARKUS RICO
TEXTO: SOFÍA DOS SANTOS
ESTILISTA: LUCÍA SILVA
MAQUILLAJE: AMMY DRAMMEH
PELOS: YUSUKE MORIOKA
ASSISTENTE DE FOTOGRAFÍA: DANIAAL KHALID

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Comienzos:“Cuando era una niña siempre estaba escribiendo y cantando canciones. Cantaba en coros y tocaba en orquestas. Cuando cumplí 15 años mis padres me regalaron una guitarra, aunque fue ya en la universidad cuando comencé a actuar y a tocar con grupos, me encantaba hacerlo. Después me gradué y me di cuenta de que había escrito muchas canciones y quise ver si se podía hacer algo con ellas”. Familia: “No hay otros músicos en mi familia, pero siempre había música sonando en casa durante mi infancia, todo el tiempo. A mis padres les encanta lo que hago, me apoyan mucho, y vienen muy a menudo a ver mis actuaciones”. Jakwob: “Conocí a James porque él había oído algo de mi música y me preguntó si podía ir a su estudio a cantar una de sus canciones. Después de la sesión me di cuenta de que nos habíamos llevado muy bien y me encantó su estilo de producción, así que le pregunté si estaría interesado en producir una de mis canciones nuevas. Me dijo que quería escucharla , así que le puse la demo de ‘Cut Your Teeth’ que tenía en mi portátil. La grabamos muy poco después y salió tan bien que acabamos grabando casi el álbum entero juntos”. Letras: “Sí, son siempre autobiográficas o sobre gente muy cercana a mí. Simplemente escribo lo que está en mi cabeza en ese momento”.Banda: “Los conocí en diferentes momentos de mi vida y es genial porque son como una familia. Mike, mi batería, y Alessio, mi guitarrista, llevan conmigo más de cuatro años. También están Emma, mi teclista, y Nathan, que es mi bajista, son increíbles. Tienes que pasar muchas horas en una furgoneta con tu grupo y muchas veces hacer pruebas de sonido y tocar en condiciones estresantes, así que es súper importante que todo el mundo esté relajado y tener un gran sentido del humor. Ellos lo tienen”. ¿Mainstream? “No estoy segura de que esté considerada mainstream, pero si  así fuera no me importaría”. Ocio: “Me encanta el cross-country, corrí en competiciones  durante bastante tiempo. También me gusta salir a pasear con mi perro, y leo mucho, me gusta saber qué pasa en el mundo”. Imagen: “Me gusta crear un mundo visual en torno a las canciones, así que en ese sentido es muy importante, ya que ayuda a crear ese cuadro que va junto a los sonidos. Pero, en general, en mi rutina diaria no es tan importante. Voy casi siempre en vaqueros, camiseta y zapatillas. Me gusta ir bien, pero también me gusta correr, saltar, bailar y sentirme cómoda”. Diseñadores: “Me encantan Hermione de Paula, Stella McCartney y Antipodium”. Elite London: “Todo surgió a través de mi compañía discográfica. Se habló de posibles colaboraciones y se sugirió que podíamos trabajar la imagen con la agencia de modelos Elite London”. Fans: “Me encanta estar en contacto con mis fans. A veces quedo con ellos y les saludo después de las actuaciones porque me gusta saber qué canciones son las favoritas de la gente o qué les ha gustado de los conciertos, y siempre trato de contestar a las preguntas de los fans en Facebook y en Instagram. Tengo unos seguidores estupendos y me encanta hablar con ellos”. Influencias: “Me encanta Cat Power, Grimes, Bat For Lashes, Four Tet, Joni Mitchell, Paul Simon, Bright Eyes, Elliott Smith,, Burial…”. Recomendación: “Todo el mundo debería escuchar a FKA Twigs, es increíble, y además creo que todo el mundo debería ver la serie de televisión sueco-danesa The Bridge, creo que es absolutamente brillante. Una de las mejores cosas que he visto nunca”. Deseo: “Para el 2015 deseo felicidad.”.

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Making of Kyla La Grange
TEXTO
: LILU DÍAZ DE QUIJANO

La música y la imagen de Kyla La Grange está llena de contrastes y matices que van desde las penumbras del bosque al arco iris del cielo. Magia que quisimos preservar en este shooting con la artista. Ella misma nos dio las claves del maquillaje. “Siempre doy forma y defino mis cejas para que sean más dramáticas bajo las luces del escenario. Uso sombra de ojos y eyeliner negros. También me hago los pómulos con brillo metálico porque me hace sentir un poco mágica. En cambio, para el día a día uso una base de maquillaje que me de un tono natural y máscara de pestañas”. Para interpretarlo recurrimos a los productos de Urban Decay, marca de maquillaje con un aura especial asociada a la música y a la cultura independiente que tanto nos gusta.

Paleta Naked3
12 novedosos tonos rosados en un estuche metálico muy arty, con todos los acabados posibles, desde mates a metálicos centelleantes. 46 euros.

Eyeshadow Primer Potion

Base increíble para sombras de ojos perfectas 24 horas. Envasada en un tubo con dosificador meticuloso. 4 acabados: invisible, natural mate, champagne brillante y anti-edad. 18 euros.

Lápiz Aterciopelado Ojos 24/7

Mítico lápiz con una gama de 40 colores. Para Kyla usamos el negro, una especie de varita mágica con vitamina E, aceite de jojoba y de semilla de algodón. Súper waterproof. 18 euros.

Sombra de Ojos

Disponible en 64 sedosos tonos y 5 acabados: satinado, brillante, bi-color, mate o con destellos. Colores intensos de larga duración difuminados a voluntad. 18 euros.

Naked Flushed
Bronceador, iluminador y colorete todo en uno. Un trío de sombras básicas que se pueden combinar entre sí dependiendo de lo complejo que tengas el día, o la noche. En estuche metálico. 32 euros.

Perversion Máscara
El nombre lo dice todo. Pestañas largas, negras y con volumen. Siempre sexies, nunca se agrietan o apelmazan. Puedes incluso echarte varias capas al día. Genial. 22 euros.

Naked Skin Beauty Balm

Este tubo es como la máquina del tiempo. Un bálsamo de belleza transparente que, en solo 8 semanas, te devuelve el cutis de tus mejores tiempos con toda naturalidad. 34 euros.

Todos los productos Urban Decay se encuentran en Sephora.
 
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Camisa MIRANDA MAKAROFF for Lydia Delgado mirandaforlydia.com + Pantalón CLEAN by KLING www.kling.es + Zapatos ANOTHER STORIES www.stories.com + Anillo DANIEL ESPINOSA www.danielespinosa.com + Peluquería TRESemmé  www.tresemme.es
FOTOS: LAIA BENAVIDES
ESTILISMO: LETICIA ORUE
PELUQUERÍA ANTHONY LLOBET CREATIVE TEAM POR TRESEMMÉ
MAQUILLAJE: ADRIAN RUX
ASISTENTE FOTOGRAFÍA: BORJA ALCORTA
ASISTENTE ESTILISMO: PAOLA TORRES
TEXTO: LILU DIAZ DE QUIJANO
MODELO: NIINA RÄTSEP @ UNO MODELS
PLATÓ:
ADDICT STUDIOS

Gorro VANS www.vans.com
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Como paso previo a las extensiones, Anthony Llobet aplicó el Tratamiento Nutritivo Diamante Fuerza Extrema de TRESemmé para fortalecer aun más el pelo de la modelo. Por solo 5,39 euros te devuelve la vida. Y para mejores resultados, Anthony nos recomendó el champú y el acondicionador de la Gama Diamante Fuerza Extrema de la casa. Una combinación perfecta para obtener un cabello mucho más manejable a la hora de peinar.

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Anthony preparó 2 looks para la sesión. En la propuesta con más movimiento trenzó cada tira de pelo y luego aplicó la Laca Extra Fuerte de TRESemmé. Es ultrafina, pero tiene una fijación de larga duración a prueba de todo. Cuesta solo 4,99 euros. En cambio, para el peinado más liso utilizó el aceite de belleza y brillo de la gama Liso Keratina, que por muy loca que te vuelvas tu pelo no se encrespará jamás. Es brillante y cuesta 5,9 euros.

Mochila, Camisa & Gorra O’NEILL x Kyle Ng colección primavera verano 2015
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FOTO: PACO PEREGRÍN
MODELO: POLI @TREND MODELS

MAQUILLAJE & PELUQUERÍA: ROBERTO SIGUERO
DIRECTOR DE ARTÍSTICO DE  LANCÔME

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El propio currículum de Roberto Siguero impresiona. Licenciado en Bellas Artes, Máster en Diseño, Estilismo de Moda y Realización de Vestuario Escénico. Fue Juan Pedro Hernández, una de las leyendas del maquillaje en España, la primera mano que le formó. Y tras diferentes cursos en Madrid y París, en 1997 comienza a maquillar en el Teatro Real. Un año más tarde entra a formar parte de la nueva generación de maquilladores Lancôme, liderada en ese momento por el gran Fred Farrugia. Contagiado por su arte, Roberto, Director Artístico de Lancôme desde el año 2000, es galardonado como Pincel de Oro, título que le acredita como mejor maquillador internacional de la marca. Una persona con instinto de superación, que también está dispuesta a ayudar a los demás a superarse. Imparte talleres de “Higiene y Maquillaje” a jóvenes discapacitados en la Fundación Carmen Pardo Valcárcel. Y desde hace 10 años colabora con hospitales de Madrid para ayudar a mujeres sometidas a quimioterapia para recuperar tanto su piel como su autoestima a través del maquillaje terapéutico. Ni más ni menos, esta es la persona y el maquillador que nos va a enseñar a utilizar el maquillaje como complemento perfecto para reafirmar un buen currículum.

Propuesta: “Pestañas XXL, piel jugosa, transparente y luminosa. Y labios en colores intensos: rojos, fucsias, naranjas y corales. Un maquillaje versátil, clásico y moderno a la vez. Hemos hecho un ojo estructurado para potenciar la mirada, más clásico y atemporal, y una boca mucho más atrevida, con un labio bicolor. La piel es transparente y jugosa, muy bonita. Creo que es un maquillaje arriesgado… como las lectoras de Neo2. Es un maquillaje para triunfar, pero tienes que estar segura de ti misma. Depende mucho de la personalidad de cada mujer, pero con cualquier maquillaje vas a triunfar si estás segura de lo que quieres”.

Consejos: “Cuando vayas a cambiar de maquillaje tienes que probarlo unos días antes de salir con él a la calle. Debes asegurarte de que realmente estás cómoda y que realmente es eso lo que buscas. Las fotos de los editoriales de moda están hechas para inspirar. Hay que interpretar el maquillaje, no copiarlo al 100%. Por ejemplo, para este beauty hemos hecho un labio bicolor que quizás se adapta mejor a unos labios jugosos, pero si los tienes finos puedes aumentar su volumen con un perfilador”.

Por último, como experto facial, ¿quien cree Roberto Siguero que será una de las caras del 2015?: “Lupita Nyong’o”.

www.lancomespain.com


Lara es fan de la customización. “Es una forma de que la ropa sea más nuestra”. Así que no es de extrañar que fuera una de las primeras personas en estrenar el nuevo templo de la customización en Madrid: Custom Studio de Pepe Jeans London. “Me parece una pasada. Puedes comprarte cualquier prenda denim y personalizarla como quieras. Desde ponerle todo tipo de tachuelas a  desgastarla a voluntad o enriquecerla con ilustraciones impresas por láser”. Pero no te creas que necesitas un máster acelerado en diseño de moda para hacer todo esto. “Hay un experto ayudándote en todo momento. Te explica cómo se hace y también te da su opinión en caso de duda”. Lara realizó el experimento sobre una cazadora vaquera oversize. “Me encantan. Una vez que que escogí la prenda hice el diseño de lo que quería. Quería poner en la espalda el mismo tatuaje que llevo en el pecho (el símbolo de los Illuminati). Lo hicimos con la técnica Láser Print. Y luego añadimos un efecto desgastado alrededor del dibujo”. Y la gran pregunta: ¿Se tarda mucho? “No me llevó nada de tiempo. Tardé más o menos lo mismo en decidirme por la cazadora que en customizarla. Puedes llevar un USB con el dibujo o elegir uno del catálogo de dibujos que hay en la tienda. Hay dibujos muy chulos. Y luego solo tienes que decidir qué  técnica de impresión quieres. El láser tarda menos de un minuto. Es alucinante. Y entre pintar, poner tachuelas, desgastar la prenda y tal, te puede llevar media hora como mucho”. Y seguro que nadie tiene una cazadora como la de Lara.

Nuevo espacio Custom Studio de Pepe Jeans London: Fuencarral, 23 (Madrid)
También en las tiendas de: Claudio Coello, 50 (Madrid) y Provenza, 249 (Barcelona)

www.pepejeans.com
FOTO Y MODELO: LARA ARGUEDAS MARTÍN


El cuerpo, al igual que la mente, necesita un mínimo de preparación para alcanzar ese estado ideal que nos aporta tanta seguridad y confianza en la vida y en el trabajo. Entrenar el intelecto también repercute en el aspecto físico. La inteligencia y el sentido común se encargan de que nos cuidemos vigilando nuestra alimentación e incitándonos al ejercicio físico, aunque sea moderado. Y al igual que necesitamos un buen libro para aprender, buena materia prima para comer, o unas zapatillas apropiadas para hacer running… para cuidar la parte más visible de nuestra anatomía, la piel, también necesitamos un complemento perfecto. Hasta ahora las hidratantes se encargaban de eso. Pero ahora hemos encontrado algo mucho más inteligente: el nuevo Ideal Body Leche-Sérum de Vichy, una innovadora leche ultra-hidratante con la rapidez de absorción de un sérum. Lo tiene todo.
Ideal Body es uno de esos pocos productos maravillosos que aunque eficaz, también es enormemente placentero. Notarás un agradable frescor en cuanto su textura altamente sensorial entre en contacto con tu piel. Inmediatamente se contagiará de suavidad y luminosidad.
Es pura ciencia. De hecho se vende en farmacias. Por un lado, la asociación de 10 Aceites Fundamentales nutren e hidratan la piel con intensidad. Su acción protectora ha sido reforzada con Ácido Hialurónico y Glicerina, cuya misión es como la de una presa que evita la pérdida de agua. Por último, la formulación contiene LHA, un delicado exfoliante que estimula la renovación celular. El resultado lo notarás con los ojos cerrados. Te acariciarás deslizando la punta de los dedos por la superficie de tu piel y la notarás increíblemente suave, lisa y firme. Después, abrirás los ojos y descubrirás la última maravillosa sorpresa: el saludable e unificado tono luminoso que aportan los pigmentos perlados sobre tu piel.
Ideal Body de Vichy te ofrece todo esto en apenas unos segundos de caricias. Y lo mejor es que el efecto de cuerpo ideal permanece durante 48 horas. Es perfecta para pieles normales y secas, incluso para las más sensibles ya que contiene Agua Termal de Vichy y nada de parabenes. Todo por un precio más que razonable, 25 euros. Si me lo permites te diré que me parece “ideal” y muy inteligente.

www.vichy.es
TEXTO: LILU DIAZ DE QUIJANO
FOTOGRAFÍA: NICOLA MAJOCCHI / folio-id.com
TEXTO: SOFIA DOS SANTOS
Solo: “Tenía muy claro el sonido que quería para este disco y lo que quería expresar. Lo he hecho yo todo, desde poner el dinero hasta mandarlo a fábrica. He aprendido mucho en el proceso. Además ha sido muy satisfactorio porque he contado con la colaboración de gente que admiro mucho, como Alex Mel Jr. de Kitai, Maryan Frutos de Kuve, mi amigo Carlos Sadness….”.
Discográfica: “Tuve problemas con mi anterior discográfica. Se supone que la firma de un contrato compromete a las dos partes a una serie de obligaciones y derechos. Mi sensación era de que estaba obligado a todo sin derecho de nada. Aún así me quedaba un tercer disco por publicar con ellos y no me dejaban irme, así que para hacerlo me tocó pagar un pastizal. Dedicarte a la música es una decisión de vida con la que no se debería jugar ni negociar”. Grabación: “Grabé las voces en un momento complicado de mi vida y eso ya ha quedado ahí para siempre, estaba a flor de piel. He cuidado cada sonido, cada arreglo… hasta que no ha sonado como tenía en la cabeza no he descansado. Ha sido un duro trabajo, una producción de equipo, de banda en el local, allí es donde hemos hecho el grueso del trabajo. Tengo que estarle agradecido a mis tres músicos y amigos por su esfuerzo y apoyo en este proyecto: Simón Cordero, Ricardo Esteban y ‘Jimbo’, J.Summers.”. Redes Sociales: “Pienso que estamos más pendientes de hacernos la foto para subir a Instagram metiendo los pies en el agua que de sentir la sal y la arena. En su justa medida y bien usadas están bien, pero creo que las redes sociales han destapado una necesidad brutal que teníamos las personas de observar y ser observados que yo veo bastante desmesurada. Hoy en día se idolatra a gente que tiene un discurso vacío solo porque tienen muchos seguidores o miles de ‘me gusta’ al día”. Modelo: “Bueno... en su día hice alguna cosa como modelo, pero me quedaba todo grande (risas). Eso sí, compré guitarras y equipo gracias a algún curro. La moda te ayuda un poco a que esa obligación diaria de vestirte sea más o menos divertida, pero no entiendo de tendencias, compro mucho en tiendas de segunda mano... Y desde hace poco colaboro con Neon Boots”. Un deseo para 2015: “Dar el salto a México”.

www.polsolo.com
Representado por Uno Bcn.
TEXTO: MONGÓMERI
No sé qué tiene más mérito, si interpretar los bolsos míticos de Loewe o diseñar piezas totalmente inéditas para la marca. Jonathan Anderson ya ha hecho las 2 cosas. Ha aportado su visión creativa de los clásicos Amazona y Flamenco. Y ahora presenta un modelo totalmente nuevo, el bolso “Puzzle”. Una pieza conceptual que refleja el carácter polifacético e innovador de Loewe. ¿Quién lo inter-pretará dentro de 100 años?

www.loewe.com

TEXTO: SERGIO DEL AMO
Evolución: “Ya no somos los mismos de hace unos años porque, obviamente, nos hemos hecho mayores. Tanto las letras como nosotros mismos hemos evolucionado de una forma totalmente natural y ahora nos atrevemos con otros estilos. Por supuesto, no vamos a lanzar ningún tema disco porque es algo que no está a nuestro alcance, pero sí que nos gusta experimentar con otras cosas. Seguimos siendo los mismos Kitty, Daisy & Lewis inevitablemente, aunque diría que ahora sonamos mucho más reales que nunca”. Nuevo estudio: “Durante los últimos años nos apañábamos con un pequeño estudio en casa de nuestra madre, pero para esta ocasión sabíamos de antemano que teníamos que dar un paso adelante y encontrar un espacio de trabajo más grande y cómodo para todos. El sonido de ‘The Third’ tenía que ser mucho más limpio que el de nuestros álbumes previos. Y, por ello, decidimos cons-truir un nuevo estudio en un restaurante indio abandonado de Camden para poder andar a nuestras anchas y para que nuestra querida madre pueda ver la televisión y leer tranquilamente sin que estemos a pocos metros de ella tocando obsesivamente sin parar durante todo el día”. Mick Jones: “Necesitábamos a alguien que nos ayudara a sonar mucho más contemporáneos que de costumbre. Al principio fue difícil dejar entrar en la familia a un extraño porque no estamos acostumbrados a ello, pero la elección de Mick Jones como productor ha sido estupenda. Antes de tener el estudio listo estuvo viviendo con nosotros en casa durante cinco meses, haciéndole partícipe de nuestra música y nuestras vidas. Siempre trabajamos con tecnología analógica y él de ello no tiene mucha idea la verdad. Sin embargo, trabajar con alguien como Jones ha sido muy provechoso al final porque es una persona que te aporta muchísimas ideas y, ante todo, te anima a pasarlo bien mientras tocas”. Stevie Wonder: “Escuchamos todo tipo de música mientras trabajamos en las canciones, pero debo confesar que el que más sonó fue Stevie Wonder porque, de alguna manera, los temas que estábamos desarrollando nos recordaban a él. También, en mi caso, suelo escuchar mucha música techno, aunque eso no es algo que se aprecie en nuestros discos precisamente”. ¿2015?: “Lo mejor es no esperar nada del año nuevo. Ni el éxito ni vender millones de discos podrá cambiar jamás la satisfacción que sentimos cuando tocamos juntos”.
TEXTO: SOFÍA DOS SANTOS
FOTOS: LEAFHOPPER LEAFHOPPER.EU
Condensar nuestros 20 años de vida en una exposición no ha sido tarea fácil. Muchas, muchísimas cosas se han quedado fuera, pero el espacio expositivo es lo que tiene: límites. Aún así ha sido muy divertido echar la vista atrás y ver todas las aventuras por las que hemos pasado a lo largo de todos estos años. Aventuras y también desventuras, que no todo es tan bonito como parece, y hacer una revista, sobre todo siendo un medio 100% independiente, también implica mucho esfuerzo y muchos quebraderos de cabeza.  La exposición, comisariada conjuntamente con Gonzalo Herrero Delicado, se inauguró a finales de noviembre pasado, ya que estaba incluida dentro de las actividades del festival MMOD (Murcia Open Design), que convirtió a Murcia por unos días en la capital creativa nacional. Neo2 Open Files plasma la historia de nuestra revista, pero también la del diseño, el arte y la fotografía más reciente. Una exposición concebida como documento gráfico, no podía ser de otra manera, y estructurada de forma lineal a lo largo de los años, pero donde también hemos querido incluir piezas físicas de algunos de los muchos creadores nacionales e internacionales que han pasado por nuestras páginas, como la chaqueta de Amaya Arzuaga con la que Lady Gaga posó para una portada de Neo2 o el famoso vestido de La Casita de Wendy que lució Björk. También pusimos banda sonora a estos 20 años, seleccionando una canción para cada uno de ellos. Aquí podéis ver algunas fotos del día de la inauguración y de la fiesta posterior donde pinchó Pascal Moscheni. Con Neo2 Open Files hemos descubierto un nuevo formato itinerante para plasmar la creatividad en vivo. Así que seguiremos abriendo archivos, espacios y mentes. 

Neo2 Open Files.
Hasta el 7 de enero.
Sala Enfátika. Calle Arquitecto Cerdán Martínez, sótano (Murcia).


TEXTO: JOE MADRAZO
“Elemento” es una palabra con acepciones muy interesantes. Se utiliza para describir la composición de los cuerpos. Hace referencia a los principios fundamentales de la vida: tierra, agua, aire y fuego. Es el medio donde vive y se desarrolla cada ser. También define cada una de las partes de una estructura o conjunto. Quizás por todo eso se la apropió Johnny Schillereff en 1992 para crear Element. Una marca integrada en la cultura street-wear y en la naturaleza. Ambos elementos se encuentran siempre en sus colecciones. Un buen ejemplo lo encontramos en su colección de calzado Emerald para la primavera verano 2015. Zapatos hechos para resistir, duros y bellos, y de ahí el nombre de la colección Emerald que significa “esmeralda”. Entre sus elementos tenemos cáñamo, bambú prensado y suelas de caucho reciclado. Nuestro modelo favorito es el Mitake, nombre que hace referencia al célebre monte sagrado japonés. Un diseño que fusiona la cultura alpina con la urbana de forma muy acertada. 

www.elementbrand.com
TEXTO: SERGIO DEL AMO
FOTO: SHERVIN LAINEZ
Poco queda de aquel “Cape Dory” con el que a principios de 2011 el matrimonio formado por Alaina Moore y Patrick Riley se presentó en sociedad. La pareja de Denver construyó aquellas primigenias canciones casi por casualidad, después de que ambos se embarcaran en una travesía en barco por la costa americana y, por capricho del destino, se dieran cuenta de que tenían sobradas dotes para esto de la música. Su debut bebía del lo-fi californiano tan en boga por entonces gracias a bandas como Best Coast, sabía a agua salada y a cualquiera le hacía soñar despierto con las playas de los años 50. No obstante, un año más tarde de aquello dieron una pequeña vuelta de tuerca a su sonido dejándose querer por arreglos algo más noise (aunque la baja fidelidad ahí seguía) en “Young & Old”, y ya en 2014 con el EP “Small Sound” volvieron a  reafirmar la idea reflejándose por primera vez en otros géneros como el soul y funk, ya con James Barone como batería y tercer miembro oficial de la banda. Su evolución ha pillado a muchos por sorpresa, pero ahora con su tercer largo, “Ritual In Repeat”, su transformación se oficializa en mayúsculas. Producido por Jim Eno de Spoon, Patrick Carney de The Black Keys y Richard Swift de The Shins, “Ritual On Repeat” es un largo en el que se han despedido completamente de cualquier muro de sonido lo-fi y en el que apuestan por un producto más vigoréxico donde se vislumbran ecos del rock AOR de los setenta (la muy Fleetwood Mac “Viv Without The N”), estribillos pop sobresalientes con guirnaldas sintéticas (“Night Vision”, una de las mejores canciones de toda su carrera), folk pastoral (“Wounded Heart”) y algún recuerdo, aunque del todo pasajero, a sus inicios playeros (“Timothy”). Se agradece, y  mucho, que lejos de encasillarse el grupo se haya profesionalizado de esta manera y disco tras disco busque transformar sus patrones dejando a relucir nuevos planteamientos sonoros del todo impensables cuando debutaron en la industria. Renovarse o morir, sí. Pero encima van y lo hacen con nota. 

“Ritual in Repeat” está editado por Communion Records y distribuido por Music As Usual.
TEXTO: CARMEN COCINA
En el número anterior de Neo2 propusimos un reto a los diseñadores: ¿por qué los volantes tienen que ser redondos? Con esta inquietud se lanzó el concurso Steering Wheel Ford. Y lo ganó un estudiante de EUDI (Escuela de Diseño Industrial de Galicia): Fernando Ponte Lens. Su visión de lo que es un volante del futuro se impuso a cientos de participantes de Reino Unido, Italia, Alemania y España: pantalla informativa multitáctil, dirección electrónica, controlador universal único y disposición ergonómica para disfrutar al 100% de la experiencia multimedia. Como recompensa, Ponte viajó al Centro de Diseño Ford en Colonia, donde tuvo ocasión de presentar su proyecto a Joel Piaskowski, Jefe de Diseño de Ford Europa, y Erika Tsubaki, Res-ponsable de Estrategia de Diseño y Futuro. La cuadratura del círculo triunfó.
TEXTO: SOFIA DOS SANTOS
Basurama lleva desde el año 2001 intentando concienciarnos, a través de sus instalaciones artísticas, del gran problema que supone la eliminación de nuestras basuras, algo que va irremediablemente unido a la producción y el consumo. “In Love We Trash”, el último de sus proyectos, ha pasado ya por más de 10 países de los 4 continentes, aunque cada intervención es única, porque siempre se adapta a la ciudad donde se ubica. Con motivo de su llegada a Ciudad del Cabo para participar en esta gran cita del diseño el colectivo llevó a cabo una investigación sobre los mares y costas de Sudáfrica con unos resultados bastante desoladores, y es que, tras analizar 50 playas sudafricanas, incluso algunas muy remotas, han descubierto que en cinco años la contaminación de plástico ha aumentado más de un 190%. Como esta enorme cantidad es difícil de visualizar, crearon, dentro de su proyecto global “In Love We Trash”, la instalación titulada “Inhabiting a Plastic Ocean”, específica para Sudáfrica, que consistía en 3 esculturas en forma de cubos  habitables para que seamos conscientes de las dimensiones de nuestro modelo de consumo. La primera, un cubo de 3x3x3 metros, se realizó a partir del número de bolsas que un habitante de ciudad del Cabo se lleva a casa a lo largo de un año; la segunda, de 9x9x9 metros, se construyó partiendo del volumen de basura que se produce en la ciudad sudafricana en solo una hora; y la tercera, la más grande, de 12x12x12 metros, similar a un edificio de 4 plantas, muestra la cantidad de plástico que acaba en los océanos. En total se utilizaron 240 kilos de plástico para realizar estas esculturas. Una cantidad descomunal que nos hace enfrentarnos, aunque sea de una manera lúdica, al gran problema que este material supone para el medio ambiente, uno de los más graves, la muerte de nada menos que 1.5 millones de animales al año. Da que pensar, ¿no?

www.basurama.org
TEXTO: MARIANO MAYER

Si nos propusiéramos describir las dos esculturas que conforman “The Function Of Form”, la exposición individual de Luciana Lamothe que estos días presenta la galería Alberta Pane (París), como una senda que al atravesarla nos traslada de un lugar a otro y un sofá sin respaldo, estaríamos devolvien-do estas extrañas estructuras al mundo conocido. Pero la descripción no es baladí,  ya que es este reconocimiento el que nos va a permitir utilizar tales formas. Sentarnos en ellas y atravesarlas nos permite descubrir un sistema de ritmos y repeticiones.

Hasta el 31 de enero, www.galeriealbertapane.com
TEXTO: COVADONGA GARCÍA  IMÁGENES: © CHRIS JACKSON / GETTY IMAGES

El artista británico afincado en Los Ángeles Walead Beshty ha creado por encargo del  Barbican Centre en Londres una nueva instalación. Las obras de Beshty analizan la capacidad que tiene la fotografía para criticar las condiciones políticas y sociales del mundo actual. Este collage fotográfico gigante está formado  por más de 12.000 impresiones fotográficas producidas por el proceso de cianotipo. La cianotipia es una técnica fotográfica que consiste en aplicar la propiedad fotosensible de las sales de hierro para obtener copias de una imagen original en color cian. Un término procedente del griego “kýanos”: azul oscuro. Esta técnica fue inventada por el astrónomo británico Sir John Herschel en 1842 quien designó a este proceso como cianotipo. Para hacer esta instalación Beshty utilizó objetos de su propio estudio que colocó sobre una superficie porosa (papel o cartón) recubrió con UV y luego secó al sol. El resultado es una silueta del objeto con un fondo azul. Este trabajo se realizó en el transcurso de un año y se ha instalado en el espacio The Curve. Ocupa 90 metros de largo desde el suelo hasta el techo y hace uso de todo el espacio y de la panorámica de la galería. Una plataforma central especialmente diseñada por el estudio londinense David Kohn Architects y construida con materiales reciclados de una exposición anterior, permite al visitante ver la obra desde puntos de vista alternativos. La instalación se presenta en orden cronológico, lo que permite observar el trabajo siguiendo una línea de tiempo visual. El proceso de construcción comenzó en el estudio de Beshty en Los Ángeles en octubre de 2013 y culminó en Londres.  

Hasta el 8 de febrero de 2015
The Curve, Barbican Centre, Londres
www.barbican.org.uk
Campus o la Babel del conocimiento, 2002- 2004. Instalación.
Campus o la Babel del concimiento.
Campus o la Babel del concimiento.
De la serie Sin título (Alcantarillas), 2014. Instalación.
TEXTO: DIANA CUÉLLAR  FOTOS: OAK TAYLOR-SMITH
Mediante fotografías, instalaciones, intervenciones y arte objeto, el artista cubano explora las intrincadas tensiones simbólicas y sociales que subyacen al tejido urbano. Entre los proyectos urbanísticos y las urgencias vitales de los habitantes, la ciudad se erige como un conjunto de procesos aleatorios de adaptación y apropiación del espacio. Por más que pretenda regularse, la vida de la ciudad escapa, casi por definición, a los intentos sistemáticos por ordenarla. Es la tercera ley de la termodinámica, el principio entrópico que nos mantiene vivos. Si a lo largo de su carrera artística Garaicoa ya había explorado esos derroteros a partir de su natal Habana y de otras ciudades, en esta ocasión presenta un nuevo corpus de obra inspirada en Madrid, su ciudad de residencia. De esta manera establece un puente entre las micro-realidades ciudadanas y las demandas sociales en medio de la emergencia económica y el fracaso de dos utopías aparentemente en las antípodas: socialismo y capitalismo se unen en el clamor de la sociedad civil que se reivindica en el espacio público. Así, en Cerámicas pornoindignadas (2012-2014) los anuncios/azulejos del barrio de Malasaña han sido apropiados y sus frases publicitarias fueron cambiadas, no sin picardía, por agudas consignas sociales. Las conflictivas relaciones entre orden y poder se codifican en una sala de alta seguridad que encierra dos joyas de oro macizo en sus respectivas cajas fuertes. Son dos réplicas en miniatura del Bundesbank alemán y el Banco de España, que se exhiben bajo la vigilancia de un guardia. Dos maquetas, Edificio Público como Ágora Griega y Babel del Conocimiento, nos sitúan ante la imposibilidad de estos dos proyectos utópicos: lo bíblico y lo político, el saber y la religión, las lenguas y las prácticas, como una sentencia sobre la imposibilidad del orden total.

Hasta el 8 de marzo.
CA2M.  www.ca2m.org
TEXTO: CARMEN COCINA
17 nombres y un solo lugar común: la ausencia de lugares comunes. Es decir, un rechazo pancrático a las categorías, a las etiquetas, a las clasificaciones que pretenden asir lo intangible. Un fenómeno cultural identificado por el escritor sci-fi William Gibson que, paradójicamente, permite agrupar a una generación de pintores del nuevo milenio bajo el paraguas de lo que él define como “atemporalidad”: un producto de nuestro tiempo, pero despojado de todo contexto temporal en fondo y forma. La coexistencia de todas las eras se da cita en el MoMA.

The Forever Now: Contemporary Painting in an Atemporal World.
Hasta el 5 de abril en MoMA. 11 West 53 Street. Nueva York.
TEXTO: CARMEN COCINA
Lo que se viene llamando “retail therapy” es el pan nuestro de cada día en el denominado Primer Mundo. Una voz anglosajona no exenta de cierto sarcasmo que la australiana Tennille Sanders ha tomado como fuente de inspiración en su segunda colección, .prescribed: “Quería explorar si, más allá de esa expresión coloquial, podía concebirse una aplicación terapéutica real a partir de la moda. Personalmente, creo que la moda es una vía para identificar nuestras ansiedades y una manifestación de la interconexión entre la apariencia física y el estado mental. Leí varios estudios sobre la influencia de la moda en algunos trastornos de ansiedad y me alarmó descubrir que muchas personas compran ropa que después, por vergüenza o reparo, no llegan a ponerse en público. Fue así como di con un ensayo de la doctora Karen Pine, impulsora de la terapia de grupo ‘Haz Algo Diferente’, en la que anima a sus pacientes a romper su zona de confort po-niéndose algo que normalmente les intimidaría llevar. Y pensé: ¿Y si la moda pudiera ser una forma de psicoterapia? ¿Podría la mera táctica de vestir determinadas prendas usarse para fomentar una autopercepción positiva, e incluso sustituir a los ansiolíticos? Y así nació .prescribed”. Una receta figurada de formas rotundas y depuradas que contrasta radicalmente con el batiburrillo gipsy-tomboy de su anterior colección, con una importante salvedad: “Ambas tienen en común su intencionado alejamiento de la línea natural del cuerpo. Ahora buscaba un equilibrio entre la contemporaneidad de los patrones arquitectónicos y el clasicismo de la sastrería. Esta combinación entre las líneas limpias y las proporciones exageradas me resulta muy atractiva”. Una composición volumétrica que incorpora una inusual peculiaridad: la introducción de líneas curvas como contrapunto a la rigidez poligonal. Una opción que tiene tanto de ética como de pragmática: “He respetado las curvas naturales del cuello, la axila y la cadera por razones prácticas, para que las prendas fluyan con comodidad a pesar de su rigidez. Otras redondeces se forman espontáneamente al vestir la prenda, que pierde parte de su rigidez con la caída sobre un cuerpo curvilíneo. Además, la colección es un homenaje por contraste a la fisionomía natural humana, con una alusión implícita a una realidad de nuestro tiempo: la percepción distorsionada de su propio cuerpo que muchas personas tienen al mirarse en el espejo, clara manifestación de sus temores y dudas”.  

www.tennillesanders.com

TEXTO: CARMEN COCINA FOTOS: LAILA HIDA
Una críptica afirmación preside la interface del sitio web de Art-C: “Fuimos cuadros en un momento del pasado”. Artsi Ifrach la explica así: “Cuando trabajo, intento traducir mi imaginación y creatividad de tal forma que el resultado tenga una estética fotográfico-pictórica: crear una foto como si fuese un cuadro. Mi colección IN DNA (juego de palabras entre DNA e India) recoge la riqueza cultural de India, cuyas escenas cotidianas me recuerdan a veces a antiguas pinturas flamencas. La frase alude a la atemporalidad, porque algunas fotografías de hoy habrían sido creadas como cuadros en el pasado”. Escenas tan costumbristas como las que ilustran el catálogo de esta colección: mujeres con toquilla que juntan las palmas en un ritual religioso, doncellas que sujetan pintorescas muñecas de trapo o lugareños tocando una vieja cítara
africana (reliquia hallada por Artsi  en el rastro de Marrakech), todos ellos ataviados con un popurrí de tejidos y estampados que evidencian su laboriosa excelencia artesanal. Raíces, tradición, memoria: igual que en nuestro genoma, todo está en IN DNA: “Creo mis piezas con total libertad, desde el estado mental en el que me encuentro en cada momento. La clave es ser respetuoso con la herencia cultu-ral y traer algo más cálido al presente. Intento imprimir un recuerdo personal en cada una de mis prendas. Los tejidos antiguos ayudan a ello, conciliando pasado y presente. Como en el resto de mi trabajo, para elegirlos me dejo guiar por mis emociones, mi imaginación y mi intuición. En esos momentos he de sentir que he encontrado un tesoro”. Un proceso de búsqueda vital que llevó a Artsi Ifrach del mundo del ballet al de la moda, de Tel Aviv a París, y finalmente a Marrakech, desde donde crea ajena a la industria. “No me importa lo que suceda en la industria de la moda porque no me considero una industria. La moda es un trabajo global, y desafortunadamente a día de hoy se abusa de ella, de manera que mucha gente trabaja en ella por los motivos equivocados, tratándola como un producto, no como un arte. No son creadores de moda lo que escasea en mi entorno, sino la creatividad que surge de la libertad, por oposición al acicate comercial”. Una vía de escape que aterrizará este año en Madrid en forma de flagship store, junto con su primera colección de prêt-à-porter.

art-c-fashion.com
TEXTO: CARMEN COCINA
Como tantas veces, el camino de Satu Maraanen hacia el Diseño de Moda no ha sido una línea recta. Pese a una vocación más que temprana (aprendió a coser antes que a leer), el imperativo de ganarse el pan suyo de cada día y su falta de confianza en la pragmática del asunto fueron lo suficientemente disuasorios como para hacerla decantarse por la alternativa de Bellas Artes. No tardó mucho en convencerse de que espolear la creatividad de terceros desde la enseñanza no bastaba para canalizar su boyante ima-ginación y, por ende, en operar el cambio y corto al Diseño de Moda. Sus prendas, bañadas en difusas pinceladas de color como si de lienzos se tratasen, recogen los recuer-dos de sus vacaciones infantiles en la casa de campo familiar, sus baños en el lago y sus paseos por el bosque, plasmados como hermosos paisajes sobre tela. De esos parajes viene también, dice, el minimalismo que comparte con sus paisanos escandinavos: “Nuestra casa de verano estaba rodeada de arquitectura limpia y práctica, construcciones en madera, muebles rústicos… Además, crecí rodeada de los estampados Marimekko, lo que inevitablemente ha imprimido el sello nórdico a mi trabajo. Y también el amor por los colores. En Finlandia, es necesario rodearse de colores cálidos y alegres para sobrevivir al largo y oscuro invierno”. Su colección SS 2015, “Geometry Of Futufolk”, extrapola estas referencias a la artesanía folk, la fiebre intergaláctica de los 60 y el carácter ornamental del Barroco: “Me documenté sobre las técnicas artesanales típicas de mi país, los pergaminos de los monasterios y modistos como André Cou-rrèges y Pierre Cardin, que marcaron un hito con sus futuristas diseños de inspiración espacial, sus patrones geométricos y sus prendas en plástico y metal. Mi colección es una fusión de la alta costura de los 60 y el ready-to-wear. Gran parte de los estampados, de inspiración expresionista, están pintados a mano y revestidos con una pantalla de seda. Por su parte, las prendas con estampados digitales están decoradas a base de trenzas de abedul, granito y serrín, y algunos también con esa pátina de seda y pintura a mano. Con todo ello pretendo ofrecer una visión joven y naif de la Alta Costura”. El 2015 se presenta ajetreado: colaboraciones con Petit Bateau, la conquista del mercado chino y una serie de de estampados para la popular casa Marimekko bajo el auspicio de Anna Teurnell, ex directora creativa de &Other Stories.  

www.satumaaranen.com
Vista de toda la colección a excepción de la vitrina.
Isla de trabajo.
Mut Design y firma española Miras Editions
Carrito auxiliar
Armario
Vitrina.
TEXTO: TACHY MORA  FOTOS: ASIER RUA
El estudio valenciano Mut Design y la nueva firma española Miras Editions acaban de lanzar Float, una pequeña colección de mobiliario que busca expandir los límites estéticos y de configuración de la cocina. La principal idea de Alberto Sánchez, diseñador y fundador de Mut, era encontrar un nuevo lenguaje que permitiera “generar un paisaje que se integrara de manera natural en el salón, al tiempo que fueran piezas que funcionaran tanto en conjunto como por separado”. Así, la colección Float consta de cinco muebles: una isla de trabajo, un aparador, una vitrina, un carrito de servicio y un separador de ambientes. A excepción de la isla de trabajo que es la más evidente al integrar la instalación de agua y la placa para cocinar, los cuatro elementos restantes son piezas que podrían amueblar perfectamente cualquier otro espacio, pues carecen de conexión estética con una cocina al uso. El separador, por ejemplo, es un elemento realmente neutro que puede funcionar tanto para delimitar el salón como un espacio de trabajo o un dormitorio del “área para cocinar”; llegados a este punto el término “cocina” empieza a quedarse algo corto. Muebles de este tipo hacen más fácil un esquema de casa menos tradicional o con los clásicos espacios delimitados. Fusionar la cocina con el salón es lo más inmediato y obvio pues en cierto modo se complementan. La estética de Float hace posible esta fusión sin transiciones bruscas. Pero no sólo con el salón, también con espacios de usos múltiples en los que se quiera atenuar el protagonismo de la cocina, algo ciertamente complicado pues, o bien salta a la vista por su presencia clásica, o bien por todo lo contrario. Siempre hay algo que la delata. La colección Float tiene por el contrario la capacidad de resultar circunstancial, ausente. Está pero no está. Y al mismo tiempo resulta altamente funcional. Tanto la isla de trabajo como el resto de elementos son de libre instalación, tratando de evitar lo máximo posible la ubicación perimetral para potenciar que el acto de cocinar no se produzca tristemente de cara a una pared. El aparador grande está preparado para albergar electrodomésticos como el horno, que se pueden hacer desaparecer tras sus puertas correderas perforadas. Y Mut ha recuperado también dos piezas tradicionales en desuso: la vitrina y la camarera, especialmente ideadas para incrementar transiciones fluidas con otros espacios o funcionalidades próximas al área de cocinar. Su estética mezcla además un montón de tendencias del momento. Por un lado el uso del mármol y la madera natural, casi ruda. Por otro, los detalles en cobre en las bandejas inferiores de la vitrina o el carrito y de bases como la del fregadero, que por cierto bien podría pasar también por un lavabo de cuarto de baño. Tampoco podía faltar alguna referencia al New Memphis, ese guiño revisado al estilo Memphis que desde hace un par de años lo impregna todo sutilmente. Como guinda Miras Editions se encarga de hacer de su producción todo un arte. “Compartíamos el gusto por las formas clásicas, pero pasadas por el tamiz de la modernidad. Una nueva estética basada en nuevos materiales, nuevos acabados y nuevas formas de producción”, cuenta Alberto sobre esta nueva empresa recién lanzada por el ebanista Javier Miras.

www.mutdesign.com
www.miraseditions.com
Aparador
Separador de ambientes con cajonera.
Detalle fregadero de mármol
Biombo con miniestantería
Carrito auxiliar

TEXTO: SARA MORALES   FOTO: VIR EXPÓSITO
Identidad: “Somos de Santiago de Compostela y hacemos música bonita, extraña, me-lancólica, a veces ruidosa y por momentos alegre. Nuestro nombre significa ‘templo del puma’ y son las ruinas de un templo que hay en Bolivia. Teníamos muchas ganas de lanzar el disco porque llevábamos casi un año esperando. Hacerlo con el sello Matapadre fue un poco por casualidad; nos llamaron para un concierto y les contestamos que podíamos tocar si nos sacaban el disco; les dimos tanta pena que aceptaron. Hemos invertido mucho tiempo, recursos y esfuerzo”. Prioridad: “Nos prima el sonido, aunque ahora estamos intentando darle más peso a las palabras. Nos encantaría ser músicos y buenos poetas, pero por ahora solo somos músicos. El inglés nos sale natural por la música que escuchamos, además nuestro cantante vivió buena parte de su vida fuera de España y aprendió a hablar en inglés. Dicho esto, te-nemos un par de canciones en gallego y castellano que empezaremos a tocar pronto”. Referentes: “Bebemos de la música de Syd Barrett y nuestro enfoque es similar al suyo. Esa contraposición de diferentes ‘moods’ que hay en el disco es herencia directa de él. Los Beatles, Cream o los Kinks también acabaron colándose en nuestras canciones. Además nos encantan los grupos alemanes de finales de los sesenta y setenta, y los de los noventa que retomaron la tradición psicodélica en Estados Unidos y Gran Bretaña”. Toque Final: “Ha sido estupenda la gran aportación al disco de Rodrigo Caamaño y Roberto Mallo, de Triángulo de Amor Bizarro. Supieron ver lo que queríamos y nos guiaron para conseguirlo. De Triángulo siempre me sorprendió cómo son capaces de grabar esas guitarras tan ruidosas que quedan tan bien empastadas en las canciones que hacen”. Galicia: “Hay una escena musical gallega muy saludable. La facilidad para poder tocar y moverse por Galicia está haciendo que nazcan un montón de grupos. Además, iniciativas como A Seara, Discos Porno, Metamovida o Liceo Mutante, están ayudando a dinamizar la escena”.

“Is It In You?” está editado por Matapadr
Su nombre empezó a despegar a mediados de octubre del 2014 a raíz de la filtración de “Continental Shelf”, una pieza que recobraba la oscuridad de los Interpol de los inicios, los más inspirados, para añadirle unas go-tas de Pixies y Bauhaus. Una masa de sonido alimentada por riffs pronunciados, atmósferas densas y desoladoras, voces graves y alicaídas, que forma parte de este primer LP que verá la luz de las estanterías el día 20 de enero. En él dan rienda suelta a un post-punk oscurecido con ramalazos noise, punk, y algunos barnices psicodélicos que parecen extraídos del sonido Nuggets, los primeros discos de Pink Floyd o la música de Kevin Ayers. La banda la componen Matt Flegel (vocalista y bajista), Mike Wa-llace (batería), Scott Munro (guitarra y sintetizador) y Daniel Christiansen (guitarra). Su corta historia arranca en 2010, cuando la banda canadiense Women decide tomarse un hiato indefinido después de que dos de sus miembros protagonizaran una pelea encima del escenario. Las tentativas de reunificación se disiparían completamente en 2012 con la muerte repentina de su guita-rrista, Christopher Reimer. Sin embargo, de las cenizas de Women nacerá Viet Cong. Su germen se ubica en Alemania, en el 2011, cuando Matt Flegel y Scott Munro, en medio de una gira con Chad VanGaalen,  plantan la idea de crear un proyecto conjunto. Al año siguiente, la trágica muerte de su compañero y amigo, a quien iban a sumar a la nueva formación, acelera su materia-lización y para ello deciden reclutar al exbatería de Women y al guitarrista Danny Christansen. En ese mismo año editan su primera referencia, “Cassette”, un disco concierto. Ya en 2014 llegaría su actuación en el influyente SXSW, y meses después este “Continental Shelf” con el que se han ganado plena atención por parte de medios especializados. Enero es el mes elegido para publicar los otros seis temas grabados en un estudio de la rural Ontario con Graham Walsh (Holy Fuck) en la producción. Tras el lanzamiento del disco se lanzarán a un tour por América y Europa. Aunque su idea es seguir empaquetando píldoras de este post-rock tan enigmático. En el crudo invierno de Canadá, en la oscuridad de su sótano estudio, oportunidades no les faltarán. 

“Viet Cong” está editado por Jagjaguwar y distribuido por Everlasting.
TEXTO: MARC MUÑOZ FOTO: COLIN WAY
DISEÑO
MODA
Texto: CUTU MAZUELOS Lleva 20 años desarrollando proyectos de diseño industrial y de interiores en su estudio Stone Designs. Apasionado por su trabajo, no deja de crear nuevos conceptos desde sus oficinas de Nueva York, Tokyo, Madrid, Moscú y Shanghai.
Texto LETICIA ORÚE Creadora de la mítica pasarela bilbaína Modorrra. Actualmente compagina profesionalmente su faceta de estilista con la de periodista de moda en medios como Neo2, I-D Spain y Diario Gara.

Pues sí señores. Ese es el término que me acabo de inventar para denominar un nuevo estilo de diseño que lleva ya vertidos largos ríos de tinta, o en este caso, de píxeles. Me sorprende cómo de la noche a la mañana y tras el azote de una profunda crisis, la sociedad retomó valores más esenciales que desembocaron en una clara inspiración en la naturaleza.
He visto cientos de compañeros que han pasado de ser los más urbanitas y amantes del asfalto a convertirse en fervientes activistas de la agricultura ecológica y de los huertos, por supuesto urbanos, que eso de tener que labrar la tierra es algo que tiene muy poco glamour. Me enoja ver cómo pretenden hacerme creer que las piezas de uno y otro están inspiradas en esa naturaleza de monitor que sus inspirados solo han visto a través de una foto ya editada miles de veces con colores saturados hasta el infinito. Yo por suerte siempre he vivido en contacto con el lado más salvaje de esta naturaleza y es algo mucho más intenso que una bonita foto de banco de imagen al calor del radiador. Me ha enseñado a engranar las piezas para conseguir que todo goce de una armonía que si no, no existiría. La naturaleza en sí, siempre aporta una experiencia global que da sentido a nuestra existencia y nos demuestra dónde estamos, cuál es nuestro cometido y lo simple que debe ser nuestra vida para preservarla.
Esto está bastante lejos de lo que muchos se empeñan en mostrar en sus Natural Poser de salón, en las que una simple hoja o la rama de un árbol les convierte en diseñadores modernos que han aparcado el coche para moverse en bici.
Siempre he pensado que si quieres que alguien respete su entorno y lo comprenda, lo mejor es hacer que lo ame. Eso hicieron conmigo desde pequeño y a día de hoy solo en la naturaleza me siento realmente alguien importante. Allí siento que todas las piezas encajan, que realmente pertenezco a este mundo y que cuando me vaya, mi recuerdo quedará impreso de alguna manera.
No critico que los diseñadores trendy se inspiren en fotos de espacios naturales, sencillamente creo que es una manera muy frívola de convertirlos en piezas que finalmente carecen del alma, la esencia y el poso, que cualquier vivencia en la naturaleza te aporta.
Os animo compañeros urbanitas de profesión a que viváis verdaderas experiencias en la naturaleza. Que busquéis las respuestas mas allá de lo que os muestra vuestro brillante Mac porque éste no es más que un portador de recuerdos distorsionados, de los que casi ninguno es vuestro.
No hace mucho Anna Wintour provocó un gran revuelo cuando, en una conferencia en la St. Martins, reflexionaba sobre cómo los desfiles quizá no sean la mejor opción para mostrar una colección. Y después de recorrerme unas cuantas fashion weeks estatales no puedo estar más de acuerdo con ella. Os contaré una pequeña historia para que me entendáis. Hace unos cuantos años dirigía una pasarela de jóvenes diseñadores en Bilbao. Un proyecto que creció, por el que pasó gente de todo el mundo y en el que me di el gustazo de apostar por un comisariado underground que mezclaba creadores de todo el mundo en una búsqueda constante de sinergias y aprendizaje. Un proyecto que decidí terminar no por falta de financiación o por falta de ideas, sino porque tras varios años me di cuenta de que no cumplía los objetivos para los que fue creado. Desde ese brote de lucidez existencial, sigo preguntándome porqué muchas comunidades autónomas continúan gastando dinero público en eventos que nunca van a cumplir los pretenciosos objetivos que persiguen. Léase: una cuidada selección de diseñadores (cosa que no sucede en el 90% de los casos ya que el programa suele estar plagado de diseñadores locales que realizan un trabajo extra, no siempre de calidad, para poder llevar un número “adecuado” de outfis a la pasarela); una difusión internacional que sitúe a la ciudad en el mapa de la industria (la mayoría de prensa internacional con la que me ha tocado compartir front row en estos eventos se dedica más a la autopromoción) y un espacio para que las marcas puedan entrar en contacto con buyers (yo no soy experta en buyers pero puedo asegurar que no he visto muchos)… Podría continuar enumerando frases de corte político que plagan dosieres de prensa y discursos de presentadoras y que supongo son las que han servido para que funcionarios públicos accedan a destinar dinero público a acciones de moda. No puedo evitar tener cariño a las pasarelas regionales pero sinceramente, ¿no creéis que estos eventos son fiestas sociales donde la people de la ciudad se pone sus mejores galas y tiembla por ser fotografiada en el kissing room? Deberíamos ser más responsables con el dinero público e invertir en cosas mucho más urgentes como un centro de producción  y desarrollo empresarial donde los diseñadores pudieran compartir taller de producción, maquinaria, despacho de prensa y relaciones públicas y por supuesto agentes comerciales. Y cuando se hayan creado sinergias, hayan comenzado a vender, a crecer de forma sostenible y solidaria, a impulsar la industria y a aprender los unos de los otros, nos montamos una fiesta que te cagas, para celebrar el trabajo bien hecho. Y con barra libre porfa, porque esa fiesta la estamos pagando con dinero de todos.

MÚSICA
ARTE
Texto: JOAN CASUELLAS Dirige, junto a Rafa Piera, el sello El Genio Equivocado. Ambos son también conocidos como Pin&Pon Dj’s y Joan dirige además la web indienauta.com. En enero el sello cumple 5 años y lo celebran con fiestas en Barcelona, Madrid y Sevilla.
Texto PEDRO PARICIO Pintor canario que con solo 33 años se ha situado en la élite del arte internacional. Actualmente vive y trabaja entre Tenerife y Londres.
Si tenéis un grupo y queréis labraros una carrera musical que os depare algo de repercusión (y consecuentemente algo de ingresos económicos), se pueden plantear dudas respecto a si la mejor opción será que te edite una discográfica de las de toda la vida, o es mejor autoeditarse pasando de depender de nadie. Por una parte, las posibilidades de costearse un disco aumentaron con el abaratamiento de los gastos de grabación (hay gente que se monta un estudio en casa con una mínima inversión) e incluso con las posibilidades que ofrece el crowdfunding. Por otra parte, hacer, por ejemplo, una tirada de CDs sale bastante económico. Y así llegamos al meollo del asunto, vuestro flamante nuevo disco ya está listo para que se escuche. Autoedición significa además ser dueño de tu música (ni porcentajes editoriales, ni porcentajes por ventas…), y si  a eso añadimos que Internet te permite colocar donde quieras tus canciones y enseñárselas al mundo, ¿para qué necesitáis un sello discográfico? En nuestro país tenemos ejemplos más o menos exitosos cuando hablamos de autoedición (Vetusta Morla, Jero Romero, Amaral, Nacho Vegas…), y queda claro que esta posibilidad se ha convertido en una alternativa real al alcance de cualquier creador. Hasta aquí todo muy bonito y lleno de posibilidades. Pero ese flamante disco que tenéis listo para que se escuche necesita algo más que un soporte físico o una distribución digital. Tenéis que enfrentaros a todo lo que implica sacar un disco e intentar rentabilizarlo. Y seamos claros, el músico suele estar para lo que está, es decir, para hacer música. El trabajo que implica sacar un disco no se limita a componer, grabar y fabricar un soporte. Hay toda una serie de pasos, administrativos y de promoción, que la mayoría de músicos ni conoce ni sabe cómo realizar, por lo que se hace indispensable un equipo mínimamente preparado para mover el disco. ¿Para un músico emergente la autoedición es entonces una pérdida de tiempo? No tiene porqué, pero hay que invertir en una mínima infraestructura que dé a conocer tu música. Entonces, ¿si no tienes infraestructura (o dinero) suficiente para promocionar el disco, mejor estar en una discográfica? Puede ser el camino hasta que en un futuro dispongamos de una base sólida para embarcarnos en la autoedición. ¿Y si eres músico emergente y no encuentras sello que te lo edite? Pues afortunadamente nos sigue quedando la autoedición, pero repito, cubriendo unos mínimos. Si no hay nadie detrás haciendo promoción y comunicación, el disco no existe. Y sobre las discográficas, seamos claros, tampoco son la panacea, hay mejores y peores, pero no todas están dispuestas a explotarte. Así que busca tu vía para editar esas canciones, pero hazlo con fundamento.
Sí, es una de mis palabras preferidas, soy un optimista empedernido y eso es lo que respondo a Neo2  cuando me propone escribir esta columna. ¿Sobre qué? ¡No tengo ni idea! Dejo los pinceles en agua y apago la luz del taller, preparo la cena con una copa de vino, leo unos poemas de Bruno Mesa y al final del día voy levitando a la cama. Tumbado continúo pensando en este texto y, totalmente desvelado, imagino a Warhol con su peluca platino cantando: ”I will go to the opening of anything, including a toilet seat”. Otro optimista empedernido y además un currante, porque no hay mayor secreto que el trabajo. Pero el lavoro no vende titulares ni es tendencia, así que descarto el tema. Pasan las horas. Pienso en Vila-Matas y en escribir un monólogo erudito. O en imitar al protagonista de Memorias del Subsuelo, de Dostoievski, y maldecir párrafo tras párrafo mi suerte por haber aceptado este encargo. Lo primero es difícil pero lo segundo imposible. Nunca me maldigo, aunque sí que rio y mucho, sobre todo de mí mismo. Una buena terapia y además barata.  Por aquello de la crisis..., un topic que sí vende. La luna baja, son las 6 de la mañana y la inspiración continúa desaparecida en alguna cuenta privada de Suiza. Quizás debería levantarme, encender el ordenador y seguir el consejo de Picasso, “No creo en las musas..., pero si llegan que me pillen trabajando”. Ni caso. Decido que es mucho mejor aguardar a la suerte entre las sábanas y que el premio gordo venga a buscarme a casa. Con el alba  recuerdo que pronto es ARCO, pero ante el diluvio informativo que nos espera, únicamente transcribo el consejo salomónico de un profesor de Bellas Artes, “Si te dedicas al arte en este país, a ARCO deberás de ir. Son como las fiestas del pueblo”. Sale el sol, momento de disfrutar de un tazón de café cien por cien arábico con leche ecológica desnatada, cargado con varias cucharadas de gofio de millo no transgénico, y acompañado por una tostada de pan orgánico de espelta, hecho con masa madre, bañada en aceite de oliva virgen extra de la primera prensada. Not bad para empezar el día. “A new day..., a good day”. Vuelvo a mi cueva de Altamira, cansado pero contento porque creo que he conseguido redactar algo más o menos coherente. De acuerdo, esto según se miré. Pero soy un optimista empedernido. Siempre veo el vaso medio lleno y cada día como una oportunidad para disfrutar del regalo de la vida, que no es otro que el milagro del Arte. Disfruten que se acaba... y hasta mañana.
CINE
GASTRONOMÍA
Texto: ERIKA LUST Directora de cine porno independiente. Su último proyecto, XConfessions, adapta al cine las fantasías y confesiones de sus fans.
Texto JAVIER DE ANDRÉS Director de Sala en el restaurante La Sucursal de Valencia, situado en el IVAM (Instituto de Arte Moderno). En 2013 Javier recibió el Premio Nacional de Gastronomía al Mejor Director de Sala.
Follar: ¿a quién no le gusta? Y si a todos nos gusta el sexo, ¿por qué tan pocas chicas dicen mirar porno? Los mecanismos del deseo son complicados, y el debate sobre si operan igual sobre cada género es, como mínimo, tan polémico como la propia discusión sobre la existencia de los mismos. Pero no es sobre los géneros sexuales sobre lo que quiero hablar, sino sobre los cinematográficos. Cuando se habla sobre cine porno, el énfasis suele ponerse sobre el “porno” y no sobre el “cine”. En los 115 años transcurridos desde que los hermanos Lumière se dedicaran a asustar a gente con la embestida fantasmal de un tren inexistente, pocas son las cintas de cine erótico –explícito o no- que han logrado hacerse un hueco en los manuales de cine. Apenas unos pocos títulos vienen a la cabeza, y más por lo que tuvieron de ruptura en su contenido que por lo que trastocaron en sus formas a la historia del cine en general. Pero aunque creamos que recordamos sólo el sexo de las películas, lo que nos viene a la cabeza es la manera de mostrarlo: el sillón de ratán de “Emmanuelle” fue una elección de una dirección de arte; la mantequilla de “El último tango en París” surge de un guión, y algún productor optó por llamar “Garganta profunda” a la película que marcaría el Watergate. Todas ellas, decisiones creativas que, de un modo u otro, se hacían eco del zeitgeist de su época. Hoy en día, en cambio, el cine erótico parece estar totalmente divorciado de cualquier realidad social o estética.  A menudo me preguntan en las entrevistas si no me siento constreñida, como directora, por haber elegido rodar cine porno. Me pregunto si, por ejemplo, le harían la misma pregunta a John Carpenter acerca del cine de terror. Suelo utilizar la comparación con las películas de miedo para explicar la gran miopía que tenemos respecto al cine erótico. Sobre el papel, el cine de terror es tan funcional como el porno, sólo que en lugar de excitarnos busca asustarnos, cuanto más, mejor. A la práctica, desde este género se han creado auténticas obras maestras (“El resplandor”) hasta completas bromas (“El vengador tóxico”), pasando por hibridaciones con otros géneros (“Alien”), metáforas políticas (“La invasión de los ultracuerpos”), obras elegantísimas (“La noche del cazador”) y hasta festivales de sangre (“La matanza de Texas”), todas ellas con la violencia y la muerte como eje. El porno, en cambio, se centra en el sexo: pura vida. Démosle pues la diversidad y la ambición cinematográfica que se merece.
En la Fundación March puede verse una exposición en torno a Depero, uno de los representantes más ilustres del Futurismo Italiano, primer movimiento artístico que propone abiertamente la vinculación entre arte y cocina en la convulsa Europa de entreguerras. Este polémico e iconoclasta  movimiento llegó a redactar en 1930  “El Manifiesto de la Cocina Futurista”, donde otorga a la cocina un papel principal en la transformación de la sociedad a partir de la renovación de los hábitos de alimentación asumiendo la máxima de que somos lo que comemos. En unos momentos en que asistimos a un profundo debate en torno al futuro de la creatividad en la cocina es interesante releer los planteamientos que esta generación de artistas e intelectuales se hicieron a propósito de nuestro oficio. En este manifiesto se insta a los artistas a inventar nuevas recetas como parte de su “programa de renovación total de la cocina”. Del mismo modo exige al comensal  que se implique activamente. El factor sorpresa es determinante en los grandes eventos gastronómicos futuristas que se celebran en los años treinta en ciudades como Roma, Milán o París. En estos banquetes ponen en práctica originales recetas que transitan entre la genialidad y la ingenuidad, entre lo grotesco y lo sublime… Platos con títulos tan sugerentes como el “antipasto intuitivo”, la “ensalada polirrítmica”, el “dulcelástico” o “paradoja de primavera”, son propuestas de artistas como Fillia o Prampolini. Por primera vez se plantean menús cuya extensión supera la docena de platos, algo que resulta frecuente en la mayoría de los restaurantes actuales. Así mismo anticipan la futura relación entre ciencia y cocina y abogan por la utilización de “aparatos de destilación a presión ordinaria y al vacío, autoclaves centrífugos, dializadores...”. El uso de estos artefactos debería ser científico, evitando por ejemplo, el error de cocer las comidas en ollas a presión, lo que provoca la destrucción de sustancias activas (vitaminas, etc) a causa de las altas temperaturas. Pero más allá del excéntrico recetario que llegan a desarrollar, y su cuidada y meticulosa puesta en escena, debemos subrayar como parte de su legado la vindicación de una coquinaria que transciende lo puramente fisiológico, el simple acto de nutrirse, para ser el detonante de emociones, sensaciones y sentimientos. El arte llevado a lo cotidiano a partir de la sacralización del acto de comer. De esta forma se propone una nueva mirada hacia lo gastronómico, donde la creatividad aparece como elemento fundamental “del arte de cocinar, que como todo arte, excluye el plagio y exige de la originalidad creadora” . Más de setenta años después nos encontramos con que el legado futurista revive casualmente en la concepción de la cocina creativa actual. Tal vez lo excéntrico de hoy sea un hábito en el futuro. Una vez más, el triunfo de la heterodoxia.

PORTADAS
Fotógrafo: MARKUS RICO
 Estilismo: ROBERTO PIQUERAS
Maquillaje: AMMY DRAMMEH para Bobbi Brown Pelos: ROSS COSGROVE con Bumble Bumble Asistente Maquillaje: AINHOA BEITIA
Modelos: DUNKA PYKE @ Elite Models Barcelona
+ ALEX KELLY @ Models 1
CHICO
Pantalón y Gorro ROBERTO PIQUERAS
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CHICA
Sudadera NIKE customizada por Roberto Piqueras
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EDITA: IPSUM PLANET
DIRECCIÓN:  JAVIER ABIO + RUBÉN MANRIQUE + RAMÓN FANO 
DIRECCIÓN DE ARTE: IPSUM PLANET
REDACCIÓN: IPSUM PLANET

DEPARTAMENTO DE PUBLICIDAD & MARQUETING
MARGARITA SÁNCHEZ marga@neo2.es
FERNANDA PITANGA fernanda@neo2.es


CORDINACIÓN: TERE VAQUERIZO
DISEÑO GRAFICO: PABLO CABALLERO

ASISTENTE REDACCÍON: MANU ROMERO
ASISTENTE MODA: MAR PULIDO
+ IGNAZIO ARIZMENDI
DISTRIBUCIÓN & SUBSCRIPCIÓN: VIRGINIA MEDINA
915 229 096 subscribe@neo2.es

CONTENIDOS
Arquitectura: javier@neo2.es Arte: ruben@neo2.es
Cine: tere@neo2.es Cosmética: ramon@neo2.es
Diseño: javier@neo2.es Gastronomía: tere@neo2.es
Moda: ramon@neo2.es Música: tere@neo2.es
Tecnología: tere@neo2.es

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Tel: 915 229 096


Banda Sonora: Enero Spotify.
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